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现当代雕塑的造型逻辑

(2019-08-09 20:28:56)
摘要:现当代雕塑语言的生成是以对形态的分解开始的,逐渐对雕塑本体语言进行系统的分析演进,并达到以物质化呈现来推进艺术表达。雕塑本体语言的觉醒实质上是艺术发展进程中观者与物质媒介、物质媒介自身、物质媒介与艺术家、物质媒介与环境之间的自辩过程。在这场辩证关系中,艺术家试图从更高的位置审视人类情感与智力进程,更多地寻求未知新体验带来的哲学意义。

纵观近现代不锈钢雕塑发展史,从某种程度上可以说现代雕塑艺术是材料观念的艺术,也是对材料媒介性极度追究的艺术。通过材料物质性的细节展现和情感剖析,艺术家由此表达主观意志或理性质疑,脱离了以内容决定形式的传统雕塑创作方法,也由此开启理性思维推动感性要素在作品中展现的创想方式。在此基础上我们说现代雕塑艺术是解构重组的想见之作——写实具象形态逐渐被消解和重组的形式艺术。如果说抽象、表现是现代主义艺术的标志性形式,那么装置、行为、影像等艺术形式,则属于“后现代主义”艺术的标志性形式。从“现代艺术”包含的“现代主义艺术”与“后现代主义艺术”这两个脉络来看,对具象形态写实的背离是他们共同特征,且越行越远。当代艺术的一个特征是“回到具象”,不管这个观点是否因为由阿瑟·丹托所提出而使其带有一定的权威性,以理性分析的角度来说,重新使用具象形象是当代艺术发展的探索,既是对现代艺术的总结反思,也是艺术循环发展规律的必然,只不再是如同古典主义艺术那样仅仅是完成一个物象的三维模拟。毫无疑问,“写实”早就无法承载人类文化艺术对于更高层次精神维度探索的追求。当代艺术对现代艺术的再反思使得当代艺术看起来更像是一种“总体艺术”,当代艺术并不强调将某种物质的媒介性推向极致,而是围绕着社会生态或者精神议题将多种媒介作为文本建构出组织结构,使其形态构造形成多层次的感性共同体,只有理性分析才能把握作者纯粹性表达的内涵与方向。基于当代艺术处于正在进行时,具体的理论概括尚未完成,本文将现代与当代艺术通称为现当代艺术,不过分纠缠于现代、当代概念的限制,从三维立体艺术形式出发,以创作观念、实践手段和展示方式等方面同传统雕塑进行比对,剖析现当代雕塑艺术创作的内在生成动力,力求阐明现当代雕塑艺术的造型规律与内在逻辑。


一、传统雕塑造型叙事的逻辑

众所周知,西方古典雕塑形式是以人体的自然形式为根据的,这种根据具有强烈的客观性。换句话说,在其美学范围内,艺术家不能被允许对可见对象有多大的变形权,即使带着强烈的感情也不行。同时一切情感都必须受理性节制,这也包括忠于自然外形的形式理性。也就是说,理想化的西方古典形象必须在外形上是“逼真”的,虽然它并不逼真于某一个别模特儿;它不是形式之于对象感觉的重新建构,而是要直逼对象,尽力表现出对象在视觉客体状态上的正确性;它不是要放弃模特儿,而是在模特儿的基础上斟酌损益,以适应理想中的美、和谐与崇高,追求“高贵的单纯和静穆的伟大”,此谓古典主义美学观。写实具象雕塑即使发展到现在也是以此为轴线、为参照,这就形成了传统雕塑造型模式的几个典型特征。


(一)造型秩序的准确追求——叙事方式的直白性

雕塑造型的基本语言是材质、体量与形体关系,形与形之间的转换关系体现了雕塑的立体感与姿态话语,也表达了艺术家通过形体变化来传达理念与情感。例如,米开朗基罗创作的“大卫像”是通过人体头、胸、骨盆三者的扭动关系来体现大卫的身体姿态,情景性地表达青涩年轻人胜利后的骄傲与壮美。这些不脱离真实造型的摹写语言共同构成了雕塑的叙事结构,是正常文字叙事的雕塑形态复述,具有观赏的直白性。这种明确指向的雕塑形象一般都具有强烈的象征意味和故事性,像是某个情节片段过程中的镜头定格,创造真实的物质存在。

