淡妆浓抹总相宜

                                            ——浅析西方油画与中国水墨画的差异

【内容摘要】在美术发展史上，中西绘画风格沿着自己的艺术方向不断发展提高。两者有着某些相同之处，但又存在着各具魅力的差异性。现将西方的油画与中国的水墨画在人物形象与造型、绘画意境及中西方的绘画风格三个方面进行简单比较分析，以对中西方的审美文化有更进一步的了解。

【关键词】西方油画   中国画   人物形象   意境   风格  

美术作品的欣赏，尤其是绘画艺术的欣赏，传统上讲是属于美术史的学习范畴，是较深入、较全面的认识。对西方油画与中国水墨画进行比较欣赏，分别从人物形象、意境构造与风格三方面以一种全新的文化视角，欣赏与审视不同传统形式的美。通过对比、参看、交流、勾通的方式，更通俗、更平易的了解认识世界范围内美的形式、形态。

观赏作品时，形象往往和情节相伴，也是观众最先注意的重点，特别是人物形象。画家在创作一幅表现人物形象作品的画时，首先遇到的难题便是：人物的外貌如何与其精神取得一致？尤其是真人肖像，如何通过一件静态作品去表达一个人动态的内心活动或岁月沉淀出的神韵气质。绘画，作为一种艺术形式，在人物形象与造型时，沿着写实向非写实发展道路前进。

在西方作品中，纯粹抽象的作品是无人物形象可言的，它的主观性较强。而古典作品以再现客体为主，此类作品便较明显地体现了客体的艺术形式表达。一个人的心理活动可能瞬息万变，而情绪的变化则相对缓慢，至于性格就更加稳定了。一个人的心理与性格是统一的，不同性格的人，即使是对同一情绪的表达所反映在表情、动作等方面也是不同的。出色的艺术家就特别擅长抓住这瞬间“镜头”，创造出活灵活现的艺术人物。例如：19世纪俄罗斯画家彼罗夫的《猎人的休息》，三个人的姿态、动作，特别是表情。每一个细节都恰到好处地体现了不同的心理与性格。此作品是没有具体情节的肖像作品，为揭示人物的深层心理和性格提供了便利。这是不同心理的形象表达。

英国画家罗塞蒂《受祝福的贝亚德里齐》，画中最吸引人的便是人物形象，贝亚德里齐是意大利诗人但丁早年只见过一面便终生怀念的恋人。油画中她身姿放松，引颈微仰，轻闭双目，似有祈祷、等待，或是沉于幻想中。朦胧的调子中散发出一种伤感、病态、倦怠。再仔细揣摩，又有些神秘的诗情。她的具体心理性格都难以说清，但又很有感染力，这是西方油画中所表现出来的情绪性形象。

个性指特殊性，共性指一般性，在绘画中要表现人物的典型性形象，就要做到个性与共性的统一。不过人物的性格在视觉艺术中有着不同于文学的表达特点，人物整体的被熔铸在一种视觉造型中，不同作品侧重于不同的刻画方面。但是，如果共性太多个性太少，就会成为空洞的、公式化的形象，很难感人；而太少共性的个性，又只能说成是个别或偶然的现象。例如拉斐尔《西斯廷圣母》，在意大利文艺复兴之前，圣母的形象总是充满“神性”，严肃地与世俗保持着距离。在拉斐尔的作品中，圣母充满了人性，她头上没有光环，简直就是一个人间的贤妻良母，一个典雅、娴静、美丽的女性。拉斐尔也曾说过“我为创造一个完美的女性形象，不得不观察许多美丽的夫人······” 正是因为作者追求“完美”，把“许多美丽的妇人 ”集中在一人身上，所以这位圣母是以理想为主，具有一种温良圣洁的共性。若过分强调个性，这种理想化的美就会削弱，此作品很好的做到了个性与共性的融合，并且突出重点，使油画中圣母形象深入人心。

欣赏中国人物画，便是体会两个名词“以形写神”与“气韵生动”含蕴的过程。

“以形写神”由东晋画家顾恺之提出，对中国后世的创作和欣赏有着重大影响。他指出，形指人的外在视觉特征；神指人的内在精神，又与传统哲理中的心性有关。“以形传神”，使二者辩证地统一起来，用人的外部特征去表达内在的精神特质，目的在于“传神”。如唐初画家阎立本的《历代帝王图》，刻画神态很有成就。画中的晋武帝司马炎是开国之君，画家描绘了他的气宇轩昂、威武英明的气度。而“身崇道教”的陈文帝，则显出沉静睿智；相反，对陈后主等沉湎淫逸生活的亡国之君，则刻画了他们萎靡不振的内心世界。但这所有人物的刻画都有一个共性之处，便是作为帝王的高贵。

