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司马瑞东
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司马瑞东

巨蟹座

生日7月13日

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腾讯100377713

邮箱simaruidong@vip.qq.com

微信simaruidong

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个人简介
中国青年导演协会秘书长。
金鸡百花电影节获奖影片制片人。
东盟电影节发起人之一。
司马企事
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博文
置顶: (2010-01-23 02:43)




 

    电影是由活动照相术和幻灯放映术结合发展起来的一种现代艺术。是一门可以容纳文学戏剧、摄影、绘画、音乐、舞蹈等多种艺术的综合艺术,但它又具有独自的艺术特征。电影在艺术表现力上不但具有其它各种艺术的特征,又因可以运用蒙太奇这种艺术性极强的电影组接技巧,具有超越其它一切艺术的表现手段,而且影片可以大量复制放映。
    电影是一种以现代科技成果为工具与材料,运用创造视觉形象和镜头组接的表现手段,在银幕的空间和时间里,塑造运动的、音画结合的、逼真的具体形象,以反映社会生活的现代艺术。电影能准确地“还原”现实世界,给人以逼真感、亲近感,宛如身临其境。电影的这种特性,可以满足人们更广阔、更真实地感受生活的愿望。

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【中国制片人与好莱坞制片人有天壤之别】

一、很多中国制片人傍导演,依赖导演,依附导演,死磕导演,甚至完全被导演架空,一个导演养一个制片公司的做法在中国比比皆是,如果导演一旦离开,公司会立即陷入倒闭境地。制片人做到这种份儿上,也是一种悲哀吧。曾制作《壮志凌云》(Top Gun)《珍珠港》(Pearl Harbor)、《勇闯夺命岛》(The Rock)、《加勒比海盗》(The Pirates of Caribbean)等大片的好莱坞制片人杰瑞·布鲁克海默(Jerry Bruckheimer)就是一个典型的站在导演身后的导演,他几乎监督导演每一镜头的拍摄,严格掌控每一个创作环节。

二、很多中国制片人不看剧本。

说来有人不信,中国有很多制片人有阅读障碍,自己根本不阅读剧本,即使阅读也看不出剧本的好坏,是否专业。身兼导演和制片人的斯蒂文·斯皮尔伯格(Steven Spielberg)每晚睡前必读一个剧本。当他最初读完后来获得多项奥斯卡奖影片《美国丽人》(American Beauty)的剧本,第二天就召来编剧和导演,他对编剧和导演说的第一句话就是“剧本一个字都不要改,这个电影将会成为美国电影史上的一部经典电影。”后来《美国丽人》的结果正如他所预料的那样。如果《美国丽人》或《阿甘正传》(Forrest Gump)这样的剧本放在某些中国制片人的桌子上,尘土不知要有多厚。

三、出品人、制片人、导演、编剧、演员的意见很难统一,建议多分歧也多,往往会形成众口难调的局面。
出品人是投资人,大部分有雄厚资金实力的金主很好高骛远,自以为是的不懂装懂,摆出一副目中无人的高姿态,总以为有钱什么都可以,把钱当成万能的工具。制片人是人员和资金使用的执行者,有时如果制片人很多或者只是资金的中间人而挂名制片人,就必须聘请一位执行制片人,均以花最少的钱办最漂亮的事为原则。导演是艺术范畴的统帅,导演组的指挥官。编剧是电影的创作源泉,好的剧本是一剧之本。好演员是展现以上人士劳动成果的终端显示器,但是也需要自身的再次创作。