(二)造型美感的共性认知——样式的描摹与复制(定式)

理性审美的传承性追求、审美理想的教育传达,使得社会审美常识趋于统一。通过典型样式的临摹与复制来完成我们的美术学习历程,又通过同样的方式传达给下一代,这是对定式的研究,也是精神愉悦享受的惰性缠绵。上文所举“大卫”像的例子,即符合“按对立方式保持躯干均衡”的古典法则定式。古希腊雕塑家较早地理解了人体结构的重要性,通过对人体结构力学的研究,创建“按对立方式保持躯干均衡”(Contraposto,译为“对应”)的造型法则,使之成为雕塑史上最重要的人体造型法则之一。这条造型法则阐明:当人体正常站立时,如果重心落在一条腿上,另一条腿弯曲并保持放松状态,形态就会产生和谐的审美效果,雕塑家就可以利用这种视觉变化来表现形体造型的内部动力,并通过头、胸和骨盆的不同朝向来创造冲突、放松等情绪表达 。

(三)造型感觉的不同感悟——个性发展的启发、变异

趋同化造型的追求与传承始终无法体现个性表达,我们还是得回到感觉上解决问题。写生过程中的不同感受、物质性特点的感性呈现、传承中的感性偏爱,都给个性表现提供了发展契机,造型感觉的不同启发了个性发展的变异过程,在此基础上的长期坚持也就成了个性风格。个人风格是遵循形态写实秩序上的痕迹变化规律的塑造习惯,是依附于传承基础造型上的微妙变化,必须强调对形态塑造的熟练与功夫,追求技术不断提升的结果,但是始终都没有偏离传统审美的框架。

由此看出传统雕塑造型叙事的逻辑是以形体对形体的转换关系为形态语言,关注形体自身塑造,符合文学描述的欣赏常识,迎合最广大人群的理解和心理共鸣,不会出现鼻子长到耳朵上的形态塑造混乱,是大众美学合理性的正确表现。

二、雕塑本体语言在雕塑造型演进中的凸显

美国艺术理论家罗莎琳德·克劳斯曾从雕塑本体语言的觉醒来解析过传统雕塑艺术。她在著作《前卫的原创性及其他现代主义神话》里讲到坐落在意大利坎皮多里奥山丘的马可·奥勒留骑马像和梵蒂冈的贝尼尼作品《与康斯坦丁的谈话》,她认为雕塑不仅是艺术家想创作不朽的艺术作品,同时也是表达对某事、某物、某人的纪念,那么雕塑作为一种标记,其底座和塑像应该是一个完整的整体,底座是不可或缺的象征意义的一部分。这种创作逻辑作为传统的一部分一直被继承、流传。但是,这种逻辑在19世纪末发生了变化,纪念碑雕塑造型模式日趋衰落,她以罗丹的作品《地狱之门》和《巴尔扎克》为例来论证她的观点:这两件雕塑都是纪念性的雕塑,都应该有固定的底座位置,然而由于主客观原因两件雕塑都没有安放在约定地点(放进了全球各地的博物馆),同时作品的造型由于艺术家主观的原因几乎失去了作为纪念碑被接受的意义。因此,她得出结论:连同底座的纪念性雕塑由于位置的缺失、方位感的丧失因而也就没了归属感,失去目标感的雕塑创作跨越了纪念碑雕塑的限制从而进入现代主义领域,雕塑通过展示自身的材质和制作过程、强烈的自我指涉功能,宣告了雕塑本体语言的主体意识 


