练习

我们都知道，诗人是天生的，不是在学校里培养出来的。画家、雕塑家和音乐家也是如此。某些本质的东西无法教会；它只能是天生的，或者通过刻苦得来，或者以一种神秘的方式形成，无法传授给另外一个人。

但是，画家、雕塑家和音乐家需要了解他们各自领域的历史、以及流行的理论和技巧。诗人同样如此。即使很多东西无法教会，仍然有大量的东西可以通过学习去掌握。

我不理解的是，为什么关于诗歌创作的教学方式与音乐或视觉艺术领域完全不同，在后者那里，循序渐进的学习过程受到普遍认可。例如，在一节绘画课上，每个学生可能被要求去画一个人体模特，或者一束鲜花，或者三个土豆。教师可以检查并讨论每个学生的作品。学生们都清楚，其宗旨不是为了完成一次真正的创作，而是完成首先必须进行的——练习。

根本没有人会担心创造性可能因这样一种练习而变得僵硬！相反，大家都相信，教师和学生之间的交流会澄清大量的技巧问题，增进理解过程。说到底，是技巧承载着个体的理念，使其突破庸常性。

可是，学习写诗的学生却受到鼓励：跳过练习阶段，直接去写，一直写下去。很快，学生就形成了一种写作惯性，这不是风格而只是一种偶然性，模糊地感觉到了某种东西，却并没有很好地理解，更没有明确的意图。继续这样写下去，写作者难以开拓或者尝试其他的写作方式。写了四首或五首诗之后，他或她就处于一种定式之中，固定了一种写作模式，没有适当的机会去探究其他的风格和技巧。此后，当写作素材需要语调的变化或者一些复杂而精致的技巧时，写作者将完全不知如何着手，这首诗必然失败，写作者将因此受到挫折。

这就好比有时你想出了一段音乐，你仿佛在意念中“听见”了它，但你知道自己不可能写出它，因为你和大多人一样，缺乏专门的音乐符号知识。我们写诗的经验与此有什么不同呢？它也需要专门的知识。

诗歌必须在自由的情感状态中创作出来。此外，诗歌不是语言，而是语言的内涵。但是，内涵不可能从诗歌流动起伏的身体中分开。一首诗如果没有美好而正确的语言形式——正是这一点使它与日常写作分离开来——就是可悲的。它不能轻盈地飞翔，只会显得杂乱而松散——不过是一个业余的习作。

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