柳琴常用来演奏高音区的主旋律，还具有曼陀林的音响效果。
    柳琴的演奏技法与琵琶类似。
　　在民乐队中，柳琴是弹拨乐器的高音乐器，其音响效果独特，不易被其它乐器所掩盖，常用来演奏高音区的主旋律，有时也演奏华丽、技巧性高的华彩乐段。它既适于演奏欢快、对比强烈、节奏鲜明、富有弹性和活泼的曲调，也适于演奏优美、抒情的旋律，在乐队中能与琵琶、阮、筝和二胡等乐器和谐默契地合作。
　　柳琴还具有西洋乐器曼陀林的音响效果，它与西洋乐队合作时更别有风味，在音色上也能水乳交融、相得益彰。在民间乐队——常州丝弦中，柳琴能与主奏的笛子密切配合，起到陪衬、增强对比和装饰作用。在器乐合奏中，有时它还处于领奏地位，能很好地调节音色变化。
　　演奏柳琴时，奏者端坐，将琴斜置于胸前，左手持琴按弦，右手执拨弹奏。琴拔多由赛璐珞片、塑料片或牛角等材料，制成三角形、四边形或长条形。以用0.7毫米厚的赛璐珞片制成边长30毫米的三角形投片为好，有着不掉粉末、软硬适度、富于弹性、便于控制等优点。还应将拔片每边的右侧磨簿些，以使发音清脆、洁净。柳琴拨片同拉弦乐器的琴弓一样重要，对

    现代社会，家长们正面临着空前的、史无前例的、严峻的独生子女教育问题。多子女的家庭，父母是一层，子女们是一层，形成一个完整的社会关系。独生子女家庭，就只有父母一层，一个孩子形不成一层社会，是不完整的社会关系。 
    老祖宗没有给我们这代人留下教育独生子女的经验。以前，都是多子多福的概念。例如：过去的社会，一个家庭有几个孩子，经常为一件事“争抢”。孩子们之间“抢着”吃饭，已司空见惯。从小就养成了一种“竞争”意识。现在的家庭，多数为独生子女，父母事事让着孩子，连喂饭都是家长追着孩子一口一口地喂。独生子女在家庭里，没有与孩子“抢”东西的伙伴，孩子缺少竞争对象。 
  　独生子女摔倒后，就会哭，做家长的恨不得8个人一起去扶他。但这不是因为孩子摔疼而哭的，是孩子看到家长惊慌的样子吓哭的。你不扶他，他就不起来。这样的孩子就会养成“娇气”。这种现象很普遍。如果家里有几个孩子，一个孩子摔倒了，当父母的不一定会顾得过来去扶他，他就不会依赖别人，自己就会站起来。这样，孩子就会养成什么事都要依靠自己。
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    随着社会的进步和时代的发展，我国独生子女群体的崛起，我们对子女的教养问题已表现出前所未有的兴趣和关注，特别是对如何做称职的家长尤为重视。我们在“家庭教育的重要性”这一讲中指出，家长是孩子的第一任教师，也是终身之师，所以家长要胜任教师这一角色。孩子喜欢什么样的父母呢，很多学者都做过调查研究，在此方面，美国学者R、F尼赫茨为了弄清孩子对自已的父母究竟有什么要求，调查了十万个孩子。其中，有10条最有影响：

     1、孩子在场，父母不要吵架；

     2、对每个孩子都要给予同样的爱；

     3、父母之间互相谦让，相互谅解；

     4、任何时候，父母都不要对孩子撒谎；

     5、父母与孩子之间要保持亲密无间的关系；

 

    （一）复调音乐概念

    复调音乐是建立在横向思维基础上，将具有独立意义的多层旋律线，按照对位法则加以总想结合而构成的多声部音乐结构。

    （二）复调音乐与主调音乐

    在多声部音乐的构成方面，复调音乐是与主调音乐相对应的思维体系。主调音乐是建立在纵向思维基础上，将表现音乐内容的重要功能赋予主要旋律。运用和声的力度、色彩以及和弦形式变化构成的音型化织体等，陪衬、丰富主旋律以达到音乐的艺术表现目的。