罗莎琳德·克劳斯从作品展示的方式和空间环境来说明传统雕塑的悄然变化,从侧面证实了雕塑本体语言在20世纪初的觉醒与物质自在性的重要,确立了现当代雕塑语言发展的坐标。现当代雕塑语言的生成是以对形态的分解开始,逐渐对雕塑本体语言进行系统的分析演进、并达到以物质化呈现来推进艺术表达。雕塑本体语言是构成雕塑形态存在的最基本元素,我们基本可以归纳如下:

其一,材料语言。从形态欣赏的角度来看,材料是传递媒介,没有被塑造形态的材料不具有实际意义。例如,从传统上来讲我们比较熟悉的混凝土或者花岗岩制作的《毛主席像》,看到的是毛主席的形象怎么怎么样,一般不会去关注它是水泥制作的、花岗岩制作的还是铸铜的,我们探寻的是艺术家对毛泽东这个人物的理解、诠释与表现,不会说它是一块混凝土、石头或者铜金属。如果说有一块石头巍峨高耸、肌理粗犷有力,看起来有点像行走的毛泽东,这个感觉就不一样了。从这个角度来说,这是材料观念的艺术——只要符合艺术家对它的主观想象意愿,材料可以被施以任何适合它自身物理、化学特点的形态构成。材料不仅是雕塑艺术的媒介存在,而且也是感觉生成的依附,感性知觉的层次首先由材料决定,同时也是理性演进的始端。

其二,形态体量。体量是传统雕塑语言里最重要的语言之一,是立体感呈现的重要方面。体量语言是物质性的存在,通俗地讲就是每一个朝向你的点或面、体都是鼓起来的。传统泥塑的塑造方式是堆积成形,我们称为“体”,“体”有大小就是“量”,“量感”是艺术感知的重要方面,就是在局部或者整体处理上要有充实的、“鼓”的感觉。抽象雕塑对体量语言的使用更多是抽离了具象人物载体,使之更彰显感性色彩,更多地根据艺术家塑造需要(比如情节叙事、形态叙事、材料叙事、场域叙事等)来作出判断,不把它作为单一手段来使用。

其三,空间关系。空间构造是物质各造型之间摆放的方式,也构成了叙事的形态。传统雕塑重视头、胸、骨盆的空间扭动关系与立体感的营造,关注的是造型本身;现当代艺术是重视空间结构所体现出来的语义层次,并对形体关系加以延伸:更多地与环境物体组合构成新的形态模式,并期待观者的参与、融入和不同理解。

其四,形态秩序。意即造型呈现出的形态关系与描摹对象之间的顺应关系是传统雕塑语言的重要特征。我们常说艺术是对自然的描摹,雕塑也不例外。传统雕塑是符合大众正常欣赏习惯的一种叙事方式,即符合看得明白、能理解的直白图解形式,只不过是以立体的方式表现出来而已,也就是说形体秩序符合正常认知,并不错乱。这种形态秩序只是随着艺术表现感觉的变化而有变化,不会有鼻子放在脑门上、手装在胸上的混乱,这也是区别传统与现当代的一条重要线索:传统是对常识形态秩序的维护,现当代是对正常形态秩序的破坏与拆解,或者是对传统形态秩序的利用。

其五,肌理、颜色。也就是雕塑的表面效果。表面肌理既有创作中人的行为痕迹也有材质在被动破坏中的偶然效果,它所产生视觉和触觉的综合感受是艺术感染力的来源,也是感性张扬的兴奋点。由于传统雕塑对自身形体的关注而往往忽略这种肌理的存在,即使着色也要符合传统或者现实的真实,因为色彩不仅能进一步加强形状,另一方面也能避免物性对表现性的干扰。

