我们每个人每一天都背负着各种各样的十字架，在艰难前行。
08年刘导新作《单位》。。。
“劳苦大众”的生活缩影，小环境出大真实。
这就是人生.
实验音乐剧《第十二夜》 洋溢青春气息
在戏剧种类异彩纷呈的今天，音乐剧走进了人们的视野，这一汇集音乐、舞蹈、戏剧、舞台美术等艺术的手段于一身的戏剧样式，给中国的观众带来新的审美愉悦。
由中央戏剧学院06级导演表演混合班排演的音乐剧《第十二夜》于6月30日在中戏北教第二舞室进行汇报表演，这是由学生自己原创的音乐剧，改编自话剧《第十二夜》。音乐，舞蹈，舞台美术等创作都由班内同学完成。
音乐融合爵士乐、布鲁斯、摇滚等元素进行创作，简单的配器，简洁的布景，显示出这个戏“简约”的风格，有轻快的舞曲，也有诙谐的复古摇滚。
实验性较强，在于将莎士比亚的名著《第十二夜》话剧剧本改编为现代的音乐剧剧本。在创作上做了很大的变化。洋溢青春的气息，所有角色都由年轻的演员诠释。作为经典的喜剧，在整体呈现上，并没有太多讨好观众的“包袱”，可以用“轻喜剧”来为这个戏定义。
经过四个月的排练，终于进行了汇报演出，略显稚嫩和清涩，但是创作者们“热情”、“认真”的态度为此戏增添了更多的色彩。
此剧音乐风格不统一，表演状态的不统一成为作品的遗憾，在一个小时内完成一个大戏的压缩版本，本身就已经为创作增加了难度，更不用说以音乐剧的形式去创作，所以，作品对原剧本的取舍和改编做了比较的大的改动，主题没有太多变化，多场次自由时空转换成为处理转场的主要方式，布景简单，有时不能为创造假定的环境而服务，也带来了一些问题，更考验演员表演对于规定情境的把握。
青涩与稚嫩的学生作品，体现学生创造性思维，想象力与合作精神。
创作的过程是此剧工作人员最宝贵的财富。
历史背景与剧情介绍：
莎士比亚的剧本中《第十二夜》指的是圣诞假期中的最后一夜,也就是一月6日的主显节,耶觫诞生后,东方三博士在这一天带着礼物到伯利恒去参拜他.在伊利莎白时期的英国,主显节是狂欢作乐的日子.在那一天,所有的规矩和秩序都会停下来,甚至反其道行之.年轻人可能打扮成主教,在街上举行荒谬可笑的宗教游行,严肃的话题或事件会被拿来消遣取乐,在牛津剑桥这种高等学术校园里,更是可见人们大肆作乐.
因此,这个故事本身就带有主显节的癫狂意味,故事一开始就提到伊利亚的公爵奥西诺,因苦恋奥利维亚而终日沉溺在癫狂,浪漫的梦想之中.另一方面,奥利维亚誓言要守丧7年,但当她一见到薇奥拉假扮的西萨里奥,却立刻违背誓言坠入爱河.而薇奥拉和西巴斯辛这对孪生兄妹似乎也受到癫狂的感染,西巴斯辛取了陌生的奥李维亚为妻,薇奥拉爱上奥西诺,却不表明,奥丽维亚爱上薇奥拉,薇奥拉也不急于澄清,她女扮男装,也只是一种生存之道.薇奥拉静待着任由时间来安排一切,并没有太多的焦虑和不安.在剧中,时间不但给人带来痛苦和悲伤,也为不抗拒它的人带来补偿与幸福.
剧名,暗示着一个脱离现实的奇妙所在,如同爱丽丝漫游奇境中镜子背后的世界,任何离奇的事件在这里都不需要合理的解释,所有不合常理的解释,所有不合常理的结局也都可以成立,在写这个剧的时候,莎士比亚才写完《哈姆雷特》,心境刚从背叛,悲凉,癫狂,隔离进入平复,因此,此剧虽然也有哀愁忧伤,但透过幻想和癫狂,一切都化为神气.
