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中国画的魅力在于笔墨技法的运用,笔墨是中国画关于状物和传情达意的艺术技巧,笔,是指运用毛笔以勾、勒、皴、点等不同技巧,表现变化无穷的线条情趣;墨,是指运用墨的浓淡、疾缓、干湿等,以烘、染、泼、积、破等方法,使之产生丰富而细微的色度变化,在宣纸上呈现出动人的效果。

古人曰“目忘缣素,手忘笔墨,磊落挥洒”。到了那境界,笔墨随意挥写,无累于心。可能够到达那般境界的人毕 竟太少了。专家通过对中国传统画的研究,对传统中国画中的笔墨有了很深的了解,下面将其讲解给大家,希望字画收藏者们能很好的鉴定传统中国画。线描是中国画的主要特点和主要表现手段,中国画之“线”。是具有生生活力的有生命的线,运动的线,是寄寓作者的人格与性灵的线。好的笔线如钟表里的发条,不好的笔线如同煮烂了的面条。”可见一根好的线条不仅从外部看不轻飘,有份量,俗称“有劲”。而且应有无尽的感染力,这种感染力是非物质力量。它“内含筋骨”,是从内部发生出来的有生命力的力量。凝聚着过去运动的力量。也是感觉的艺术的力量。

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行书是在楷书的基础上发展起源的,介于楷书、草书之间的一种字体,是为了弥补楷书的书写速度太慢和草书的难于辨认而产生的。行书的用笔的特点是:起笔如楷,运笔如草,点画应接,笔断气连,主笔沉着,连笔轻细。

一、落笔行笔收笔行书书写时,每一笔点画都有落笔、行笔、收笔三个过程。

1、落笔:指的是开始书写点画时的起笔;

2、行笔:指的是书写点画的中间运笔;

3、收笔:指的是书写点画结束时的用笔。

如横画,左为落笔,中为行笔,右为收笔。如竖画,上为落笔,中为行笔,下为收笔。如撇和捺,头为落笔,中为行笔,尾为收笔。落笔有轻有重,行笔有快有慢,收笔有回有露。

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  一幅完整的中国画,印章的存在是必不可少的。在国画的创作中,人们习惯于盖图章才是完成一幅国画的最后工序。在白底的纸上,黑色的画迹中,盖上一方深红色的精美印章,能够使画面相映生辉,所以中国画家常拥有各种印章。那么在中国画中怎样使用印章?国画中印章的作用又如何呢?
一副完整的中国画,除了题跋之外,还要用印章。印章在中国画中起着均衡画面构图,丰富画面效果的功能。国画印章的具体使用方式以及作用:
1. 名号章。一般用两方配合使用,是画面上必不可少的。一方刻姓名,一方刻字号;或一方刻姓,一方刻名字。一方刻朱文,一方刻白文。用时,朱文红色轻,用在上边;白文红重,放在下边。印章大小约等于题字,或略小于题字。盖章的位置,如署名下空白多,就盖在下边,如署名下空白少,可盖在字迹左右。两方章的距离,约等于一至二个图章的位置,不可拉得太开,或挤得太拢。
2.压角章,亦称画角章。可根据画面需要,用在画的左下或右下角。压角章比名号章大,多为方形或长方形,朱白文不论。内容可以是格言、警句,统称闲章,如“师造化”、“得山水趣”、“江山如此多娇”等。也可以用斋馆名,称为斋馆章,如文征明的“真赏斋”、石涛的
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笔墨画技法中的墨法就是运墨的方法。专家通过对中国传统国画的分析,认为中国传统国画技法中主要有三种墨法,分别是:破墨法、泼墨法、积墨法。下面对其三种墨法进行详细分析:

 

    破墨法: 在全部的墨法中用途最广,变化最多的是破墨法。无论是浓破淡还是以淡破浓,均要在前一遍墨将干未干时进行(即乘湿往上加)。破墨是破坏了原来的不好的效果,建立起一个新的更完美的效果,它同样要求造型高度准确,运水运墨的技巧高度娴熟。反映敏锐,随机应变地去自理各种变化与问题。破墨法有以重破淡,以淡破重,以干破湿,以湿破干,以水破墨,以墨破色等。画面效果多呈水墨、水色,交融多变,生机活泼之感。

