摄影的思维—— 知行合一

                                        芮昆仑 （元素）2012.3

都是无忌摄影人，在影谈影，接下来说说我自己近些年的一些摄影思维方面的体会，希望和大家一起探讨。也许今天的某些话题有些生涩，欢迎大家可以在我讲述完多做一些探讨和提问。

美国时尚摄影大师赫尔穆特·牛顿Helmut Newton 说过“知识分子热衷于讨论摄影的意义，于是摄影师按下快门的手越来越犹疑，这种情况发展下去，可能导致摄影两极分化，到最后只剩下两种人：新闻摄影师和哲学家”故且今天不讨论这句话是否偏激，但这句话对我的提示就是——摄影发展和进步必然要进入到心理学和哲学范畴。这就是我今天要和大家探讨的思维摄影的话题，直接一些的说就是和大家一起来讨论摄影提高的问题。

既然谈到思维必然要有一个哲学的认识。

500年前中国出了最后一个“圣人”——王守仁，号阳明子，后人尊称王阳明。中国历史上“立德、立功、立言”三不朽，都很显著的只有两个半人，这两个人就是诸葛亮、王阳明，另半个人是曾国藩。王阳明是中国历史上最著名的思想家、哲学家、文学家和军事家，王阳明开创了心学“知行合一”理论，为后世众多贤士所敬仰。

我自己真正体会阳明心学“知行合一”是很晚的事，也许是后知后觉、也许曾经不求甚解。之前学习和认知的概念是：先知后行，学以致用。后来发现这样的学习方式有一个问题，就是很难创新，很容易人云我云。而先知后行最大的悖论是如果始终不知就永远也不用行动了。

知行合一，知是泛指科学认知，行是指人的实践，知与行的合一，既不是以知来吞并行，认为知便是行，也不是以行来吞并知，认为行便是知。认识事物的道理，与在现实中运用此道理是密不可分的。是哲学中认识论和实践论的命题。

下面通过一个小故事形象的说明一下：

从前，有个打渔人有着一流的捕鱼技术，被人们尊称为‘渔王’。然而‘渔王’年老的时候非常苦恼，因为他的三个儿子的打渔技术都很平庸。
于是个经常向人诉说心中的苦恼：“我真不明白，我捕鱼的技术这么好，我的儿子们为什么这么差？我从他们刚懂事就传授捕鱼技术给他们，从最基本的东西教起，告诉他们怎样织网最容易捕捉到鱼，怎样划船最不会惊动鱼，怎样下网最容易请鱼入瓮。他们长大后，我又教他们怎样“识潮汐，辨鱼汛”凡是我长年辛辛苦苦总结出来的经验，我都毫无保留地传授给了他们，可他们的捕鱼技术，竟然不及技术比还我差的渔民儿子！”

一位路人听了他的诉说后，问道：“你一直手把手地教他们吗？”
“是的，为了让他们得到一流的捕鱼技术，我教得很仔细很耐心。”
路人又问“他们一直跟随着你学习吗？”
“是的，为了让他们少走弯路，我一直让他们跟随着我学。”
路人说：“这样说来，你的错误就很明显了。你只传授给了他们技术，却没传授给他们教训。 

 前人和他人的经验给了我们快捷性的提示，但有时却消弱了我们自己的解读能力和感悟能力。认识世间的规律必须用自己的行为参悟去经历，而不是愚从前人、他人的经验，经验也许没有错误，但经验即使解读的再细致也有遗漏的地方，经验往往直白而缺少可挖掘性。而行为的经历就全面的多，也可以周而复始、无穷尽的发掘、感悟，也就是说，只要你有过这样的行为，即使现在没有体会，或许日后会从先前的行为中，感悟出新的体验。这种经历性的行为，正是单纯学习前人的经验所不具备的。

知行合一，除了认识和实践结合以外，我更愿意附加给知行合一，一个时间跨度里的感悟，就是认识的过程，存在于进行时的行为中，同时也存在于过去时的行为中。同时存在于自身的经历中，也存在于前人的经历中，因此，除了感受前人的摄影作品，我也很喜欢探究前人的人生经历和思维形式。而我理解的“知行合一”是一种行为中的趋向“真实”的认知态度。“知行合一”除了是做人的修行之道，同时也是学习、提高摄影能力发现摄影本质的方法。

就摄影而言，技法、套路不胜枚举，在你领悟模仿一个效果时，即使你千万遍的尝试，如果没有一次成功，你还是学不到方法，毫无经验，只有，抓住了本质性的问题成功了一次才会产生出经验，而这个体的经验只能建立在成功的经历中，有时量变不一定产生质变，而抓住本质的发现能力，绝不是教条的学习他人经验能产生的，更多的是要在自我行为的实践中感悟。这如同看着菜谱学做菜，配料的比例、步骤都很清晰了，但菜谱很难教会你火候的问题。 