创作者的话：第十二夜
怀揣感恩的心，捧着如婴儿般的作品，追逐一个梦想，完成一个愿望，
那些已成回忆的瞬间，将伴随我们走过人生的黄金时段。
谢谢......
|
标签：艺术赏析 |
If music be the food of love, play on;假如音乐是爱情的食粮，那么奏下去吧；
Give me excess of it, that, surfeiting,尽量地奏下去，
The appetite may sicken, and so die.好让爱情因过饱噎塞而死。
That strain again! it had a dying
fall:又奏起这个调子来了！它有一种渐渐消沉下去的节奏。
That breathes upon a bank of violets,拂一丛紫罗兰，发出轻柔的声音，
Stealing and giving odour! Enough; no
more:一面把花香偷走，一面又把花香分送。够了！别再奏下去了！
'Tis not so sweet now as it was before.它现在已经不像原来那样甜蜜了。
|
标签：校园生活 |
|
标签：知识/探索 |
ACID HOUSE
八十年代起源於美国芝加哥，由电子合成器Roland 303 机械鼓发出的规律性的四分音符鼓敲击声，开创了电子合成舞曲的新里程碑的，同时保留了美国地下音乐的原貌，其特点是电子合成器Roland 303机械歌声, 118-130BRM的节奏
ACID JAZZ
融洽了新典型的爵士风格和演唱方式, HIP HOP的节奏和现代科技,关键在於融合,特色是现场乐器演奏的节奏,柔和的音乐旋律
AMBIENT
展现了电子合成器梦幻的一面,结合了自然和日常生活中的声音，透过电子合成器的处理，改变成为具有原创性的音符，其特点是较为电子化,拥有著太空感,有时更会出现很长的混音
BREAK BEAT
起源於八十年代后期,结合HIP HOP节奏,混音技巧Techno Rave的键盘风格, Funky节奏和加速唱腔,维持在135-170BPM的节奏
CALUN
美国 Louisiana 州的白人舞曲音乐,常用手风琴和小提琴,由法国裔美国人演奏和演唱
DEEP HOUSE
HOUSE的一个分支，特点是意味深长的歌词、灵歌类的演唱和纲琴的旋律。
DISCO
70年代主导的舞曲音乐格，特点是节奏和活泼的弦乐编曲，DISCO的大繁衍，使得与此相关的舞蹈、商店和唱片出版销售成为1978年后最流行的时尚
DISCO HOUSE
是70年代DISCO和FUNK风格的延伸，近来风格更上转向旋律性强,接受度高的形态,特点是利用DISCO风格的处理方式、HOUSE节奏、TECHNO技巧及维持在120～130BPM的节奏。
DRUM N BASS
当今前卫电子舞曲中的代表之一，与JUNGLE的区别在於它的节奏和其他跳舞音乐的巧妙结合而JUNGLE显得孤芳自。
ELECTRO
80年代初HIP－HOP的一个分支，重点使用鼓机和合成器。
ENERGY ALTENATLVE
无法对其进行简单的归类，其特点是：接受度高、利用大量的合成键盘声、渲染的唱腔， 成功地结合了HOUSE, ROCK TECHNO的元素，节奏大约在100－140BPM
EURO DANCE
欧洲舞曲，被大多数欧洲人认为是“主流舞曲”。在DISCO的基础上又注入了许多新的元素，如 HOUSE、RAP及更加流行的旋律。在80年代至90年代初，大多数的舞曲作家皆追随其脚步，EURODANCE的速度一般在120－130BPM之间。
EURO DISCO
欧洲 disco 音乐，被认为是德国唱片制作人在70年代中期发明的。
FUNKY
Blue的一种，最早起源於黑人音乐，因为这种充满乐手演奏现场感的音乐，节奏自由奔放，力度非同小可，后来被大多数白人接受。现在的FUNKY音乐吸取了HIP－HOP、SOUL等更多元素变得更加迷人。
