相机还是比不上画家的眼睛

    最近把婺源写生画作与同一点拍照的摄影一起放在博客上对比，分析，发现照片比画儿差得太多了，同一个地点，同一个光线，却显得灰暗，平淡，毫无美感，连不搞美术的网友们都看出来了，这是怎么回事儿呢？

    尤其照片中的暗部，只是一片黑暗，而画作中的暗部却丰富得很，反光色、环境色，五颜六色，明显比照片漂亮得多。即使我在后期用PS专门对照片的暗部调整，也整不出多少颜色，与画作完全无法相比。
    当然，南方多是阴天，总是灰蒙蒙的，相机拍摄很困难，另外，我的相机档次也不高，技术也业余，但这些都不是主要原因，我认为主要原因在于相机拍摄与画家作画，有理论上的本质差别。我在大学的光学实验课学过摄影原理，后来又办了多期摄影培训班，对这一点多少有些了解。

    一、画家的眼睛比照相机和摄像机的综合还要高妙
    从结构上说，相机与眼睛非常相似，视网膜等于底片，都是可以更换感光度的（视网膜中心的视锥细胞与周围的视杆细胞感光度就不同），晶状体等于镜头、都是可调焦距的，虹膜与其中心的瞳孔相当于光圈，都是可调进光量的。有人说，连上帝都无法解释眼睛怎么进化得那么精巧？

 
    但只有一点不同，那就是快门，相机只在快门开启的一刹那才曝光，而眼睛却一直睁着，永远在曝光。也就是说，眼睛并不完全等同于相机，倒是摄像机才更像眼睛，它拍出的不是一幅画面，而是多幅无限连续的流动画面。
    而画家的眼睛却能把这无限多画面综合在一幅画中，这一点摄像机就无能为力了。因为画家不但有一双类似相机和摄像机的眼睛，更有一颗能直接感受美分析美表现美的大脑，这一点是机械加电脑无论如何无法与之相比的。
    我们还是拿刚才说的暗部为例。我们知道，景物的亮部与暗部，其亮度往往差百万倍，再好的相机，也不可能对两者同时充分感光而不破坏平衡，如果我们以亮部为准曝光，亮部当然所有细节都充分显示出来了，但暗部肯定是一片漆黑。如果我们以暗部为准曝光，暗部也许好看了，但亮部却成了一片花白，什么都没了。无法兼顾。
    在实际拍摄时，说是综合测光，实际上还是基本以亮部为参考，照顾一些暗部，最后出来的效果只能是亮部稍过一点，而暗部仍然一片灰暗，没多少东西可挖掘。
    实际上人的眼睛也是一样，当我们注视亮部时，暗部肯定一片黑。当转过来注视暗部时，亮部同样一片花白。不管生物还是机械，在光学原理上都是一样的，不可能同时兼顾。
    但画家的眼睛却是活的，他画亮部时，只看亮部，用画笔充分表现出亮部的所有细节和色彩。当他画暗部时，又只看暗部，这时他眼睛的“光圈”便自动扩大，能看到暗部所有的环境色反光，把暗部也画得同样生动。把本来无法兼顾的景色自动兼顾了。

 
    当然，这必须是画家经过训练的眼睛，还要加上美术的光色理论分析，才能看出各种环境反光，一般人没经训练是看不出来的。

    另外，他的大脑也会综合平衡，照顾亮暗双方的差别，不要让暗部过于鲜艳突出，抢了亮部的风头。结果我们看起来，就是一幅明暗对比适中，色彩丰富的画作。看亮部，足够艳丽光鲜，看暗部，阴影中又有无限丰富的变化。
    这只是说暗部色彩的问题，相机就无法与画家眼睛相比。其它还有诸多不同。

    二、画家画人像是四维的，比相机还多一个时间维
    比如人物表情。相机再好，摄影家技巧再高，也只能捕捉到人物一瞬间的表情，而伟大画家却能全面表现出一个人的多种微妙表情的综合效果。比如著名的《蒙娜丽莎》，达芬奇画了四年，起码面对模特也得有几个月时间，为了捕捉模特的种种最好表情，达芬奇给她讲笑话、听音乐，使尽浑身解数。蒙娜丽莎为什么呈现出那么难以捉摸的“神秘微笑”？就因为包含了许多复杂表情，从中甚至能透出她做为一位初孕少妇的幸福和衿持。试想这一切用相机能做到吗？
    当然，能画出这样名画的画家屈指可数，我肯定没那本事，但起码说明了画家的眼睛比相机高超。相机只能把三维景像放在二维平面照片中，而画家的眼睛则是四维的，还多了一个时间维，他画的不是一个瞬间，而是一个过程，是无数个瞬间的动态综合。

    画家很少照着摄影人像名作去画，如果那样画，我们一眼就能看出是一瞬间抓拍的表情，一看就是照片而不是画，是临摹而不是写生，那不是画家的创作，而是摄影家的创作。

 

最近有一组明星铅笔画，看起来很生动，但那只是一瞬间的表情，一看便知是照片临摹，而非创作，在艺术上没什么价值，任何一位会素描的画家都能完成。

    三、画家能创造性的随意移除或增添景物。
    比如，一幅好景，偏有一个电线杆子，一堆电线挡在那里，画家完全可以视而不见。
    再比如，景中有一头牛很好看，但位置不理想，画家完全可以把牛搬到它该卧的地方。
    还有，我在乌镇画画那天，恰好赶上五一小长假，人山人海，万头攒动。我坐在小桥上画画，桥上川流不息的游客，把视线挡了个严严实实，我只能从人缝中瞄一两眼，桥下也是游船拥挤，满满当当。但我最后画出来，完全成了一幅幽静闲适的江南水乡画卷，一看就想来这儿渡假！这就是画家的创造。
 

