一、龙飞凤舞 　　

　　新石器时代的艺术，与其说审美，不如更多的说是图腾。 　　

　　早期传达的更多是活泼、生动、纯朴、天真。是一派生机勃勃、健康成长的童年气派。　　

　　晚期则转向沉重、恐怖、神秘和紧张。

　　

　　原因是母系社会逐渐转向父系社会。进入早期的宗法制，大规模的杀戮开始。艺术更多表现权威的统治力量。 　　

　　陶器的红黑相间的锯齿纹是基本纹饰。神秘怪异。并成为青铜器的前身。 　　

　　

　　二、青铜饕餮 　　

　　青铜器，他们呈现给你的感受是一种神秘的威力和狞厉的美。 　　

　　他们之所以美，不在于这些形象如何具有装饰等等，而在于以这些怪异形象的雄健线条，深沉凸出的铸造刻饰，恰到好处地体现了一种无限的，原始的，还不能用概念语言来表达的原始宗教的情感、观念和理想，配上那沉着、坚实、稳定的器物造型，极为成功的反映了“有虔秉钺 如火烈烈”那进入文明时代所必经的血与火的野蛮时代。

　　

　　历史从来不是在温情脉脉的人道牧歌声中进展，相反，它经常要无情地践踏着千万具尸体而前行。 　　

　　饕餮形象，一方面是恐怖的化身，另方面又是保护的神邸。

　　在那看来狞厉可畏的威吓神秘中，沉淀了一股深沉的历史力量。它的神秘恐怖正只是与这种无可阻挡的巨大历史力量相结合，才成为美。

　　同时早期宗法制和原始社会毕竟不可分割，这种种凶狠残暴的形象中，又仍然保持着某种真实的稚气。从而使这种毫不掩饰的神秘狞厉，反而荡漾出一种不可复现和不可企及的童年气派的美丽。 　　

　　青铜器的四个阶段：

　　滥觞期：简陋、乏美可赏。

　　勃古期：成熟期，青铜艺术的美的标本。

　　开放期：走向解体。

　　新式期：新的趣味、观念、标准和理想在勃兴，但是技巧有余，厚重不足。 　　

　　

　　书法：

　　毛公鼎、散氏盘达到了金文艺术的极致。它们或圆或方，或结体严正，章法严劲儿刚健，一派崇高肃毅稚气；或结体浑圆，似疏而密，外柔内刚，一派开阔宽厚之容。

　　通过结构的疏密，点画的轻重，行笔的缓急，就如同音乐艺术从自然界的群声里抽出乐音一般。成为真正“有意味的形式”

　　书法由于接近于绘画雕刻，而为可等同于音乐和舞蹈。并且不是书法从绘画而是绘画从书法中吸取经验、技巧和力量。运笔的轻重、疾涩、虚实、强弱、转折顿挫、节奏韵律、净化了的线条如同音乐旋律一般，它们竟成了中国各类造型艺术的表现艺术的魂灵。 　

　　

　　

　　三、先秦理性精神 　　

　　儒道互补：

　　儒家对后世文艺的影响主要在主题内容方面，道家则更多的在创作规律方面，也就是审美方面有了很大的影响。 　　　

　　建筑艺术：国外建筑和中国建筑的比较。 　　

　　国外建筑：主要是供养神的地方，高耸入云、指向神秘上苍。

　　中国建筑：是为活着的君主服务的。平面铺开、引向现实的人间联想。 　　

　　国外建筑：阴冷的石头。

　　中国建筑：温暖的木质。　　

　　国外建筑：获得紧张的神秘、紧张的灵感，悔悟和激情。 一下子被扔进一个巨大幽闭的空间里，感到渺小恐惧而寻求上帝的保护。

　　中国建筑：提供某种明确、实用的观念情调。 使人慢慢游历一个复杂多样的楼台亭阁的不断进程中，感到生活的安适和对环境的和谐。 　　

　　

　　四、楚汉浪漫主义 　　

　　楚汉时期更多描绘的是人鬼神共存的世界。天上、人间、地下连成一气。

　　人间生活的兴趣并没有因为向往神仙世界而零落凋谢。相反，是更为生意盎然，生机蓬勃，使天上也充满了人间的乐趣，使这个神的世界也那么稚气天真。

　　