HIP-HOP
Hip-Hop起源於80年代，BPM约在90－100拍。Hip-Hop前生是Rap和一点点的R＆B，再加上各种'捽碟'的音效声，属於80年代问始年青人玩的音乐。从字面上来看Hip- hop是轻轻地扭臀，可以看出它的出处。Hip-Hop涵有Rap的爽快五具有节奏的唱法R＆B复杂的节奏以及电唱机 的音效，加上它拥有令人身体轻松摇摆的节奏，特别适合长时问舞蹈
HOUSE
起源於70年代后期，以电子乐器来合成它的音乐形式。 是至今最流行、最广为人知的一种跳舞形式,从其中延伸出的支流亦很多。几乎所有的舞曲类别都或多或少地与HOUSE有所关榜，HOUSE的键盘、电子合成器及富有煽动力的男、女人声，节奏维持在110－130BPM之间,更适合年青人及更符合现代口味
HIGH ENERGY
DISCO的一个变种，保存了70年代中期曲风的根源，又融入了TECHNO的因素，它的特点是：渲染的旋律、人声的掌控、快乐、让人HIGH的快感及维持在118－140BPM的节奏。
JUNGLE
非洲丛林打击与现代化电子合成器音效的混合体，其特点是：副鼓点非常稠密，有少量的唱腔。JUNGLE音乐有别於其他跳舞音乐之处在於它可以使人有接近疯狂的跳舞感觉
NEW BEAT
TECHNO舞曲的欧州分支，节奏更重一些。流行於比利时，受到INDUSTRIAL和HI－NRG音乐的影响。
POP DANCE
很简单，就是可以跳舞的情歌，有动听的旋律和易记的歌词，也有很多人把纯的POP加上拷击乐改成POP DANCE，最典型的代表有 PET SHOP BOYS等，速度在80－140BPM之间。
PROGRESSIVE HOUSE
此类音乐机极度械化以致难於归类在一般性的HOUSE节拍之下，但又不像TRANCE 和TRANCE HOUSE的风格那麼重和晦暗。其特点是TRANCE风格的键盘和电子合成乐器的处理 、HOUSE风格的唱腔、令人亢奋的电子中板的HOUSE节奏及维持在120－130BPM的节奏。
R&B
R＆B（Rhythm and Blues), BPM约在80至100拍, 它原是一种黑人的流行音乐，最早R＆B是Blues和Jazz的混合体R＆B体现了显著的节奏或节拍，另外它的旋律也交代的很清晰，令人留下深刻印象。由放人类代越的物质生活绦件以及复古潮流的影响；目前R＆B已成为乐坛宠儿。
RAVE
通常指通宵不停的DISCO舞会，也是欧、美、日，甚至港台最时兴、最UNDERGROUND的 一种青少年娱乐形式。凡是在RAVE放的音乐皆可称为RAVE（当然只包括专业 RAVE DJ）。RAVE的音乐包括TECHNO、JUNGLE、TRANCE、DRUM＆BASS、TRIP-HOP、 DEEP HOUSE等等
REGGEA
Reggea起源於60年代牙迈加,然后才渐渐地传到世界各地，BPM约在80－100拍。Reggea较注重音乐中鼓和人声的部份，Reggea 和 Funk一样有明显的节奏和固定的旋律。
SKA
REGGAE音乐的早期风格，起源於50年代末和60年代初，混合了牙迈加音乐和R＆B结他或钢 琴在每小节的2/4拍切音。
TECHNO
Techno起源多70年代（后工业时代），BPM约在130拍以上。 House相比Techno要早出现，因Techno时代较电子时代来得早。在典型的Techno舞曲中常要听 到工厂中一些重复、机械、固定和音效的音效影子。90年代Techno开始在欧洲逐渐普及，Techno较一般舞曲隆重、激烈和嘈杂
TECHNO/TECHNO HOUSE
起源於80年代中期的底特律和芝加哥，在80年代中晚期只是地下的非主流音乐，到了89－92 年间已成为美国舞潮的主宰者。其特点是：电子合成键盘的强烈电子声，维持在130－150BPM的节奏
TRANCE
