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伊夫·克莱因 (Yves Klein，1928年-1962年）

http://www.yvesklein.de/

tag：波普//法国//行为艺术//抽象//蓝色

我想Klein是一位我这辈子都渴望却无法成为的人。所以我敬畏他。他曾经说：生命本不属于我们，是我们的感觉让生命属于我们。我们用感觉来感受生命。为此，他不惜用自己的身体作试验，去体验飞翔的感觉。这样的艺术家我无法不喜欢，无法不敬畏。而且，克莱因蓝，真的是世间最动人心魄的颜色。

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1947年，20岁的克莱因加入了 “玫瑰十字社”(Rosicrucian)，这是一种于17世纪初在德国兴起、后来长期流行于欧美的带有宗教性质的社团。它倡导人们轻肉体重心灵，轻物质重精神，追求人的生命与宇宙精神的和谐统一。克莱因如痴如狂地信奉这一信条，他突然想到，可以通过艺术来表达他的理念，然后他开始以“单色画”的形式创作。

克莱因对蓝色深深地迷恋，他爱海的不同种蓝，为了这甚至去学习航海——“蓝色代表的是天空、水和空气，是深度和无限，是自由和生命，蓝色是宇宙最本质的颜色。”

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1956年，克莱因在一位化学家的帮助下合成了一种独特的天青石蓝色，过了五年，他为这种颜色申请了专利，被命名为 “国际克莱因蓝”(International Klein Blue, 简称IKB)，他终于成了一种蓝色的主人。

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1960年3月9日，因“克莱因蓝”声名日隆的克莱因在巴黎国际当代艺术画廊，举办了行为艺术展《蓝色时代的人体测量》，他邀请了九位音乐家到现场演奏《单调交响曲》，这是画家为了这场show“特制”的曲子，音乐家每20分钟只弹奏单独一个音符，然后沉默20分钟继续。现场三个美丽的裸体模特儿变成了“活画笔”，在克莱因的指挥下，她们用涂满了颜料的身体，在地面和墙上的画布上翻滚按压，直至画布上的图案变成画家满意的“杰作”。

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这场行为艺术展让大家对克莱因充满了争议，而他却不在乎，“什么是感觉？感觉就是存在于我们自身存在之外，但又永远属于我们的东西。生命本身并不属于我们，但我们的感觉让生命属于我们，我们用感觉来感受生命。感觉是宇宙，是空间，是大自然通用的货币，我们可以用它来购买‘元物质’状态的生命。想象力是感觉的交通工具，张开想象的翅膀，我们可以获得作为绝对艺术的生命。”的确，他的一生虽然只有短短的34年，但已经得到了绝对艺术的生命。

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行为艺术作品《坠入虚空》，克莱因为了体验飞翔和失重的感觉，从巴黎郊区让蒂尔·贝尔纳街3号(Rue Gentil-Bernard)一栋楼房的二楼窗口纵身跃出，摄于1960年

可惜天妒英才，这么一个特立独行开了先河的艺术家，竟然只活了短短34岁。1962年6月6日，他死于心脏病突发。在他去世前的半个月，美国抽象画派艺术家Franz Kline去世，米罗搞错了名字，以为是克莱因，为此还给他夫人发了一封唁电。

罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg，1925—2008）

Tag：波普//美国//抽象//多形式创作//波普//

代表作：《四分之一英里画作》

核心：不局限材料，包容，艺术与生活相通。这与我个人的理念不谋而合，非常欣赏劳森伯格对生活和艺术的关系的解读。生活和艺术不应该有缝隙，反而生活中处处是灵感，处处是艺术。从他的作品里，我们能看到生活中那些别样的美。

波普艺术的代表人物。他在美国与欧洲学习艺术后，于1949年进入“艺术学生联盟”(Art Students League)，并开始在全球的剧场中从事舞台与服装设计。之后，他以抽象表现主义风格试验摄影设计与绘画，逐渐发展出个人的独特艺术风格——融合绘画（Combine Painting）；这是一种美术拼贴技法，利用生活上的实物与新闻图片组成抽象的画板画。

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罗伯特·劳森伯格，《四分之一英里画作》1998年在毕尔巴鄂古根海姆博物馆“罗伯特·劳森伯格：回顾展“的现场。图片：Courtesy photographer Erika Barahona Ede， © FMGB Gugggeneheim， Bilbao。

