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我为何不喜欢这部一镜到底的电影
(2017-02-26 13:13:55)
标签：
杂谈 |
前几天，很宅很宅的我居然周末出去看了一场电影。
此片在LA上映的时候我就错过了，所以知道在北京放映，就决定一定要在大屏幕看看。
（虽然最后发觉某艺术区影院的放映质量还不如自家投影）
看的是什么片呢？
嗯，对。
就是这部一镜到底的电影。
记得当时此片在北美上映的时候，宣传语就是Darren Aronofsky
之后有一次和影帝Colin Firth在一个晚宴坐对面，聊天时他也特意提到了这部片子。
于是我对此片充满了好奇。
也许期待太高，我看完了很失望。
我无法发自内心地说它好，但说它不好也挺委屈它。
这种感觉你们懂吗？
看完我没有愉悦，也没有感动，很心塞啊。
我可以怪一下长镜头吗？
讨论之前，我们先明确一下定义：
机器完全不运动，但时间很长的镜头；
与
机器与演员、环境都在一起变幻的调度镜头；
是两种不同的东西。
英语里把两者都称为‘long take’，其实是制造了歧义。
有调度的，且时间长的镜头，法语“Plan Séquence”（让我勉强翻译为‘调度设计序列’吧）表意更准确。
我们今天要说的是长镜头是指“Plan Séquence”。
对我来说，评判拍摄手法的标准只有两个：
1. 是否是对技术的挑战，是否有实验性和前瞻性。
2. 是否是基于影片核心的最佳表达方式。
显然，《VICTORIA》不符合不符合第一点。
长镜头真的一点儿都不新鲜了。
当下，数码设备越来越方便轻巧，拍摄长镜头的实际操作难度越来越低。
几十年前，就已经有许多导演为了探索调度和摄影机的可能性，做了大胆的尝试。
1964年的《我是古巴》中有一个从屋顶一路下行的3分半长镜头，今天看依然很惊艳。
要知道当年可没有特效，摄影器材和附件也比现在的难用很多啊！
导演是来自战斗民族的Mikhail Kalatozov，他也是《雁南飞》的导演。
2014年的《鸟人》更是把长镜头玩上了绝路，为了达到一镜到底的效果，用了大量隐形特效。
此片成了标杆，但也让人对长镜头让人审美疲劳了。
那么对于第二点呢？
我觉得也是不符合的，我们从电影本身说起。
电影开场，我们来到了典型的柏林夜晚，闪瞎眼。
就这样一直闪闪闪，5分钟。
这一段我个人挺喜欢的，迅速进入环境，女主角穿着背心的样子也很可爱。
她是个孤独的外国女孩儿，一人跳舞，跟Bartender搭讪都遭冷遇，只能自己喝烈酒吞药丸。
去上个厕所，也被不友好地赶去后面排队。
最后她和门口的几个本地小混混玩到了一起，一路上用蹩脚的英语聊天。
抱歉，我非常诚实地告诉你们，从他们在小卖部偷了几瓶酒之后，我实在没忍住睡着了。
醒来的时候，他们已经磨叽到了女孩工作的咖啡店。
但我四周看了一下，有好几个其他观众也睡着了。
此时，小混混‘太阳’和女主相互的好感已经非常明显了。
女主弹了一首《魔鬼圆舞曲》，‘太阳’听傻了，几分钟前她还只是外来务工的平凡女孩，一曲后她背后仿佛长出了翅膀。
醒了，我也彻底醒了，醒得心服口服。
女主弹得太好了，但弹着弹着她就情绪崩溃了。
曾经，她是音乐学院的学生，疯狂地练琴，没有自己的生活也没有朋友。
然而要在音乐界立足太难，她选择了放弃，现在咖啡店打工，一个小时4欧元工资。
开场的时候，那一口烈酒，也是4欧。
如果我放弃了为之努力了16年的东西，来打每个小时4欧元的工，去夜店没人找我搭讪，我搭讪还被拒绝了，我应该会被逼得去抢银行吧！
结果......