　　汉代艺术的气势与古朴，没有细节，没有修饰，没有个性表达，也没有主观抒情。相反，突出的高度夸张的形体姿态，是手舞足蹈的大动作，是异常单纯简洁的整体形象。笨拙的不合现实的比例，却非常合乎展示出运动、力量的夸张需要。汉代艺术那种蓬勃旺盛的生命力，那种整体性的力量和气势，是后代艺术所难企及的。

　　

　　五、魏晋风度 　　

　　人的主题：魏晋时期，人们津津有味的谈论的并不是功臣名将的赫赫战功，相反，更多的倒是手执拂尘、口吐玄言，扪虱而谈，辨才无碍。重点展示的是内在的智慧，高超的精神，脱俗的言行，漂亮的风貌。所谓漂亮，就是以美如自然景物的外观，体现出人的内在智慧和品格。

　　两汉五彩缤纷的世界（动的行为）让位于魏晋的五彩缤纷的人格（静的玄想）。“言不尽意”“以形写神”“气韵生动”作为美学理论和艺术原则在这一时期被提出。 　　

　　阮籍和陶潜：如此潇洒不群飘逸自得的魏晋风度却产生在充满动荡、混乱、灾难、血污的社会和时代。表面看来潇洒风流，骨子里却潜藏深埋着巨大的苦恼、恐惧和烦忧。陶潜和阮籍在魏晋时代分别创造了两种迥然不同的艺术境界。一超然事外，平淡冲和；一忧愤无端，慷慨任气。它们以深刻的形态表现了魏晋风度。

　　

　　六、佛陀世容 　　

　　宗教是异常复杂的现象，它一方面蒙蔽麻痹人们于虚幻幸福之中；另方面广大人民在一定历史时期如醉如痴的吸食它，又经常是对现实苦难的抗议和逃避。

　　北魏、隋、唐、五代、宋，不同的时代有着不同的神的世界。 　　

　　分3个时期来谈：

　　魏： 黑格尔谈论宗教艺术时说过，这是把苦痛和对于苦痛的意识和感觉当作真正的目的，在苦痛中愈意识到所舍弃的东西的价值和自己对它们的喜爱，愈长久不息地观看自己的舍弃，便愈发感受到把这种考验强加给自己身上的心灵的丰富。

　　舍身饲虎、割肉贸鸽等故事因咯爱宣扬忍受痛苦，自我牺牲，悲苦冤屈也不要忿怒反抗。以换取屡世苦修成佛。现实生活是如此的悲苦，生命宛如朝露，身家毫无保障，命运不可捉摸，生活无可眷恋，人生充满着悲伤，惨痛，恐怖，牺牲，事物似乎根本就没有什么公平和合理，也毫不遵循什么正常的因果和规律。于是人们把因果寄托于轮回，把合理委之于来生和天国。

　　北魏的佛像秀骨清相，长脸细颈，衣褶繁复而飘动，神采奕奕，飘逸自得。似乎去尽人间烟火，形成了中国雕刻艺术的理想美的高峰。人们把希望，美好和希望都寄托它身上。它是包含各种潜在的精神可能性的神，内容宽泛而不定。它并不显示出仁爱，慈祥，关怀等神情，它所表现的恰好是对世间一切的完全超脱。尽管身体前倾，目光下视，但对人世似乎并不关怀或动心。相反，它以对人世现实的轻视和冷漠，以洞察一切的睿智的微笑为特征，并且就在那惊恐、阴冷、血肉淋漓的四周壁画的悲惨世界中，显示出它的平静、高超和飘逸。似乎肉体越摧残，心灵愈丰富；身体愈消瘦，精神愈高妙；现实愈悲惨，神像愈美丽；人世愈愚蠢、低劣，神的微笑愈睿智、高超。在巨大的，智慧的，超然的神像面前匍匐着蝼蚁般的生命，而蝼蚁们的渺小生命居然是建立起如此巨大而不朽的“公平”主宰，也正好折射着对沉重现实苦难的不可奈何的强烈情绪。 　　

　　隋唐：由于长时间的和平和稳定，佛像开始有了明显的变化。隋塑的方面大耳、短颈粗体、朴达拙重到唐代的健康丰满的形态。

　　菩萨不再向前倾，而是安安稳稳的坐着或者站着。菩萨也有了分工。形象具体化，世俗化。天上和人间不是以彼此对立而是以相互接近为特征。奏出了一曲幸福存梦想，以引人入胜的幻景颂歌。 　　