　　35年前，当美国艺术大师罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）有了创作世界上最长的作品的想法时，他做梦也不会想到这件作品首次展出的地点会在中国。今年6月，罗伯特·劳森伯格基金会（Robert Rauschenberg Foundation）将与北京的尤伦斯当代艺术中心（Ullens Center for Contemporary Art，UCCA）联手呈现这件名为《四分之一英里画作》（The ¼ Mile or 2 Furlong Piece ，1981–98）的巨型作品。

　　劳森伯格耗费了近20年时间来创作这件巨作。它由190个部分组成，总长超过1000英尺（约合304米）。自2000年来，这件作品就没有在公开场合亮相过，更从未完整的进行展出。

　　这件作品将作为6月12日开幕的“劳森伯格在中国“展览的一部分展出，这个展览还包括了一批劳森伯格1985年在中国旅行期间所拍摄的照片。

描绘的世界不应被尺寸所阻挡

该作品的灵感最初源于藏家罗伯特·迈耶霍夫与简·迈耶霍夫夫妇以“劳森伯格”命名的马驹。作品英文标题中的“弗隆”（furlong）是赛马活动中的里程单位，而“2弗隆”则代表劳森伯格位于佛罗里达州俘虏岛的住所与工作室之间的距离，反映出艺术家对艺术与生活关系的持续关注。在谈到创作这件作品的缘由时，劳森伯格曾说过“有一天我醒过来，这个念头把我吓得要死：我一步步地把美国的每一寸拍下来。由此，我失去了所有的掌控权。对于将要发生的一切我一无所知，那绝对是个开放式结局。该结局将拥有无限可能。”他曾把这件作品卖掉但又买了回来，因为他想要可以随时任意地创作它。

它就像是一本日记，一个已经存在的事物的附属品，所以这件特殊作品的展示形式也就像是将无关联的事物置于关联中。将这件作品长达309米，其尺寸做得这么大的原因是，劳森伯格想让人们坐在一个适合的位置上，从而使其更好地融入到画布当中。“现在我在这块画布上描绘的是世界，所以它不能被尺寸阻挡。我觉得人们必须在这里找到属于他们自己的方式来观看，尽管会有一些迂回曲折。”

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“转印绘画”（1952-1968）

《四分之一英里画作》中可以看到劳森伯格的“转印绘画”。劳森伯格第一次试验其技术是在1952年去古巴的途中，他将手绘、现成文本，以及报纸和杂志上的图片结合在一起，创作出《无题》（镜子）（1952，Untitled [Mirror]）。创作的早期，他将印刷图像浸泡在水溶液里（后期，将其浸在松节油或是打火油中），随后他将图像的正面朝下置于纸张上，并以干的钢笔尖从其背面在纸张上拓印出一系列影线（hatch mark），最后得到以影线拓出的无边图像单元。他在“转印绘画”中将美国的集体回忆变为脱离于线性历史的其他陈述，把历史图像与当代政治事件并置在一起，这些绘画将一些印刷媒介的片段、手绘及手写文段结合在一起，制作出了一种绘画的诗歌。

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《四分之一英里画作》中包含的“过剩”系列

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“混合体”（1954—1964）

“混合体”（Combine）是劳森伯格发明的一个术语，用以形容其创作的一系列结合了绘画与雕塑的作品。“混合体”置于墙壁或独立放置，从根本上消除了艺术门类之间的区别。在“混合体”系列作品中，劳森伯格通过将寻常物放置在艺术语境中，赋予了其新的意义。至1954年夏，劳森伯格已经创作出第一件消除了绘画与雕塑界限的“混合体”。劳森伯格扩大了马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）的“现成品”概念，通过组合不相关的物体，并将其融入艺术语境之中，从而使诸如拼布床单和汽车轮胎这样的普通物件获得了全新的意义。在《四分之一英里画作》中，“混合体”也是不可或缺的因素。

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劳森伯格的作品中用来自日常生活的图像和物品进行创作，把它们充实进作品的细节，将外面的世界带入工作室。在创作的时候，通常他都会把门窗开着，电视也开着，提醒着自己外面世界发生着的事情。不管是路牌还是旧碎布等等，他曾说过很想消除艺术与生活之间的区别。“事实是生活与艺术有其共通之处。无论什么时候都有人问我，‘已经二十五年了，你怎么看艺术与生活的间隙？’我就说，‘哦，那缝隙早被填满了’。”