穿拖鞋遛鸟儿 http://blog.sina.com.cn/surewonder Mon, 30 Nov 2009 06:39:48 GMT+8 FEEDCREATOR_VERSION zh-cn Copyright 1996 - 2009 SINA Inc. All Rights Reserved. Sun, 29 Nov 2009 22:39:48 GMT+8 每周新碟（2009.11.23--2009.11.29） http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fuv7.html 撰文 王硕 朴九月

为新浪摇滚频道撰写的每周碟评专栏




Norah Jones《The Fall》

许多在我们看来貌似熟悉的东西事实上都是一知半解，爵士就是如此。如果你问一个人是否知道什么是爵士，对方肯定点头称是。自从王若琳被称作中国的诺拉•琼斯之后，这个后起之秀就成了爵士乐的代言人，虽然与她合作过的赫比•汉考克（Herbie Hancock）有着更高的名望，甚至是老一辈大师当中唯一在世的一个人，但流行文化就是这么强大，总能让大伙的审美脱离历史，直接站在巨人肩膀上。

自从她主演了王家卫的《蓝莓之夜》以后，知名度扶摇直上，但她在电影原声当中演唱的那首《故事》（The Story）几乎成了她最后一首自以为是的爵士。在这张据说是在描绘纽约秋天的唱片当中，再也听不到类似比莉•荷莉戴（Billie Holiday）的韵味，而是像她之前描述的那样，变成了一张慢摇（Soft Rock）为主的唱片。无论《抓海盗》（Chasing Pirates）还是《轻如鸿毛》（Light As A Feather），都能捕捉到70年代的编曲和80年代的演唱。如果找一个比较对象去形容音乐走向的话，只能说这张《秋天》（The Fall）介于汤姆•维兹（Tom Waits）和比利•乔（Billy Joel）之间，这在《等待》（Waiting）和《年轻气盛》（Young Blood）当中也有所体现，这种慵懒、温煦、浪漫的感觉和爵士一样，也符合诺拉•琼斯的声线特质。

其实这样的诺拉•琼斯并不奇怪，唱片制作人贾奎尔•金（Jacquire King）之前就是汤姆•维兹的制作人，与此同时，他还为狮子王乐队（Kings of Leon）制作过一些歌曲，最擅长制作那些适合在小酒馆里现场弹唱诱惑酒客的音乐。千万不要觉得这样的形容显得低贱，是在讽刺诺拉•琼斯，如果你听懂了滚石乐队的《酒馆姑娘》（Honky Tonk Women），就一定能体会那样的氛围以及相关的魅力。那么真正低贱可耻的是什么？不是诱惑，而是那种刚唱半分钟就让顾客结帐走人的音乐。



Leona Lewis《Echo》

封面上的性感造型实际上并不代表Leona Lewis的第二张录音室大碟与第一张《Spirit》有着太大的转变，继续典型的情歌R&B路线，着重突出其极具黑人特质的浑厚声线，两位御用制作人Simon Cowell和Clive Davis几乎是惯性地将第一张专辑当中独属于Leona Lewis的特质，继续延续到了这第二张专辑《Echo》当中，这多少也能安抚一批Leona Lewis的忠实拥趸，出入不大的两张作品才足以延续他们对Leona Lewis的热爱。没有花里胡哨的电子舞曲，没有庸俗上口的普通流行情歌调调，更没有哪位有名或无名的说唱歌手在其中客串，《Echo》打造的依旧是Leona Lewis自己的招牌，稍显快速的R&B情歌和无处不在的欢乐情绪促成了Leona Lewis的第二张《Spirit》。

虽是英国歌手，但毋庸置疑的地方便是Leona Lewis极具美式风范，先从其标准的美式发音到精准地把握R&B音乐的精髓，然后再是这张专辑上的美式火热造型，都是Leona Lewis牢牢掌控欧美两地流行音乐市场的强力手段。虽然从包装上来看，此次Sony公司有意将其往性感艳星上发展，但就《Echo》当中的歌曲而言，这其中并未沾上魅惑人的脂粉气息，依旧以坚韧有力的嗓音作为最佳出发点，并且不做任何声线上的卖弄，完全的浑然天成。

专辑当中最值得一提的当属Leona Lewis翻唱自Oasis的《Stop Crying Your Heart Out》，这也是Leona Lewis在上一张专辑《Spirit》的豪华版当中继翻唱Snow Patrol的《Run》之后，再一次将英式摇滚翻唱成属于Leona Lewis自己的荡气回肠的歌曲，这些举动也多少证明了Leona Lewis是一个极受英国摇滚乐影响的普通英国女孩。当然，对于一个想要长远地进行其演艺生涯的艺人或乐队而言，横空出世的第一张专辑和保持水准的第二张专辑显得尤为重要，然而真正考验其实力的，往往是他们的第三张专辑，那么，Leona Lewis接下去将是会做出某些突破，还是一如既往地坚持其慢板R&B路线？在第二张专辑《Echo》当中表现依旧不俗的Leona Lewis的确值得我们去等待。



Adam Lambert《For Your Entertainment》

Adam Lambert恐怕是美国偶像参赛选手当中最富争议的一位了，《For Your Entertainment》是其参加比赛之后出的第一张录音室大碟，一早就受到大范围的关注，当一幅带有浓烈早期David Bowie甚至Britney Spears味道的中性形象封面曝光时，Adam Lambert可以说再一次刮起了全美同志音乐风暴。先不说Adam Lambert早早承认的同性恋性取向和妖冶的异装打扮，他在美偶比赛时期就已经用多姿多彩的台风首先吸引住了观众，《For Your Entertainment》正是一张考验其脱离舞台、单凭录音室歌曲以征服歌迷的作品。

难于避免美国偶像参赛选手在推出录音室专辑时所需要考虑的商业音乐元素，《For Your Entertainment》在最初用的是2009年年底的灾难大片《2012》的片尾曲《Time for Miracles》作宣传，无论怎样，这的确是达到了夺人耳目的目的，然而这首歌曲只作为专辑的附赠曲目出现，待专辑真正的第一波主打，亦即专辑同名曲《For Your Entertainment》出炉之后，华丽电音舞曲才真正成为了这张专辑的第一印象，也不免让人感叹原本Adam Lambert斑斓的个人形象的确符合电音舞曲这种时下年轻人喜欢的潮流趋势。

不过真正让人对这张华丽大作大为感叹的原因，却来自于整张专辑的歌曲并不全是单一的电音舞曲，其包揽了几乎所有时下流行乐界的曲风，当然主打仍旧是流行，Adam Lambert自己以及歌曲创作人、专辑制作人在旁枝末节处——例如演唱方式、器乐编配甚至是各种异域风情的音乐采样——做足了功夫，使得《For Your Entertainment》饱满且极其值得反复品味，当Adam Lambert一遍遍在你耳边用假音或真声全情演唱之时，你脑中所掠过的图景便不再仅仅只有David Bowie、Britney Spears，你甚至还能听到、看到Michael Jackson、Queen、Mika、Lady Gaga、Muse……



Stereophonics《Keep Calm and Carry On》

推出过一众好唱片的英伦乐团Stereophonics在他们的第七张录音室专辑《Keep Calm and Carry On》当中显然是无计可施了，尽管整张专辑透露的信息就是Stereophonics还是那个Stereophonics，却始终再无法让人欣悦起来，开篇曲亦即首播主打《She's Alright》遵循着Stereophonics一如既往的编曲路数，可正是这种毫无任何新鲜感的常规路数让《Keep Calm and Carry On》在主打曲的带领下迅速进入了无趣，加之一张山寨版2006年Muse专辑《Black Holes And Revelations》的封面设计，让人在将这张专辑听过一遍之后，再难提起勇气继续第二甚至第三遍。



Kent《Röd》

从2007年的《Tillbaka till samtiden》开始，瑞典独立乐团Kent放弃独立摇滚转向电子乐的趋势就已经开始彰显，直至2009年的这张《Röd》，先从一张与之前乐队清新简约的封套设计完全相背离的性感女人形象一展世人，到整张专辑完全的电音化，Kent的改革勇敢又果断，与其多年来的独立乐团性质相当融洽。仍旧坚持用母语演唱，Kent此次所作的有点像是在脱离北欧清新音乐派的同时，开始建立全新的瑞典式电子音乐，带点舞曲性质但节奏又趋于缓慢，偶尔偏向实验但又绝不晦涩难懂，那些强烈的电子节奏让早前Kent的忠实乐迷们不禁倒吸一口凉气，却也证明了Kent的转型是何等地决然。虽然整张专辑电气弥漫，却未失去乐队的原本气质，安稳的人声吟唱、层次分明的吉他贝斯声线，均与电音有着相等的侧重。



Flyleaf《Memento Mori》

Flyleaf的音乐原本就属于在流行金属、女声车库摇滚和Emo这三者之间徘徊的尴尬类型，2005年乐队首张同名专辑倒是让人记住了他们那个有着高亢嗓音的女主唱Lacey Mosley，一曲《I'm So Sick》绝对是Flyleaf响当当的成名曲，年轻、嘹亮的嗓音却歌唱着痛苦，这种矛盾让Flyleaf带着他们的第二张正式专辑《Memento Mori》在2009年末再次出现于世人面前。四年的磨砺似乎并没能让Flyleaf成功将他们音乐当中的那种矛盾升华至某种极致，却也算是仍旧将其保存了下来，拉丁文的专辑名称就是这种矛盾的一种表现形式，但单从音乐方面而言，乐队在这张专辑当中的表现未免显得过于差强人意，竟然连像过去的那首《I'm So Sick》一样让人记印深刻的单曲都没有在这张专辑当中被凸现过。



