高达'S

             剖析“新世纪音乐”
　　在欧美各国旅行，随便走进那一家唱片店或琴谱店，都可以看到一种与古典音乐、轻音乐、爵士乐、摇滚乐等并列分类的音乐新品种NewAge。可查遍新版格罗夫音乐词典 (1979)，都找不到NewAge的解释。也许80年代以来在西方世界，它已是一种家喻户晓得 无须再噜嗦的一种音乐形式吧。
　 一位名叫米恰.琼斯的加拿大钢琴家。写了一本曲集。那里收进的乐曲，都有很美丽的、画面似的标题，例如《彩虹之后》、《梦境之外》、《阳光谷》、《太空蝴蝶》等。他在前言个写了一个自己的小传，说他曾想成为一个音乐画家，后来，慢慢地，他找到了自己的音乐语言。这时，他不再追求用音乐去描绘什么形象，而是表现感觉，那种静夜里雪花落下轻触地面的感觉; 吹过沙草的清风的干燥呼吸的感觉; 远天闪电的折纹的感觉; 傍晚的湖水拍打着岸边的感觉……
　　 米恰.琼斯的乐曲都很安静，大多数都用一种音型不断地反复着; 和声简单，很少有复杂的不协和音响，似乎变格进行和调式风格更多见; 旋律纯朴，通俗易懂; 音调的个性不强，有时甚至没有旋律。听着，听着，你会忘了这是米恰.琼斯的音乐,而是树叶
的悄悄细语。
　　这位钢琴家在1983年的时候遇到一家音乐出版公司的经理，这位出版商一直想推出一种新鲜口味的、适合人们在休闲时候听听的音乐。两人一拍即合，不久米恰的作品便渐渐在美国流传起来了。最初，这种音乐还不那么起眼，各家唱片店的老板又不知道该把它放在哪一栏里，它像轻音乐，没有什么深奥的道理，可又有分古典音乐的风骨和气派; 它是通俗的，可又显示着超脱的情调; 它是易于流行的，但却没有一般的流行音乐那么平庸或骚动。有些唱片店就把它列在类似我们新华书店“近年新书”专柜的名堂之下，渐渐的，就成了气候，港台的一些刊物亦随之改译作“新世纪”音乐。
　　这种介于轻音乐和古典音乐之间的新样式。它们大致上可分三大类。第一类是用自然乐器演奏的，包括一般听众熟悉的常规乐器，如钢琴、小提琴、吉他等等，其中被用得最多的，一方面是接近东方乐器音色的乐器，如: 双簧管、英国管等; 另一方面，民
间性质的乐器，如曼多林、手风琴、排箫也常可听到; 有些演奏者特别喜欢东方的打击乐器，如小铃、大锣和钟等。第二类则是电声乐器，它所制造的音响，也偏重神秘的、飘渺的色彩。第三类是前二者的混合。有些唱片商在制作这三类演奏形式时，往往还会加上自然界的音响，如鸟鸣林啸、风声鹤唳等等。
　　在新世纪音乐唱片的专柜上，你可以找到许多干脆就是把维瓦尔第、考累利等古典音乐家的作品配上瀑布声音作为“新世纪”音乐发售。这多少说明了这种新世纪音乐的倡导者们的意图: 听着这种音乐，让人仿佛置身于大自然之中，换句话说，就是忘记西
方现代文明社会的喧嚣和忙碌。因此，除了大自然之外，久远而神秘的古代，纯朴而素雅的民谣，也是新世纪艺术家们所热衷的题材。恩雅之所以能够走红，正是因为她的歌适应了厌倦摩托时代的听众的需要。你怎会想到，一张发黄的小照作为封套的唱片，对
于怀旧的人们竟有如此的魅力。
　　1981年,有一位名为坡.文特的萨克斯的演奏家，更是身体力行: 拒乘轿车，坚持吃素，最后躲进森林里去，用他的萨克斯与狼对啸。他被认为是“新世纪”音乐的教父，然而我们完全可以往前追溯得更多些年代找到更多的祖宗。把今日“新世纪”音乐家们
的作品，和早期的浪漫派相比，难道不会使我们发现什么有趣的相似之处吗? 我们在柏辽兹的《恰尔洛德在意大利》中所感受到的，不也是一种自我放逐的孤独的快乐吗? 能否把李斯特的《降D大调音乐会练习曲》放在“新世纪”专柜上卖呢? 它不也正表现了人
们面向大自然时的冷淡和安详吗? 瓦格纳对16世纪骑士时代的缅怀，与恩雅那些朦胧而神秘的歌声，又有什么不同呢?