TRANCE源於德国的，键盘声制造“催眠”效果。其特点是大量采用电子合成乐器、相当重的低音、电子合成键盘声维持在128－150BPM 的节奏
TRIBAL HOUSE
音乐的打击部分的处理在於简单和重复的节奏，有著原始和具感染力的能量。其特点有： Minima-list（微限主义）、交叉混音、精致的旋律及带有强烈民族风味的歌声，节奏维持在120－128BPM之间。
TRIP-HOP
它是由一些激进派份子音乐家创造的试验性音乐代表之一，它的特点是:把Break Beat和Hip-Hop的节奏变得很慢配以缓慢的歌唱速度,代表歌手有:Triky和Portishead等
Method Acting的概念是“一位演员在角色的操作管理下试图复制真实生活中的情感状态，并用这种方式来创造栩栩如生、现实主义的表演。这里的“Method”（方法）指的是演员通过接近自身的情感、记忆、经历的实践来影响他们所塑造的角色。总之，其最重要的地方便是对“自身”的强调（所以，要做一名优秀的演员，一定要有丰富的经历、广阔的涉猎面、对世界的全面认知）。
现在，美国大多数学院的表演系都采用Method Acting作为教学基础，而追溯到它的起源，我们要回到1989年的俄罗斯“莫斯科艺术戏院”（Moscow Art Theatre），戏院的管理员便是“戏剧的始祖”斯坦尼斯拉维斯基。斯坦尼斯拉维斯基是俄罗斯的演员兼导演，他首先提出“接近表演”（Approach Acting）这一概念，日后被人们称作“斯坦尼斯拉维斯基系统”（The Stanislavski System）——他花费了多年的精力来研究一个人如何来控制表演中不可触及的、难以操控的人类行为的一些方面，比如情感、艺术灵感等。
通过美国与俄罗斯演员的友谊，“斯坦尼拉斯韦斯基系统”传入了好莱坞。在40、50年代的纽约，李·斯特拉斯伯格将他自己所介绍的Method Acting流行于艺术界。而Method Acting其实就是“斯坦尼斯拉维斯基系统”的表面化、影响下的产物。
| 分类：天天向上 |
百老汇音乐剧令百老汇大道逐渐成为美国娱乐业的中心。在全盛期，该地区的剧院总数多达80家。早在1893年的时候，美国人每年在这一带“贡献”的娱乐费用，就已经高达600万美元了。音乐剧(也可翻译为歌舞剧)起源于19世纪的英国，是由喜歌剧演变过来的，比较早的作品有英国作曲家琼斯写的《快乐的少女》等，因此，伦敦西区的剧院被人们尊为音乐剧的故乡。
后来，英国的歌舞剧随着巡回演出团来到了美国，1866年，纽约上演了一部综合了喜歌剧、闹剧和芭蕾舞特点的戏《黑钩子》，引起了极大的轰动，连续演出25年之久，并被后人公认为有史以来第一部真正意义上摆脱了歌剧模式的音乐喜剧。正是这出戏，不仅带动了美国本土的剧作家及演员的创作势头，同时为现在人们俗称的“百老汇音乐剧”奠定了基础。音乐喜剧就是“百老汇音乐剧”的正式名称，它并非一般意义上的喜剧，有时剧情近似于悲剧。
百老汇大街在纽约市开埠初期，只是一条平凡的道路，住着一些开设农场的垦荒者，经营牲口的相关行业。19世纪初，一些原本在纽约其他地区的剧院从业者逐渐进驻这个地区。建立于1810年的公园剧院是最早出现在百老汇大道上的剧院。而真正令百老汇大道声名大振的百老汇歌剧院的前身是“大都会演奏厅”，一度因经营不善而陆续变成赌场、滚轮溜冰场和展览场等，直至1887年才改建成为现在的百老汇剧院。继百老汇剧院后，其他几家著名的剧院如美国剧院、奥林匹亚剧院等等，也都相继出现。20世纪40年代和50年代百老汇音乐剧达到了最高峰，可是随着第二次世界大战的结束，战后新生代有了新的价值观，发展出他们自己所热爱的摇滚乐，百老汇由于无法吸引年轻的观众，逐渐没落下来。直到20世纪70年代，一些新生代的作家把摇滚乐以及一些新的概念带进了百老汇，才让历史悠久的百老汇获得了第二个春天，创作出《猫》、《剧院魅影》、《悲惨世界》、《西贡小姐》等世界名剧。
