细雨霏霏的冬日下午，去嘉兴博物馆看“日本浮世绘特展”。伫立在一幅幅精致的浮世绘画前，我被深深地吸引，好像触摸到日本江户时期的生活肌理，有种现实的游离感，并沉迷其间。

此次展出的浮世绘是1919至1971年间日本采用传统工艺制作拓印的版本，但质地相当精良，有着丰富的层次感，不由自主地把人带入某种意境当中。

浮世绘是流行于日本江户时代中后期（17-19世纪）描绘世俗生活百态的绘画，“浮世”是指转瞬即逝的现实世界，浮世绘就是描绘现实生活，尤其是下层民众生活和趣味的绘画，也就是风俗画。

从此次展出的画来看，浮世绘有着鲜明的日本特征，其细致入微的画面以及大幅度的人物形体形象，无不显示了日本的民族性和生活习性，有着朴素的生活美学和民间情趣。

奥尔罕·帕慕克在《我的名字叫红》里描写了大量波斯传统的细密画，其中提到在透视法运用成熟很多年之后，细密画大师吸取日本浮世绘的方法创作，使画面更加缜密、细致、形象，富有生活的真实性和丰富性。

浮世绘对西方画家也有着很大的影响。1886年，梵高到巴黎后与印象派画家交流学习，开始临摹浮世绘作品。这一段经历使梵高一改其过去阴郁的画风，画板开始明亮起来，形成了自己独特的创作风格，其作品呈现出生命的律动与多姿多彩。他在日记中写道:“说我们是光的画家，这是你们对我们的不了解，说我们喜欢浮世绘是对我们的看不起，浮世绘就是我们的信仰。”

葛饰北斋和歌川广重是日本浮世绘的大家，而他们的《富岳三十六景》和《东海道五十三次》更是其中的巅峰之作。《富岳三十六景》描绘了从不同地点远眺富士山的风景，共46副作品。《东海道五十三次》，描绘53个宿场的风景民俗，加上首尾的江户和京都，共55幅作品。

浮世绘的色彩相当丰富，但没有大红大绿的艳俗，呈现的是中性化的一种淡泊。即使像葛饰北斋的《山下白雨》和歌川广重的《东海道品川御殿山不二》中呈现的部分红色，也是凝重和淡雅的，相当别致。

在此次展览的大部分作品中，天空的底色大都是白色的，而所有的白都有着细微的差别，夹杂着或粉或紫或灰等不同色系，让白的颜色千差万别，几乎没有重复。就像原研哉在《设计中的设计》中所阐述的：“白是生命的原始形式。”有着各种可能和重塑的力量，让画面更加有质地，也更考究起来。

而对我冲击力最大的还属浮世绘的蓝，是带有日本民族气息的一种元素。这种蓝，不似天空明亮的蔚蓝，也不像中国传统的蜡染、扎染，有着沉稳、厚重又渗透生活气息的独特颜色，让人有种投入其中的冲动和愿望。而在观赏之中，会一点点在身体中蔓延、荡漾，独自欢欣起来。

富士山在日本应该有着神一般的信仰，而我对于日本最初的认识也来自富士山。

那年去日本已是初夏，从远处遥望富士山，山顶的一层积雪把富士山包裹得像圣女贞德一样圣洁。由山脚下出发到五合目，再看海拔3776米的富士山美景，裸露着的是一层层黑灰色的岩石，富士山就像坚硬、俊朗的铮铮汉子，内心一下子被震慑，有种超脱的恍惚。

而在《富岳三十六景》《东海道五十三次》中， 富士山差不多是每幅画中的一景。但在这些画中，除了《凯风快晴》《山下白雨〉等画作呈现出富士山的高大、挺拔外，大部分画都把富士山作为一种隐语般地描绘，甚至只是简单的两条线而已。除了近大远小的透视法之外，无论如何呈现，富士山永远是日本民众心中永远的“不二”“富岳”，而这也许正是浮世绘的灵魂所在。