其六,光线。光线是雕塑形体视觉存在的必要条件,是雕塑形态的潜在语言。视觉感受必须在光线条件下进行,这往往是不待言说的事情,对聚焦效果的追求才会强调光线的作用,光线语言在传统雕塑形态中被忽视也成为自然而然。物质的形状、态势决定了描绘内容,出于光线对视觉影响的考艺术家就会在作品塑造中考虑到形状、体积以及位置构建的安排。光线能够赋予作品明亮清晰或虚幻深远的视觉内容,是视觉叙事中的重要感性体验和情感表达方式。例如,意大利雕塑家贝尼尼作品中人物的服饰总是随风飘动,给人以一种轻快、活泼和不安的生动感觉,这就源于艺术家对形象衣纹褶皱进行加深凿挖,充分利用光线对投影的加长效果,使人看上去有较强烈的深远感,这种光线投射与材质形态的互动变化,是光线语言对时空维度的置换,同时增强了作品的情感氛围。在现当代雕塑艺术作品中,光线的错用或者对光的直接使用能够产生不同的语义,光往往被作为造型的直接语言。雕塑本体语言在雕塑形态的构成中是普遍存在的,是形成雕塑叙事的基本要素,理解并准确意识到雕塑的本体语言才能够明白雕塑艺术家的创作路径与方法。在传统美术的教育模式下,我们更多

关注的是造型——形对形的关系以及形自身,也就是说放在首位的是形准问题,对于构成雕塑的全部元素没有给予足够重视,更没有注意到这些元素自身的独立性和发展空间,而这些元素自在性本身也是增加艺术表现层次的具体方法。

我们还应该注意到艺术塑造对展示场域的利用,也是通常说的作品展示环境。对展示环境的利用是现代艺术在场域环境创作过程中的一个重大发现。传统雕塑艺术对环境是顺应的关系——在现存的环境中创作符合环境状态的造型作品,而现当代雕塑作品则是对环境关系的重新诠释和介入,场域亦是其作品的一个组成部分。场域介入使雕塑艺术作品本身逐渐变为一种总体的艺术,关注点从单纯的形体转换关系逐渐走向背景联想、形态暗示、结构设置与语义追问等内容。

雕塑本体语言的觉醒实质上是艺术发展进程中观者与物质媒介、物质媒介自身、物质媒介与艺术家、物质媒介与环境之间的自辩过程。在这场辩证关系中,艺术家试图从更高的位置审视人类情感与智力进程,更多地寻求未知新体验带来的哲学意义,有时不免充满了理性色彩,同时理性的自咎推论反过来使感性物质形态走向更复杂的境况,在这种情况下,多层次、巧深思的物质构成就在理性的作用下推动着感性认知成长起来。

三、艺术观念是现当代雕塑造型变化的内在动因

在艺术内涵与外延都极度扩大之后,我们可以尝试总结出一些艺术家在使物(或事)艺术化的观念。这些观念是构建作品的方向性指标,在这些方向下的处理方式有许许多多的具体制作技巧,意即同样的观念可以有不同的材料处理方式、展示处理方式和诠释方式,同时也是雕塑造型形成的智力型因素。这些艺术观念大致有下列几种情况:

其一,联想。联想是由塑造物的形态或者感觉所引起的关联物或相似感觉。一般情况下是和其他的艺术方式交互使用。

其二,暗示。暗示是由塑造物的形态或者感觉所呈现的表象下的另外一种表达或意思。大多数情况下也是与其他艺术方式交互运用。比如法国艺术家杜尚的小便池作品《泉》。

其三,梦魇。梦魇是作者故意营造一种梦境或者意想以期达到一种夸张、不现实的效果,但制作出的效果可以很真实。比如澳大利亚艺术家让·穆克的系列人物作品,还有雕塑家隋建国关于荷兰印象的那件作品《倾斜的桃花源》 。

其四,悖论。悖论是哲学意义上的逻辑学名词,我们可以理解为表面上同一命题在推理中隐含着两个彼此对立的结论,而这两个结论中的每一个都能自辩正确、自圆其说。比如说,“这句话是错”这句话如果是事实,那么这句话就是对的,但是它是对的,就与所说的“这句话是错”的事实(开始设定的)不符。“这句话是错”如果是假的,那么这句话就是对的,但这句话如果是对的,那么假设“这句话是错”的假的结论就被推翻,也矛盾了。我们在这里并不是研究悖论的哲学意义,而是利用悖论的形式进行艺术创作。展望先生的雕塑作品《假山石》系列作品,作者就是通过是不是假山石的悖论语义来增加表现层次同时进一步促进观者多角度、深层次的思考。

