1 一个有待确立的学科

    在我国艺术院校的基础课教学多年来主要是围绕着各个学科和专业的需求来进行的，且基础课程普遍处于从属地位而没有获得过学科意义上的真正独立。虽然我们从多年的基础教学过程中得到了很多的认识和经验，也为多年来专业教学的发展做出了很大的贡献，但是基础课程服务于专业的意识这个局限从主客观两个方面都限制约束了基础教学的研究和发展，使他先天就缺乏应变能力及创新精神。历史的经验已经证明，往往我们越是试图将基础教学拉进专业课教学的范围，我们所获得的结果则越是恰恰相反，因为任何一门基础课程一旦到了无微不至的服务于专业课的程度，它也就失去了基础教育的意义，基础教育的最大意义首先就是教导学生学会做一个完整的人，而不是一个不很健全的手艺人。

 

2 计划不应是目的 变化也不应是手段

    我们国内艺术院校是在长期的计划体制下发展建立起来的，我们的思维方式比较习惯于先设定计划然后在寻找落实计划的方式，而每一次对于计划实施的关

1 一门独立的学科

   艺术的基础教育在美国是一门独立的专业和学科，它是不从属于任何专业和学科而独立存在的。在主观上它没有服务于艺术教育专业课程学习的义务和责任，但在客观上却为艺术教育专业的发展提供了很好的服务与支撑，这为基础教学研究在美国的持续不断的发展和出新创造了机会与可能。教师可以在一个相对稳定的条件下长期从事基础教学理论的实践和研究，学生可以在一个相对单纯的环境里没有拘束的从事学习和探索。这两个因素加在一起又构成了他们基础教育理论研究中非常有趣的一环，这是美国基础艺术教育乃至艺术教育能够不断健康发展的一个重要前提，也是美国现代文化得以超越欧洲传统而立足于世界的主要依据。

 

2 育人是目的 教学是手段

   在美国艺术院校基础课程设置的前提，首先是如何最大限度的培养学生的独立自主精神和独立生活能力，其次才是考虑满足专业课程及社会就业的需要。因此他们的基础课程设置一般都具有比较大的前瞻性和长远考虑

   清华大学美术学院教授袁运甫先生的画展正在国家大剧院举行，几十幅作品跨越了几十个年华，好看的画实在是很多，更另人惊叹的全部作品都是水粉画，可见老先生对水粉画一向独有情衷。按说画水粉的人不在少数，技艺超群者也不乏其人，但袁先生的画之所以能让我有所触动，是因为我在今天的绘画中很难看到的几样“东西”出现了；一是品位，二是宁静，三是单纯。这既是我们东方艺术的传统，也是我们学院的传统，搞不好也许还是西方绘画的传统。国外的艺术家与我们不同，他们不讲究艺术的格调和心境，他们追求的是创造和本质，所以才有了东西方不同的艺术及绘画。本来应该他们画他们的，我们画我们的。可彼此之间偏偏要相互“借鉴”，结果人家越来越好，我们却越来越什么都不是了。真他妈的觉得不爽！好在看了画展，心态有所平衡，也想推荐给大家，看看是否能从那些小小的、柔弱的、好看的水粉画中找到我们的感觉。

    这是一个困扰了大家恒久，以至于后来者已经感受不到它的困惑的古老话题。从上个世纪80年代由吴冠中先生率先倡议并在艺术界引发广泛争议至今，这个话题已经逐渐被人们遗忘了，由此引起的有关现代中国艺术审美价值判断的思考也随着时光的流失、人心的改变、经济的喧嚣而被厚厚的尘封起来。也许这个“审美价值判断”的提法不够专业，也未免不够准确，但偌大一个中国，几十万甚至上百万的艺术从业者，都秉承同一个审美价值判断标准，用同样的方式认识艺术、用同样的方式从事艺术、用同样的方式利用艺术、甚至用同样的方式糟蹋艺术，这种状况本身已经说明；我们现在根本就没有自己的审美价值判断，更提不上的体系和标准。现在的艺术已经没有，也不应该再有统一的、恒久不变的标准。放眼世界艺术领域，我们很难找到哪怕一个，像我们这样“万众一心”、“强求一律”、“群体模仿”的、并且丝毫不感到羞愧的，令人生厌的“艺术局面”。