他们真的去抢银行了！
好了，后面的内容，我就不剧透了。
感兴趣的朋友，可以自己去看看，此片还是值得一看的。
没错，全片是真真正正的一镜到底。
我查了一下资料，导演写了一个剧本骨架，血肉都是演员们在排练的过程中给填上的。
整个片子拍了三次：
第一次看着很无聊；
第二次可能药给多了，完全失控；
第三次就刚刚好。
整部片子都是佳能C300拍的，摄影师是挪威人
Sturla Brandth Grøvlen（维京人果然体力好）。
还有两部他担任摄影指导的片子在IMDB评分很高，准备找来看。
一镜到底腻害吗？
挺腻害。
但，基于叙事，这是最好的表达方式吗？
我觉得并不是，原因如下：
1. 尽管配合得非常完美，但还是有许多时候，可以明显感觉到演员在等摄影到位，或刻意照顾机位。
因为无法剪辑，节奏基本由演员和摄影控制，多少还是有拖沓，也会有气氛渲染不足的时候。
2. 评判一个演员是否塑造成功了一个角色，最好的方法就是去试想还有没有其他人更适合这个角色。
如果绞尽脑汁，也想不出，那就说明塑造成功。
反之，就是角色没立住。
这就是不可替代性。
我想，对于一个电影/镜头的拍法，也是同理。
我在看《VICTORIA》的时候，就一直在脑子里重拍它，不管我重拍得好不好，但至少说明这种拍法没有不可替代性。
大卫.芬奇说过，一个镜头只有一种拍法——正确的拍法。
这不是一部纯作者式的艺术片，而是有强剧情冲突的。
如果再加几条线索，再多几场车戏/枪战之类的大场面，把结尾再推上去一些，可以成为一部不错的商业片。
那么如果拍一部中小成本的精良类型片会怎样？
首先，参与的人可能更多，
导演的话语权会骤然降低，个人的趣味会被削减大半。
其次，成本会更高。
除了后期成本嗖嗖上去之外，更重要的是拍摄周期也会更长，拍片的人都知道，实拍是最费钱的。
接着，拍出来了怎么办？
一个还不错的欧洲商业片，在国际范围内是不卖的，也不会受到电影节的青睐。
怎么办？
这样一个内核不够文艺的故事，如果要进电影节，得到媒体和观众的注意，至少要有一个特别的形式。
想来想去，较低的成本内，可以实现的，也就只有一镜到底了。
所以说，我觉得一镜到底对于《VICTORIA》来说并不是最合适的拍法，
只能算是一个聪明的选择，甚至可以说是’取巧‘的。
我不喜欢的不是一镜到底，也不是这个故事，更不是演员、摄影，而是‘取巧’。
这部片里，其实我最喜欢的部分是他们抢完钱后不但不及时跑路，还作死去夜店玩那段。
进入舞池，导演把环境音给掐了，换上了一段柔软的音乐。
在接下来的几分钟里，他们屏蔽了一切烦恼，开心地跳着、亲吻，那也许是他们生命中最美好的短暂时光。
这也是唯一有“控制”的一段，音乐的切换完成了外力对节奏的控制。
既然都说到了这里，
就再聊十块钱如何？
许多人都说这部片子看不懂，不明白要表达神马鬼。
我也是每次都努力想看完，但每次都睡了。
画面很美，语言很陌生，还有许多欧洲历史元素穿插其中。
可以说，这是一部优美的寓言式催眠电影。
我真的不带一点儿贬义，请相信我。
可能再过几年，我会突然认真看完并突然看懂。
这部戏电影，
对于我来说，
是，
醒着的梦境。
大师的作品，我就不评论了，当年胶片的长度有限制，所以不能撒开玩。
如果在数码年代，不知道希区柯克会怎么玩。
据说当年在戛纳，许多人反感到愤然离席。
这部片子也成了一个标杆，长镜头下，莫妮卡.贝鲁奇这样的顶级美人赤裸裸地在隧道里被强奸；用灭火器把人脸砸成肉饼。
玩得太狠，前无古人，后无来者。
之后，这位导演的作品也依然没有超越自己。
ENTER THE VOID，也有让人眩晕的开片长镜头，但影响力也远远不及《不可撤销》。
26分多开始的那个车内戏，挑战了车内拍摄的极限。
一开始男女还在吐球球秀恩爱，但很快就被子弹穿喉。
一路上有被烧着的车横过来，骑摩托车的杀手射杀，又被男主一车门撂倒。
这个镜头的完成难度让人惊叹，一秒钟多余都没有，让人完全置身于环境中，无比紧张、真实。
我真的想给跪。
拍摄现场是这样的，你们感受一下：
所以，导演搞出了《地心引力》里的长镜头，也是意料之中。
《地心引力》中的镜头有完美的设计，并用了大量后期特效。
我想给导演跪，因为他玩长镜头真的是在探索技术极限，同时也完全咬合核心意义。
《蛇眼》里长达12分半的长镜头也非常厉害，从电视直播屏幕里出来进入现实世界，然后男神经尼古拉斯.凯奇一路引领到比赛现场，直到枪击前才切掉。
这个镜头调度真挺难的，摄影还很diao地在大场面里，晃来晃去甩了好几次头，赤裸裸的炫技啊。
我其实挺喜欢《路边野餐》，有诗意，像梦境，唯一减分的就是其中的长镜头。
镜头的抖动，画质突然的切换，以及一些根本没法忽视的技术问题，让我一下子就出了戏。
youtube上面也有很多历史最佳长镜头的集锦，感兴趣可以把原片都搜来看看。
总之，长镜头已经被玩过很多次了，有些根本无法超越，再玩其实早已没有新意。
所以，
我写这篇文章的真实目的是：
提醒自己，长镜头要慎用，若是为了长镜头而长镜头，可就尴尬了。
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