Piano Magic《Ovations》

高产是Piano Magic近年来给人的最深印象，但是，他们在氛围音乐上所作的孜孜不倦的探索、发掘与实验，才是Piano Magic的忠实乐迷们所津津乐道的。成立十三年，Piano Magic不光在自身的改革上作出了许多乐队未能做到的多与广，他们与诸多厂牌诸多其他音乐人的合作也让他们的音乐总能呈现出新鲜、饱满的姿态，乐队的上一张专辑《Part Monster》着重于氛围化的电气声效以及人声之上的协调，甚至有人在Piano Magic发行过《Part Monster》之后将他们称作是慢了好几拍的New Order. 由此可知，Piano Magic放置在他们音乐当中的“魔力”并不仅仅只依托于钢琴，暖电气场和温文尔雅的人声才是他们真正的魔力所在。这一魔力也被他们延续到了2009年的新作《Ovations》当中，这其中电子氛围的烘托让整张专辑成为一个无法被分割的整体，无论你用实验、后摇、电子氛围甚至是古典音乐去定义它，它都值得你以最赤诚的态度热烈欢迎他。


]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fuv7.html#comment Sun, 29 Nov 2009 03:58:41 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fuv7.html 每周新碟（2009.11.16--2009.11.22） http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fslj.html 撰文 王硕 朴九月

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Bon Jovi《The Circle》

Bon Jovi一直是个很神奇的歌手，与80年代的璀璨岁月挥别之后，在90年代几乎没有写出过一首特别好听的歌，尤其是和各个不同时期的新乐队比起来，都显得不如人意，瞬间就被比下去了，但他依然坚持自己的创作方式，并且持续了这么多年，形成了所谓的邦式风格。概括地说，这种风格就是没有金属从业者怪毛病的硬摇滚，不会突然在现场喊一句金属不死金属永恒，也不会展现个人崇拜的膨胀姿态。

虽然他在面对《滚石》杂志的采访时说，这张专辑回归根源，会让80年代那些和我们一同成长的歌迷感到兴奋，可是比较之下，却发现唱片和2005年的《Have a Nice Day》与2007年的《Lost Highway》没有本质区别，旋律上口歌词易懂，具备提神醒脑励志等功效，只是没有那些为了赶时髦而选用的编曲。《天生我才必有用》（We Weren’t Born to Follow）积极向上，在经济危机的大环境下有可能减少资本家们跳楼的几率，纵然旋律没有好到让人无可挑剔的地步，但考虑到今天美国公告牌前十名的整体素质和歌曲教育大众的意义，广受好评也不算奇怪。除了这首歌主打歌之外，《今晚的英雄》（Superman Tonight）和《珍爱生命》（Live Before You Die）也有着类似的主题，起着相同的疗效。

不过对于那些没有失真效果迷恋癖的人来说，最好听的还是《美丽已成往事》（When We Were Beautiful），他试图朝着《永远不说再见》（Never Say Goodbye）的方式进行创作，但也只能跟那样的经久不衰说声再见。



Robbie Williams《Reality Killed the Video Star》

Robbie Williams三年后的新作当中，再一次请到了全新的制作人Trevor Horn，这位担当过多名音乐人及乐队的流行音乐制作人拥有多种风格音乐的制作经验，这些经验使得《Reality Killed the Video Star》这张专辑成为了一张包罗万象的流行专辑，首发单曲《Bodies》以多变的节奏和中世纪氛围为主打特色，附带着歌词当中极富争议性的内容，可以说Robbie Williams这一次又先发制人，让这张专辑成为新一轮话题之作。

封面上夕阳里的青年，象征着不老的Robbie Williams依旧可以在暮光里散发他的独特魅力，温暖的色调也象征着这张专辑当中的歌曲以温和平静的心境在徐徐进行，同时也让人感觉更为大气恢弘。至于专辑名称，Robbie坦言，其取自专辑制作人Trevor Horn曾经组建过的一支乐队The Buggles在1979年的冠军成名曲《Reality Killed the Video Star》。

然而除却几首主打歌曲稍显两眼，《Reality Killed the Video Star》大多作品还是处于一般至中上的水平，曾经那个创造过太多流行音乐神话的Robbie Williams，在这样一个音乐花样繁多的年代，可能也只能凭借一两首主打曲站稳脚跟了，这样一张仿若八十年代流浪日志的专辑，更多地，是带给人们陈旧的回忆，并没有太多新鲜的东西。



John Mayer《Battle Studies》

格莱美奖拿到手软的John Mayer，已经对流行音乐掌握到了一定程度。第四张正式专辑《Battle Studies》当中，John Mayer更多地把玩起了原声乐器，浅吟低唱代替了花样繁多的风格转换，这也是一位不置于演唱的流行乐手在尝试多种可能性的行动，由流行摇滚到布鲁斯，再到这张偏于乡村民谣甚至是迷幻音乐的新作，John Mayer的每一次尝试都谨小慎微，却又成效卓著。

专辑当中最早曝光的单曲《Half Of My Heart》明显地标注着是与Taylor Swift合作的曲目，但寥寥几句合唱并未能满足乐迷的需求，不过专辑开场曲《Heartbreak Warfare》则因为之前John Mayer透露说是写给前女友的一首歌，因而所得到的关注并不亚于《Half Of My Heart》，旋律和节奏上，这首歌都没有什么可挑剔之处，飘扬的人声是它的最大优点，《Who Says》的简单让人直面歌词，也是专辑当中歌词寓意最贴近John Mayer内心的一曲。

至于专辑当中两首翻唱作品《Crossroads》和《I'm on Fire》，分别翻唱自Robert Johnson和Bruce Springsteen，《Crossroads》当中电音吉他的缓慢拨弄，也同样有原声吉他的效果，作为隐藏曲目的《I'm on Fire》则只收录在iTunes下载版本的这张专辑里。



Them Crooked Vultures《Them Crooked Vultures》

不知道今年乐坛吹的一股什么风，越来越多大牌乐队的乐手以新的形式组合在一起，从最早英美两地艺术家合并的The Dead Weather、英国的Bad Lieutenant，到美国的Monsters of Folk……现在这支Them Crooked Vultures同样由来头不小的几个人组成，Foo Fighters的主唱Dave Grohl Queens of the Stone Age的Joshua Homme和Led Zeppelin的John Paul Jones借着友谊完成了这次合作。乐队首张同名专辑收录三人共同创作的十三首歌曲，从音乐类型来看，都和硬摇滚脱不开关系，但从音乐水平来看，这张专辑更像是一张玩票性质的作品，多数曲目没有太多可圈可点的地方，每一首歌的动机看来都出于随意，各司其职的三位乐手似乎在共同合作上尚还缺乏默契度，音乐的整体性随之大大减低。打的就是打牌强强联手的口号，至于实际口碑会怎样，好像并不在这三位乐手的考虑范围之内。



Snow Patrol《Up To Now》

Snow Patrol唱出了最纯净的英式摇滚，并且坚持到了现在，如果你被近几年乱糟糟的英伦乐坛迷蒙了耳朵的话，这支一直坚持自我的乐队可以令你重拾最初英伦情歌的美好，《Up To Now》是乐队的第一张精选双CD大碟，收录乐队出道至今十五年里的所有好歌、三首为正式发表的单曲《Just Say Yes》、《Give Me Strength》和《Dark Roman Wine》和若干旧歌在2009年重新灌录的新版本，甚至还有早期Snow Patrol的分支乐队The Reindeer Section的一些作品。



Dashboard Confessional《Alter The Ending》

从单人乐队慢慢充实成为一支真正的摇滚乐团体，Dashboard Confessional在成立的这么几年里，走着与其他乐队从建立、解散到主创单飞完全相反的发展道路，这也代表着Dashboard Confessional有着与他人完全不同的团队创作理念及对待音乐的态度。《Alter The Ending》，乐队的第六张录音室专辑，以最平凡的手法还原另类摇滚乐当中最令人感动的部分，在越来越讲究专辑后期制作花样的2009年，这支说老不老说新也不再新的乐队，带领人们回归最本质的摇滚乐世界。尤其令人感动的是，在这张《Alter The Ending》正式CD发行后不久，豪华版本当中收录了这十二首新歌的不插电版本，在电声摇滚之外，Dashboard Confessional的主脑Chris Carrabba还以如此纯粹地方式诠释了这些优秀的作品。



Orianthi《Believe》

年纪尚轻的Orianthi已经拥有相当多的吉他秀演出经历，曾经合作过的乐手大多大名鼎鼎，Steve Vai、Carlos Santana和已逝流行天王Michael Jackson，在近期公映的Jackson最后的演唱会彩排纪录片《This Is It》当中，可以见到Orianthi身为Jackson的同台女吉他手的风姿。2007年的处女大碟《Violet Journey》奠定了Orianthi作为吉他手兼创作型女艺人的发展道路，第二张专辑《Believe》则更多地加入了Orianthi的个人态度，超凡的吉他技艺和高亢的声线是Orianthi的最大特征，多位大牌艺人的推荐也让她无量的前途更为光芒熠熠。


]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fslj.html#comment Mon, 23 Nov 2009 04:05:43 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fslj.html 每周新碟（2009.11.9--2009.11.16） http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fpkc.html 撰文 王硕 朴九月

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Weezer《Raditude》

Weezer，一群努力却不再年轻的朋克男孩，用一系列色彩加乐队同名专辑征服了美国大众之后，在2009年的时候，一改往日守旧古板的形象，凭借一飞冲天的一只狗，宣告了他们第七张录音室大碟《Raditude》的诞生，同时多少也从这封面形象上向乐迷宣布，他们会在这张专辑里做出不同于以往的新的尝试，逐渐脱离早前Weezer四人塑立的好旋律好节奏乐队的形象，以一些新的形式重新诠释一个Weezer.

