常听同学随口说到：要找到自己的“艺术个性”，但我对凭空求“个性”的努力效果持疑。还是主张以一个具体的方式去工作，在工作中逐步得到“个性”。

    因为做艺术的，没有人不追求个性，但制作出什么样的作品个性，却首先建立在你选择什么为榜样、模仿什么效果、达到了什么程度。因此，选择和模仿，我认为是达到艺术个性最基础的一步。

    对毕业展览来说，我更看重你的艺术品味（选择了什么）；专业程度（模仿到了什么水平）；融进了多少自己的感觉（“活仿”而不是“死仿”，“活用”而不是“照抄”）。这样做到一定水平，即使你没有多少个性，但你已经“专业”了。

    一个较普遍的现象：传统方法表达的，相对缺少专业的语言技术（古典的、笔墨的、表现的、写实的都有一套明确的样式、技术方法）；欲表达一种个人感觉的，又相对缺乏呈现构思的思路。这种“样式”“思路”的缺位，就产生了“像照片”“味道旧”的问题。这种“样式”“思路”的缺位与否，正是一流教学与三流教学效果的直观区别。

    去年在长沙开会，认识了德国东方艺术史教授 Ursula Toyka，一见如故接触频繁，前几日她寄来一篇论文谈到：今天的艺术世界不再推崇风格原创，那是现代主义的迷信。今天的艺术常采用“复制”的方法。

    我理解他所说的这种“新”方法，是指用对经典形象、符号、图像有创意的拼接、换喻——通过旧的符号表达了新的意味。例如：从马格利特到里希特、从波普艺术到观念艺术的一些创作思路。

    它需要对艺术史的熟悉与思考，而不是考试的分数；它需要对文化、社会问题的兴趣与图像“改写”想象力，而不是手持日常生活照片、网上下载图片的写实描摹力。至于是用绘画还是用装置的手法，还真不是关键。关键，是你与艺术界的语言秩序关系。

    今天，我们正处在中西、古今图像空前丰富；文化、社会问题意识空前活跃的时代，别浪费了这个前人没有的好条件。 

    难度在于：这既需要技术、趣味，更需要文化敏感与想象力。当年凡高靠本能、执着；今天需要眼界与奇思妙想。

    做今天的艺术家，技术活一定要熟练。做有未来的艺术家，想象力与眼界最重要，甚至没有今天的技术活都可以。就像今天，没有想象力、没有眼界的，也在忙着混“大师”、当“导师”……时事造英雄。关键看你要什么。靠什么立身。

 
从Eliot Elisofon《下台阶的人》到杜桑受其启发而作《走下楼梯的女人》，再到里希特的《下台阶的女人》，

摄影-绘画之间的关系在递进，这是否就是换喻？