　　盛唐后：神像越来越小，人的形象却越来越大，壁画开始走向现实。欢歌在今日，人世即天堂。禅宗开始盛行，开始陶醉在思辨和信仰相结合的独特意味中。 　　

　　宗教雕塑，魏以理想胜，宋以现实胜，唐以两者结合胜。

　　

　　七、盛唐之音 　　

　　盛唐之音在诗歌上的顶峰当然应推李白。无论是内容还是形式，都如此。因为这里不只是一般的青春、边塞、江山、美景。而是笑傲王侯，蔑视世俗，不满现实，饮酒赋诗，纵情欢乐。庄子的飘逸和屈原的瑰丽，在李白的天才作品中确已合而为一，达到中国古代浪漫文学交响音诗的极峰。 　　

　　“草圣”张旭，旭之书，变动犹鬼神，不可端倪。那如走龙蛇，刚圆遒劲具有弹性活力的笔墨线条，那奇险万状、绎智遗形、连绵不断，忽轻忽重的结体、布局，那倏忽之间的变化无常，急风骤雨不可遏制的情态气势，盛唐的草书不正是这纸上的强烈舞蹈吗？ 　　

杜诗颜字韩文：如果说以李白、张旭等人为代表的盛唐，是对旧的社会规范和美学标准的冲决和突破，其艺术特征是内容溢出形式，不受形式的任何束缚拘限，是一种还没有确定形式、无可仿效的天才抒发；那么以杜甫、颜真卿等人为代表的的盛唐，则恰恰是对新的艺术规范、美学标准的确定和建立，其特征是讲求形式，要求形式和内容的严格结合和统一，以树立可供学习和效仿的格式和范本。

　　

　　八、韵外之致 　　

　　中唐文艺不象盛唐之音那样的雄豪刚健，光芒耀眼，却更加的五颜六色，多彩多姿。真正展开了文艺的灿烂图景，普遍达到了诗书画各艺术的高度成就。

　　在美学理论上突出来的就是对艺术风格，韵味的追求。文艺中的韵味、意境、情趣的讲究，成了美学的中心。

　　更重视作品中的空灵、含蓄、平淡、自然的美。如同宋瓷，细洁净润，色调单纯，趣味高雅。 　　

　　苏东坡是这个时期的代表人物。他诗文书画无所不能，异常聪明敏锐的文艺全才。他在美学上追求的是一种朴质无华、平淡自然的情趣韵味，一种退避社会、厌弃人世的人生理想和生活态度，反对矫揉造作和装饰雕琢，并把这一切提到某种透彻了悟得哲理高度。对后期的传统美学有着深远的影响。 　　

　　

　　九、宋元山水意境 　　

　　如果说雕刻艺术的高峰在六朝和唐，那么绘画艺术的高峰则在宋元。这里讲的绘画主要是山水画。

　　中国山水画不是门阀贵族的艺术，而是世俗地主的艺术。人与自然那种愉悦亲切和牧歌式的宁静，成为它的基本音调。 　　

　　宋元山水画经历了三个阶段： 　　

1无我之境：代表人物，董源和范宽。一写江南平远真景以浓厚的抒情性的优美胜（董）。一写关峡峻岭，以具有某种戏剧性的壮美胜（范）。所谓无我，不是说没有艺术家个人情感思想在其中，而是说这种情感思想没有直接外露。甚至在艺术家创作中也并不自觉意识到。它主要通过纯客观的描写对象，终于传达出作家的思想情感和主题思想。从而这种情感和思想也就更为宽泛、广阔、多义而丰富。不满足于追求事物的外在形似，而要表达出内在风神，这又要建立在对对象真实而又概括的观察把握基础上。这是无我之境：情感思想不直接外露，而是通过纯客观地描写对象而传达　　

　　2细节忠实和诗意追求：优雅而精细的趣味在南宋达到最高水平。在颇为工致精细的、极有选择的有限场景下、对象、题材和布局中，传达出抒情性非常浓厚的某一特定的诗情画意来。被称为“残山剩水”的马远、夏珪便是典型代表。马远的山水小幅中，空间感非常突出，画面大部分是空白或远水平野，只一角有一点点画，令人看来辽阔无垠而心旷神怡。 北宋浑厚的、整体的、全景的山水，变而为南宋精巧的、诗意的、特写的山水。前者以雄浑、辽阔、崇高胜；后者以秀丽、工致、优美胜。两美并峙，各领千秋。　　