现在，百老汇上演的剧目有几十种，那里上演的剧目，往往是一演就是七八年，甚至十几年。而整个百老汇地区，每年的票房总收入为12亿美元左右。每一张票价，按照美国人的收入标准来衡量，并不贵，普通观众花40美元就能够买到一张位置不错的票，最好的座位票卖100～150美元，如果到位于时代广场的售票处购买当日的余票，价格还会更便宜。
剧院与剧目相互映射
某一剧院专以经营某剧而闻名,比如《西贡小姐》是在百老汇剧院演出的，而《美女与野兽》就在新阿姆斯特丹剧院上演。
百老汇音乐剧演出的经营与运作很有特色，即剧院与剧目之间的映射关系非常明显，某一剧院专以经营某剧而闻名，这种运作方法其实也是由于音乐剧本身舞台、灯光等制作的复杂性，这些固定的道具布景除了巡回演出之外，一般是不会搬到别的剧院使用的，不过，由此也形成了非常独特的百老汇音乐剧运行模式。百老汇音乐剧最传统的剧目有:《悲惨世界》、《猫》、《西贡小姐》、《剧院魅影》等。
《悲惨世界》原系法国文学家雨果的长篇小说，1985年，英文版的音乐剧《悲惨世界》由麦金托什制作公司搬上伦敦舞台(勋伯格作曲)，并于两年后在纽约百老汇上演，由此开始其风靡世界的历程。其中《人去楼空》是此剧中最为经典的曲目之一。目前，《悲惨世界》在全球各地已连续上演16年，并衍生出17个演出版本，在全球票房收入接近18亿美元。2002年夏《悲惨世界》曾到上海大剧院演出，引起轰动。
《猫》是1977年，安德鲁·劳埃德·韦伯根据著名诗人托马斯·艾略特的作品创作的，这项工作断断续续一直到1981年才告完成。首演之后引起了巨大的轰动，之后在世界范围内，超过6，500万人观看过《猫》。它已经以14种语言、40多个版本、在全球近300个剧院、超过150个城市隆重上演。从1982年10月开始上演到2000年6月落幕，长达18年之久。1997年的统计数字显示，《猫》剧以“从现在乃至永远”为广告语，为纽约市带来滚滚财源。《猫》剧上演了7397场，售出门票3，000万张，票房收入约3.8亿美元，并带动附近社区相关行业(餐馆业、酒吧业、礼品业等等)的经济增长达30亿美元。2003年《猫》也来到了上海大剧院，同样获得了成功。
《西贡小姐》的故事发生在越南战争中，讲述一个美国兵和痴情的越南舞女的恋情故事。1989年《西贡小姐》在伦敦首演，1991年4月11日《西贡小姐》在美国纽约的百老汇歌剧院公演，该剧当年即获得托尼奖最佳音乐剧提名。至2001年1月20日该剧正式结束演出，一共演了4092场。
《剧院魅影》是安德鲁·劳埃德·韦伯最为成功的音乐剧，1986年首演于伦敦。至今全球已有16个制作版本。该剧已在20多个国家演出，还享有包括最佳音乐剧奖在内的7项托尼奖和3项奥利弗戏剧奖。2004年《剧院魅影》在上海大剧院成功上演。
西音乐剧的起源方
音乐剧是以具有吸引力的情节为支撑，以演员的戏剧性表演为根基，使音乐、舞蹈得以充分发挥其潜能，并把这些因素融合为有机统一体的艺术。英国和美国是音乐剧的全盛国度，从音乐剧发展的角度来看，伦敦西区和纽约百老汇可称作为音乐剧的发源地。然而音乐剧在英、美两国也有着不同的历史背景：在美国，它较多地受爵士乐、踢踏舞、戏剧性的话剧和含歌唱的喜剧的影响；在英国，音乐剧更多的与轻歌剧、话剧，特别是莎士比亚、莫里哀、易卜生的戏剧背景相关，舞蹈方面则更接近芭蕾。但英国音乐剧自吉尔伯特（Arthur Sullivan）和苏利温(William Gilbert)之后，便继续着小歌剧传统，一直难以与百老汇的作品抗衡，直到70年代局面才开始扭转；而在美国虽然最初上演的多是英国的舶来品，但不久以后，美国艺术家便创造出完全美国化的音乐剧作品，并使其不断发展和完善。因此，从历史的角度来看，是英国启迪了美国创造出音乐剧这种融合通俗戏剧、音乐、歌舞的新型戏剧形式。在这里本文将进一步探究美国是如何把来自欧洲的各种音乐娱乐传统融合发展成为音乐剧。
