画在前.话在后

    画，一定是要先看的，看完画之后想说的话一定要放在后面再说，看画比“说”画“听”画重要。尤其是欣赏田丹露创作的这种形式的油画，更是如此。这样的画是画家用自己的眼睛去判断，画笔随着自己的心表达出来的，带着明显的风格印迹。区别于他人区别于以往的看惯了的样式的同时，它不像插图，不像以再现为目的画，因为那样的画，形象表现着内容，二者是以一致性为基础。当然，它也不是抽象画，人们很容易直观的从画面上找寻到一些自然物象的特征。这是一种绘画语言，一种诗一般的，能够带来畅想的意境的语言，通过纯粹的“色点”叙述着，拉近了与人们之间的距离，由此一种美的形式有了些光彩的斑斓美妙。

画家面对自然取景表物就像是先在自然之间放了一面镜子，有的人站在外面往镜子里面看，有的人从镜子映进的形象里往外看。自然很重要，它是基点。古人讲：外师造化，关键是还有后半句：中得心源。心源决定了观看的目的和视角，再现自然和表现自然，在心里也就成了两码事。为了获取对形象的记录，表现在抽象与具象之间的能被称为形式的趣味，田丹露不管走到哪儿都会带着一个小本子，就像格莱汉姆.苏什兰曾记述的一样：“我常常怀揣着一个很小的速写本，不带任何预定的想法散步。一路上东张西望，突然，看到使我感兴趣的东西，就马上速写下来。之后，我可能再回过头来，对它进行一次更详尽的记录。这些记录作为一幅完整的画的基础，是非常重要的。”与苏什兰不同的是，田丹露的小本子上几乎不记录眼前直观看到的东西，所有的“看见”都不过是启发描绘意图的一个切入点，小本子上呈现的是自己瞬间的感受，一种提炼归纳后的印象。也许是一块灰色块伸向几何分割的建筑，也许是河川树丛的秋色雾气，也许仅仅是能够被称为风景的形态，所有形态都与自然的“真实”保持着距离。很清晰的是，这种与现实的“真实”距离感给田丹露的油画创作，在突显的形式语言上，留有了很大的表现空间。

处理这个“距离”的方式，田丹露将“点”这个造型元素中最小最本源的视觉语言，作为了主要的描绘手段，主观的引入光与色彩对质感的重新组合之中。表面上，人们会隐约的感受到，作品对形、色，对空间的塑造与“点彩”的处理方法有着非常直接的联系。好像也正是如此而形成了色彩的张力。然而，细加分析时便会发现，这样的点与点彩画法所要达成的效果和意图完全不同，它是一种因减弱或舍弃焦点透视关系而获得的表现手段上的自由。对于色点，这种极力保持色彩与点状笔触之间平衡的语言，在看似是一种制约的同时也唤起了特殊的“有意味的形式”，持续的形式趣味和风格样式的美感。依靠直觉而不是现成的理论或是精心的推理，使表现语言具有了当代艺术有别于传统艺术的诸多特征。融入对油画材料的认知，适度摆脱古典技法的层层深入的表现手法，那种由点的面貌形成的肌理，一种带着对比的协调，恰到好处的显示了色彩的光感效果。点的斜倾力度也正好使色点形成的形象产生了“重力”。重新释放了具象形对视觉的制约，扩展内容的同时体现出来了动感般的活力。从这个意义上说，光感和色彩分离出来的色点，更倾向于对情绪和思想的表达。仅仅这一点就足以使田丹露的艺术得到哲学上的支撑，与观者有了精神上的共鸣。

光、彩、点三者合一是要放在一个集合的场景，它不是一个概念。跳出这个容易让人联想到点彩派的特定词条，更像是利用“点”给形式语言安排了摆脱自然中形和色彩对人们思维的限定。艺术史上一些画家单纯的利用点表现着自我的思想，远在宋代的大画家米芾的“米家点”不知影响了多少人。一句“峰峦出没，云雾显晦，不装巧趣，皆得天真。”不仅说出了他欣赏备至，推崇董源“董家山水”的心境，同样的让自己的山水画绕开了“多巧少真意”，利用点让点分解成了一种“平淡天真，不装巧趣”的美学样式，一种诗境，一种带着宋代文人气质的气象。近一些的像法国点彩派的修拉，还有日本的草间弥生。当然，这些艺术家对点的运用都是站在了自己的视角上，让点带着突显的性格，各说各的，从不混淆。在田丹露这里，同样的试图要做到的是像先贤那样，将点的样态呈现一种独立存在的面貌。为此，在加进了浮雕般的笔触，让平面的点向三维的触觉感转化。由于这种点的集群化视觉引导反而让点朝向了相反的方向，一种“面”与“形”的形态出现了。单一的点得到了丰富，进而“光与彩”这个极具视觉引导力的因素加了进来。“点”，这个最简洁的造型元素成为了具有表现力的独特的风格趣味。

马赛尔.普鲁斯特说：“光学错觉这个现象向我们证明，只有结合某种推理的程序，才能成功的辨别物体。”在田丹露的画面上，正是在使形象充满了光点的条件下，才使人们力图将看到的色彩，顺着点的并置状态辨识出某种能够在以往的经验中理解的形象。点在光、彩的配合下，坚持着自己，借着画家提供的形象所显示出来的自然特征，一点点的积累。像光的飘动，形成了色彩的光斑。这一点是感性的，它能够攫住形而上的形式，美的力量。一种固有的灿烂的自然由色点推进着衍生而来。那种耐心的程度，足以让构思朝向一个方向，让建筑产生流动感，让抽象的几何形在缜密的点的包围下熠熠生辉。

光、彩、点的最大特征是对形的渗透。雾一般的弥漫周围的空间，像诗一样让任何形象超越时间和现实的约束。分解后的重构，让眼前的世界多了层幻觉印象，无边无界，那些真实的自然排列顺序从繁琐的细节中走出来，服从于画家赋予的另意的固定形式。这种特有的与自然形的关联，巧妙的让抽象的色、光、彩、点、空间得到了释放，装下了人们的期许和分析后的结果。似乎是想要觉察到的那样，色彩和形象鲜明起来，带着亲切感，一种赏心悦目的存在。

田丹露油画创作中使用的图像是利用基于秩序产生的韵律，这种美学样式让表现出来的所有的形式趣味，进入了一种直观的带有引导作用的和谐的体系之中。进而把要表达的内容转化为能够被人们理解的意图。传递出来的被减弱的自然特征，让画面更整体更倾向于抽象的本质。这种本质不是单纯的取悦视觉，也不是对传统文化的背离，它是对本土文化的尊敬，一种精神上的写意。

画画的创作过程看似是不停的在进行比较，在学习和借鉴，其实，从全面的关注点来看，画家思考的重点更多的是在如何的选项，是在如何的确定方向。其中最有价值的那部分内容，不是很容易获得视觉愉悦感的技法，也不是那些看似值得炫耀的附加在它上面的价值。在各种风格，各种所谓的形式，像漂亮的彩云过眼之后，才会发现自己用自己的眼睛看世界，用自己的语言、语调去表述，才能把画画这事画的“明白”。回归自我，我自为我，只画自己画的懂的，不画别人画的懂的，这才是重点，才是一种自信。作为探讨自然的光与色与当代艺术中所利用的光与色，表现自我，自我与艺术与社会与人文环境的体验和思考。尝试性的借“点”的单纯化语言进行中西方艺术的比较，如此的艺术创作的个案，无疑，田丹露做的探寻方式，值得关注。

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