　　3有我之境：倪云林比黄公望和王蒙更加能代表这个时期；形似和写实迅速的被放在很次要的位置，极力强调的是主观的意兴心绪。在元代，画上题词作诗，以诗文来配合画面成为主流。一方面使书、画两者同样俄线条美来彼此呼应。更重要的一面，通过文字所表达的含义，加重画面的文学趣味和诗情画意。倪元林的作品，几棵小树、一个茅亭、远抹平坡、半枝风竹，这里没有人物，没有动态，然而在这极其普遍而常见的简单景色中，通过精炼的笔墨，却传达出闲适无奈、淡淡哀愁和一种地老天荒式的寂寞和沉默。

　　

诗、词、曲：诗境深厚宽大、词境精工细巧、曲境酣畅明达、直率痛快。诗境厚重、词境尖新、曲境畅达。各有其美，不可替代。

　　

　　十、明清文艺思潮 　　

小说戏曲为代表的明清文艺反映是世俗人情。高雅的趣味让位于世俗的真实。情爱成为流行而突出的题材或主题。

　　明代版画的辉煌，戏曲小说的插画所放射出来的光彩是史无前例的。 　　

　　绘画在明末清初，以朱耷、石涛为代表，转入另一个阶段。风格上继续发展着徐渭，简练的构图，突兀的造型，奇特的画面，刚健的笔法。构成了他们作品的独特风貌，强烈的感染着人们。这是直接抒发强烈悲痛愤恨的绘画。

　　

一幅美的画卷是没法分割的，处处是精彩，处处是感受

1李泽厚展示的中国美学史不是一片杂乱无章、混乱无序的“乱象”，也不是一些偶然个别事件的堆积或罗列，而是呈现为一种有机的、有序的动态演变系统，一种凸显着“逻辑”的历史阐释和描述。

2乎肉体越摧残，心灵越丰满；身体越瘦削，精神越高妙；现实越悲惨，神像越美丽；人世越愚蠢、低劣，神的微笑便越睿智、高超时代精神的火花凝练，积淀下来，传留和感染人们的思想、情感、观念、意绪，经常是人一唱三叹，留连不已

3艺术使人成为真正的人

4《美的历程》描绘的是民族心灵精神的历程。理解了民族精神的演变和内涵，才能真正体会到前人艺术中跳动的生命。（没有历史就没有现在，没有传承就没有未来，我们了解我们的的祖先了解我们的历史，我们对自己的未来会看的更清晰）

5冯友兰曾如此称赞《美的历程》：“它是一部大书，是一部中国美学和美术史，一部中国文学史，一部中国哲学史，一部中国文化史。这些不同的部门，你讲通了。死的历史，你讲活了。

6他把这些东西的演化（抽象）的过程按照自己的理解写了出来，从图，抽象成象形文字到现在的文字，每个字都是高度的抽象，这有利于去学习古典著作《黄帝内经》《易经》等。

7庄子说：天地有大美而不言。中国式的教育只会告诉你一个最简单的价值判断，至于“为什么”则从来没有“为什么”。美术老师说《韩熙载夜宴图》画得好，为什么好？因为老师说好。审美教育的缺失使我们只得审丑，我们早已不具备对高雅艺术的鉴赏能力。高考语文考古诗词鉴赏竟都能有公式的套用：某某字用得好，化静为动，描写了一副什么景致，表达了作者什么的情感，寓情于景，情景交融……但话又说回来，欣赏美的眼睛是单纯的教育无法赋予的，同时还有赖于环境的熏陶和人文素养的养成，不过这又是另外一个话题了。

人的审美感受之所以不同于动物性的感官愉快，正在于其中包含有观念、想象的成分在内。美之所以不是一般的形式，而是所谓“有意味的形式”，正在于它是积淀了社会内容的自然形式。所以，美在形式而不即是形式。离开形式（自然形体）固然没有美，只有形式（自然形体）也不成其为美

8历史从来不是在温情脉脉的人道牧歌声中进展，相反，它经常要无情地践踏着千万具尸体而前行。 

9人们的压抑通过艺术可以表现，艺术的成就能反应全面就像人的身体好才会看起来好看一样。

 

参考了大部分的豆瓣读书