    泼墨法:顾名思义泼而成之,如泼水一般,一遍或者少遍墨。干、湿、浓、淡同时进行,用书法的方式一气呵成,是典型的大写意之墨法。往往在一大片墨中同时有干、湿、浓、淡的变化。直抒胸臆,灵活多变,随意性极强,目的在于笔意之外,求自然的水墨流动韵味之意外效果,没有自然则刻板、僵滞,缺乏人意则非绘画。泼墨法中的干笔与飞白尤为重要,否则会变成满纸墨猪。行笔过程中还要求造
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    郑正老师的《荷乡》是当代写意花鸟中的代表作。专家发现在当代写意花鸟画创新中,人们在认真总结前人的经验技法的同时,更加重视水的作用,视水为花鸟画创作最活跃 的因素。充分调动这一因素,对加强作品的现代审美情趣有很大的潜力。其实还有。在创作中,水的表现发挥着独特的 极其重要的作用。这是实践证明了的事实。字画鉴赏专家通过对郑正老师作品中的荷花进行分析,认为他有自己独到 的用水技巧。现专家根据郑正老师的“水法”,结合他在花鸟画学习,创作中的体会,将《荷乡》中的水法总结为“ 水带墨、色”,进行详细说明。




    “水带墨、色”是在生宣纸上画花鸟常用之法。根据各自的作画习惯,在作画前,或在
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   郑正老师认为国画分类种类繁多,我们在欣赏国画的时候,不时的被国画的那种意境所感染,所陶醉,尤其是花鸟画作品,更让我们被那种唯美的画面所感动。
中国花鸟画历史悠久,山水画、人物画并称为中国传统三大画科。在唐代花鸟画已经相当成熟,经五代直至宋元,花鸟画与山水画一样逐渐成为中国绘画的主流。
中国花鸟画在长期发展中,也形成了多种绘画技法和多种绘画风格。概括可以分为工笔和写意两大类。它不仅仅为了准确描绘现实中的花卉禽鸟,而是集中体现了中国人与自然生物的审美关系,同时表达画家的精神境界和思想感受。
工笔花鸟画即用浓、淡墨线谨细勾勒出轮廓形态,再由浅入深分层着色,采用分染、罩染、统染、点染、接染、撞水、碰色等方法进行花鸟画创作的一种特殊绘画风格与技法。所绘对象栩栩如生、精致动人。
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   1925年出生于安徽萧县刘套村。1938年小学毕业。时因抗日战争爆发而辍学。1945年考入徐州师范美术科。1948年毕业后,从事美术教学工 作,1983年离休。他自幼跟舅父萧龙士先生学画,深得家传。1949年春,曾随舅父去北平学艺,先后拜见齐白石、李苦禅、李可染、许麟庐诸画师,以所绘 之墨竹、兰向名师求教。当时,白石大师在其所画之墨竹上题词:“吾亦画几六十年,未能似郑正先生之秀雅,先生年才二十,再用功。追到板桥易也。”苦禅画师 亦在其所画之墨兰上题词:“写兰是老年人作或有不工者,郑正老郊写之自是老练.从此努力,当不亚于板桥。”此次在北平学艺期间,深得诸画师的教诲、勉励, 作画意境为之大开。七十年代,郑老又南下宁沪拜见林散之、王个簃、朱屺瞻等海派画家,学习花鸟画创作而一举扬名。
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    郑正认为鸟语花香作为大自然中美的对象,  早在三代上古,诗人六义,多识于鸟兽草木之名,而绘事之妙,亦相继寓兴于此,与诗人相为表里。据文献记载,六朝时的顾景秀,刘胤祖皆精于蝉雀,笔迹谨细,赋彩新丽,形象微妙,是花鸟画之蓓蕾初萌,至唐代薛稷的画稿,冯绍正的画鸡,姜皎的画鹰,均有名于时,大略以工笔设色的画法写生逼真,中唐以后,花鸟画正式独立成科,可以作为标志的便是边鸾,于锡,梁广等一大批花鸟画家的涌现。其中的边鸾的成就最高,他长于写生,画法工笔重彩,笔迹轻利,赋彩鲜明,形象生动逼真,中国花鸟画的传以及工草没色的技法,到边鸾已经达到相当水平了。 进入五代,以“黄徐异体”为旗帜,花鸟画一科臻于圆转成熟。当时西蜀的画坛,由刀光胤,滕昌礻右带去了唐代的传统技法,到了黄筌父子手里获得了进一步发扬光大,作风艳丽丰满,谚称黄家富贵,南唐的画坛,则以徐熙为代表,以落墨为格等江湖汀花野竹,水鸟渊鱼,意境清淡隽秀,谚称“徐熙野逸”,后世花鸟画的发展,没有超出这两大基本的传统技法之外的。
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    爷爷的一幅墨竹被当代草圣林散之给予了高度的评价:清健婀娜,有板桥遗韵。这个是多么高的评价啊!
     爷爷郑正在一九七三年的时候拜见了当代草圣林散之先生,那是的爷爷还很年轻,书画水平相比现在还是比较一般的。
    现在的作品看起来比年轻的时候老辣了很多,包括在细节方面的处理也是很到位的。

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