三十年成史，这是绘画史总结的惯例。当代中国画的体制化及其艺术市场的形成，也需要绘画史评价作为一个基础。对改革开放三十年中国画的回顾，应该成为一个议题。看到一些美术馆近几年举办的各种中国画回顾展，各呈现出三十年来中国画系列的一个部分。从策展及展出作品的情况看，这些展览只能说是一个体制内或市场角度的中国画三十年。 

首先，在三十年后的今天，应该更侧重于挖掘三十年来作品有一定艺术水平，在某一方面对传统有所突破，有所创造，或者曾经有过一定社会影响，但逐渐被后人淡忘的艺术家。 事实上，首先无论官方还是市场对近三十年来中国画的评价，都是以社会功能作为核心的评价标准；其次是看社会和市场影响效果；再次才是依照艺术标准，看笔墨、内涵和形式把握的学术程度。 

多数回顾展基本上囊括了过去三十年里的名家，这些名家的一部分作品，是重大题材和社会功能题材的绘画。但如果换一个以艺术性和思想性为评价标准，则有很多艺术的评价都可能改写。比如一些画家的作品，如果从社会进步和社会功能的角度是值得留在史册的。但从艺术创造价值看，这些作品又太过于直接照抄照片或照搬已有的绘画风格，就没有什么理由将这些看作艺术史的重要作品。 

看过的几个回顾展览，并未摆脱唯名头论或江湖炒作模式。展览学术论证的比重严重不够。相对而言，前面几年的情况比较真实。 从上世纪50年代初开始，画家大多靠代表作成名，比如1955年黄胄画的《洪荒风雪》，1959年石鲁画的“转战南北”，1957年刘文西在浙江美术学院的毕业作品《毛主席和牧羊人》，这些代表作，产生的影响力经久不衰，显示了他们的艺术实力，对他们后期成为名家奠定了良好的基础。画家以代表作成名的风气，一直延续到90年代中期。“第八届全国美展”以后，全国性的中国画展览频繁举办，每年有十次二十次之多，获奖者甚众，但被社会、被画界关注者甚少。现在回头看那些获奖作品，多数有些“水”，经不起推敲，也代表不了什么。

一、“广告”式的当代艺术

近三十年的中国画评价，目前的关注角度，主要是在意识形态视角的框架下，官方与市场的选择。一些纯艺术性的探索，尤其是边缘化和体制外艺术家的一些探索，因此被看作是从价值取向到笔墨形式均为非主流的过程。

我们知道，八十年代后期，中国画坛出现多元化的视角，那时一些画家、美术史家将中国画的传统、内涵、笔墨和个人修养作为中国画评价的标准。在这个标准下，黄宾虹、陈子庄的山水画浮出水面，其影响力迅速超过原有许多重要的山水画家。目前对近三十年来中国画的总结，尚处在一个各执一词的阶段，即艺术家、收藏家、画院、协会、美术馆、媒体等各个群体，都在推介自己认同的艺术家进行回顾。 

“第九届全国美展”以后，中国的书画市场逐渐繁荣，很多画家看到机遇，通过市场运作、炒作获得成功。炒作是以价格高低决定成败，从此人们对代表作的关注度降低了。从这个时候开始，画家上了报纸的娱乐新闻版，在报上男女画家与歌星、影星挤在一起，频频出镜，常常亮相，成为大众传媒的主角。通过炒作，很多人成了名家，所谓一线画家就是炒作出来的。成为一线画家，身价已经很高，但是时至今日，他们仍然通过微信短视频、抖音，三日一新闻，五日一消息地折腾。为什么呢？这就是因为炒作起来的名声，像一棵无根的草，没有底气，一旦偃旗息鼓、鸦雀无声，心里就打鼓。　　 

所以，现阶段出现的各种回顾展，实际是一个“绘画广告”回顾，因为多数艺术家、收藏家、记者以及画院、协会、美术馆和画廊的从业人员，多数是小圈子观念，没有站在绘画史的高度，来发表自己观点的气度。更多的人又并不了解中国画创作的真实状况，他们所看到近三十年来的风云画家，实际上正是积极动用“广告”自我宣传的群体。那些为艺术负责任的画家或者低调或者没有兴趣用“广告”宣传，就从画坛上消失或者被边缘化。   