学习摄影通常有一个瓶颈阶段，学过几年后自己就很难进步了，最初的都是菜谱性知识，大多都是人人学习的规范经验，众人都掌握的当然就没有新意，而在这样的泛泛中也很难再突破，其实到了这个阶段，要突破瓶颈大多不会再是摄影范畴内的知识，而是在于操作行为的不同，不同的操作行为而带来不同的操作结果。

来讲一个徐悲鸿“绘画用笔”的故事：“徐悲鸿是近代突破传统八股画法的第一人，其影响了中国近代整个画坛的“意识观念”，徐悲鸿的绘画有一个共识，就是笔锋力道，流畅，很多笔法是前人没有出现过的，其中玄机就在于用笔的方法不同，徐悲鸿画竹子的竹杆，不是用国画的毛笔，而是用油画的排笔，清水润笔，排笔两尖蘸墨，一笔画完，竹杆“光感立体生动”、过渡流畅，是国画毛笔，无法画出的效果；而徐悲鸿在画马毛时，用的方法是把毛笔笔毛搓开，一笔数毛的画法；而在画柳枝和马的须毛、马尾时，握笔不是握笔杆，而是握住笔毛的上端...这些不同的用笔方法，制造出了非常的效果，如果你不解其用笔行为方法，就是你练上百年也不会出来这样的效果。”非常表现的突破之道，常常是在行为的小处着手。

常接触摄影圈的就会发现一个现象：有些玩了20-30年的摄影的人，很难进步，当下拍的片子还不如多年以前；而有一些只是从数码时代，才开始玩起了摄影的人，进步日新月异，甚至作品短期内就有着众多的追随者和号召力，色影无忌中这样新时代的牛人有很多，通常我们习惯性解释为这是个体的“悟性”。有时我会好奇的考究一下这些人的背景，他们都有个很相同的方面，就是这些人，大多从事过美术相关的学习或工作经历。但如果你认为，这些所谓悟性高的人，是因为有着美术的美学概念和构图能力，而影响了他们。

我要说：“你错了！” 

所谓的美学概念和构图能力都是学而习之就会，很容易掌握的。而问题的关键是在“行为”上，只有自己参与过美术创作的才能体会，一幅貌似寻常的画，所花费的时间和精力，是没有从事过绘画的人无法体会的。 用一幅2开大小的铅笔静物素描来说，完全画完，基本需要2天的时间。如果是油画也许就是几周了，绘画人这样的行为模式，决定了绘画者和不画画的人对待画面时，两者完全本质性不同的认知态度，这才是差别的关键！  总结一下：就是对待画面，投入的精力点数的价值认识不同。 通俗一点的说，绘画者对于画面效果的实现，有一种不嫌麻烦的认识。  只是通过学习技法，而没有磨练出行为体验的，是很难凸显特别能力的。

摄影恰恰又是个投机性的创作类型，形象的讲，就是一只猴子偶然的按了一下快门也许会拍出一张大师级的作品，而习惯常常在钢琴键上溜达的猫，却永远弹奏不出贝多芬的曲调。这就是摄影的特质，众多喜爱摄影又很难提高的人，迷失在这样的投机性之中。

“知”与“行”经验和经历的贯彻，是作用于潜意识层面，是无意识形成的习惯性，有时你说不出道不明，但却在冥冥中发挥着惯性作用，而这惯性必然要用行为去体验。 如此来看，摄影的提高能力，学没学美术不是关键，关键是正确认识“知行合一”形成的习惯性作用——不嫌麻烦的态度才是关键。而不嫌麻烦不单是行为举止方面的同时也是思维意识方面的。

我们在实际拍摄中题材、场景、光影、透视、构图、对比、色彩等等变量因素太多，常常用一时掌握的方法无法客观的套用和发挥，而客观摄影中每一个画幅都是不同的，机械学了再多的方法也很难实际贯彻。这时候需要用一个规律化的总结概念指导自己，而我的总结就是“区别常态”！

拍摄时，重视背景而不单单强调主体；侧重机位、角度的变量就会使画面中的物体形成关联性；注重光线产生的阴影而不是看中被照亮的地方，就会发现常人忽视的形状构成；清楚什么是对比、什么是平衡、什么是节奏、什么是韵律、什么又是向量，敏锐的发现人物肢体语言的心理特征；了解色彩给人的心理感受.....虽然很多还是技术性手段，但这时你的摄影已经融入的你的思维结构，自然就会有提高。有了上述规律化的总结，才有可能在按快门的那一刹那，贯通的完成突破。

前面说到，不同的操作步骤而带来不同的操作结果。在学习、提高摄影的行为过程中，往往存在着必然性和偶然性，当我们进行一项摄影任务的时候，都会习惯性的考虑如何去拍摄，无论考虑的是好是坏，这都是我们的创意，也可以说前期创意就是我们的必然性，而现场或后期灵感则是我们的偶然性。