先不说他们所进行的这些改变是否有必要，但从他们早前几张同名专辑本身就能看到假设Weezer一直亦步亦趋地将他们的这种既定形象进行到尽头，也未尝不是什么不好的事情，毕竟在这样一个日新月异的年代，人们多少会对越来越多的新鲜事和改变，有着抵触情绪，何况是这么一支成军了十多年的老牌朋克乐队。所以，当略略带有嘻哈风味的《(If You're Wondering If I Want You To) I Want You To》作为第一波单曲以及这张专辑的开篇曲响起来的时候，别样滋味就已经开始逐渐蔓延了。

还好，有《I'm Your Daddy》、《Put Me Back Together》这样典型的Weezer式歌曲穿插其中，便多少可以将那些杂乱的本不属于Weezer的东西忽略掉，当然，和Lil Wayne合作的《Can't Stop Partying》也不失为这张专辑的一个亮点，但是，《Love Is the Answer》这类带有太浓烈异域风情的歌曲，就像现如今国内越来越频繁出现的“中国风”式R&B那样，让人感到乏味和不知所以然，如果Weezer的每一个歌迷鼻梁上都像乐队成员那样架一副角质架眼镜的话，跌碎的可能性真是大大增加了。撇去这些不合时宜的在音乐上的改变，这张《Raditude》可以说，在点缀式的几首佳作过去之后，唯剩中庸的歌曲反复出现，没太多亮眼之处，整体令人感到大窘。



Kiss《Sonic Boom》

作为经典乐队十年后的回归之作，《Sonic Boom》的确突出了Kiss乐队的整体特点，以重型摇滚为基础，却没有添入太多太浮华的花色，只需要四张标志性的脸孔，就已经昭示先前那妖冶百变的Kiss真的回来了。

距离Kiss的上一张专辑《Psycho Circus》有十一年之久，期间乐队成员又发生变化，但《Sonic Boom》的音乐仍旧保证到了Kiss的原汁原味，活力四射的流行金属调调、简单有力的歌词、成员们团结一致的努力，这种种都在昭示Kiss在新千年之后，所在做的只是保持住他们成立将近四十年来所塑造的Kiss特征。

随着新作的诞生，Kiss也不忘借机让歌迷重新回顾他们的旧作，《Sonic Boom》就收录有乐队早前作品的重新录音版本，而专辑的封面创作也和1976年乐队的《Rock and Roll Over》专辑封面有所雷同，他们均出自漫画大师Michael Doret之手，其后的豪华版本将收录乐队的一些现场录像。



Brett Anderson《Slow Attack》

自2007年大张旗鼓地走个人道路之后，Brett Anderson一年一张专辑的速度多少象征着他是多么急于表达和剖析自我，这种急切终于让他的第三张个人专辑《Slow Attack》显现出了一些弊端，太多的关于自身疼痛和自身沉溺的描述让Brett Anderson整个人化身成为无病呻吟、患有严重中年危机的老男人，所有在Suede时期的阴柔暧昧，变成胡搅蛮缠一般的低吟浅唱。

如果说2007年第一张个人同名专辑《Brett Anderson》当中那首《Love is Dead》用华丽丽的弦乐、钢琴架构起Brett内心的空虚失望，2008年的《Wilderness》简致有力，以不插电的纯粹塑造出Brett自恋、自迷又满含深情的形象的话，这一张《Slow Attack》未免显得太过中庸太过寓意不明。早前曾盛传这是Brett尝试做出Ambient音乐的第一步，可结果出来之后，偶然的钢琴和零零落落的弦乐并没能营造出任何能令人耽于其中的所谓“氛围”，只能一次次循着Brett阴柔的声线缓慢进入这些所谓的慢拍歌曲当中，再一次借由歌词去细细揣测Brett大叔在2009年的心境。

不得不说，我们累了。这种旨意不明，过于个人化的音乐，只有Brett的铁杆粉丝（甚至都不能说是Suede的铁杆）才会去一遍遍仔仔细细地去研究去揣测，没有悦耳的旋律和真正值得深入进去的音效，《Slow Attack》最终只是Brett Anderson个人哀伤的圆舞曲，有些人会仔细欣赏Brett的舞步，为其哀叹为其落泪；有些人在他结束这次表演之后不带一丝印象地离开演出现场，并为下一次是否还来买他的帐而犹豫不决；有些人则在还未落下帷幕之前，便已匆促离场，因为他们看不懂Brett Anderson到底在舞些什么。



Morrissey《Swords》

不知道Morrissey是不是在用这张B-side合集来弥补年初发行的那张《Years of Refusal》的不尽如人意，如果是的话，也仍旧很遗憾，就算他一年出两张专辑，也不能证明他们都绝对优秀，相反，这张B-side作品的出现真是很不合时宜，相对于《Years of Refusal》，《Swords》的平淡寡味真是有过之而无不及。作为Morrissey自2004年之后的三张专辑的B-side合集，《Swords》明显收录的是当时的不合格之作，诸多的不合格作品拼凑在一起，除了Morrissey自己正儿八经的乐迷，想必是不会有太多人对其侧目，反而会对Morrissey的这种发片形式怀有鄙夷的态度。



Julian Casablancas《Phrazes for the Young》

其实Julian Casablancas身上的确集结了所有纨绔子弟的特征，叛逆、浮躁、冲动、傲慢……但Julian与其他富商子弟不同的地方在于他勇敢地用音乐为手段活出了他自己，从最早的The Strokes就能体现出他在复古车库音乐上所做的种种努力。乐队重组近在眉睫，但Julian Casablancas首先还是选择将自己的个人专辑《Phrazes for the Young》奉献出来。熟悉的傲慢嗓音和慵懒的唱腔，却褪去只属于The Strokes的激情，带上更多浪漫色泽和合成器味道，就是初初听到Julian的这张个人专辑时所得到的感觉，八首带有浓郁个人色泽的歌曲像是The Strokes新作即将发行前Julian赐予乐迷的一种暖场形式，但认真听完之后，你还能找到Julian另外的一个优点，那就是在音乐制作上，他始终拥有一种非常认真严肃的态度，这也是这张专辑让人感到不错的原因。



Editors《In This Light & on This Evening》

在抑郁里迸发，Editors 2009年的新作不仅一次令人想到后朋克祖师Joy Division，乐队本身为这张《In This Light & on This Evening》所进行的自我提升，不是三言两语能够概括的，节奏愈发趋向于缓慢中又带着急促的那种矛盾感，配乐当中加入越来越多的电气成分，主唱Tom Smith善于将其钝重的嗓音植入密密匝匝的器乐当中，与之形成一层可将人越缠越紧的保护网，既保护住音乐本身，又保护住听这种音乐的乐迷，让乐迷始终与他们的音乐保持一定的距离，这个距离正好足够用以欣赏他们这一次所尽心的变化，又不至于伤害乐迷们不习惯的心理，要知道，Editors第二张专辑《An End Has A Start》可谓是让人对这支前途大好的后朋克乐队大失所望，伤足了后朋乐迷们的心。阴郁、沉闷、狂躁、纠结，整张《In This Light & on This Evening》用更多的合成器令人再次回归后朋克和新浪潮无比嚣张的八十年代。
 


Morningwood《Diamonds & Studs》

顶着这么一个震撼的乐队名，女主唱Chantal Claret身上的珠光宝气终于在他们的第二张专辑上显现了，这张分量十足的专辑耗去Morningwood三年的时间，从整体构架到每一首歌曲的细节部分，都值得细细去推敲斟酌，相对比于2006年乐队的首张同名专辑，所跨越的步子可不是一般地大。忠于女声车库在旋律上的简单，《Diamonds & Studs》拥有令人血脉喷张的节奏，乐队每一位成员各司其职各尽其能，赋予十三首歌曲以饱满的热忱。如果说第一张专辑《Morningwood》仅有几首主打歌让人感到Chantal Claret那股子风骚和傲气的话，那么《Diamonds & Studs》的每一首歌都能展现出一个光芒熠熠的Chantal Claret和这一支斗志昂扬的车库乐队。


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Various Artists《Original Motion Picture Soundtrack The Twilight Saga: New Moon》

想来《暮光之城》的音乐负责人Alexandre Desplat对当下流行兼独立音乐，都有着自己的一套想法和赏识，从《暮光之城》第一部的音乐录影带畅销开始，第二部《新月》的原声大碟就因为招揽来诸多大牌，而又让Alexandre Desplat风光了一把。所以，哪怕《暮光之城》实在是一系列褒贬不一的电影作品，却从不影响它的配乐受到欢迎及好评，至少，从现在的音乐界来看，没有多少人会拒绝Thom Yorke、Muse、The Killers、Death Cab for Cutie这一大帮雷声滚滚的大牌艺人和乐队汇集在一起的一张专辑。或者你可以说，在《新月》尚未公映但原声大碟却抢先一步出现的这个时候，云集于此张原声专辑的重量级艺术家们，已经远远比电影本身更能吸引乐迷和影迷了。

和之前诸多大牌云集的《变形金刚》的原声不一样的地方在于，这一次被电影音乐制作人请来的乐队们，大多数都单独为这部影片创作了歌曲，以配合这部电影独特的情节特质，这其中首推极富Death Cab for Cutie那种深情和缱绻味道的主题歌《Meet Me On the Equinox》，这首歌可以说为整张原声大碟甚至是即将上演的这部电影奠定了基调；至于Thom Yorke的《Hearing Damage》一歌，虽然并没有确凿的证据以证明该曲是特定为该部电影而作，但至少可以确定的是《Hearing Damage》是通过这张原声大碟而首次出现在乐迷面前；刚刚发行了新作的Muse虽然没有为该片贡献新曲，但却也将新专辑当中的《I Belong to You》融入《新月》这部电影的氛围基调，做出了新的一个混音版本；两位独立民谣界的大牌Bon Iver和St. Vincent则合作了一曲带有浓重教堂福音诗味道的《Rosyln》；而原声专辑的末尾，Alexandre Desplat自己则贡献上一曲略显凄清的钢琴曲《New Moon (The Meadow)》，从整张专辑为配合电影所营造的氛围来讲，这首简致的钢琴小曲让整张原声大碟有了意犹未尽之感。

