命题四、如何去看图？

无论是欣赏别人的作品，还是自己去拍摄作品，又或者审视自己的作品，都要求自己从四个维度来衡量它：立意、构图、用光和色彩。可能还会有一些不同的说法，但是本质上几乎都可以归结到这四大方向。

1、立意
理解的立意的涵义就是，在决定开始拍摄一幅作品前——无论这个时间多长或多短——作者必须部分或者全部地明确：

——这个场景里到底是什么东西/元素打动了我？

——核心元素是什么？不可或缺的辅助元素是什么？

——我得到了什么样的感受？

——这个直观感受是否能升华为某个视觉主题？

——别人会对这样的主题感兴趣吗？

——如果我决定记录并且传递这个主题，这个场景足够表达吗？

可以允许部分人在一段时期对你的作品有不同的理解，但是你不能让所有人永远不理解它。
2、构图

构图技法方面已经有很多专著了。在这里分享一些实际拍摄过程中积累的感想：

——在立意过程中养成上述思考习惯，将极大地有利于帮助构图。比如，分清场景中的核心元素和辅助元素，就能帮助顺利地提炼出主体、陪体。实际上，很多情况下立意与构图是同步或穿插进行的；

——主体（兴趣中心）的位置必须突出。可以放在“黄金分割”的交点上，也可以放在画面正中或其他位置，完全视创作意图而定。

——只保留必要的陪体，使得画面简洁、有序；

——要注重画面的整体平衡感。当然，某些主题需要特意营造某种不平衡感，则不在此列；

——善于运用前后景、景深以及将观者的视线导向主体的视觉引导线等元素，营造画面的立体感。前景有时还能起到很好的平衡画面的作用；

——构图不要太满，风光摄影多数情况下画面要有留白；

——留意水平线在画面中的位置高低，以及是否处在水平状态；

——自己认为好的场景，会横、竖构图各拍至少一张，以备不同用途；

——从一开始就要求自己严谨构图，从不采取随意拍摄、后期再来做裁切出品的方式。希望能够直接用观片器或者幻灯机来和朋友分享自己的“成品”——无论它们水平高低，它们至少不是“半成品”。不希望此时心有不甘而又满脸尴尬地向别人解释：“这张片子，其实如果你把它裁掉这些部分来看……还是可取的吧？”

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3、用光

光影或影调效果好的作品，大多是有迹可循的：

——善用早晚光线，营造低色温、底反差的画面，比如早晚霞、长时间曝光作品；

——善用逆光或侧逆光，勾勒景物轮廓或制造剪影效果，增强画面的立体感；

——善用侧光在非平滑物体表面造成的明暗差异，凸显物体的质感；

——善用逆光凸显红叶、黄叶的色彩明度、饱和度以及树叶质感；

——借用穿过云层或物体缝隙的集束光对主体的照射，得到类似舞台灯光的效果。比如西部高原的小村寨，常常能遇到光线照亮了村落、而四周的山体和田野则隐在云层遮盖下的暗影里这样的场景；

——巧用物体在水面的倒影；

——用慢门或减光镜延长曝光时间，使得移动的物件产生拖尾效果、水流成绸缎状、浪花成云雾状、快速移动的云层模糊化、夜里的车灯形成光带……等等。

以上这些用光技巧，不外乎是在光线的色温（色彩）、方向（入射角度、直射/折射/反射）、强度、光通量、照射范围等方面做文章。

4、色彩

拍摄彩色照片的情况下，作品的色彩构成是又一大评价维度。评价色彩构成时，有两种截然不同的评价方向。

一说是，有强烈对比色的画面更引人“注目”。对比色通常是指互补色，比如青与红、品与绿、黄与蓝。每一对互补色混合后均会消色（即得到白色）。

另一说是：色彩和谐的画面更“悦目”。色彩和谐，通常指画面包含的色彩在颜色（即色彩种类）、纯度（指鲜艳程度）和明度（指处在白-灰-黑之间哪个位置）三种属性各自相近的情况：

——颜色相近。比如，同样是红色系的两种颜色，易于和谐；

——纯度相近。比如，两种中等纯度的颜色，比一高纯度和一低纯度更和谐；

——明度相近。比如，两种淡色，比一淡和一浓更和谐。

此外，一些心理因素会影响人们对于色彩的感知。比如，

——色彩面积的大小、形状和分布；

——各种色彩组合，当被看成抽象的形状、或看成可辨认物体的表现时；

——观看者的年龄、受艺术教育程度；

——长时间观看会产生适应性效应，从而混淆对色彩组合的吸引力的感觉；

——广告会引导人们对于色彩组合是否符合潮流的判断，等等。

黑白照片的情况下，三个颜色属性只剩下一个：明度。它和细节是否丰富（尤其是亮部或暗部的细节）、层次/过渡是否细腻、反差大小都有关。

上述四个基本要素中，那个要素最能体现作者的专业水准呢？

——立意：这是美学、哲学层面的问题，与作者和欣赏者各自的艺术修为有关，没有硬性的标准可言，所以可以先放到一边；

——用光：有明显的高光/暗部溢出的作品（某些特殊需要除外）；

——色彩：基本上参见“立意”，只要搭配别太俗都可以。

所以，看法是：构图水平是区别“专业水准”还是“业余水准”的分水岭。当然，这里说的“专业”、“业余”指水准而言，与职业无关。

一张片子，哪怕场景再好、光线和色彩再漂亮，如果构图上有硬伤的话，它终究还是“业余水准”的作品。

 

命题五、如何像大师一样去拍摄？

有志于成为大师，绝不是什么见不得人的事，而是一个社会有希望的表现。当然，那些空怀壮志却从不付诸行动者、或者偶尔被别人喊一声“大师”就忘乎所以者，则不在此列。

真正对摄影有追求的人，即使成不了大师，也应该像大师那样去拍摄。不能确定自己能成为什么，但是能确定自己想做什么和怎么去做。

1、起点：用大师的标准来要求自己

何为摄影大师的标准？理解就是：从思维到手法。换句话说，要像大师那样去思考、去行动。

要了解大师们的思维，特别推荐精读Frank Horvat所著《摄影大师对话录》，出版社还有少量库存。

手法方面的书就数不胜数了，建议多看国内外摄影师的著书和画册。

光阅读还不行，还要把它变成自己的东西，去实践。

2、终点：确立自己的拍摄目标

但凡能成为大师者，无不有自己的摄影理想——自己想在摄影领域做到什么、摄影在自己的生活中将占到什么地位？也都有自己的摄影理念——拍什么、不拍什么、如何观察事物、如何拍出自己的特色？还有自己的拍摄目标——拍摄哪些主题？如何去实现？

确立了阶段性的拍摄目标，就要把它落实成具体的拍摄计划。拍摄计划必须具体，有明确的时间表，有现实的可操作性。

3、中途：持之以恒地去努力

起点和终点都明确后，剩下的就是付诸行动了。

对多数有摄影追求的业余人士最大的挑战就是：摄影和生计如何取得平衡？这其中的取舍，才是真正的考验。

命题六、拍来做什么？

对这个问题的回答，会影响到自己的拍摄行为。通常会有三种类型的选择：

——完全以摄影为生计。这条路目前在国内还比较艰辛。有名气的职业摄影师们主要的收入来源还是讲座、带团外拍和出书。商业图片库对纯风光作品的需求量比之商业摄影素材要少很多。

——自娱自乐，完全不考虑作品的商业收入；

——潜心拍摄，但不放弃争取商业回报的努力。

任何一条路都有人走得通。摄影人都会面临这个选择，不能假装这个问题不存在，也不应该频繁地来回摇摆。

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