人们可以看到的画家资料，比如头衔、拍卖纪录、画集、期刊、网上信息等等。实际上，人们接触的这些资料源，正是“广告”艺术家制造出来的艺术文献库。如果按照这些资料认定的话，近三十年中国画的发展史，就成为一个“绘画江湖”史，如果完全以公众媒体的画家信息为依据，这种“艺术评价”显然是不准确也不正确的。

二、著名评论家的评价未必准确

著名评论家对当代中国画家的评价是否准确呢？事实上评论家为画家写的评论文章，都是有偿服务的所谓“美言”，多数属于“运作性”文章。著名评论家通过“快餐”式的手段，不负责任地搬弄一些赞美之词，正是因为这些评论家的导向，造成了近三十年来中国画思想性、学术性、艺术性始终得不到应有的重视。   

近三十年来艺术品市场的模式，实际上是由“礼品”功能奠定的，即艺术市场的商业运作对象是有职位，有价位的画家。“礼品功能”奠定了画家知名度和市场收藏的基本格局，自二〇〇〇年以后的市场泡沫热，只是在这个基础上继续加盖的空中楼阁。当然，在炒作的过程中画商们也塞进了一些商品画家，并为官员、画廊经理人、收藏家和媒体记者接受，这实际上比唯职位论还要低俗。    

中国现在的美术馆、艺术机构、画廊，多数资本投入有限。它不可能花太高成本去支持创新，而只能在赶潮流的基础上，依赖各路江湖圈子的支持，作为一个运作和影响的基础。既不能按照学术标准运行，也没有严格的定位和准入门槛。再说大部分机构也不知道应该按照什么样的标准运行。

三、有待重新评价  

2015年以后，随着世界大环境的变化，画坛也进入了一个无权威的时代。炒作的虚假，也随着人们对画家、作品、市场的进一步了解，真相大白。人们对“名家”不迷信了，“炒作”失去作用。 那么，2015年以后画家怎么成名？唯一的捷径只有靠平台和职位。但是，铁打的衙门流水的官，职位是短暂的。靠职位、权力成就的名声，也不会长久。艺术，最终还是要靠作品说话。 

其实从上世纪90年代末，艺术品市场繁荣之始，平台与职位，一直就是画家炒作的重要砝码。一些平台精英，迅速打出一套职位+炒作的组合拳。利用官媒、官方资源，假公济私。几年之间，画价攀升到几十万一平尺，超越了吴昌硕、赵之谦这些晚清绘画大师。现在如何？不必多说。

颠倒，是常会发生的事情，不足为奇。昨天的真理，今天的谬误，往日的红花，如今的败絮，这种经过一段时间沉淀以后，所作出的重新判断，我们称之为还历史本来的面目。

但这也不容易，事后说起来总是轻巧的，可过程本身，却不轻松。有时候，你明明白白知道那是错的，可由于这样和那样的原因，大多数人认为那是“对”。曾有几位熟悉的人，就喜欢跟风。当其时也，也许你的良知，使你不甘让熟人花大头钱，买低劣品，你铮铮而言，掷地有声，说那是鹿，而不是马。拍案而起的时候有过，但是，凭你，根本拉不回来 。            

于是，只好沉默，等待水落石出，人们会抱着这样一个信念，哪怕要等好多好多年，哪怕已经盖棺论定，板上钉钉，总会有这么一天，该颠倒的，终究要颠倒过来。　　    

这大概就是人类的长处，也是与动物的区别所在。否则，人类失去了这一份自我完善的能力，这世界也许早就沉沦，也无进化而言了。  

总结近三十年来的中国画创作，是一件值得慎重的事。要尽可能排除取舍中的功利和非绘画因素。避免那些假冒的名家，伪劣的名作，挤进绘画史。    

无论如何，我们必须承认，近三十年来只是一个过渡阶段，真正的当代中国画创造和杰作还没有开始。尽管这三十年改革开放有它的局限性，但这不是一代人可以借此沉溺名利的正当性理由。相反，这一代人只有承认自己的“铺路石”命运，才会受到后人的真正尊敬。 