从独立流行、独立摇滚、另类摇滚、民谣、氛围到实验，这张《Original Motion Picture Soundtrack The Twilight Saga: New Moon》包含有诸多风格元素，它不仅是囊括有诸多大牌艺术家的饕餮大宴，更是可以巧妙融合多种音乐类型的满汉全席。



Karen O And The Kids《Where the Wild Things Are Motion Picture Soundtrack: Original Songs by Karen O and The Kids》

不得不夸赞一下百变又多才多艺的Karen O，以其豪放的性情率领三人团体Yeah Yeah Yeahs，又温文尔雅地组建起民谣风格的分支乐队Native Korean Rock，两项都做的有声有色却又互不干扰，2007年Karen O与少年摇滚乐队Tiny Masters Of Today合作的一曲《Hologram World》，不妨可以认作是今次这位摇滚女神与孩童合作这部电影当中的歌曲的基础。

《Where the Wild Things Are》是由美国几乎家喻户晓的童话故事《野兽国》改编而成的同名电影，由美国鬼才导演Spike Jonze执导，也正是这位拥有独特眼光的导演力邀Karen O和演员小朋友们共同完成这部电影的原声歌曲（当然他同时也是Karen O的前男友），这已经是二人继《Hello Tomorrow》的MV后的第二次公开合作。Karen O未泯的童心以及出于对这部儿童小说的喜爱，让她早前在Yeah Yeah Yeahs当中的狂野转变成为精灵鬼马，在Native Korean Rock当中的平淡转变成和蔼可亲，于是这张充满了童稚和欢乐的儿歌式原声歌曲大碟，成为了今年电影原声大碟当中的佼佼者，据说已经为角逐奥斯卡奖作准备。

与Karen O合作的这帮孩子其实也都不是什么专业的童声合唱团，而是由Karen O临时组起来的一支队伍，他们的随性演唱正好符合这部电影的音乐需求，当然，除了孩子，Karen O这次也请来她在独立音乐圈当中的一些好友，如YYYs其他两名成员、The Lairs、The Bird and the Bee和The Raconteurs乐队的部分成员，共同携力完成了短短的十三首曲目。活泼的儿歌、随意的哼唱以及少数几曲纯器乐作品构成了这张完美的原声歌曲大碟，其中所包含的情感氛围，有活泼向上，也有点点落寞和伤感，一切都因为《野兽国》这个故事本身的意义，以及Karen O自己和孩子们注入到这些歌曲当中的真情实感。



The Flaming Lips - Embryonic

高产高质的实验加迷幻乐团The Flaming Lips此次为我们奉献上一张时长超过一个小时的全长作品《Embryonic》，遵循老牌迷幻音乐的他们，虽然在这张专辑当中请到了近几年来颇受关注的新晋摇滚团体MGMT和Yeah Yeah Yeahs为他们助阵，但专辑整体仍旧笼罩在一种诡异的古旧迷幻音乐氛围当中，实验的痕迹非常微弱但不是毫不可寻，同时亦包含有许多自由的爵士风格在其中，这种独属于The Flaming Lips的特质，能令人沉迷于单一的吉他弦拨动，沉迷于不知所以然的随意哼唱。

作为许多媒体力捧的老牌乐队，这张分量沉甸甸的作品在一开始就受到了非常强烈的期待，进行到了第十二张录音室专辑的The Flaming Lips已经不需要去突破什么，因为他们在某种程度上，就是迷幻摇滚的先驱。十八首作品，极有迷离漫长的五、六分钟长作，也有一闪而过意犹未尽的两分钟小曲。

关于The Flaming Lips与MGMT和Yeah Yeah Yeahs的Karen O此次的合作也颇有意思，在《Worm Mountain》当中MGMT有献声，而在《I Can Be a Frog》和《Watching the Planets》两曲当中，Karen O则贡献有她奇怪的叫声和轻语，而这些古怪的低吟，居然是The Flaming Lips的主唱Wayne Coyne在和Karen O的一次通话中，由电话机录下来的。如此一来，这张专辑倒是有了与之前The Flaming Lips的作品相比，更有趣味的地方。



Dead By Sunrise《Out Of Ashes》

相比较于越来越倾向于商业流行音乐的Linkin Park，Chester Bennington的这支Side Project乐队Dead By Sunrise则更独立也更富有摇滚精神，三名主要成员自2005年便开始了不甚密切的合作，使得他们的音乐当中既保存了Chester在Linkin Park当中的力量和柔情这两种矛盾却不相排斥的特色，还同时汲取有Julien-K两名成员Ryan Shuck和Amir Derakh骨子里少许的电子摇滚情怀。2009年终于推出的《Out Of Ashes》这张乐队首专还不至于太逊色，从第一遍听的顺耳入耳到之后被其中的那种速度甚至柔情所感染，可以证明Dead By Sunrise满足了一些单纯喜欢Chester Bennington嗓音和纯摇滚乐迷的需要，同时证明Chester永不衰竭的摇滚热情不仅在Linkin Park当中得以体现，也能在别处浇灌出花果。



Breaking Benjamin《Dear Agony》

作为一支成军十年的老牌摇滚乐队，Breaking Benjamin似乎一直在商业音乐市场里忠于自我，坚持着他们自己的某种摇滚信念，或者也可以说，他们这种不温不火的状态正是他们能够保持音乐水准的必要条件。2009年，乐队奉献上第四张录音室专辑《Dear Agony》，一如既往的那种蕴藏在痛苦里的呐喊组成了这张既包含有后垃圾、另类金属又贴近于流行摇滚的专辑，专辑十一首歌曲都有着让人舒服的旋律，主唱Ben Burnley极富张力的嗓音既能演绎《I Will Not Bow》这样饱满的力量之作，还能准确传达出专辑同名曲《Dear Agony》中的那种痛苦和情深。整张专辑创作质量均衡，在这一年繁杂的后垃圾专辑当中，Breaking Benjamin的这张专辑绝对算得上是优秀之作。



Tokio Hotel《Humanoid》

德国近几年冒出许多支低龄的青少年摇滚团体，这支四人编制的Tokio Hotel乐队早于2007年发行过处女作《Scream》，而这张《Humanoid》的成熟与大气几乎让人遗忘他们最大的成员也只不过二十二岁而已。虽然Tokio Hotel是一支可以撇开音乐不谈，只靠才情、双胞胎情结、时尚潮流以及种种噱头而攒得如今这番名气的乐队，却没法让人不去注意在《Humanoid》中，乐队成员投注在内的诚挚。其实Tokio Hotel不过是一支拥有普通朋克旋律的“悦耳型”乐队，但偶尔加入的合成器和偏向于Emo的歇斯底里，也是乐队的音乐招人喜欢的小招数，从极具蛊惑力的开篇曲《Noise》开始，到中部的《World Behind My Wall》，直至结尾曲《Zoom Into Me》，这四人的音乐魅力已经高高凌驾在其他乱七八糟的新闻之上了。



The XX《The XX》

现在有一些新乐队，不是喜欢各种各样的特效叠起来一块儿玩，就是倡导极简主义。The XX就是后者。同样属于在今年内被英国媒体力捧的新军，The XX却低调、简约、神秘得像他们的这个乐队名称。处女作《The XX》开场当中那鼓机创造而出的振奋人心的气场，几乎让人以为他们又是一队仗着初生牛犊那种不怕虎的猛劲而力闯乐坛的小愤青，然而事实情况却是那种简致的电子节拍和鼓机的共同作用，合奏出独属于The XX的低保真风格音乐，同时，良好的音乐素养是组成The XX的四个年轻人身上的品质，这种人格魅力决定了他们专辑的品质。人声相对而言较弱的他们，据悉可能会针对电子乐器材和鼓机，而创作一张纯器乐专辑。

]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fiyp.html#comment Wed, 04 Nov 2009 02:41:39 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fiyp.html 娱乐不光靠露 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fco6.html 在Beyoncé演唱会之前，我写过一篇文章，名叫《娱乐都是露出来的》，当时我没看过她的演唱会DVD，只是零零散散看过几支MV，以及像听路人闲谈那样听过她发表过的3张专辑，顺便还歪打正着地看了一部名为《蓝调传奇》的电影，她正好在里面饰演Etta James。可能是她在那部电影演的太好或唱的太好，赢得了奥巴马的注意，请她在就职典礼上演唱她在电影里唱过的《At Last》，而不是这首歌的原唱Etta James，为此对方大为恼火，骂Beyoncé是该被抽屁股（估计原话比这个狠）。

她在北京的演唱会上，也唱了这首《At Last》。作为背景的超大液晶屏幕播 放着她在电影中演唱这首歌时的镜头，以及奥巴马就职典礼上的片段，我不知道是不是在场的部分美国人顿时产生了油然而生的亲切感，还是场内更多的中国人也觉 得黑人当上美国总统是件划时代的具有伟大意义的事件，总之，当镜头中第一次出现奥巴马时，那种被称作沸腾的场面仅次于Beyoncé在演唱《Irreplaceable》时的景象。

去年看Kylie Minogue的时候，已经被其震撼，声光电影，无所不能，认为那就是演唱会的高水准（事实上，国内确实没有过那么高水准的演唱会），但在五棵松看了Beyoncé之后，第一次切身体会到井底之蛙这个词的含义，不像从前那样，只把寓言当笑话，五十步笑百步许多年。才知道，对于Beyoncé的现场来说，何止声光电影。她的乐队均为女性，正面像Jimi Hendrix、背面像Slash的吉他手solo速度惊人，勾打技巧娴熟的贝斯手把琴放在脑后，弹了一段并不容易的即兴。不敢妄加断言，说她是通过这种方式彰显女性主义或者女性魅力，但从《If I Were a Boy》、《Single Ladies (Put a Ring On It)》等作品的歌词当中，确实能看出一些这方面的趋势。