下面我们通过体会一些摄影大师的成名作品，来感受一下。

这是“环境肖像”大师---阿诺德·纽曼ARNOLD NEWMAN成名作《钢琴前的作曲家史特拉汶斯基》摄于1946年，当时纽曼28岁。

单看作品我们会惊叹大师的敏锐的非凡、创新的构图和画面人物身份的定位的准确表达。但创作之初的事实，真是如此吗？

我们再来看看整个主题的拍摄过程：


通过了解了创作行为的图例，我们应该看出其中的奥妙了，这种必然和偶然的相互作用，才制造出了阿诺德·纽曼的“史特拉汶斯基”。

由上体会，我们看到偶然性是摄影创作中要非常重视的一个方面，偶然性和摄影“瞬间”的特质有着重要的联系，同时偶然性会体现更多的生动画面。

到底如何实现这样的偶然性呢？偶然就不可能设计，设计的就不是偶然；但偶然性的实现也是需要条件的，首先如果“拍的少”爆发这种出色的偶然性的概率就低；同时，适当的压力感，上述事例是纽曼刚出道时拍摄的作品，而我体会纽曼之后再也没有超越，“感悟通常是现状逼出来的”有压力才会促使你的努力表现；再有，加上前面所说过的对待作品 “不嫌麻烦”的二次创作态度。

认识摄影创作中的偶然性和必然性的关系，认识不同的执行步骤实现不同的操作结果。从中感悟摄影的行为差异更重要于摄影的技法。

提高摄影水平，有一个非常、非常、非常重要的手段——多观察他人和前人的作品，眼界广了才可以触类旁通、融会贯通。“你拍的不够好是因为你看的太少！”不要放弃自己任何的观察作品的机会，有时间就要多方面、多种类的多看，多看是提高的必由之路。审视一下现在的摄影作品，再对比一下半个世纪以前的摄影作品，我们会发现——现在的摄影作品远比以前的，要精致多了，解释这个现象就是后人的创作无比例外的借鉴了前人的作品。

马丁·芒卡西（众多近代摄影大师的思维启蒙者）24岁时的布列松，起初励志于绘画，正是看到了芒卡西的一幅摄影作品而改变了自己的初衷。

 理查德·阿威顿的名为《向芒卡西致敬》的作品：

多拍——是对于一个初学者的提高手段，多看——是对于有一定摄影基础上再提高的最重要的手段。同时“多看”也是意识上不嫌麻烦的重要思维步骤，。多看也是长期积累的一个重要的方法。而灵感恰恰就是——长期积累偶然所得

生存在“读图”时代，摄影对个体的要求无形的大大提高了，人们看到的都很多了，很难再有新鲜感，摄影已经从无序、随意的创作进入到一个精致、思维的创作方式，如今能拍出让人有感觉的作品，对摄影者的功底要求愈来愈高了。数码的形式也给了更多的人，更多的创作机会，同时也给了作品在二次创作上，提供了更多的手段，这样的时代，对于个体可能很不利，但对于整体的进步无疑是很有益的，今天，我们已经不用再去争论数码与胶片的好坏，其实这点很不重要，数码时代的只是改变了摄影的记录介质，摄影的本质始终如一。

我们在经历、学习了“相机的熟练操作、摄影特殊技法表现、画面的构图、影调把握、色彩感受、后期处理”等等技法阶段之后，摄影的再提高，必然要进入一个“思维”性的阶段，我称它为“思维摄影”阶段，进入到这个思维摄影阶段就不会再有瓶颈问题，可以一往无前不断的完善了，因为这时你考虑的不再是摄影的范畴，而是行为、操作上的不同了。这些经验都是我通过自己几十年来在摄影的工作中，不断感受、领悟、思考而来的，也许这些经验并不完美，也不一定让所有人受用，但或许在我们遇到再提高的瓶颈时可以尝试一下。

归纳一下，上述概念中的一些关键词：经验在于成功的经历；操作步骤决定操作结果；大处着眼，行为小处用力；区别常态；不嫌麻烦；必然性，偶然性；你拍的不够好是因为你看的太少。领悟这些概念，无一例外都是自己在总结中不断实践而反复的感悟，又在这感悟中不断的实践，如今用了“知行合一”贯通起来，才深刻的体会“知”“行”的哲学认识，可以使以往认识更清晰，作用更有效了。

多年前在写教案和讲课中，有一个意识，很喜欢刻意的套用如格式塔视觉的理论，这样的生涩概念。有意的故弄一些深奥的概念或者生涩的表述，让听众云里雾里，好像越是听不懂，自己就越有水平。其实一个表达没有人听懂，这样的表达其实是多余的。真正深入浅出表达才有实际意义，同时也需要更透彻的认识功力。 摄影技法通常好讲述，照本宣科就可以；而摄影理念就很难了，很容易产生故弄玄虚的恶行，

希望我今天上面的讲述方法没有再犯多年前的错误，真心实意的希望听众可以完全明白我的表述。也许这也是感受了“知行合一”后的自己的一个进步，使自己趋向更“真实”。

时间限制，对于这样的命题，只能点到为止了，欢迎有兴趣的同道提问探讨。谢谢大家！