没有一个国家的绘画史，会将模仿外国人或别人观念、形式的作品给予高度评价。绘画史最终是绘画创造史，绘画史不是社会怀旧史或者江湖成功史。在这个意义上，近三十年来中国画还没有真正的总结，目前只有一个还在

演变中的“绘画江湖”史，或者“绘画广告”史。

中国画讲究笔墨美。从表面看，中国画的笔墨离不开用笔的轻、重、徐、疾；离不开用墨的浓、淡、干、湿。也就是说中国画笔墨的美在于它的丰富，极尽变化，富有节奏感。但作为中国画艺术的最高要求却在于它的精神内涵，即中国画所表达的意境、神韵。好的中国画讲究以形写神、形神兼备、超以象外、得其环中、传神写照、气韵生动之境界。 

中国人有着自己独特而高妙的处理手段，这就是化繁为简，以简驭繁。力求以尽量简单的形式来表达尽量丰富的内涵。 

神韵是中国画的灵魂，是画家主观与客观、个性与修养的统一，但是最终还要归于自然，而自然天趣，指的是作品中境界、精神的流露，见不到别人的影子，见不到技巧上的斧凿痕迹，一切都是自然而然。所以说意境，不是一个效果，不是一个形式，不是可以刻意求得，而是作品自然流露的精神气韵。

古人把“主宰人的内心，而不以人的意念为转移”这个系统背后的精神称为“神”；又把宇宙万物按照自然规律变化、运行背后的力量也叫作“神”。分别称两者为“人神”和“天神”。人神，一般形容人的内在精神、气度。这个“神”，是本心，是本能，是先天赋予的，不以人后天的意念为转移，是我们改变不了的；“意”，是指人对事物的思想、情态和对事物的态度。古代儒家非常重视“意”对外界事物的看法，认为人对事物与行为好坏的看法，都是由“意”造成的。故汉 刘向 《说苑·修文》：“检其邪心，守其正意。” “意”，是人出生以后，在成长的过程中被灌输、教育、培养出来的理解力、觉知力。 

宇宙万事万物，构成一个整体，按照自然规律变化、运转，生生不息。人是宇宙中的一分子，人的本能应该顺乎宇宙的自然规律，与宇宙的变化、运转和谐。这样“人神”和“天神”，两者便合而为一。 

在中国画的境界中，展现的“形而上”之意境，是画家与天、地、神的对话，是画家探寻“真、善、美”的心智轨迹。画中神韵的把握，是画家心意超前性、神遇性、天赋和领悟性的综合反映。所以，画家通过后天的修养、训练并达到一定程度，画中自然会有一种气韵显现，只是这种气韵与人的智慧、修养、境界相关，各有不同。

民俗来讲在天上的是“神”，通常按照人心中的一定标准评价。阴阳，矛盾的对立统一体。阳气是生命的根本。《黄帝内经·灵枢》中说：“真气者，所受于天，与谷气并行而充身者也，“阳强则寿，阳衰则夭”，什么是阳气？坦荡之气、和善之气、公正之气，养生必须养阳。如果画家有积极向上的精神，宽厚豁达且刚强凌厉的气度，坚持有道义的行事准则，正直仗义的言行。能主持公道、公正。给予他人方便和利益不图回报，有益于社会，在某些极端情况下，可能会不惜放弃自己的需要来满足别人的愿望。又有高超的艺术水平、艺术造诣，追求真、善、美。反映在画面上的神韵，必有“正大气象”。 

如果画家淡然超脱，具灵秀脱俗的气质，反映在画面上，必然有“仙气”。“仙”本义指长生不老，升天而去；引申义指具有高超才能的人、超越凡品的人或事。《庄子·大宗师》中载：“古之真人，其寝不梦，其觉无忧，其食不甘，其息深深。 ……其耆欲深者，其天机浅。” 