照片中看起来很一般的水景，画出来便青幽宁静，令人神往。

    四、画家和摄影家各有不同的风景取舍
    也许有人觉得，摄影也没那么不堪吧？我们不是经常能看到许多美到极致的摄影名作吗？简直是天上人间，仙山神水，甚至觉得比所有油画都漂亮，那怎么来的？
    这就是摄影家的功劳了，他们决不会在我们画家写生的破草屋，烂水沟前摄影，他们多半要开着越野，去人迹罕至的山水，甚至爬在草窝里，沙漠中，有时一爬半个月，专门等最佳的天气，最佳的霞光，最佳的日出，甚至最难捕捉的闪电。
    有时还得去最险的山颠，海岛，甚至坐飞机航拍，以各种意想不到的角度俯瞰天海大地。

    然后拿回来再继续加工，把色调，反差调到最理想，最艳丽。看了他们拍的摄影作品，谁都想去哪儿旅游。实际上你真到那儿，哪能找到那么美的景致呢？
    而画家决不会去等着画闪电，画最美的日出，最美的云海，摄影与美术，完全是两种完全不同的艺术。
    画家能在最普通不过的场景前，画出最出色的画作。如果摄影家也跟画家一起坐在破屋前，同一个角度，而且就那个最平常的光线和时间段，摄影家就没咒念了。他必须另寻出路。

    当然，也有的摄影家专门拍一堵烂墙，一张破席子，他要的只是那个肌理效果，实际上还是受了画家的影响。

我侄子漫画家王昕的摄影作品

 
    有些景只有摄影家去拍，比如九寨沟，油画家基本不去那儿。那儿太漂亮了，画出来反而觉得假，过于鲜艳。
    总之，摄影和油画各有各的路子。

    五、画家展示的是笔下的功力
    为什么画家多画平常的，甚至不起眼的景致？而不画那些极美的景？因为画家跟摄影家不同，他不靠景色本身，而是靠自己的技巧和风格来显示功力。同一个景，一百位画家画出来一百种风格。这里面有不同的取舍，不同的笔触，不同的色调。
    我们看一幅油画或水彩画，主要不是看这里风景多么漂亮，而是看画家的技巧，手法，看他的笔触，或帅气，或轻灵，或厚重，或潇洒，或沉着，或强烈。比如水彩，我们最爱看他那水迹，如何晕染，如何渗发，如何相融，如何流淌，如何喷甩，非常美，妙笔天成，百看不厌。

中国水彩画大师古元的作品，水气淋漓，云雾缥渺。

    当然，摄影大师也拍很平常的小景，市场、屋舍，不起眼的身边琐事凡人，但他一定有非凡的角度，新颖的光线，细腻的质感，他的表现手法与画家还是不一样。

    六、画家不以像不像为最高目标
    以前有人说，摄影术出来之后，画家就没饭吃了，这话不完全正确。十九世纪之前西方画家往往靠给客户画肖像为生，摄影术一出来，这一行明显萧条了。但画家完全可以另辟蹊径，不在是否逼真上跟摄影争高下，而是发挥美术的长处，在艺术感觉，在技法，在布局上创造出美来。
    一般老百姓看画，主要看画得像不像，越像就越好，如果完全跟照片一样，那就是好到了极致。如果画家就这点本事，那我们何必买画呢？买一幅照片好了。
    比如中国画与照片的不同就很明显，讲究的就是要在似与不似之间，完全似就死了。所以基本跟实景不一样，但我们都可以接受，我们欣赏的就是他的笔墨韵味，那几笔帅不帅？有没有力度？有没有功夫？跟看书法一个道理。

白石老人的画正在似与不似之间

我的表弟，旅澳画家达世奇的“行为反式主义”作品《野山激流》

我的表弟，旅澳画家达世奇的“行为反式主义”作品《生死无意》

    其实油画（水彩、水粉、素描）也是一样的道理，主要不是看像不像，而看画家的功夫好不好，意境美不美。
    当然，油画里也有一种跟照片非常像的流派，超级写实主义，美国人发明的。不但是像照片，而且比照片还厉害，还逼真。从艺术角度，它完全超过了照片。它是在照片的基础上进行再加工，再创作。把照片上不尽人意的地方去掉，用画家的技巧创造出更极致的美。

中国超级写实主义第一人——冷军的作品，已达美的极致，但并非油画最高标准。

    这个流派只是油画中一个支流，并非主流。只是一般不懂画的群众对不像实景的画不大欣赏，不知道它好在哪儿。
    我见过一些其它流派的画家作画，面对模特，自己画自己的，跟那模特几乎没什么关系，只是个大概参考，甚至模特只是提供一个创作想象的依托和符号，只是要画他心中的那个人。但最后画出的画非常美，这就够了，这就是艺术。

 

画家只是借模特画他心中的那个人，这画的色调和人物动态就很美

 

模特有长这样的吗？但色彩的强烈对比正是野兽派的风格