看了Beyoncé，才明白什么叫演唱会。它更多的是视觉呈现，而非聆听享受，声音变成了一种沟通方式。看来娱乐不光靠露，否则大腕怎么会是Beyoncé，而不是今年AVN的最佳女主角Jessica Drake。

讨厌的是场地当中的保安，总在人们兴高采烈想要从椅子上站起跟着节奏挥舞双手的时候飞奔过去说声“坐下坐下”，本来挺美好一事儿，，好 不容易在愁眉苦脸一周后过一个快乐的周五，为何偏偏得到压制，到底是美好惹得祸还是快乐犯的错。可爱的是那些公安，在没有返场的散场之后，体育馆外全是 人，尤其是通往地铁站的那条通道，他们井然有序的疏散如此神奇，竟然这种活动散场之后的地铁车厢的没有拥挤，而是像每一个晚上十年那样，几乎人人都能有 座。同样都是安字辈，同样负责安全，差距竟然如此明显。

]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fco6.html#comment Fri, 23 Oct 2009 17:23:17 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fco6.html 每周新碟（2009.10.19--2009.10.25） http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fb7i.html
撰文 王硕 朴九月

为新浪摇滚频道撰写的每周碟评专栏



Rufus Wainwright《Milwaukee at Last!!!》

《Milwaukee at Last!!!》是Rufus Wainwright的第二张现场专辑，但正式点儿来说，还应该只算是他的第一张现场专辑，慵懒的现场做派和不刻意讨好现场观众的演唱方式，让人们更清楚地意识到这样一个问题，那就是，Rufus Wainwright永远是为自己而歌的歌手，他的听众，最终也只是他自己而已。

追逐一种华丽摇滚的舞台效果，使得这张专辑的DVD部分要比CD部分来得更珍贵，1973年出生的这位早已出柜多年的同性恋歌手，在他的音乐当中注入了相当大比重的妖娆之风，这完全可以自他的现场音乐当中体验而出，古朴泛着华丽，流行当中又蕴含经典，这张现场作品概括了近几年来Rufus Wainwright的演艺道路。

古典歌剧很深地影响着Rufus Wainwright，这些功力让Rufus Wainwright的唱腔蕴含歌剧唱腔的味道，抑扬顿挫、收放自如的这些特点带领着所有Rufus Wainwright的音乐，《Milwaukee at Last!!!》的三个感叹号又让这句话成为了一句标志着Rufus Wainwright态度的口号。



Nick Cave & Warren Ellis《White Lunar》

Nick Cave和The Bad Seeds的成员Warren Ellis已有多年的合作经验，相互之间不用太过深入地沟通就能从眼角眉梢领会到对方的意图。这一次他们的合作抛开了The Bad Seeds的其他成员，更专注地投入到一项说来毫不简单的合作当中：电影配乐。电影配乐是一种奇怪的艺术形式，它既要求艺术家有高深的造诣，但也排斥那些太过学术而忽略掉了内心指使的所谓太专业的人士。

Nick Cave和Warren Ellis为数部电影制作的这张原声碟，配合场景以及人物内心的需要，人声和器乐的搭配有一种完满的独立感，使得这张原声专辑既可以与电影相配合，也可以独立于电影而作为普通的一张音乐专辑来欣赏，深邃悠远的提琴和部分东方乐器让这张专辑整体氛围偏于沉重，人声部分也昭示着那股浓郁的伤感气氛笼罩着这两个创作者，你可以认为，这张专辑当中的两个创作者已经深深融入到了电影情节所创造的那种意境当中去了。

拥有共同的审美情操，加上合作的默契，《White Lunar》共同创作的关键就是Nick Cave和Warren Ellis之间的情感暗流。抛开电影原声创作来说，这张专辑体现得更多的是一种关乎生命的平静以及关乎全人类的爱。



The Raveonettes《In & Out of Control》

The Raveonettes这一次收敛起以往的躁动和歇斯底里，转向一种更甜美也更令人感到不知所措的温馨，这张《In & Out of Control》让人见识到一个似曾相识却又完全陌生的The Raveonettes。如果你对他们2007年的那张《Lust Lust Lust》以及2008年的一系列EP都太过眷恋，那么新作绝对不能用于怀念，《In & Out of Control》里涌动的流行元素绝对和之前他们的噪音流行大相径庭，是一种从自赏当中分割而出的偏年轻化、偏甜蜜化的梦幻流行调调。

当然，在某种程度上，自赏和噪音流行有着一定的交融，就更别提大多数自赏当中还贯穿有梦幻流行，只是经过不到两年的拓展，The Raveonettes的转变来得让人措手不及，而他们身上也终于体现出原属于北欧的那种清新与甜美，可以简单地说，《In & Out of Control》是一张让The Raveonettes稍微摆脱掉美国实验噪音影响，并逐渐回归本源的一次“回归”之作，也是这支乐队从第一张正式的作品《Chain Gang in Love》之后作出的最明显的变化。

然而这一次转变对于对噪音相对敏感的人来说，的确是不小的福音，但却对那些习惯了The Raveonettes式和谐噪音的乐迷，这张新作不啻为一场灾难，虽然乐队的两名成员都充分在乐曲当中体现了自己的不俗唱功，却大大减少了原本令人沉迷的大段吉他riff段落，加重的只有鼓的力度，但整体氛围趋向于飘渺的《In & Out of Control》，鼓点的力度让人感到有点紧张和不安。



Melvins《Chicken Switch》

早些年里Melvins的专辑不乏概念性和花哨，这一次在《Chicken Switch》当中他们则将即兴实验和噪音实验结合到了一块儿。金属当中才出现的重型吉他solo、激进猛烈的鼓点、即兴电子擦碟生效采样和模糊不清的人声成为这张专辑的主要角色，作为一个整体，这张《Chicken Switch》在某种程度上而言还没能做到统一，但其中所散发的可延展的各种动机，都可以触发乐队下一张专辑的创作，Melvins不愧是Melvins，在这么多年之后还能做到某个领域当中的领头羊，而这一次，你必须以“实验音乐”来标注这张新作，并不断揣摩它已经超越现下的音乐有多远。



Anti-Pop Consortium《Fluorescent Black》

Anti-Pop Consortium自2002年解散之后，四名成员冰释前嫌重新在2007年走到一起，推出乐队的全新专辑《Fluorescent Black》，为美国地下饶舌界重新注入一针兴奋剂。分分合合在饶舌团体当中并不是什么新闻，这张重组之作是否仍能令人找回最初Anti-Pop Consortium的感觉，才是这张《Fluorescent Black》的首要任务，而这张班霸巨制的转折性作品在后期、人声、唱词部分，显然代表着崭新的Anti-Pop Consortium，站在历史、甚至是未来化的角度去辨析这个世界和人类社会，是这张有着奇怪名称的专辑，最明确的态度。



Zero 7《Yeah Ghost》

很显然，Zero 7属于那种喜欢将诸多风格全部浸染上电子元素的乐队，在他们的第四张专辑《Yeah Ghost》当中，Henry Binns与Sam Hardaker二人更深入地投到爵士、灵魂乐甚至嘻哈的改造当中去了。精悍短小的开篇曲《Count Me Out》虽然还在强调意境，但这种意境存在的时间已经被减缩到了极限，紧接着即开始突兀的《Mr.Mcgee》，这首更随性更偏离早前Zero 7音乐轨道的曲目会让人感到片刻的惊异。Zero 7灌输到整张《Yeah Ghost》当中的意图，其实不过是为了要让这之前的Zero 7与现在的Zero 7有个明显的界限。



Relient K《Forget And Not Slow Down》

相对于前作，Relient K这张《Forget And Not Slow Down》失去了乐队很宝贵的一个东西，那就是一种属于年轻人的活泼和朝气，倒也不是说这张专辑让人感到死气沉沉，只是很难找到之前的那种欢乐气氛，而且，作为一支流行朋克乐队来说，他们没有让新的这些作品有着那种饱满的跃动旋律，质量甚至不如去年他们出过的一张B-side合辑。这些改变并不能说明乐队在朝着成熟发展，而像是一种倒退，十五首歌曲听完之后居然没有留下什么印象，这对于流行朋克来说，的确算是一种不好的现象。

]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fb7i.html#comment Wed, 21 Oct 2009 03:53:01 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100fb7i.html 不好意思，我偶尔也会这么恬不知耻 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100f83y.html

我想要一个文艺女青年，但不要文艺太多


       上次我写陈绮贞的时候，还是在2004年，当时她出版了“Single三部曲”中的第二部，《旅行的意义》。那时候和身边的朋友聊到陈绮贞时，总有一种优 越感，因为这些人当中除我之外，没有一个人见过她，更别说跟她聊天了。本来我觉得这种优越感(也叫“傻逼姿态”)能多持续两年。但今年内地引进了一张她的 精选，为此她也来北京做了宣传，许多没见过陈绮贞的人都去了滚石看她的现场，没和她说过话的也都托人趴在TOM聊天室的门口听她说话。这时我才发现，喜欢 陈绮贞的人从突然一下变得这么多。

       不过突然发生的事情往往都是假象，或者说这些东西都不能长久。虽然人数的增加，让陈绮贞误以为她的歌迷团体在不断的壮大，唱片销量和出场费也会不断的增 长，但结果却是该多的没多，倒是少了一个叫魔岩的唱片厂牌，一时间让陈绮贞不知何去何从，最终耽误几年之后，签了在台湾成立没多长时间的日本艾迴分公司， 并发表了个人第四张唱片，《华丽的冒险》。

