摄影跟艺术通常挂钩，但是作为一个观众，我不怎么懂摄影，也不怎么懂艺术，只是喜欢揣测我看到的影像中所表现的内在含义。当然我也很喜欢看呈现美丽的影像，可是时间一长，美丽的东西往往会被更为美丽的东西所替代，反倒是最为真实的影像带给我的是长久的印象与感悟。

       摄影内部长久以来一直存在着两套审美体系：艺术的和大众的。两个体系同时享用着摄影，又同时丰富着摄影。好的摄影作品很可能不是艺术画廊里的高价商品，反倒是寻常百姓家相册中的一张老照片。那些反射出与血脉相延的至亲之人的眷恋与依赖的照片，往往并不一定是非大众审美视角下的惊艳之作，但往往这些作品流露出来的真实情感，是那些刻意摆拍或设计营造氛围的作品所无法做到的。

       来看两张美国著名的时尚摄影师Richard Avedon表现其父亲的作品。

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     Richard Avedon 从1969年开始一直到父亲去世，用七年的时间坚持为父亲拍摄肖像照，这些纪实的照片成为了奠定他之后艺术生涯转变的影像基石。他善用纯白色的背景（少数情况是灰色）被置于画面的最前方，背景是白色或深深浅浅的灰。他从来不使用自然光源，也不喜欢影子，他想法设法避免闪光灯打亮时在背景板上留下阴影。在不用背景布的情况下，他经常用浅景深来虚化背景，甚至是被摄者的身体。这些方法和大画幅的分辨力组合起来，就形成了一种非常有张力的视觉风格：在最大程度的描述被摄者脸上所有细节的同时，把所有其他东西都隐藏起来。这让观众能看到被摄者最细微的表情和眼神。所有东西都被放大了。他从来不试图掩饰人物的生理缺陷，皱纹、眼袋、疤痕在画面上很显眼，但就是这种不太有诱惑力的真实面貌，比完美更引起了观者的兴趣。   

       他的这组照片用一种看似非常客观真实的记录手法记录父亲的肖像：画面采用肃穆苍白的背景，父亲在镜头前散发着年老病痛的罹难之苦，他的眼神总是躲闪着避讳着镜头，有意维护自己尊严的举动反而让他显得被动无助。这让他的父亲在目睹了照片中的自己之时，有很大的不满与不解。

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    在1970年Richard Avedon写给父亲的一封信里，他为自己这一拍摄方式辩解。

亲爱的父亲：

    当我第一次向您展示我在几年前为您而做的众多肖像摄影作品中的一张后您很受伤。对于美的理解，我于您的观点不尽相同。

    我记得有一张您坐在钢琴前的照片，那张照片是我从小到大每天都会看到的。那是由一位我们从来没见过的摄影师经过严重润饰后制作的照片，我们呢还未它起了一个滑稽的名字“微笑的杰克·艾维顿先生”。几年后，我也做过一次报道，起名为——“摄影家理查德·艾维顿先生”，他们为我拍了一张与您当初一模一样的照片，我也坐在一架钢琴钱，就是那架陌生的，从未走入过我们真实生活的钢琴。

    所以我尝试改变，而您为了摄影而微笑时，那不是真实的您，您是鲜活的、会怒的，会饿的真实的人。我从中感受到强烈的情感，我想拍摄如真实的人一样，有着强烈感情的作品。我希望您能够让这种情感通过镜头传递给我，成为一种能让陌生人驻足的认同。我理解您的追求，但同样感谢您对我所拍摄的您的那些不够“尊严“的影像的容忍。

      他只是想记录真实，记录真实的生活中的点滴，不是被营造、被摆拍和被修饰，这是他对于父亲最为原生态的爱，反应的是纯净的细节捕捉，塑造的是一个有情绪、有故事、有感情流露的挚爱之人之形象，即便这组照片让人觉得不那么舒服，甚至有些“残忍”，但 Richard Avedon 是真的做到了让陌生人驻足的认同。就像这张记录生命停驻之时刻的父亲面庞，摄者内心的情绪被父亲半张着的嘴无声放大，紧闭着的双眼似乎也投射着无可奈何与深沉的不舍，我们看到了弥留，也看到了某种被抽空的空荡与浮躁——请您不要离开我们！

       朴实无华的挚爱之人的照片很可能不是艺术品，但它们存在的意义却糅杂了太多超越感性的主观情感，使得这类作品有了许多道德和伦理上的复杂性，拍摄和解读这类作品就想一次需要巨大勇气的自我叩问之旅。
      所谓天然的亲近之感便应该是这样一种感觉——有所感悟，有所会意，有所探求，最终你依旧无法解释碰触到这类照片时瞬间的心灵震颤与停驻。