四、很多中国制片人对导演的功力、素质和专长,对剧本潜力、影片质量和影片前景缺乏独立判断力。好莱坞制片人对每一个合作的导演专长、演员市场行情、电影票房评估做到了如指掌。
五、很多中国制片人不懂市场,完全依赖炒作。这样的制片人比比皆是,并被称为“电影大腕”。这种无节制的癫狂炒作,就是透着一种不自信。
六、中国制片人“票友”居多,顶多就是一个“出钱的人”,如张伟平和王中军,一年或两年投一部电影,就以大制片人自居了,就要与好莱坞竞争了,就要打造“中国电影航母”了。好莱坞的某些制片“大腕”同时有多部电影开拍,以至于不得不乘坐私人飞机来往于各外景地。
七、中国制片人大多把自己当作管理者,行政人员,一个为导演服务的人,而不是创作者,张伟平和王中军就属于这种制片人。电影拍的好坏,导演导的好坏,电影的艺术质量与技术质量的好坏,自己心里完全没数,电影创作完全是导演的事。很多中国制片人甚至不知道奥斯卡最佳影片奖(Best Picture)是授给制片人的,还以为是给导演的。该奖项是奖励制片人眼光、洞察力和魄力,在制片人的组织领导下将文字变成了影像,制作出一部杰出的电影。电影是制片人的,艺术才是导演的。很多中国制片人心里不平衡,以为自己只是为导演服务,一部电影的荣誉都让导演和演员占了。
八、某些中国制片人毫无创新意识,属于一味模仿的、跟屁虫类型的制片人。今天,人家的武侠电影获得成功,拿了奥斯卡,他也来一个武侠电影。明天,人家的“魔幻”电影火了,他立马跟进“魔幻”,一窝蜂,永远跟在别人屁股后面跑。现如今的中国大片不是古装就是武侠,所谓大片里居然没看到一部现实题材影片,难道不说明问题吗?陈凯歌的《无极》就是集《卧虎藏龙》与《指环王》一身的模仿之作。电影的生命在于创新,这种跟风跑的制片人实属没出息。
九、大多中国制片人不利用Internet的快捷和便利。他们或许从不上网,从不使用电子邮件,所以你发的电子邮件他可能永远也看不到,你别指望通过电子邮件与他们沟通办事。与此相反,好莱坞的Filmmakers基本人手一个Black Berry(无线电邮终端),惟恐不能在第一时间收到电子邮件。
十、中国的老一辈电影人经历了漫长的历练和洗礼,在展现历史积淀的同时倚老卖老,为了所谓的“有始有终”全身而退,怀着多一事不如少一事的封建守旧的心态,抱以艺术资本也是古董的思想,不敢创新!所谓长江后浪推前浪的中国典故,有时在中国却不实用。有很多青年电影人跃跃欲试投身电影事业,然而因为中国电影的大环境被迫循规蹈矩,被“什么都不懂”等极端言辞所压制,浮躁不堪! 

 


中国电影业是文化产业中最触目的核心,也是产值高速增长的龙头,有关股票在市场的市盈率高企,圈钱轻而易举,故此各大企业及热钱都磨拳擦掌要入侵电影圈。地产商要拍片、基金要拍片、挖煤的要投资电影,百度、阿里、腾讯要走进来,乐视、优酷、搜孤、爱奇艺都尽力搞电影,甚至是游戏公司、各种不同领域的企业,都積极研究如何成立电影部门,一时间热闹非常。当大家都在找导演的时候,行内的人却说,首先该找Producer制片人,他是导演背后的导演,中国电影业必须建立制片人制度,我们的行业才可能健康成长。好莱坞拍片一般由制片人主导,资深的他们选定了剧本后,谈好了资金,负责找演员、导演、团队等等,是拍片的幕后主角。上通资金,下通制作,制片人是电影构成的关键,故此中国业界都极力推祟制片人制度,制片人正确的工作范围是管理,实际的工作是谈判、分析及选择,而核心的标准是专业。由于中国电影业各部门人才均不达标、不专业,导致制片人根本不可能完成任务,失去了选择的可能,也就是不可能透过精挑细选,找出最合适的团队专业人才,故此制片人徹底丧失了最重要的功能,形成自身毫不专业,往下就变得毫无意义可言了。我来举些例子,导演要拍些利用Steadicam斯坦尼康的镜头,中国有这种专业摄影师吗?首先究竟有多少人明白专业的概念和本质?外国把这些用Steadicam的Operator分为斜路走动、梯级走动、平地急速走动等等,各有擅长的独立专家,你必须理解才懂得要求、挑选。又例如大家看大导演Peter Jackson拍第一集《霍比特人Hobbits》那场三个巨怪人把几个人绑在木柱上转动,下方用柴火烧,在制作特辑中,燃烧的柴火是一塊透明胶板,下方有十数个闪动的灯泡。为什么火是这样"拍"呢?中国极可能沒有懂得这种专业拍摄技术的导演及摄影师,他们都停留在石器时代,所谓专业,只是数码技术前的专业,那只是八、九十年代的标准,早已过去了。美国各大电影专业院校,多年来训练了不少人才,加上行业蓬勃,制片人可以轻易从市场中挑选出合适的高手加盟,组成专业制作团队。所以专业制片人是由专业人才支撐才可能存在的,当中国的教育资源徹底由国家垄断,顽固、保守、落后及低效率,成为必然,电影专业人才严重缺乏,便成了不可能逆转的事实。同样是拍一场警匪街头枪击追逐战,不同导演有不同的想法,有的利用一个镜头直落拍摄,集中显示机器运动带出的视觉变化。有的爱多机拍摄,利用急速剪辑,强调节奏及气氛;有的关注视觉冲击,尽量展示爆炸效果及暴力场面。但专业的他们,都有同一坚持,就是把影片拍好,尽力做得最出色,但中国流行的标准不一样,首要绝不是做到最好,而是尽力节省,能省便省,不能省嘛?制片人甚至换掉导演,省才是制片人的专业行为。所谓专业,评定标准是高质量,退一步是合理资源支持下的高质量,因为这是电影,不是电视剧和网络剧,标准必须订得高。专业的制片人要掌握专业人才资源,要坚持专业标准,要有专业知识,最终还必须得到资金方全力支持,我个人肯定忠于走这样的路,但几年多的细心观察,真没发现有同路人。专业制片人,不可能随便说说便在中国出现,这种人被恥笑为只说不做,被排斥、被牽制、被打击、被要求同流合污,荆棘满途,但只要退一步便海阔天空。制片人这三个字,比你想像的复杂得多。