关于音乐剧的起源，目前说法甚多：一说起源于欧洲19世纪古典轻歌剧和喜歌剧；一说起源于美国本土的由乡村歌曲、黑人灵歌与爵士音乐和流行歌舞拼装而成的歌舞杂耍；一说起源于19世纪英国人创造的“音乐滑稽剧”和“音乐喜剧”；一说是1866年的《黑钩子》以及后来的“话剧加歌舞”的戏剧类型。另外还有一种“综合起源说”，认为音乐剧这种极为复杂的文化现象，不大可能仅从单一文化源流中生成，它必须从多种文化成分中吸取养料构筑自己的艺术血肉，因此它的形式来源必须是多元化的。
本文对音乐剧起源这个问题的探讨，认为“综合起源说”比较靠得住。这是因为“综合起源说”不仅接纳了其它各说的成果，而且此说较其它各种说法更接近于音乐剧发展历史的实际状态。对此，朱利安·梅特（Julian Mates）在他的《美国音乐剧舞台》（America’s Musical Stage）一书中提出：“恰恰是多种元素的作用才使我们的音乐舞台多姿多彩，美国音乐剧的发展综合了音乐舞台的所有元素，从马戏到芭蕾，从情节剧（Melodrama）到严肃歌剧；而且天才演员的出现，社会变迁以及听众品味的变化，都会导致音乐剧的变化。”梅特的观点提醒我们要以更广阔的视角来看待音乐剧的历史来源。接下来本文便以梅特的观点为依据，考察遍及欧洲的各种音乐舞台元素和黑人音乐对美国音乐剧的影响，直到美国音乐剧作为一种音乐艺术体裁开始走向正轨。
话剧加歌舞的《黑钩子》（The Black Crook）
1866年，法国某芭蕾舞团应约来纽约演出他们的芭蕾舞剧《林间雌鹿》，却因预定的纽约音乐学院剧场毁于火灾而使演出场所无着落。与此同时恰有一部根据小说《浮士德》改编的情节剧《黑钩子》准备在一家由公园改建的大剧院上演。剧场失火事件使该剧老板突发其想，乘机将这个法国芭蕾舞团连人带布景带舞剧全部雇用。将两部从内容到形式都牛马不相及的戏凑合起来，让芭蕾舞演员们表演剧中的神仙和妖怪的舞蹈场面。由于在话剧结构里加入了80多位身穿肉色紧身衣并光着大腿跳舞的美女和光怪陆离的舞台机关布景，自然对观众形成一种锐不可挡的诱惑。因此，这部“大杂烩”居然连续演出了16个月并在全美巡回演出高达475场。
《黑钩子》的陡然爆发，令其他剧团和剧院老板垂涎，于是纷纷仿作。这类“话剧加歌舞”的戏剧类型，其特点是：歌剧式的题材，从滑稽秀和杂耍秀中学来得美腿秀，再在剧中的高潮和幕间插入某些歌舞或配乐，多以追求耳目之娱和感官刺激为能事。这种戏剧类型虽然戏剧和歌舞表演拼凑的痕迹明显，但它为后来的大型剧目、华丽场面设定了标准，是以往舞台表演诸多元素的一次大综合。尽管此时各种表演元素已聚集在一起，但并没有内在的有机联系，还需要时间使它们容为一体。
| 分类：情感小屋 |
十字街头 片段
根据电影<如果爱>改编
改编:光 导演：光 演员：亮， 谷， 光
小雨是抱有明星梦的女人,在她17岁的时候,唯一陪伴她的父亲去世了,她离开了家,独自一人到北京找工作.
刚来北京的时候,一个人孤苦无助,先后在饭馆,街道,百货大楼打工维持生活,经朋友介绍,最后在三里屯酒吧的其中一家当舞女.
一个冬天的傍晚,小雨刚演出完,由于是第一场,没有领到工资,回来的路上,经过一家小饭馆,她在窗上偷望,看到了张扬在吃一碗香喷喷的面,顿时口水涌上来,张扬刚走,她就进屋端着剩下的面和汤吃了起来,张扬回来拿包,突然看到小雨,小雨害羞的对张扬笑,这笑容顷刻间让张扬心生怜惜……
张扬在一所艺术学校读导演,21岁,因为他来上学是背着父母,独自离开香港的,约有半年的时间,身上的钱不多了,又没找到合适的工作,在这个时候房租到期了,只能找更便宜的地方住了.这是他第三天旷课找房子,在公车上偶然碰到小雨,两人点头问好,交谈一会儿后,小雨了解了张扬的事情,好心的让张扬住自己的地下室,两个人越来越熟悉,慢慢喜欢上了对方,可张扬万万没想到,就在爱情最甜蜜的时候,小雨为了自己的梦想,跟着他的朋友去拍戏了,一去不复返.