    在主调音乐中，将纵向结构的和弦写成音型化织体陪衬、烘托主要旋律，在器乐音乐中是较为普遍的用法。 

    复调音乐是将多层具有独立意义，甚至具有鲜明性格特征的旋律，按照复调结构的逻辑结合成统一的音乐整体，达到表现音乐内容、塑造音乐形象的目的。

    （三）复调音乐的发展史及历史划分

    西方复调音乐的形成是由9世纪的奥加农开始的。经历了几个世纪的发展后，在15、16世纪达到了复调音乐发展历程中的第一个高峰期。这一时期的代表作曲家是

    在中国专业音乐创作中，和声的应用约从20世纪初开始，最初采用欧洲大、小调和声方法。由于旋律多为五声调式，因此，和声如何适应旋律的风格，就成为中国作曲家在实践中不断探索的课题。初时的和声大都是在大、小调和声的基础上加强副三和弦的作用以及应用附加六度音的大三和弦等方法，并注意声部（特别是两外声部）的五声化进行。20年代赵元任在其创作歌曲的伴奏中，就注意试验中国化的和声.

　　30年代中,由于民族传统音乐与民间音乐的影响,音乐的民族风格问题得到进一步的重视，对和声也有了更多的探索和试验，如借鉴欧洲民族乐派以至印象派（如德彪西）的某些和声方法,自然调式和声的应用增多,在三和弦的基础上采用附加音或代替音的方法。在有些作品中，打破了大、小调的和声规范，采用五声化和声结构（如老志诚的《牧童之乐》的引子部分等）或复调化处理（如贺绿汀的《牧童短笛》等）。

　　40年代中，音乐创作较前一时期有进一步的发展，以民歌或以民歌风的旋律为素材的作品逐渐增多。和声上重视应用调式和声方法，并尝试一些适合于五声音调的和弦结构，如四、五度和弦、替代音和弦等。

    西洋音乐中和声的形成与发展,至今已有千余年历史，现分六个阶段概述如下：

    一、10～16世纪，欧洲复调音乐从早期的奥加农发展至复调写作的完善阶段

    当复调音乐的各声部相互间以协和音程为主作对位结合时，即形成和声音程、和弦与和声进行。当时以各类七声中古调式为基础，故后人称15、16世纪复调音乐中的和声为中古调式和声或教会调式和声。其特点为：①建立在6种不同结音(即主音)的调式基础上（第7种洛克里亚调式极少应用）。各调式音阶的音程关系不同，每一种调式都有其特征音程，相互区别。②以协和音程为基础，和弦结构只有大、小三和弦原位、第一转位与减三和弦第一转位。其他不协和音程均须按规定的方法解决。③各级三和弦都可相互连接。在和弦的连接中，根音之间的各种音程关系（除增四度外）均常用。在音乐进行过程中，并不要求以主和弦为中心，但在乐曲结束处应以主和弦收束。约从14世纪开始应用变音，亦称“伪音”，规定六度反向级进到八度时须为大六度，三度反向级进到同度时须为小三度，因此需应用变音，形成类似导音进入主

组曲（suite）
　　几个具有相对独立性的乐章,在统一艺术构思下,排列、组合而成的器乐套曲。
　　早期组曲 组曲是最古老的器乐套曲形式，源于对比性舞曲的组合。早在14世纪，舞会里即盛行一慢一快的对比性舞曲的组合。16世纪初,琉特演奏家仿此以1首庄严的2拍子舞曲与 1首轻快的3拍子舞曲联合成套。例如在法国、德国及英国,通常采用舞曲帕凡-加亚尔德的组合，在意大利，则采用帕萨梅佐－萨尔塔雷洛的组合（见舞曲）。此外，许多作曲家还各自按自己的艺术构思,进行各种组合的试验。从当时编纂的琉特曲集中,经常可以发现3个或更多舞曲的组合形式。
　　组曲作为音乐体裁的名称，最早见于1557年，但其结构形式长期变化不定。其典型形式公认是由萨克逊键盘作曲家J.J.弗罗贝格尔定型的。1650年流行的组曲形式常由阿勒芒德-库朗特-萨拉班德3种舞曲构成,弗罗贝格尔也按此创作了不少组曲。嗣后,吉格插入组曲,有时置于库朗特之前,有时置于其后。弗罗贝格尔死后,1693年，他的组曲曲集出版，其舞曲排列的次序，被公认是古典组曲型式的楷模。