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(2012-09-22 12:42)
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(2011-04-24 00:07)

 

    徐克《黄飞鸿》获第11届香港电影金像奖最佳导演奖。刚刚结束的第30届金像奖中,徐克执导的新武侠电影《狄仁杰之通天帝国》是绝对的大赢家,获得13项提名独揽6奖,徐克本人更是获得最佳导演奖。他时而认真、时而俏皮,有时也会流露出他那种怪怪的却又让人喜欢的感觉。九龙塘的电影工作室里浓缩了徐克多年来的电影生涯,墙上挂着多幅海报,包括《黄飞鸿》、《倩女幽魂》和《英雄本色》等,在办公室中,除了工作必备的电脑、书籍和影碟之外,在书架的最上面一层摆满了各式各样的模型,下面几层还有很多动漫周边玩偶,包括有《七龙珠》、《火影忍者》等等。

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    第三十届电影金像奖公布获奖提名,徐克“回归之作”《狄仁杰之通天帝国》重新笑傲江湖,获得包括最佳影片、最佳导演在内的13项提名领跑,苏兆彬的《剑雨》以11项提名紧随其后,而《叶问2》和《线人》两部续集分别斩获10项和8项提名。

    今年提名名单被认为乏善可陈,最佳影片和最佳导演提名完全重合,5部入围作品偏向商业片,同时又都是地道港片。《线人》和《叶问2》两部续集之作,是香港电影中最拿手的动作片,《狄仁杰之通天帝国》和《剑雨》则是古装武侠片的改良革新,至于《打擂台》则完全是向经典港片的致敬之作。自去年《岁月神偷》在金像奖大放异彩后,今年金像更加突出本土特色,作为香港电影代表人物,“老怪”徐克的回归正当其时。徐克上一次获金像奖,正是以《黄飞鸿》开创了一个港片的辉煌时代。此外,值得一提的是,虽然《剑雨》上映时宣传中一再主打吴宇森招牌,但此次金像奖提名中,最佳导演只有苏兆彬的名字。

    前29届金像奖历史中,周润发曾凭13个角色获得最佳男主角提名,是获影帝提名次数最多的演员,也是金像奖历史上唯一一位蝉联影帝的演员。今年,周润发又凭《孔子》再获最佳男演员提名。从“小马哥”到圣人“孔子”,发哥也迎来演艺事业新突破。今年他的对手包括《线人》二人组张家辉和谢霆锋,《月满轩尼诗》中的张学友,而最大对手则是梁家辉。此次梁家辉在《李小龙》中扮演了李小龙的父亲。梁家辉是金像奖历史上最年轻的影帝,1984年他凭借《垂帘听政》获第三届香港电影金像奖影帝时年方26岁。如今,作为老戏骨他更是左右逢源,此次还凭《狄仁杰之通天帝国》获得最佳男配角提名。

