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“诗”与“画”本是两个相对独立的艺术形式，前者借用形色呈现美，后者以语言呈现美。但二者又有共同性。一则都是从意象起，先有相后有作。二是都是情趣的意象化或意象的情趣化。情趣与意象相契合融化，诗从此出，画也从此出。正因为这种共同性，才有了“诗配画”、“画配诗”的互动。观画赋诗、读诗作画，早就不是什么新鲜事。新浪诗写者也常给名画配诗，尽显“诗情画意”之根本。但究竟如何使诗与画相得益彰，恐怕还是个值得探讨与研究的问题。

“画配诗”的创作，大概要经过以下几个过程：

一是“忠”。就是观画、读画，看明白画所表达的意义，包括整体感及细节。忠实于原画，诗才是“配”的，随心所欲作诗，那是没有针对性的，不属于“配诗”范畴。记得前阵网络诗选搞过一次画配诗，画中两个人物，都是女性，却有人愣是将其中一位身材较宽大的人看成了男性，因为故事变味了，主题更是出了轨道，“配”出的诗自然离原作万里。

二是“破”。所有的画作都是画家以自己的视角选取的素材，融入了自身的情感和审美取向。画有画的创作背景及相关故事，有些画并不是表面呈现出的那么简单。特别是一些比较抽象的画，更需打破通常的思维定式，吃透画面的构成与写意，才能进入意韵的内核，才能抓住画的魂。

三是“立”。再创作的过程都不该是造搬硬套原作。给画配诗也是如此。画擅长表现静止的美，却失之音效；而诗则擅长在时间和空间的跨度上做文章，画面感不一定强烈。给画配诗，不仅仅要表现静止的瞬间，而且需走出画面的限制，完成一连串合理想像，再以诗的语言表意抒情。这是成诗最重要的一步，作品优劣也在此分出伯仲。一个好的画配诗，不仅再现了原画作的美，而且在抒情与议论上更胜原作一筹。

下面以几个画配诗为例，让我们细细地领略诗人们再创作的风采，并从中获取二次审美的快感。

先看一个西方雕刻作品的配诗。 

 

http://s7/bmiddle/93aa97e2gd3eaecc52546&690 《门考拉夫妇立像》 闪绿色粘板岩雕刻，高约142厘米，约创作于公元前2600年，现收藏于美国波士顿博物馆。这是埃及古王国第四王朝时期的一尊双人立像，也是当时帝王立像中最典型的代表。雕像刻划的是埃及古王国第四王朝第五个法老门考拉和他的王妃。  【图片来自网络】

画配诗： 《门考拉夫妇立像》      文/峰儒   将历史植入书籍 你威严的仪容，在我面前复活 端庄骨子里华贵，显山露水，相得益彰   你用世上最典型的礼遇 镌刻雕琢的神态 你用繁缛细节，填充人的精神 让渐渐凸起的轮廓 布满周身 依偎，把炽热的情感传递 谁曾见，你内心荡漾尼罗河的碧波 双脚，走出同步韵律 仿佛踩准宫廷序曲，众人之上 欢呼雀跃而起 春秋里，自酿朝野 斟满琐碎，用伫立的缄默 面对世人

 原作是一座雕像，属于古代西方艺术作品，比较侧重对故事的再现与还原。除了与画面有关的史实资料之外，给读者留下的想象空间不是很大，这为配诗增加了一些难度。如果只是简单地临摹人物外貌及神态，恐怕在诗性上难以发挥。如果再加上一些背景故事，那又成为叙事性史诗了，虽然没什么不可以，但仍可能诗意不浓。想要写出新意，必须找到最佳突破口。

幸而中国诗人在精神上是丰富的，只要关注到一个细节，就能写出感动人心的佳作。

峰儒的新浪博客里有不少这样的画配诗，我逐一浏览过，许是因为先入为主的缘故，我还是对这个首先进入我视野的作品情有独钟，感觉它是一个比较上乘的作品。

首先，他抓住了两位主人公的身份特征——法老及其王妃，他以简洁大气的笔法，直接抒写他们身上散发出的气质——威严、端庄与华贵。这种高高在上的贵族气息，既来自这座雕像，也来自于文化背景的差异。古代埃及，无论在时间上还是在空间上，都离东方现代生活很远，作为观者，定会在一种陌生中感受到仰视、尊敬与疏离。峰儒感受到了、表达出了，绝妙的是，他这里的“表达”只是铺垫，真正要表现的东西还在后面。

接下来，他才开始重视细节。他注意到两个明显的却又易被人忽略的细节，然后聚焦它们，完成诗意的构建。而这一步才决定了这首诗的真正品质。

一是两位主人公的“依偎”。在诗人笔下，他们的身份一下子从贵族变成了普通人，这种突然的转换，造成读者在心理预期上的落差，拉近了作品与读者之间的距离。人性的东西总是最能击中人的软肋，最能感动人，也最是诗意的。

二是两位双脚的“同步”。细观雕像，果然两人迈出的都是左脚。如果说上述的“依偎”是情感上的外露，是种“小情调”，那么，这里的“同步”更是具有了人格的魅力。夫唱妇随，不仅仅在感情上，还在于对世事的看法及处理上，这是怎样令人羡慕的境界啊。