       起初，我对陈绮贞产生好感并不是因为她的音乐，而是偶尔看电视里的娱乐节目时，听说她大学时学的是哲学，恰巧在当时，我也正对哲学产生着浓厚的兴趣，并准 备在高考的时候报考人大的哲学系。但那时的我毕竟和现在的不一样。那时候我还年轻，烟抽得不多，腰围在2尺左右，1500米老拿第一，手里捧着的是杨波编 的《自由音乐》，买盘只挑基耶斯妥夫斯基，到三联先不逛，直接就问还有没有萨特的《存在与虚无》，顺便找找他媳妇写的《第二性》，最重要的是，我相信我将 永远年轻，永远热泪盈眶。而现在我未老先衰，烟抽得太多，腰围直奔2尺6，多走两步都觉得累，手里不再捧着任何音乐刊物，DVD只下不买，除非碰到和 Team America一样牛逼的尖儿货，到了三联摸摸新书看看封皮，然后再翻翻艺术类的杂志，看看有没有我认识的作者在上面扯淡，也许有人会觉得这种变化有点儿 可怕，但更可怕的是，一个曾经性欲旺盛的青年，已经在生理之前开始了心理ED。

　　陈绮贞的专辑我只买过一张《还是会寂寞》，就是在得知 她毕业于哲学系之后的不久。听过几遍之后发现，她的歌并没有我想象中的哲思敏捷，更没有体会到哲学中应有的幽默，甚至还不如“沙子”主唱刘冬红喝多了之后 在台上的那几句胡言乱语，于是我没能爱屋及乌。但我却一直说我喜欢陈绮贞，不过幸运的是，没人问我为什么喜欢她，否则我的回答一定是，“因为我听不懂”。

　 　我身边听陈绮贞的大多是一些文艺女青年，这使得我不敢过多的去听她的音乐，更不敢细心体会她歌词中的包含的内容，生怕时间长了自己也变成一个带有独立女 性气质的文艺男青年。其实陈绮贞就是一个典型的文艺女青年，而这样的人大多喜欢犯病，喜欢不着边际的胡思乱想，喜欢把一些简单的事情弄得特复杂，最后连自 己都得思考这是怎么回事儿。所以我每次看陈绮贞的歌词时都得琢磨一下，试着把每句话之间都加上一个连词，让整首歌的歌词读起来能像一个故事，或者是对一种 情况的感受，然而没有一次成功过。久而久之我就觉得这不是我的问题，因为她的歌词太像是无厘头拼贴了。幸好她偶尔还能写出像“我喜欢孤独的时刻，但不能喜 欢太多”、“旅行的意义就是为了离开我”这样有意思的句子。

　　可见文艺女青年是危险的，你没法跟她们过日子，甚至有一段时间我一直想找 一个有没有手、耳朵和嘴唇的人当女朋友，那样他就不会跟你吵，不会打电话打听你在哪儿，也不会给你发短信问你“干嘛呢”，但她一定要有一双美丽而且明亮的 眼睛，为彼此之间提供一个没有语言但同样能沟通的交流渠道。

　　但这终究有些不太现实，我最终的选择可能还是一个文艺女青年，但不要文艺得太多。我希望人生中尽可能没有冒险，至于与之伴随的华丽，我也奢侈不起。]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100f83y.html#comment Wed, 14 Oct 2009 17:46:25 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100f83y.html 每周新碟（2009.10.5--2009.10.11） http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100f7t8.html 撰文 王硕 朴九月

为新浪摇滚频道撰写的每周碟评专栏




Air《Love 2》

向来温顺且浪漫的Air在2009年的新作《Love 2》当中并没有做太大的变革，小心翼翼维系着他们的唯美电子氛围专辑系统的同时，这张悄无声息便光临的专辑，和之前Air的任何一张专辑一样，让人时而感到明媚透亮时而感到晦暗无光。在《Missing The Light Of The Day》《Sing Sang Sung》这样的曲目中，Air仍旧随意穿插使用了暧昧模糊、低迷性感的女声，对于真乐器采样和扩展的执迷，又体现在了《Be A Bee》《African Velvet》这样的曲目中。

一如这张专辑的宣传当中所说的一般，Air此次跨进了Jazz的疆域当中，而早前Air就分别将原声吉他、打击乐器、古典管弦乐器等真乐器进行了重组或再创，最后巧妙与电子软件连结成为多张优秀电子乐作品，《Love 2》专辑里偶尔飘扬而出的萨克斯确实让Air温和的触角与Jazz沾了边，但独属于Air的独立特质，仍旧浓郁得盖住了Jazz风。

当今法国乃至全世界最富盛名的浪漫派氛围电子大师，Air的每一张作品都包裹有很强烈的人性，不像大多数人所认为的那样，电子器械依旧可以幻化出温暖的音符和节拍，当然，这也应该归结于Nicolas Godin和Jean-Benoît Dunckel深深根植于心的独属于法国人的浪漫情怀，才使得他们的音乐随处充满了温暖和纯净，让电子乐得以以一种温和的姿态呈现于更多人的耳前。



Alice in Chains《Black Gives Way To Blue》

十四年，对于一个乐队没有任何新作的乐队来说，这么漫长的过程到底会改变或是成就什么？Alice in Chains用一张全新作品《Black Gives Way To Blue》试图给这个问题提供一个透彻的答案。对于我个人来说，《Black Gives Way To Blue》是近两个月来听到的最好的新作，不过这些Alice in Chains的新作相对于他们早前的专辑而言，却并没有所谓的进步，因为，哪怕是换了主唱换了制作人换了东家的Alice in Chains，十四年后的这张《Black Gives Way To Blue》仍旧映现出最本初的Alice in Chains的模样，那厚重有力张弛有度的吉他与新声音William DuVall同样是完美的搭配，当中寓意甚浓的曲目，也让人在音乐结束之后被一种忧愁所笼罩。

Alice in Chains也是这两年里那么多重组的老乐队里最令人相信他们的诚挚的一支，这张专辑是他们诚挚内心的最贴切表达，也是这帮不再年轻的摇滚乐创造者们在十四年后给乐迷的回馈给乐坛的冲击，依旧延续上世纪老摇滚的厚重稳健，无论用重金属还是Grunge去定义这些音乐，他们与新生代摇滚乐的区别是那么强烈，但那种老摇滚乐当中的劲道，才真正地吸引人并让人印象深刻。

关于专辑的名称“Black Gives Way To Blue”，是乐队为了纪念因吸毒过量而去世的前主唱Layne Staley，与专辑同名的这首歌属于柔情慢歌，而其余部分歌曲的创作动机则都来自乐队成员的日常生活，他们将这些日常琐事当中所得到的思索结果注入到了歌词当中。专辑还未发行之前，乐队主脑、吉他手Jerry Cantrell就相当希望这张暌违乐坛多年之后的回归之作，会触动更多人的心灵，现在看来，《Black Gives Way To Blue》的确做到了。



Basement Jaxx《Scars》

《Scars》曲目上一大串客座歌手名单，让Basement Jaxx的第五张正式大碟多出了相当多的期待，这对在十年前叱咤英伦乐坛的电子舞曲组合，今次试图力挽狂澜，将上一张专辑《Crazy Itch Radio》当中随处可见的平庸状态收敛，贡献出一张堪比十年前处女作《Remedy》的专辑。将此专辑的录音和制作工作挪至美国的Basement Jaxx，将更多美国化的元素放入其中，同时，试图复兴八十年代Disco舞曲又车库朋克上花费功夫的他们，这一次也像十年前那样兼顾起了爵士、嘻哈、Funk、雷鬼等风格。

稍显不足的地方在于这张专辑的慢热性质不适用于舞池，它无法在第一时间里带动听者的身体，然而两年前即开始筹备的这张专辑有着一定的延展性，多位艺人参与合作这一性质也决定Basement Jaxx这一次的搏击后劲十足。

首支单曲《Raindrops》无论是因着多人献唱还是因着制作手段，都凸显着相当鲜明的层次感；《Feelings Gone》邀来去年发行过一张颇受好评的专辑的舞曲摇滚歌手Sam Sparro担当人声，精致的电吉他solo和House的节奏既带有Sam Sparro本身的摇滚气息，又不失Basement Jaxx自身的特质，可谓专辑当中有着相当完美合作的一首；当然更有化身为Lightspeed Champion的Devonte Hynes助阵一曲《My Turn》，带有深厚的灵魂乐味道，却也因为节奏而让人嗅到浓郁的流行气息；最令人震撼的确是列侬遗孀小野洋子加盟的一曲《Day of the Sunflowers (We March On)》，小野洋子的神秘气质让这首流行舞曲充斥着诡异味道。



Porcupine Tree《The Incident》

一直注重质量的前卫摇滚乐团Porcupine Tree新专依旧有着很高的含金量，偏于迷幻的这张《The Incident》双CD专辑一共有十八首曲子，且长段不一，整个儿听下来酣畅淋漓，既有让人沉湎的氛围铺叠也有让人沸腾的重型段落。显然这张专辑会被拿来与今年年初乐队主唱Steven Wilson的个人专辑《Insurgentes》相提并论，当然这张团队合作的专辑更具整体性，《Insurgentes》则包罗了诸多Steven个人的创作动机和音乐理念，然而《The Incident》相对而言也显得繁琐和冗长了很多，十八首曲子半数雷同，听到中后部分就已经产生倦怠感。



Paramore《Brand New Eyes》

经过这么几年时间，Paramore也已经不再得以被称作是少年乐队，然而他们身上成熟成长的痕迹仍旧没有太明显的痕迹，虽然上一张专辑《Roit!》为乐队积攒下了不少的人气，这种人气也一直持续到这张新作《Brand New Eyes》，但这些并不能证明Paramore的进步。每首歌的旋律听起来都没有什么太大的差别是这张专辑的第一特征，而乐队身上也是集中了这几年新冒头的乐队的所有的毛病：肤浅、过分关注自我以及刻意讨好乐迷……Paramore的成功并不代表着这种流行摇滚风格的一种进步，而是在某种程度上，让青少年摇滚永远停滞在一个自我崇拜的误区当中，而周边世界对他们的影响，似乎只能够通过专辑的销量来体现。