其五,追问。艺术家在创作中抱着设问的基调,通过多层次的形态构建,形成不断追问的物质形态形式来达到作品意味深长的目的,并通过不断的设问与追问深化观者的思维层面。

其六,感觉体验。现当代艺术更注重观者的视觉体验、触觉体验、身体参与感与错觉,因为这些元素都与个体自身有关,是每一个参与者的感觉体验。艺术家通过这些方式引领观者体验,使得观众有被尊重的感觉,也是艺术平等的体现,一改传统雕塑艺术的角度仰视与傲慢,对个体审美的重视必然是抛弃了“人”以外负累的东西,也使艺术本身重获生命。这种体验大多是艺术家隔空换物的创造,以空间换时间的手法利用。颠倒的时空顺序、真实的局部情景、充沛的情述说,这一切都表现了艺术家创作的奇思妙想与自由任性。

多种手法的交相运用在现当代雕塑作品中比较常见。每一种手法都是雕塑家寻求个性化的观念发现和物化结果。传统雕塑在具体技巧难度上展现的是形准、功夫等时间变量,而现当代雕塑艺术在技巧手法的运用上更注重的是重复、渐变、突变等发展运动变量。以上总结归纳的这些观念因素造成了物质造型秩序的不确定,乱序、多重秩序(解构重组)等形态模式的产生亦由此而来。当然对传统雕塑创作技巧的借用也是现当代艺术通常的手段,这种旧葫芦装新酒的样式同样意义非凡。

四、多维度叙事是现当代雕塑造型发展的必然

综上所述,现当代雕塑造型模式首先是艺术观念决定作品的发展方向,意即总体艺术观念决定了材质叙事或形态叙事的定向。其次是造型秩序决定了叙事方式,文本多层次化结构决定了叙事的复杂性。再者是基于材料质感呈现的艺术感觉,强调将物质的媒介性推向极致。最后是新的技术手段运用扩展了想象空间,综合技术手法的运用有了空间想象余地,也为未来艺术的发展埋下伏笔。这些由意识演变而不断产生的新造型,为我们揭示了追求精神活动的一层层面纱,不仅让我们在理性分析的作用下享用细腻的感官大餐,而且对艺术创新又多了一层理解。

现当代雕塑艺术作品的艺术判断是艺术语境下的价值判断,语境的构建是艺术家的主观意识和主体表达,不同语境的建构会由于增量逐渐变大而使人难以理解,因此或许可以把相同观念方向的语境表达归纳为“语序”,这样在语境下就会有许多不同的“艺术语序”,这种讲法有点接近艺术的类型性。“艺术语序”指的是观者从某个角度或者说从某个艺术层面理解作品,表意的、象征的、观念的或者审美的等。这些“艺术语序”的产生必须由艺术家作出暗示,这种提示一般体现在作品成型的结构层次、物质感(显)性特点和作品名称上,甚至有时候需要注解。艺术家个性化表达的路径越多,对艺术作品的价值判断就变得越困难,对“艺术语序”的了解越多就越有利于理解艺术家的出发点和表达方式,同时从逆向思维的角度出发,“艺术语序”也是艺术家创作过程中提示手法的运用。

从结构主义 透过各种实践、现象与活动对表意系统(systems of signification)文化意义生产与再现所搭建的脉络框架,到场域理论 中行为被各种位置之间形构的影响,我们隐约可以看到艺术被推动发展的理性力量:艺术表现从表象想象到心理想象,再到行为想象;艺术操作从画室作业到现场演示,甚至工程式的大地艺术。将来还会积极发展电子技术艺术以及虚拟艺术,艺术的边界将会不断被拓宽与延展。这些无不反映出雕塑形态结构的不断变化,其造型的方式不会固化在形体自身,而是通过各种手段的介入与观念的引领,不断呈现出崭新的面貌,这面貌展现了未来艺术新的方向。

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