此时，我们不知道是该感谢雕刻者，还是感谢诗人，让我们体验到这种人性的美。

结尾处超出画面之外的想像也是合理的，“斟满琐碎，用伫立的缄默/面对世人”，让我们增添了对两位古代西方贵族的理解和同情。

总之，这首诗对于原雕像，是一次比较完美的注脚，应该算是比较成功的再创作。 

                    

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接下来看一幅中国画的配诗。 

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画配诗1：

作者：龚学敏

 

风在高处生长。大地寂寥，雪花成为一种方向。

浅薄的空气被透明的角，洞穿在路上。

 

诵经的牧人是所有雪花的园丁。

雪花们凭空发芽，抽穗，在臆想中长势良好。

我站在风的景致里，

默不作声，像是拐弯处的一支歌谣。

 

我只是缄默。只是等着牧人在诵经的空隙，

顺手，把我放在水草们轮回的途中。

 

这幅画也很单纯，但中国画从来都注重人文精神，并不是被动地接收外来的印象，而是熔铸印象于情趣。一幅山水画、人物画，并不是山水、人物这么简单，而是一种心境和气生动的图案。这种艺术特点为想像留白更多，也为“配诗”创作提供了比较宽广的发挥空间。

给这幅画配诗的有不少。上面这个作品一经贴出，就被大多数诗友们喜欢和喝彩。写得干净、漂亮，意境出自画面又高于画面，给人美不胜收之感。

两只高原动物虽占据了画面的主要部分，而诗作却只字没有提它们。诗人完全是在写意了。他写到了“风”，写到了“雪花”，写到了“浅薄的空气”，写到了“牧人”……这些都没有在画面里出现，却无一不与那两只高原动物有关，合理的想像使诗的意境更丰盈，更具动感和质感。

“雪花们凭空发芽，抽穗，在臆想中长势良好”——比喻出奇，极具语言的张力。

最妙的是，他写到了“我”，更是出离画面，却又入得画意。我“默不作声”，配合着高原的寂寥。既是对自然的敬畏，也是“出世”与“入世”的最佳状态。

当然，这首诗入了众多人的眼，一定有它各方面的魅力。这里就不一一赘述了。

 

画配诗2： 

我不说今生

作者：谷冰 

 

雪花从经文里落下来，成为青草的前身

枯掉的秋天，正通过一条幽邃的巷子抵达通灵

 

风这个掮客，只负责运送悲伤的往事

苍茫在这里修行，菩提若隐若现

我隐在牛的背影里，看云朵漂浮，草生草枯　

任咀嚼的声音，把冰雪上的生命歌颂

 

过不了多久，我会把牛儿从苦海度向彼岸

留下三叠印月，与未来联袂澄明
 

谷冰这首诗也是参与活动后贴出来的。他本就是个比较活跃的人，生性乐观大方，重感情，善思考，爱憎分明。这么幅画定是引起了他的创作冲动，写出的这首诗，在他的诗作中也可以说是精品了。

刚刚说到，中国画比较注重精神上的表现，而中文诗也是如此，比较注重情感的抒发和精神世界的探索。谷冰同样发挥了这方面的特性，给画配诗，可能直接跳出画面，寻找精神世界的契合点。这首诗写得很“精神性”，在写意的状态下，还原并超越了画面的意境。

他“破”题了。从画面打到画面之外，充分发挥了想象力。我不知道他写到“雪花”和“经文”是不是受到上面那个作品的影响。但它们一定是属于高原的，所以是合理的，而且在表达上也是另辟蹊径的，所以是值得称道的。后面的修行等等也都在画面之外，是精神层面的东西。

他“立”意了。“雪花从经文里落下来”，具象与抽象交错，动感十足，想像大胆，寓指了雪花的神圣、洁净和安详。而这也是画面所呈现的基调。能以这么一句话就达到与画面在意境上的契合，可以说是个妙笔。而雪花是“青草的前身”，在季候上是更是合理的，这么写也为下文铺设了台阶。

他说到“悲伤”，视角就与上面那个作品不一样了。上面那个作品比较冷静，不悲不喜，而谷冰看穿了前尘往事的“悲伤”，让风将它们带来，又带走。“这里”显得苍茫，成为修行的最佳场所。

“我”已然“出世”——“隐在牛的背影里”，忘记悲喜。修行之后，今生已过，温暖将至。笔调变得积极乐观，还原了诗人的性格本性。

总之这首诗是他作品里我比较喜欢的一首。诗作的成功，大概也得归功于画吧。当然，谷冰在诗歌创作方面的修为也正日趋成熟，这是好多诗友都关注到的，也是令人欣喜的。我们期待看到他更多佳作。

 

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以上三个例子在表意抒情方面都做得比较好，既是对原画的意韵再现，又是一次意境的延伸，是一次再创作。

画有画的静态感，诗有诗的律动。以诗写画，不能停留在对画面的简单描述（也描述不尽）。为画配诗，最基本的是看懂画，然后揭示内在的奥秘，最终以诗的语言完成意境的构建，重现美，再造美。为画配诗，一定是“诗”的，而不是再仅仅是“画”的。