什么是交响曲
    器乐体裁的一种。管弦乐队演奏的大型（奏鸣曲型）套曲。源于意大利歌剧序曲，海顿时定型。基本特点为：第一乐章快板，采用奏鸣曲式；第二乐章速度徐缓，采用二部曲式或三部曲式等；第三乐章速度中庸或稍快，为小步舞曲或诙谐曲；第四乐章又称'终乐章'，速度急速，采用回旋曲式奏鸣曲式等。

交响曲代表作曲家
    海顿作有交响曲一百余部，莫扎特作有五十余部，贝多芬的九部交响曲被称为交响曲的不朽之作，舒伯特作有《未完成交响曲》等八部。浪漫乐派的其他作曲家如柏辽滋、舒曼、门德尔松、勃拉姆斯、柴可夫斯基、鲍罗廷、德伏夏克、西贝柳斯、布鲁克纳、马勒等均作有著名交响曲作品。近现代的著名交响曲作曲家有奥涅格、伏昂·威廉斯、格拉祖诺夫、斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫、米亚斯科夫斯基、普罗科菲耶夫、萧斯塔科维奇、恰恰图良等。

交响曲的由来及发展
    “Symphony”一词源于古希腊，原义为“共响”。至中世纪，指两音谐和地结合，有时亦指某种乐器意大利作曲家G.加布里埃利首先用之为曲名，称其声乐与器乐合演的圣

    音乐体裁的一种。十六世纪指意大利的一种有乐器伴奏的声乐曲。十七世纪后半期起，指一件或几件独奏乐器与管弦乐队竞奏的器乐套曲。巴罗克时期形成的由几件独奏乐器组成一组与乐队竞奏者称为大协奏曲。古典乐派时期形成的由小提琴、钢琴、大提琴等一件乐器与乐队竞奏的控协奏曲称“独奏协奏曲”。海顿、莫扎特、贝多芬以及浪漫乐派的许多作曲家均作有大量的独奏协奏曲作品。另有两件相同或不同乐器与乐队竞奏的复协奏曲（或和双重协奏曲）、三件相同或不同乐器与乐队竞奏的三重协奏曲，单乐章的小协奏曲，乐队与乐队竞奏的控化的大协奏曲等。控化的协奏曲多用三乐章的套曲曲式构成：第一乐章为奏鸣曲式的快板，第二乐章慢板，第三乐章快板。古典乐派及浪漫乐派的部分协奏曲的第一乐章多采用双重呈示部，先由管弦乐队演奏第一个呈示部，之后独奏乐器加入演奏，随后由独奏乐器为主演奏另一个内容不完全一样的第二个呈示部。除此外，在第一乐章和第三乐章再现部结束、结尾开始前的主和弦第二转位和弦后安插由独奏乐器演奏的华彩乐段，并用属和弦上长时值的颤音过渡至管弦乐合奏的结尾。

    Concerto，原意是竞赛。十六世纪意大利的协奏曲多指有乐器伴奏的合唱曲，以别于无伴奏合唱。十七世纪后半叶起，指由几件或一件独奏乐器，与一小型弦乐队互相竞赛的器乐套曲。用几件乐器者称“大协奏曲”。意大利作曲家托莱里和科莱里是大协奏曲的创始者。亨德尔和巴赫都作有大协奏曲。巴赫的《勃兰登堡协奏曲》就是大协奏曲中有代表性的作品之一。由一件乐器（有时还带有伴奏）与乐队竞奏的古协奏曲，叫做“独奏协奏曲”，如维瓦尔第的协奏曲。

    维也纳古典乐派大师莫扎特以大量的创作—二十多首钢琴协奏曲，六首小提琴协奏曲，以及长笛、单簧管、小号、圆号等为独奏乐器的协奏曲确立了至今还被袭用着的协奏曲形式。这种协奏曲由一件独奏乐器与管弦乐队协同演奏，独奏部分具有鲜明的个性和高度的技巧性。乐曲通常包括三个乐章：第一乐章用奏鸣曲式，第二乐章多为抒情的慢板，第三乐章常用回族曲式或奏鸣曲式。第一乐章的后部有一个华彩段（第二、三乐章有时也插入较短的华彩段）。起初，华彩段由演奏家根据乐曲的基本主题作即兴发挥，到十九世纪后则由作曲家写成固定的曲谱。现代音乐家演奏古典协奏曲时所用的华彩段曲谱