从这段话可以看出：庄子的养神之道在于恬淡、纯粹、没有杂念、清静专一。说明得道之士就如天地自然的运行规律一样，利万物于无声无息中。不被名、利等外物所拖累。 

一个人不牟私利，不患得患失，始终保持乐观的态度，机体内的生理活动就能始终按规律进行。如此则形体健康，精神饱满，形与神俱，艺术可以人书具老。 

中国传统的哲学与艺术，强调一种“空灵”的审美意识。“空”并不是空无一物，而是充满着尚待实现的多种可能性。“空”乃艺术神韵的化育之母。清赵翼《瓯北诗话·李青莲诗》：“若论其沉刻，则不如杜；雄鸷，亦不如韩。然以杜韩与之比较，一则用力而不免痕迹，一则不用力而触手生春：此仙与人之别也。” 

阴气，就运动的方向和性质来说，则是行于内里的，向下的，抑制的、减弱的、重浊的为阴气。肃杀之气，萎靡之气、阴暗之气、险恶之气，皆为阴气，道家说阴气重寿命就会短。如果画家阴气过重，做事不光明磊落，有不正当的心计，投机取巧，靠鬼名堂、鬼点子贪图名利。反映在画面上的必然就是“鬼气”。  

这里需要强调的是，当代的中国画，所谓的创新，多数是中国传统文化受西方观念严重影响后，中国传统绘画与西方艺术相嫁接的产物。

把西方形式构成引进到中国画中的依据，是当代相当一部分画家及理论家，认为艺术作品的精神内涵，必须通过形式才能表现出来，即未反映在形式构成上的精神内容，是不可能被感知的。这就与中国传统道家“言不尽意”的思想，以及由此衍生出来的“味在酸咸之外”、“画外有画”、“韵外之致”这些在中国古代艺术史上，曾经发挥过巨大作用的美学思想相违背。中国的写意画讲究书写性，讲究笔致、节奏、韵律，讲究随意生发、解衣盘礴、无意于佳乃佳，讲究一次性的不可复加，是兼具时间性和空间性的艺术。 

中国画形成了不同于其他民族艺术的鲜明特色，即重神似不重形似，重写意而不重写实；重表现，不是模拟和再现；追求美与善的和谐，而不是美与善的统一。

《晏子春秋·内篇杂下》：“橘生淮南则为橘，生于淮北则为枳，叶徒相似，其实味不同。所以然者何？水土异也。”一方水土，养一方人。 

所以在中国这片土地上，只要你忽略了中国文化，接受西方观念，模仿西方形式，入之太深。尽管你如何在形式上设计，在造型上训练，你用毛笔、水墨，在宣纸上画，你就找不到中国画应有的那种味道，出不来那种“仙气”与“正大气象”。站在中国传统文化，哲学立场上目之，则有如洋人之须眉安于自己脸上，多似邪门歪道，多数皆有“鬼气”。  

什么是“鬼”？本意是某些宗教或迷信的人，认为人死后的灵魂。在佛教当中鬼和神，没有严格的界限，通指万物之精灵。民间有一个道德标准来评价，正义、善良、精神高尚者为神。自私、邪恶、根性卑劣者为鬼。 

也可是对某些人的蔑称，如吝啬鬼、小气鬼。张祜《感归》诗：“乡人笑我穷寒鬼，还似襄阳孟浩然。” “鬼气”，指带有鬼怪的邪气或精神状态。 

在植物学中，母本的基因，常常是起决定作用的。在这个世界上，艺术也好，具体到绘画也好，有其相通之处，更有其民族的，本土的，传统的，习俗的种种不尽相同之处。

因此，欲求中国画气韵生动之“仙气”与“正大气象”，途径有二，缺一不可。 

首先，是顺乎自然，让主宰自身小宇宙之“人神”和主宰天地自然的“天神”变成和谐统一、和谐共振。这里的顺乎自然，是通过后天的读万卷书，行万里路，不断修养、调整，使得自己的“心”和“意”达到一种沟通。从而调节自身的“人神”，趋向于与“天神”共振。使先天的本能，以达乎与自然的和谐。这个和谐共振的力量是匪夷所思的，存在有无限的潜能。 