唐代理论家张彦远说：“以气韵求其画，则形似在其间矣。”中国人物画是比较符合“气韵”二字的。“气韵生动”既是指客体的，同时又是指主体的，也突出了形式本体。晋代画家顾恺之《女史箴图卷》，画中女子此时此地的心理、性格并不是作者所追求的重点，而那种宁静贤淑的体态、气度及长裙的韵律，还有被称作“春蚕吐丝”型的细线条等，却以一种绵长的“弦外之音”、“象外之意”令人难忘。以一种只可“品”，不可“说”的诗味使人咀嚼回味。

绘画赏析，其中最耐人寻味的便是画中的意境赏析。“一切美的光来自心灵的源泉，艺术家以心灵映射万象”。他们表现的是主观生命情调与客观的自然景象交融互渗，在画面中成就了一个耐人寻味的意境画面，意境便是情与景的结晶体。

西方作品中，如俄国列维坦《静静地墓地上空》，暮霭残阳、层云低垂、滚滚流逝的江河、孤独的教堂和零落的十字架，在画面灰紫的色调笼罩下，似在感叹着人生苦短和人事兴衰，进而探索人生价值的底蕴，并把作者的惆怅忧思也“传染”给了观众。画面将意境推向了更深的精神层面。

中国画，尤其是山水画，一向是以“画中有诗”的境界著称。诗词中的“有我之境”与“无我之境”在画中也有深刻体现。中国画常常是道风、禅味与意境的融合。如马远的《寒江独钓图》，画面极其简单：一叶扁舟，一个钓者，几道水纹，其余全是空白，但只觉得烟波一片，满目清旷静寂。作者在“寒”字与“独”字上做了文章。但水不结冰，人不瑟缩。这寒并不全是大自然的严寒，更是人物内心的清冷；这“独”，自然指单独，但那钓者反而悠哉自得，仿佛难得一片远离世俗喧闹的清净去处，供他垂钓消遣。画家没有画出他的眉目表情，但这清旷的画境正是作者所表达与向往的。

中西作品在风格格调审美上也有很大的不同。

西方则注重风格的审视及现代艺术对格调的疏离。西方古典作品追求和谐美，风格与格调基本是统一的。这是和中国古代相近的。其差别方面在西方进入现代后，看的明显些。关于真，从高层次面说，是指对终极真理和人的本质的认识并因而激发出人类的崇高理想。关于善，在现代艺术向传统道德观念挑战中，不少作品对性的表现是个值得讨论的问题。从艺术史看，这类作品有的是对崇高爱情的歌颂，有的是借题发挥另有寄寓，有的作为人的一种心理揭示，有的是低俗的动物性本能的宣泄·····由于西方个人主义人生价值观和理性分析思维的文化背景，对性给予露骨的描绘或暗示，都与社会伦理道德发生了矛盾。关于美，现代艺术的重要成果是对形势的探索和拓展，这使西方传统艺术面目改观，至今仍进行着种种探索。古典和谐美的原则被不少艺术家反掉后，出现了非和谐、审丑的作品。人们感到困惑，并且因为美的复杂性而难下决定。总的来说，西方现、当代艺术随着人的发展中的异化而异化。而它的风格与格调疏离，便是异化的具体现象之一。

中国传统注重格调的审视。格调的本质是作者人格境界的显现，是对真善美的体味和态度的流露。中国绘画的高境界便是做到真、善、美的统一。反映在以格调的高低统摄风格的多样。中国的“大”，不是指作品尺寸的大，是指大气、大度的品格。这是一种内在气质的豁达、宏阔、开放、开朗的风格之美。对高格调，中国绘画不仅要求“大”，还离不开“厚”从伦理上来看，它是中华民族的传统美德之一，它是为人厚道、宽厚、朴厚等品格在审美上的折射。从艺术内涵讲，它与深刻、容量大、耐看等有关；反映在视觉感受上，又与量感的沉重以及趣味的雄浑、朴拙等相通，所以在形容作品的高格调时，常用深厚、厚重、拙厚等词加以赞美。

【参考文献】

《多视角美术赏析—中西名作解读教程》       李润生           人民美术出版社

《静态色彩写物基础》                       丁聪伟           中国纺织出版社

《世界美术名作二十讲》                     傅雷           生活 读书 新知三联书店