    所谓的令人生厌的艺术局面，主要就是指在美术创作

    艺术从存在那一天起就与时间和空间同时结下了不解之缘，从来就没有什么孤立的时间或空间艺术，音乐是时间的艺术？不是，虽然各种表现方式是有时间的延续性，但它所表现出来的空间意义是所有的人们都毋庸置疑的。绘画是空间艺术？不是，尽管绘画表现方式是空间的，但它所源源不断传达出的精神价值确是任何具体的空间无法承受的。音乐的声响可以充斥大厅，可以从一个空间传递到另一个空间，可以用来听，也可以用来看。在声音的作用下，我们可以“看到”许许多多无法看到的东西。绘画中的形色不但可以用来表现一个具体的空间景象，也可以表现不具体的，甚至抽象的空间现象。不但可以表现一个特定的时间，也可以表现非特定的连续的时间。不但可以用来看，也可以用来听。我们可以在点、线、面以及色彩的作用下“听”到线条与色彩奇妙变化的声响。我们可以在音乐中构筑宏伟建筑，也可以在绘画中描绘一个时空的故事。对艺术表现方式在时间和空间上的限定，源自于过去的艺术教育方式，它不仅限制了艺术的表现，也制约了我们的认识、创造，还有我们的想像。如今对艺术表现方式的规范和限定没

 

  能告诉我东西方现代艺术课上您放的法语情歌的名字吗？谢谢。祝好！

   法国歌手GEORGES BRASSENS的歌曲《CHANSON POUR LAOWERC》的一经“推出”就在课堂上引起了强烈的共鸣，这到让我有些始料不及，恐怕也让如今已不在人间的这位巴黎“老歌手”始料不及。我原本在课堂上播放此歌的用意是为了烘托图片的效果，但不曾想却起到了意想不到的效果，那么多的同学被歌声感动，那么多的邮件、短信发给我时间有关情况，更多的人迫不急待地要下载此歌，真是有些“喧宾夺主”的感觉。

 

    这个对大多数人来说似乎不是问题的问题，现在却成了最大的问题。绘画正在变得越来越像某种设计，人人都要“想好了再画”，生怕画得不好。没人愿意“画好了再想”因为那已没有意义。“想好了再画”，可以借助人们的经验，可以把握绘画的方式、方向和进程，最重要的是可以不再付出思考的努力，不再承受失败的压力，一切都是现成的，只是结果的程度不同罢了。但“成竹在胸”的最好结果也只能是“竹子”，没有其他。而“画好了再想”就不同了，它需要面对每一次不尽相同的挑衅，画到什么程度结束，要根据每一次的具体情况来确定，以往的经验和技巧也许不再有效，至少不完全有效。每张作品的结果都是未知的，创作者为此要承受失败的痛苦，要感受到自信心所受到的伤害，也许还会因此而放弃创作。但是他们终究还是自由的、自在的，他们可以无拘无束的去画，并且无拘无束的去想。他们可以感受到绘画过程所带来的快乐，他们还可以在自己有限的绘画中体验到艺术创作的无限。这类人是艺术活动中的少数，同时也是艺术发展的潜力和希望，因为说到底能够称其为艺术的东西，从本质上说都应该是这个世界上没有出现过的新东西，无论它们是色彩还是形状，至于是否是“好的

    艺术到底是什么、艺术到底是关于什么，许多年来人们一直没有能够说得清楚，因为艺术的定义一直处在不断地调整和变化的状态之中。但艺术不是什么、艺术不是关于什么的观点和学说却不断地被提出、被认可、被接受。

   随着人们对艺术的意义与职能具有了越来越多的深入了解，也许在不久的将来人们会逐渐的意识到艺

   我上高中的时，有次作文课的题目是：写一封信，可以写给任何人。答卷五花八门，真有寄给火星人的信。而我的信独具一格：“写给三十岁的自己”的自己的信。它从一间宁静的平房式的小教室里寄出.

   这种感觉不可思议：我收到了寄自十三年前亲手投给了时间的信，恍惚间就飞送到钢筋混凝土大厦里这个平凡忧郁的我的手上。

   我不敢相信自己曾经这样年轻。如果能回到那一天，我宁愿放弃今天的一切。就算能与多年前发信的我见一面，说几句话，我也愿意付出任何代价。

   在现代艺术史上曾有过一个艺术流派叫做“超现实主义”，这个艺术运动通过绘画、雕塑、文学等艺术手段，专门探索人类精神领域尤

    简约是一种精确，是一种超越“丰富”的最后的抉择，是理性思考后闪光的结晶。它是用形式上的“极少”去涵盖和反映精神世界中的“极多”。简约曾经是一种艺术或设计风格，现在它只是一种审美的立场和角度，我们可以选择简约，也可以选择“丰富”，但是却不能选择“简单”，因为简单不是一种审美的判断，它仅仅是相对于“繁琐”而存在的一种“状态”，它并不比“复杂”好多少，它与简约是完全不同的两回事.其实无论是简约或复杂，都不仅仅是某种视觉意义上的评判标准，它们都是人们对事物所采取的态度和应对方式。不同的事物需要用不同的态度和方式去应对。所以它们之间并没有好坏的差异，也不能够说越简约的方式就越好，越复杂的方式就越糟糕。复杂与简约的需要，取决我们的判断和选择，而判断与选择的好坏是有所区别的或者说有很大区别的。