AFI《Crash Love》

作为一支在九十年代崛起至今却仍旧活跃的朋克加硬核乐队来说，AFI像很多同一时期同一风格的乐队一样，在近几年的发展的道路显得有那么一点崎岖。《Crash Love》作为乐队向诸多美国新晋朋克乐队挑战的专辑，并没有完全体现出AFI的锋利和强势。从软绵绵的《Torch Song》开始，这张新作就已经堕入毫无激情的软朋克当中去，更谈不上和硬核有上什么关联。但老牌乐队的萎靡并不象征着新队伍的蓬勃，在美国朋克市场已经完全被奶油流行朋克占据的这两年，更多更纯的朋克又返回到地下，进行暗地里的呐喊，但已经不再试图摇撼什么，似乎，AFI还没有领悟到这一点。



Islands《Vapours》

加拿大蒙特利尔组合Islands以一贯低调的姿态发表了他们的第三张作品《Vapours》，并对该专辑在网络上的早泄时间比上市时间要早上将近一个月而表示了独立乐队的大度。自2006年因个人原因离开乐队的Island创始人之一Jamie Thompson，在这张专辑当中重新回归乐队，与好朋友Nick Thorburn再一次共同架构他们的音乐梦想，从这张《Vapours》当中也可以听到一种令人身心愉悦的创作之美，乐队以独立流行的曲调圈囿住了那颗意欲进行电子实验的心，这种圈囿让整张专辑既不至于像流行音乐那样让人感觉肤浅浮躁，也不至于让人陷于独立实验音乐的不知所云当中。

]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100f7t8.html#comment Wed, 14 Oct 2009 03:54:17 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100f7t8.html 话剧《卤煮》 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100f2vg.html
左边的人叫高了，饰演爆肚钟，右边的人叫王继涛，饰演卤煮何。两个人的戏都正经不错

晚上接到黄盈的短信，“各位卤煮同志，咱们的戏成为本届青戏节中被评价最高的双赢剧目，感谢大家多日的努力，中秋快乐!”

黄盈是一个话剧导演，之前导过《枣树》、《西游记》、《未完待续》，他短信里所说的这部戏叫做《卤煮》，是一个他构思了很多年但终于在今年有机会排演的戏。这出戏分为四幕，分别从88年、98年、08年和09年讲述，从一个卤煮老店的兴旺到他的拆迁，虽然有些笑点，但不是一出喜剧。

从9月23日开始，到27日结束，一共在人艺实验剧场演了6场，从观众在现场的反应来看，比较成功，第一天濮存昕来了，看完之后再楼下等导演不走，非要好好聊聊，当然，他们聊了什么我不知道。第三天庄老来了，戏后一块儿吃饭，她说这戏不错，我想，连她这么刻薄的人都觉得这出戏不错，这戏至少不坏。

本人不才，出于了解戏剧排演过程的目的（本身就目的不纯），在这出戏里担任了一个小角色，是个电视台扛摄像机的记者，只有三句半台词（真的是三句半，不夸张）。我演的时候觉得越演越不对劲儿，总觉得这个角色特别多余，有他没他无所谓，以至于演完之后，总觉得我的加入让这出戏水准大打折扣，否则这出戏会更牛逼。

链接：
黄盈采访
http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ejxq.html
]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100f2vg.html#comment Sat, 03 Oct 2009 16:35:13 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100f2vg.html 每周新碟（2009.9.21--2009.9.27） http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100f0ux.html 撰文 王硕 朴九月

为新浪摇滚频道撰写的每周碟评专栏




Madonna《Celebration》

《Celebration》是麦当娜的第三张官方精选大碟，同时也是麦当娜与华纳公司解约前发行的最后一张专辑。这张专辑当中有34首麦当娜自1982年出道以来各个时期的上榜金曲，其中《Everybody》，《Express Yourself》，《Vogue》和《4 Minutes》是因由麦当娜的歌迷在网站上投票所得票数最高而最先被定下的，其余歌曲则由麦当娜本人及华纳公司方面的人最终定下。

一个Andy Warhol式的波普封套设计虽然谈不上新鲜，但奇妙的地方在于这个封面的确和梦露当年的那一组照结合得相当完美，算是为这张精选开了个不错的好头。除了集中体验了一把麦当娜的经典曲目，这张精选当中还收录了麦姐今年的两首新曲，这两首新曲的位置分别被放在双CD的最后一首，即《Revolver》以及与该精选专辑同名的单曲《Celebration》，其中《Revolver》邀请到美国当红说唱歌手Lil Wayne共同创作，虽然有这个卖点，但这首新歌并没有太出彩之地，相比较之下，《Celebration》更贴近于麦当娜后期的舞曲风格，在一众金曲之中也算是可以脱颖而出。

这张精选之后，麦当娜将结束与华纳唱片长达二十七年的合约，全力投入自2007年起便与Live Nation公司的长期合同当中，除继续发行新的专辑之外，更多的准备将会投入在世界范围的现场演唱会当中。



Mika《The Boy Who Knew Too Much》

Mika的身上集合了所有让男男女女都喜爱的元素：童趣、漂亮、时尚、搞怪、创造力……这不，他也刚刚就这两年里媒体乐迷争相猜测的关于他的性取向问题作出了回应——其实他是一个双性恋者，这样也就解释了为何他本人的乐迷在男女比例上保持平衡，包括他的音乐内容当中对于男女的关注程度也都一样。关于Mika时隔两年之后的新作《The Boy Who Knew Too Much》，中国歌迷在刚刚听到这个专辑的时候，可能会想到，难道身处英国的Mika同学也学会了中国网络流行语“这位同学，你知道得太多了”吗？

《The Boy Who Knew Too Much》这张专辑其实是Mika上一张卖出了相当好成绩的处子作《Life in Cartoon Motion》的续集，如果说《Life in Cartoon Motion》讲述的是Mika幼年时期的童稚的话，那么《The Boy Who Knew Too Much》就开始随着时间的跨步，而开始讲述起了Mika叛逆的青年生活，从仍旧与其妹妹创作而出的专辑封面上就能够看出这两张专辑的关系是如此地紧密。

当然一切都还是得用音乐来说话，Mika恰恰也正是用音乐来证明这张新作不过是旧作的“复刻版”，无论是对于开场当中舞曲模式的《We Are Golden》、《Blame It On The Girls》、《Rain》而言，还是中部的抒情小曲《I See You》，都能在上一张专辑当中找到类似风格甚至相似旋律的歌曲，Mika在强调其童真的同时其实并不幼稚，他懂得乐坛需要他在这第二张专辑当中继续延续上一张专辑里大受欢迎的风格，于是他丝毫没有考虑过要在新作当中做任何地改变，而是运用其天马行空的想象力，将这种“复制”做到令人感到欣喜甚至再一次惊喜的地步。



Yoko Ono《Between My Head and the Sky》

76岁高龄的小野洋子一直没有耐得住寂寞，音乐作品以及其他相关艺术作品从未曾间断问世。这张《Between My Head and the Sky》是小野洋子2009年的最新作品，自1973年的《Feeling the Space》之后，这张新作也是Plastic Ono Band这个名字再一次呈现在世人面前，只不过这次它的阵容换成了小野洋子、Cornelius、Yuka Honda以及洋子与列侬的儿子Sean Lennon。

其实与其说这张专辑是小野洋子的作品，倒不如说是Sean Lennon的创作比较合适。这张专辑的所有后期制作都交由Sean个人完成，大野洋子则只在其中担任人声。整张专辑风格融合了另类摇滚、实验、爵士以及电子，以洋子的喃喃自语构成了贯穿这张《Between My Head and the Sky》的线索，建立起两代人之间并不存在有代沟的音乐世界，专辑通篇被诡谲却清澈的氛围环绕，洋子的声线并不带有岁月的痕迹。

遗憾的是这张专辑因为过于透彻，而凸显不出幕后制作人Sean Lennon的作用，仍旧像是洋子个人的作品一般处处沾着她的影子，不过这也说明了母子二人共同合作的默契度相当之高，前一代人的影响也已经深深镌刻在了Sean Lennon的艺术生涯当中。



Monsters of Folk《Monsters of Folk》

已经不记得这是Conor Oberst率领的第几支乐队了，总之在他的这几支乐队甚至他个人的演艺生涯里，Monsters of Folk才应该最受瞩目，这支四人编制的民谣乐队集结了Conor Oberst自己、Bright Eyes的班卓琴手Mike Mogis、My Morning Jacket的主唱Jim James以及独立民谣唱将M. Ward。早在2004年，这几个才华横溢的家伙就因为跟随当时自己各自的乐队巡演而彼此结识，对乡村民谣音乐相似的见解让四个人决定组成一支独立队伍，取名“Monsters of Folk”，经过相互磨合，四人将这五年间共同创作而出的作品集合成这张包含十五首歌曲的乐队同名专辑，这当中既有单人演唱也有四人的合唱曲目，第一曲《Dear God》就因器乐编配上涉及到东方乐器而令人耳前一亮，之后的曲目尽管亮点不多却也保持了四个创作人的水准，这张重量级唱片就是这样以备受瞩目的乐队成员而好评如潮。



Hope Sandoval and the Warm Inventions《Through The Devil Softly》

当人们从对Mazzy Star的缅怀之中抬起头来时，等到的是Hope Sandoval在2001年与前My BloodyValentine 的鼓手Colm Cíosóig 推出专辑《Bavarian Fruit Bread》；当八年的销声匿迹让Hope Sandoval死亡的谣言再一次盛起的时候，Hope Sandoval与新组成的乐队The Warm Inventions带来了这张《Through The Devil Softly》。被忧伤和黑暗浸淫数年的这位传奇女歌手仍旧在这张新作当中浅吟低唱，整张专辑缓缓流动的哀伤像藤蔓一样将乐迷与Hope死死捆绑，这种抓心的哀痛让太多的人对Hope Sandoval或是Mazzy Star怀有情结，而《Through The Devil Softly》并不能够替你解开这种情结，也不会将你越缠越紧，那些浅淡的唱腔和随意的器乐弹拨，仿佛是从头顶倾洒下来的希望之光，或许关于Hope吸毒过量而死亡的消息也有一些侧面意义，毕竟《Through The Devil Softly》当中带有非常细微的、类似于重生般的希冀。