舞台呈现:<外面>歌曲,
小雨回忆自己的过去,她静静的化妆,静静的欣赏着自己,憧憬着未来,还有对自己过去的感慨,摸着自己的头发,感受着聚光灯打在自己身上的幸福感觉,但是这是她要的吗?拖着行李,在十字路口徘徊,留恋,最终还是选择了离去……
摄影师用音乐叙述着张扬与小雨美丽的爱情故事,他看到这对男女,因为梦想,因为无奈的选择与被选择而不能继续,心里又紧张又担心,想帮忙,却又无法表达.只能做两人最忠实的观众,为他们祈祷,为他们祝福.
舞台呈现<美丽故事>歌曲
摄影师巡回于舞台上,观察着跳舞的张扬和小雨,叙述着两人的故事,时而跳出与观者倾诉,时而跳进与这对男女共舞.相机是他捕捉记忆的最好方式,他在十字街头,关注着十字街头这时的小雨和张扬是在跳舞,跳仿佛相聚却很难相聚的舞蹈.华尔兹舞蹈以三拍子的舒缓节奏,感受到他们之间的和谐与美好.却又有一丝担心!
因为小雨失去了回忆,班主为她编了一个美丽的故事,这时的小雨已经不认识张扬了,她很奇怪这个男人对她的关心,对她的感觉,她看着他的眼睛,有些熟悉但又觉得陌生.这时的小雨已经是星光璀璨的明星,张扬也是成为了一个明星.正巧二人接了同一个戏,跳着舞蹈,一步步唤起小雨的记忆……张扬痛苦至极.
舞台呈现<忘了我是谁>歌曲
张扬主动去找小雨,看到小雨在让一位摄影师拍照,聊天,嬉戏.他很想唤醒她,与她重新开始,但是小雨对他仿佛见到陌生人一样,心碎的感觉总是难以表达,但是一直怀抱希望的张扬,不放弃对小雨的追寻,终于,小雨慢慢想起了这个人,….可是…
班主得知张扬和小雨私自约会,心中怒气难平,找到小雨,就对她所做的一切开始发泄,小雨模糊了,一个是爱情的天使,一个是帮自己直步青云的恩人,又交叉在这十字路口,徘徊不定的心情让人烦躁,而她也无奈于自己的烦乱的感情,和为现在的地位所做的一切.她不想回想,却总有画面在眼前出现.而班主,心凉了,觉得自己从开始就是傻瓜,觉得自己很无助,所以发泄过后,更平静了.在十字路口他选择了离开的路.
<男人本就该妒忌>歌曲
班主与小雨跳舞,但是把所排练的动作都扩大了很多倍,拉扯,甩开对方,让自己尽情的谴责这不忠诚的女人,但是更心痛于到底自己爱的人是否爱过自己.而小雨也混乱一片,不知道自己的方向,在十字街头迷失了自己….
张扬终于说服了小雨一起逃跑,而小雨又忐忑不安,在每个路口都会有障碍,自己只能默默的忍受着,想离开却又不能离开……感情是自私的,张扬最后也清醒了过来,他们都在左右徘徊,想对小雨说话,却又不知道该怎么说.摄影师想帮助他们,可是没有什么事情能够一定成功,特别是感情的事情,更加难.如果你爱的人在选择道路,那请你放开手,让他去选择.
<十字街头>歌曲
张扬拉着小雨四处奔走,但是障碍重重,当他们意识到走不出这个迷宫一样的道路,一起为这剪不断理还乱的事情发泄着自己的情绪,摄影师与他们一起共舞,仿佛班主也在舞蹈,也在呐喊这邋遢的世界.最终小雨还是回到舞台的中央,蹲到十字街头的中央,而摄影师遗憾但是又同情的离开了这个原点,张扬也没有办法,沿着一条路继续走着,寻着…只剩小雨一个人….
结束
很简单的创作构想，很简单的舞台呈现，很简单的我们正不知深浅的搞创作！我之所以说不知深浅，因为音乐剧不是简单的艺术综合体，而是值得被推敲，发现，构想的一种艺术表现形式！
首先是限制级因素，借由声乐汇报的机会，排演了作业小品的音乐剧小片段，这次的尝试让我明白很多，剧本的挑选，改编，音乐的运用，剧情的分析，歌曲的连贯，舞蹈的鲜明，舞台的布景，等等，都需要以情节做基础！
在综合体艺术的表现上，更考验导演和演员的功力！
但放眼未来，这种形式应该会成为大众欣赏的最有时代性的艺术！