　　的确，从反叛的角度而言，新世纪和浪漫主义有很多相似之处。音乐史上每一种新的风格，都是在时髦与反时髦的斗争中形成的。就像稳健的古典主义是对轻巧的洛可可风格的反叛; 感情至上的浪漫主义又是对崇尚形式的古典主义的反叛一样，新世纪音乐
是轻音乐领域里后现代主义艺术思潮对传统审美观念的反叛。所不同的是，古典的也罢，浪漫的也罢，它们的反叛都是在传统的审美范畴中进行的。尽管在风格上、思想观念上有很多变迁，但二者的背后却有着共同的哲学观念，那就是对生命、对快乐的理解: 生命属于我们只有一次，应当活得崇高而有意义。平衡、和谐、安定是这世界上最完美的境界。然而20世纪的哲学新潮--过程主义的拥护者们却认为，过程和终极是对立的两个哲学范畴。生活应当是生命的自由的过程，它是最实际的存在; 活着，就应当努力去体会这过程。生命如果被外力--例如种种功名利禄的终极目标--所牵制，就被降低为机械而不自由的过程，这也就否定了生命的价值。因此，为着消除这种异化的最好的途径，就是自我松绑，返璞归真，改变传统的以未来某个目标为生活中心的人生观，把自己
从功利目的中解放出来。
　　伴随着这种哲学，西方出现了反理性的艺术，它的主要观点是，在作品中强调或为着建立一个终极目标--例如高潮或是中心--以及为此所作的种种努力，那是对艺术的本质的束缚。生命既是一种维护和扩展自己的过程，和谐、安定、平衡便是不可能永久存在的。追求完美是不切实际的。
　　后现代主义艺术思潮在新世纪音乐中往往体现在如下几个创作待征:
一、从平凡中寻找诗意
　 米恰在他的曲集扉页引用了巴勃罗.卡萨尔斯的诗:
　 在音乐里, 在大海里,
　 在花朵里, 在树叶里,
　 在每个善行, 我见到
　 人们称谓的上帝…
　　这首充满禅宗意味的诗点明了新世纪音乐家们灵感的源泉: 在他们看来，最微小的事物和最惊天动地的景象都是一样的。他们也讨厌人生伦理的教训，恩雅在一首名为《天使》的歌中唱道:
　　伟大的奇迹不靠词令…
　　我会知道天堂的路程,
　　每人都有自己的记性
　　因为价值观念是社会强加于生命、强加于艺术的，它歪曲了它们本身的意义。因此，必须降低欣赏者对作品价值的期望。难怪“新世纪”的作品从不讨论什么重大社会问题，也不想给听众什么重要的语义信息，乐曲的音调都是那么简朴、平易。
二、淡化创作个性和技巧
　　就像米恰不再刻意音乐形象的栩栩如生，而努力寻求自己的感觉的表现那样，信奉过程主义的艺术家们认为，无论何种风格的艺术，无论对它所表现的事物有否变形，其目的无非是在于表现自己的感受而已。因此，为此而运用的创作技巧之精粗都是无所谓
的。而大自然既是新世纪音乐的主题，面对它的究竟是谁就无关紧要了。坡.文特曾经说过:世人生在同一环境里，你邻居的婴儿的哭声和美国加利福尼亚的婴儿哭声又有什么区别! 因此，在“新世纪”的音乐里，你听不到刻意精雕，表现自己创造个性的写作技巧，诸如复杂的声部关系、精致的和弦、主题的有趣的变形等(所以专业的作曲家很少有参加新世纪的兴趣)。新世纪的音乐，都是浑然天成，即兴式的。这种即兴，又不是炫技华彩表演，而是偶感的自由流露。可以说，这是一种反个性的艺术，这也是它和浪漫主义在美学特征上的区别。
三、发掘媒介作用
　　创作的技巧之淡化，使艺术家的注意力集中到表现媒介上。后现代主义的音乐家们热衷于在力度、音色等方面加强刺激。他们在电声乐器上发掘种种新音色或采用对西方听众说来并不熟悉的东方的乐器，歌手则喜欢用气声哼吟，使听众对这些音色感到陌生和神秘。有一卷在印度泰姬陵里录音的长笛，深沉的共鸣和交混的回响形成一种十分奇特的音响，确实得琢磨一番，才能分辨清楚是什么乐器。在一位名为林克的艺术家录制的唱片里用了中国的大锣，让它们的每个音余音袅绕回荡十几秒之久，而不同的音波又互相干涉，织成新的音响，听来就像庙宇里的紫烟，经久不散。显然，在轻音乐领域里不可能像专业作曲家或爵士、摇滚那样，以尖锐、巨大的音响振奋听众，新世纪的艺术家们正是以这种方式使听众处在朦胧中，籍以延长审美知觉的过程。