其次，要认识中国画的基本意义，认识其审美特性和审美价值，就须从根本处着手。此根本就是中国文化，就是包括中国画在内的，任何中国艺术所赖以产生和发展的，中国人特定的文化心理结构。亦即思维方式，价值观念，行为方式和抒情方式，这就是中国画的文化意义之源，根本之道。此亦中华民族之本，不可动摇的，以文化历史为其长久之根，国之灵魂所系。

     有微信朋友咨询，说小孩从小培养，有人主张学音乐、绘画，也有人主张学习识字或外语，问我究竟学习什么好？我认为技巧与知识，等孩子略微长大一些学习更为轻松。培养孩子应该从学习前人智慧，树立精神气格，培养良好习惯开始。

　　
  　家教和门风，是中华文化的缩影，更是一个家庭最宝贵的财富。纵观古今中外，家教与门风，给予孩子的影响是不可估量的。而家教与门风的重要根源便是一个家族的家族史。 

　　　 一个家族的传承，就像是一件上好的古董。它历经多少代人的呵护与打磨，在漫长的时光中悄无声息地传承、积淀，慢慢的，也如同古玩一样，会裹着一层幽邃圆熟的包浆，沉静温润，散发着古老的气息。古董有形，传承无质，它看不见，摸不到，却渗透到家族每一个后代的骨骼、血液之中，成为家族成员之间的精神纽带，甚至成为他们性格乃至命运的一部分。

　　　参天之树、必有其根；怀山之水、必有其源。家族史承担着延续生命、凝聚情感的作用，在维系、保存传统文化方面也具有重要的意义。每个家族或远或近都有一些重要人物，每个家族都有为家族作出重大贡献的人，每个家族都会有一些值得学习借鉴的励志故事，每个家族的成员往往持有某种特定的情感。人们从小了解这些家族史，增加对祖先的思念和对先辈功业的自豪感。以此可以支撑一个家族的后代，为了家族的名誉、为了保持这种精神而不懈努力。先辈的教诲对后世是一种宝贵的精神财富，祖先的功业对后裔子孙是一种无形的激励力量。通过家族史的教育，让一些身在寒门里的人，能看到祖先的辉煌，超越当下，使思维可居庙堂之高。 

　　　我们任何人都不希望自己的信仰建立在一个虚拟的基础上。因此我们要忠实地记录我们所知道的一切，去追根溯源，从祖辈那里了解我们不曾知道的家族往事。家族的迁徙史、祖辈的创业史以及前辈们的生活状况。也许，家族并不显赫，也没有做过轰轰烈烈的大事，更没有出现过彪炳史册的大人物。但是多少代人下来，毕竟会有一些值得家族自豪的事迹，凝聚着祖先的痛苦、欢乐和智慧。这些东西对这个世界来说也许不算什么，但对一个人，对一个家庭来说可谓弥足珍贵，因为它不仅保留了一个家族的往事，更保留了一个家族的精神。正是这些精神，能够激励后人向上。

    我曾经问过许多人，你知道你祖父的名字吗？回答是必然的。知道你曾祖父的名字吗？几乎无人肯定。我就想，人很可怜，过去四代，经历150年后，就不清楚自己的根在何处。从实用的角度讲，记住祖辈名字也没有多大用途，但任何一个人都不是孤立的存在，家族史会影响后人的人格成长和精神发育。

　　　家，是由人组成，是由远及近的一代一代人共同承传而来。人在家庭中生活，受到最初的教育，父母言传身教对子女影响一生。所以每一个家庭成员，都应该为家庭、家族添砖加瓦，尽一分力，负一分责。周围有许多人，做的非常优秀。例如：原子核物理及高能物理学家，中国科学院院士，浙江大学教授唐孝威先生，1931年10月出生。至今仍然在工作。