    今年影后提名让人大跌眼镜,5位候选人中,薛凯琪(《分手说爱你》)、汤唯(《月满轩尼诗》)、杨千嬅(《志明与春娇》)、何超仪(《维多利亚一号》)4人都是第一次获金像影后提名,而最后一位刘嘉玲(《狄仁杰之通天帝国》)则是金像奖的“伤心人”。在1991年第十届金像奖上,刘嘉玲因在《阿飞正传》中的出色表演,被公认为影后的不二人选,连竞争对手郑裕玲都缺席当晚颁奖礼,岂料这届金像奖成为刘嘉玲最惨痛的回忆:“林青霞是颁奖嘉宾,她跟我说假如看见我的名字会向我打眼色。信封一拆,她果然向我打眼色,我已准备站起身,没想到‘玲’是‘玲’,却是郑裕玲,而不是刘嘉玲!”这段公案至今让许多人为刘嘉玲鸣不平。丈夫梁朝伟是金像奖宠儿,获得了最多的金像影帝头衔,而刘嘉玲至今在金像奖两手空空,《狄仁杰之通天帝国》中的“武则天”也许算不上她演艺生涯的代表角色,但迟到的肯定却符合“还人情”的惯例,就像2006年金像奖把影帝头衔给了另一提名苦主刘青云。昨日,刘嘉玲发表感言表示:“谢谢徐克让我有机会诠释这么传奇的女人,谢谢武则天。”相比而言,《志明与春娇》中的“港女”杨千嬅人气更高,昨日杨千嬅表示:“得到提名已是大奖,电影事业上我仍有漫长的路要走,还需要努力学习。”

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(2011-01-23 15:48)


 








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(2010-07-20 06:16)

电影代替了文学的主导地位,文学对电影的影响依旧深远。文学创作的经验;文学的意境文法。电影对文学的影响的突出表现就是将读者渐渐变为了观众,并且这一过程是借助文学来实现的。这也是为什么人们总是将文学与电影联系在一起的深刻原因。
       一、关系探讨
       人们把电影和其它艺术进行类比的过程中,挖掘出了其它艺术的特性在电影中的具体体现。有时电影应当是音乐,由许多互相冲击、彼此寻求着心灵的结晶体以及由视觉上的和谐、静默本身的特质所形成的音乐;有时电影在构图上应当是绘画和雕塑;有时电影在结构上和剪裁上应当是建筑;有时电影应当是诗,由扑向人和物体的灵魂的梦幻的旋风构成的诗;有时电影应当是舞蹈,由那种与心灵交流的、使你的心灵出来和画中的演员融为一体的内在节奏所形成的舞蹈。电影成为了诸多艺术的混合体。文学作为电影存在的前提,以至于有人称文学是电影的母体。电影回归自身的过程本身同时也是电影与文学的融合、交流过程。在视觉文化冲击的今天,电影与文学的融合代替了疏离,或者从文学的角度说,它走进了电影。可见,二者的交流也必然会促进其共同发展。
       二、表达差异
       作为与电影相抗衡的一方被抬出来的文学与电影相比,电影以其强烈的视觉表达效果,取得了较于文学的真实感。文学的短处可能就是文学之所以是文学理由所在,即在于文学的媒介,也就是文字。由文字组成的句子具备了电影所不具备的逻辑秩序;而且其时态指明了其与表述对象的距离所在,文学这种表达形式是电影所不具备的,电影则是用其逼真的形象来表达生活的。就文字来说,它处于人们的日常生活之中,作为一种形式而存在并得到长足的发展。社会生活催生了文学形式的出现与形成,在这一点上它保证了文学内容的独立。人们通过对文学形式的关注更加深刻地认识到文学是区别于现实的,是现实的反映,融合而又独立与现实,是一种矛盾的综合体。即使是推崇所谓的客观再现的现实主义文学,也无法诠释这一疏离。现实主义以其独特的文学修辞手法论证了文学不可能是,也永远成不了一台摄影机的事实。
       三、感觉差异
       距离在文学中就是指欣赏者与其对象之间的感觉距离,永恒之美就在于距离。距离对于文学有着永恒的重要性,距离是美之所在,在距离之外,或许一切都是飘渺的。艺术宗旨在于使人感觉到事物,而非仅仅知道事物。艺术的技巧乃是使对象陌生化,使形式变得难于把握,增加感觉的难度和时间长度,因为感觉过程本身既是审美的目的,必须设法延长。电影以其逼真形象来表达生活,而文学之美,则美在含蓄,它以一种只可意会而不可言传的意境去诠释生活,借助文字、千变万化的修辞方式,将确定的对象又不确定的摆放在人们的面前,而这种意境与存在,需要读者的探索、感知,由于每个读者的认知能力是有限的,因此出现在每个人面前的将是形色各异的同一形象。正是这种适宜的不确定性将催生出读者探索式的审美快感。可以得出,超越生活现实批判沉淀之下的存在,就是距离产生之美。虽然电影自身就是一种客观存在的形式,但是其声色之美,形象之真都决定了它不可能具有文学的含蓄之韵。在视觉文化的冲击之下,文学安身立命的生存之道或许有所动摇,而它不可能也永远不会对文学的想象和真实的互动取而代之,这也是文学生命力之所在,同时这也正是文学在视觉文化的影响之下固保其真质的关节所在。
       四、大势所趋
       电影与文学关系的变化不仅表现在其传导方式的改变,也表现在文学的生存之根基受到了以电影为主导的视觉文化的冲击。二者的关系也在融合交流中相互促进发展,纵观视觉文化的发展历史,不难预见,在融合共生的主流背景之下,文学在电影的刺激之下,其生存发展的空间无疑将更为广阔,电影则在自身完善的基础之上也必然会获得长足的进步,成就辉煌之大势所趋。