四、模糊时间进程上的层次
　　传统音乐中，有否清晰的结构层次，有否淋漓尽致的高潮似乎是人们评判音乐作品优劣的一个重要标尺。然而后现代主义既认为秩序--人们为着某种目的而必须遵循的法则--是对生命自由发展的一种束缚，那么，起承转合的结构都是人为的，因而也是虚伪
的; 为各段的素材确定某种对比关系，以及它们的戏剧式的展开都是没有必要的。因为 ∶
　　在有真知灼见的人看来,
　　香花和尘土是一样的。
　　在他们的作品中主要的手法就是平铺直叙和反复。用一大段引子推出一个引人注目的开端、有鲜明对比的段落衔接……这些手法在“新世纪”音乐中都是不典型的。因为高潮是文明社会等级秩序和终极目标的集中反映，它是使生命为之扭曲的外力，异化了生命本身的运动韵律，应当从作品中砍去。因此，我们在新世纪的音乐里听不到令人神采飞扬、热血沸腾的大起大伏，而是一种使人心绪宁静下来的镇静剂。
　　乐曲的终止又是一种终极目标，应当削弱，于是我们就听到了在不断反复中逐渐隐去，或是在不协和和弦上收束的结尾方式等等。
　　后现代主义体现在“新世纪”音乐中的这些美学特征，对东方听众来说，并不是什么新鲜的东西，其实都是东方的传统审美观念: 不渲染、不激动、不精确等等美学特征的翻版。人们在那不断反复的平静的音乐中调理自己的心情，使之忘却日常生活里所遇
到的种种烦恼，从而达到超脱的作用。因此，我们又可说，新世纪音乐是用西方音乐文法写的东方音乐。
　　近年来，随着新世纪音乐的影响越来越大，加入这个队伍的艺术家也越来越多了，甚至摇滚乐也渗透了进来，这就给为新世纪音乐下定义带来了困难。但不管怎样，至少它给我们这样的启示: 创新也罢、反叛也罢、未必都是呲牙裂嘴的，重要的是在于审美观念的变化，新世纪音乐不正是以最温和的形式把几百年来的传统美学观念的核心给反了吗?
五、聆听“新世纪”
　　理性与感性是人类赖以认知世界的两个不可或缺的方面。所以，在我们理性地剖析了“新世纪”的脉络之后，很有必要再来感性地聆听一下“新世纪”的声音。
　 由Colin Willcox在1982年创立的New World Music公司一向以弘扬“New Age”精神为己任，制作了大量优秀的“New Age”风格的唱片。如:
《Medicine Woman》(女巫医)、
《Kingdom of Sun God》(太阳神的王国)、
《Eagle Spirit》(鹰之魂)、
《Guardian Spirit》(守护神)、
《Moon Goddess》(月亮女神)
　　Real Music公司一直以来高举“New Age”大旗，1994年推出的“美国国家公园系列”堪称“新世纪”风格的典范之作:
《Yosemite》(约塞米蒂国家公园)、
《The Grand Canyon》(大峡谷)、
《Great Smoky Mountains》(大烟山)、
《Olympic National Park》(奥林匹克国家公园)
　　日本“新世纪”音乐的鼻祖--喜多郎的名作“丝绸之路系列”:
《丝绸之路》(Silk Road)、
《丝绸之路II》(Silk Road II)、
《天竺》、
《敦煌》、
《古事记》(KOJIKI: A Story in Concert)
《天界》、
《天堂与地球》(Heaven and Earth)、
《宋家王朝》……
　　沉浸在“新世纪”音乐营造的恬淡平和中，的确是一件美好的事。

   电子乐名人
　　电子音乐的发展只是上世纪中叶后期的事,随着电子技术和大规模集成电路(LSI)的发展,电子乐器制作的越来越精密,功能越来越多,并逐步作为主角登上各种表演舞台和录音棚。电子琴最早诞生于美国,但真正将其发扬光大却是日本。1983年,雅马(YAMAHA)生产出了日本的第一台电子合成器DX-7,而当时真正演奏电子乐器的高手却都在法国.比如法国的让.米歇尔.雅尔(Jean Michel Jarre),他的著名作品就是那首《氧气》(Oxygene)充满了法国式的浪漫气氛。日本早期的电子乐器演奏家是斋藤英美、以及宗次郎(代表作《大黄河》)、还有大名鼎鼎的喜多郎(KITARO)。