    南开大学博士生导师，中国古典文学研究专家，叶嘉莹先生，1924年7月出生，也仍然在工作。

    他们为什么这样做？为什么不去旅游，不去享受？他们绝对不是为了钱！而是为了尽一个知识分子，一个家庭成员应尽的责任。这是一种精神，一种情怀。这样人的身教，必然对后辈子孙产生深远的影响。

　　　每一个家族的历史都是独一无二，如果后人知道这些，还会使他们感觉到自己有独特的生事。家族的历史是帮助家庭成员建立归属感和连接感的桥梁。家族故事的发展，可以发挥潜在作用，支持着每一个家庭成员，让他们的生命都更有意义。

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    前天接到一家山东画廊经理打来的电话，以前也听说许多名家都在山东卖画，市场很大，但我与山东画廊却素无往来。

    他问：“丁老师吗？我是山东某某画廊，请问你的作品润格是多少？”

    我说：“现在市场疲软，可以低一些，给画廊的价格：画一万一平方尺，字是画的半价。”

    他说：“太高了！我们是大画廊，我们经营的画都是省美协副主席以上这个级别的，中国美协副主席都没有你要的高，某秘书长的画给我们才两千五一平方尺。”

    我说：“那你找我做什么？还是找副主席、副秘书长好了，级别高价格低，挺合算。”

    他说：“现在画不好卖，有人喜欢你这种画！想买几幅试试，但是你说的这个价格不行。山东有你的学生，画得和你差不多，让他们临摹一幅，一千块钱搞定。”

    我说：“你看过我的画吗？”

    他说：“我们不用看，有人要，有钱赚，我们就给找。开画廊吗，就是为了赚钱。”

    放下电话，我在想，现在为什么有些画廊开不下去了？画廊是文化产业，没有文化支撑，纯粹投机性的商业行为，是出现问题的根本。

    其实，衡量一个画廊的成功不能以积累多少财富为标志，而是应以发掘了多少优秀艺术家，推介出多少杰出的艺术作品为标准。　一个画廊的成功，尤其是在经济上的获利，存在诸多偶然的因素，但要成为一家著名的画廊，偶然性中却有着必然的规律。在一个规范的艺术市场中，画廊是市场的主体，“画家—画廊—收藏家”的商业链条已成为一种完善的市场机制。画廊的本质就是发掘艺术品的价值，培养艺术家的成长，参与艺术史的创造。一家画廊的成功，最主要的是能够从一个产业本质的高度，来确定自己开办画廊的目标定位和经营策略，如果把画廊纯粹作为赢利的工具，就失去了文化的意义，必然不能长久。

    有更多的商家进入书画市场应该是好事，但是像这样毫无文化品位的投机画廊键入书画市场，恐怕会有意无意的搅乱市场秩序，可能对艺术的发展及艺术品市场的完善反而无益。

　　作为真正文化意义上的画廊，我以为，首先是在艺术品市场挖掘和培养“潜力画家”方面着力。画廊对那些被选中的对象，无论作品销售情况如何，总是要长期地给予资助，不断培养其成长。

　　其次是维护和支持艺术品生产的独立性。艺术创作具有自身独有的规律，维护艺术家的独立性，避免以市场需求为理由横加干涉，逼迫艺术家向平庸和世俗就范，从而扼杀艺术的创造力。

    三是发挥整合效能推介前卫的艺术家，成功经营者除了能以超前的眼光发掘出有价值的艺术家，更在于能整合一切有利的资源(如媒体、收藏家、博物馆、评论家等)，借助一切有效的形式和手段(如展览会、艺术评论、博览会、艺术沙龙等)，将一些年青前卫的画家推向市场，获得成功。

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编者按：

    为了给广大书画工作者、爱好者提供学习、交流机会，《中国书画报》社在天津开办“书画鉴赏与山水画技法研究课题班”。教学目的：重点在于提高学员的理论修养、艺术观念及中国画创作水平！授课：丁雪峰课题组（同时聘请在津的著名画家进行讲坐，示范及作品点评）。详情见8月27日《中国书画报》。

●联系电话：022-23719659、23719859（六、日休息）

●联系人：周秋生（13803048511）、陈利燕（13502173694）