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(2010-01-23 02:39)



 

  中国第一部电影是戏曲片京剧《定军山》,内有《请缨》《舞刀》等片断,1905年(清光绪三十一年),由北京丰泰照相馆摄制。无声片,长约半小时。
  中国第一部故事片是《难夫难妻》,1913年在上海拍摄,无声片,郑正秋编剧,郑正秋和张石川联合导演。
  中国第一部有声电影是《歌女红牡丹》,明星影片公司1931年摄制。
  中国第一部获得国际大奖的影片是20世纪30年代由蔡楚生导演的《渔光曲》,它在1935年莫斯科国际电影节上获“荣誉奖”。
  中国第一部彩色电影是1948年拍摄于上海的戏曲片《生死恨》,由华艺影片公司出品。费穆导演,主演梅兰芳,著名摄影师黄绍芬为摄影指导,李生伟任摄影师。
  新中国成立后第一部故事片是《桥》,编剧于敏,导演王滨,东北电影制片厂1949年摄制。
  中国第一部彩色故事片是1957年拍的《祝福》(鲁迅著,夏衍改编,桑弧导演),北京电视制片厂摄制。
  中国第一部彩色宽银幕故事片是1959年拍的《老兵新传》,编剧李准,导演沈浮,上海海燕电影制片厂摄制。
  中国第一部彩色立体宽银幕故事片是1962年拍的《魔术师的奇遇》,编剧:王栋、陈恭敏、桑弧、,导演桑弧,上海天马电影制片厂摄制。
  中国第一部彩色舞台纪录片是1954年拍的《梁山伯与祝英台》,编剧:徐进、桑弧,导演桑弧,上海电影制片厂摄制。
  中国第一部遮幅式宽银幕故事片是1977年拍的《青春》,李云官、王炼编剧,谢晋导演。
  新中国成立后的第一部译制片是《团的儿子》,原译名《小英雄》,杨范、陈涓翻译翻译,周彦译制导演,上海电影制片厂1950年译制。
  我国与外国合拍的第一部彩色故事片是1958年由北京电影制片厂与法国加朗斯公司合摄的《风筝》,导演王家乙、罗歇·比果。

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