　　对于这个面容清瘦,长发飘飘的人大家已经很熟悉了。喜多郎早年出身于日本一个普通工人家庭,但从小酷爱电子音乐,当他还是个清洁工的时候,便用分期付款的方式购买了1架电子合成器(当然是美国产的,因为60年代日本还不会生产合成器),后又专程到合成器演奏高手云集的法国进修,学习演奏电子合成器。回国后为了给NHK-CCTV合拍的电视片主题曲《丝绸之路》(Silk Road)配乐,喜多郎背负沉重的录音器材来到中国西域,在茫茫戈壁上采风。为了作好反映印度佛教禅学奥秘的《天竺》,喜多郎来到印度,去探索佛教禅学的奥秘。他的《敦煌》被专家认为是最能反映这一历史古迹的音乐作品。喜多郎的颠峰作品应是为众多发烧友珍藏的长篇音乐史诗《古事记》(KOJIKI:A Story in Concert
)采用叙事手段演奏,表现几乎达到完美无缺。喜多郎的其他作品还有《天界》、《天堂与地球》(Heaven and Earth)、《宋家王朝》。对了,BEYOND的那曲《长城》开头那段也是喜多郎给做的,无不流露出喜多郎热爱自然、崇尚古朴的精神。喜多郎爱用KORG的产品 ,有人说他的设备是KORG为其定作。喜多郎在合成器音色合成方面已经形成了自己的特色 ,他是用合成器表现音乐,而不是用音乐去表现合成器。
　　雅尼(Yanni)是目前较为火爆的电子音乐演奏家,本名克里索马里斯(Chryssomalis) ，1954年11月14日出生在希腊的Kalamata。18岁时，他离开希腊赴美国上大学。经过多年的奋斗，终于成为当今世界乐坛一位集创作与演奏的一代宗师。其作品显得很大气, 往往动用交响乐队,电声技术与传统古典艺术完美结合,再加上以希腊的罗马卫城,中国的故宫等古迹作为其演奏背景,衬托出一个NewAge音乐代表的雅尼。雅尼现在已经成为全世界现代音乐最杰出、最受欢迎和最具有创新精神的作曲家和演奏家之一，他成功地掀起了一阵热潮。他已经确立了他在现代器乐曲中的地位，但是雅尼给予他的听众的不仅仅
是娱乐……
　　若将克莱德曼的钢琴曲比作令人心旷神怡的“清风”，那么罗伯特的音乐则是让人血液沸腾的“海涛”。与同样擅长古典与现代结合的雅尼相比，应该说威尔斯的音乐更具亲和力。雅尼注重的是电子乐营造的跨时空的神秘氛围。
　《夜莺》(Nightingale)--长笛的悠扬清越,小提琴的婉转飞扬，大提琴的低沉肃穆，用完全中国化的独奏方式来表现西洋乐器的魅力--月亮悠悠的穿行在云层，秋雨点点滴落在窗外，夜莺拍打着翅膀飞过蔚蓝的湖水……渐渐的，雅尼的音乐响起来了。琴声在荡漾--在这寂静的夜聆听着雅尼--音乐的动人在于何处呢? 关于这位希腊的音乐家有着许多传说,比如他有一套自己独特的记谱符号等等。雅尼的音乐成功地结合了交响乐和流行音乐，雅尼的音乐风格，既不属于流行音乐，也不属于古典音乐。他的音乐清新自然 ,奔放中又带点清柔,给人一种独特的音乐感受--一种最幽幽情绪,一种隐秘的语言,一种迷人音符的颤动。如果一种音乐具有如此的动力，让你感到如此的激动，眼前出现过去
的美好青春时光……
　　雅尼是第一位既在中国的紫禁城又在印度的泰姬陵开音乐会的西方音乐家,《致敬紫禁城》--这是雅尼专辑中最为精采的一张,从此，雅尼的音乐彻底告别了“广告音乐”时期。它包括印度泰姬陵，中国紫禁城音乐会中的9首新作和2首旧作的改编版，全专辑充满激情，激荡人心。《雅尼卫城演奏会》让您感受雅尼音乐无比的震撼力。他在92,98年 两次的北美巡回演唱会都成为票房前10位的音乐会, 最近在墨西哥的音乐会也引起轰动
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