You Say Party! We Say Die!《XXXX》

自去年加拿大独立摇滚乐队You Say Party! We Say Die!来华巡演之后，这个阵容豪华的大编制乐队在国内受到的关注度是越来越大了，他们的第三张专辑重新为乐队的乐迷带来了一场华丽丽的跳舞朋克派对，不过他们却神秘兮兮地用四个X掩盖住了这场派对的名称。为乐队树立起名声的《Lose All Time》专辑以简单的车库曲风为基础，搭载上加拿大年轻人近几年越来越热衷的电子舞曲节奏，以及略微沙哑的一记女声，You Say Party! We Say Die!的跳舞朋克风格逐渐深入人心，《XXXX》的诞生实际上有点仓促，整张专辑从结构上来讲没有上一张来得紧凑，节奏也不够强劲，更不用说他们一直欠缺的好听的旋律了，只是以热闹为最基本氛围的这张专辑，还是不错地凸显了You Say Party! We Say Die!的作风，而整张专辑播完，也可以明显感受到乐队在创作这张专辑之时其实是围绕在一个点上进行的，也就是说在统一性上做得还算不错，这一个点即是“LOVE”，也就是乐队专辑名称上四个X所代表的单词。



Emilie Simon《The Big Machine》

经过第一张同名专辑的惊艳和第二张专辑《Vegetal》的不进不退，法国唱作女生Emilie Simon终于迎来了可以引发争议的第三张专辑《The Big Machine》。不知道是不是很大一部分在刚出道时就被冠之以“才子”或“才女”的年轻人总是无法经受住时间的考验，《在The Big Machine》当中，Emilie Simon像是摇身一变成为唱片名称当中的大机器，以更电气、更实验也更强势的姿态，捣毁了最早《To The Dancers In The Rain》这首脍炙人口的单曲里Emilie自己塑造而出的柔弱女生形象，显得相当彪悍和张狂，整张新作里找不到Emilie早前一如婴孩耳语般的低吟唱段，从一开始的《Rainbow》起就拉开了强悍的序幕，如果说还有什么残留下来让人辨识出这就是早前那个古灵精怪的Emilie Simon的话，只能说无论是从唱片封套设计还是音乐风格之上，Emilie Simon仍旧是那个带着浓烈诡谲气氛的法国女孩。

]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100f0ux.html#comment Tue, 29 Sep 2009 18:34:29 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100f0ux.html 每周新碟（2009.9.14--2009.9.20） http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100evew.html
撰文 王硕 朴九月

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Muse《The Resistance》

Muse的这张新作已经无法不被我冠上今年第一大晃点的头衔了，在专辑发行前夕网络上一大批赝品的涌现，让人们对后来逐渐显山露水的真品小心翼翼，如果你认为这是Muse打击网络下载的一种手段也无可厚非，毕竟人们最后只有对拿到手的正版CD放心，当然，乐迷被赝品晃点其实本不应该指责乐队，但是这张专辑让我觉得受到的最大的欺骗是原本乐队本身透露出来的“这是一张交响概念极为浓厚的专辑”，拿到专辑仔细一听，交响乐的部分不过是最后三首短作，而前面的八首歌却仿佛成了Muse向各式各样的前辈（甚或同倍）的致敬之作，以及各种各样风格的实验制作。

在人人都在玩概念的时代，Muse用《The Resistance》作了无力的一次搏击，这其中的凌乱和错综不免让人怀疑起Matt Bellamy是何等急切地想将这张“仅”耗时三年的专辑捧到人们面前，如果Muse始终坚守《Absolution》专辑时期的那种磅礴的重型英伦摇滚风，不是这般想方设法地玩新鲜玩概念玩手段的话，《The Resistance》所给我带来的失望也就不会那么多。

要做概念式的专辑，以Muse现在的名气就不该再像那些流行小明星那样还必须得在专辑当中兼顾商业卖点，而应该以统一的形式将这张《The Resistance》做成一张全交响化摇滚或是全政治概念专辑，不该在好不容易摆脱掉“Radiohead第二”这顶帽子之后在新专辑的首曲《Uprising》里“模仿”一回Marilyn Manson，在《United States of Eurasia (+ Collateral Damage)》里让人发现有着太多Queen的影子，在《Undisclosed Desires》里再隐约将新浪潮里的Depeche Mode显形……而那个有着大段失真吉他、真假音流畅转换的Muse只能勉强在《MK Ultra》当中被唤醒了，很好，Muse做到了转型，只不过遗失掉了他们自己，变成了那些们原本毫不相干的Marilyn Manson、Queen、Depeche Mode……

而一直被Muse拿来做“噱头”的交响三部曲呢？不得不说没有受过古典音乐影响的Matt能够琢磨出这三曲的确不容易，懂古典音乐的人们会在其中听出肖邦或者拉赫玛尼诺夫，然而对于不懂古典音乐的人们而言，人们只会感觉三首交响来得不甚彻底不够令人感慨，像是仅仅作为练习曲一般短暂地出现在这张专辑的末尾，然后交代完了这张“概念式”交响专辑。Muse的华丽大气已经是乐迷和媒体交口称赞的优点之一，再辅以他们震撼的现场就更不必怀疑他们对于音乐的理解能力和创造能力了，只是这张多少感觉急功近利的专辑，让Muse的标签愈发模糊开来，也许他们这次的确只是一种尝试，待到下张专辑，再给乐迷们来个华丽、完整的改变。



Jay-Z《The Blueprint 3》

Jay-Z这张新作又可避免地过早在网上出现泄露版，这导致他不得不将发行日期9月11日（即他2001年的超白金专辑《The Blueprint》发行8周年纪念日）提前到了9月8日。但老板自有老板风范，对诸如这种网络早泄、盗版侵权的事情已经是司空见惯，以非常良好的心态认为这次《The Blueprint 3》的早泄对于歌迷而言是一种对这张新作的提前预演，并自信销量不会因此而减缩。

如果用“复制”一词来概括Jay-Z的这些作品，并没有贬低他的意思，从《The Blueprint》、《The Blueprint 2》到现在的《The Blueprint 3》，Jay-Z笼络友人才华的能力已经让我们一次次地体验到了美国嘻哈界大牌们的派对联盟，加上其过人的领悟能力和发达的商业头脑，这张《The Blueprint 3》不用怀疑又会成为一张叫座的专辑——只不过是否叫好有待考究——当Kanye West、Alicia Keys、Rihanna、Timbaland这些熟悉的名字再次在唱片当中出现的时候，《The Blueprint 3》也已经不再只是Jay-Z一个人的作品了。

依旧以反讽等手段来润色歌曲当中的rap段落，专辑当中的《D.O.A. (Death Of Auto-Tune)》就用来如今的音乐当中越来越缺少真乐器而过分使用电子音效这一现象，对于滋生在他周边的种种流言，他则以《Off That》、《A Star is Bortn》、《Already Home》三首歌曲进行了自我阐释，并表达其不在乎这些流言的态度。然而，Jay-Z的这张专辑才推出没多久，就已经被批评成是他的蓝图系列专辑里，最为糟糕的一张。



Pearl Jam《Backspacer》

上一张乐队同名专辑《Pearl Jam》可以看做是Pearl Jam在经历了风风雨雨之后的强势回归之作，也终于让他们在这个Grunge不甚景气的时代，成为了唯一鼎立在乐坛的Grunge巨星，他们并不像Nirvana一样用一个死人创造永不再现的Grunge神话，也不像Soundgarden那样用破裂和另组的方式放弃掉了Grunge乐，而是兢兢业业地在这条道路上奋斗着，用老者的姿态，给如今沉浸在电声摇滚、流行朋克诸如此类不值得推敲的美国摇滚乐坛，一次次的重磅回击。

《Backspacer》距离《Pearl Jam》三年时间，三年里乐队不停的巡演和宣传没有剥夺掉老梆子们对真正的摇滚乐的热忱，以《Gonna See My Friend》有力地拉开整张专辑的序幕，扑面的斗志和热情令人感到振奋，接下来的《Got Some》同样热血，正是这种最为传统的器乐三大件摇滚才最能体现摇滚乐本初的激情和意义，慢板歌曲也在这张专辑当中占有一定比重，老家伙们不忘用煽情的抒情作激起乐迷们的回忆。

不过一味把玩他们擅长的Grunge已然无法满足Pearl Jam的兴致了，这张专辑当中有一小部分的曲目显示出他们有向纯流行乐和新浪潮进发的痕迹，小小的尝试自然无可厚非，然而仍旧希望这些细微的改变仅出现在这张专辑当中，毕竟改变容易，坚守困难，想要在这大千世界当中始终保持自我，那么，还是尽量远离不必要的风格转变吧。



Brand New《Daisy》

Brand New这支乐队本身的低调让他们在Emo界没有太大的知名度，但是上一张专辑《The Devil And God Are Raging Inside Me》所获得的好评却是一波高过一波，相对于那些更年轻的Emo乐团，Brand New音乐当中有着更多令人愿意跟着思索的深度。新作《Daisy》虽然仍然走着另类Emo曲风，但整体而言与上一张专辑的区别却也很显而易见——乐器编配更偏向实验噪音，第四曲《Gasoline》最后结尾的噪音部分几乎令人屏住呼吸。主唱Jesse的唱法也重新回归早期乐队的Screamo风格，当然偏慢板的低吟式歌唱也同样存在，却令人遗憾地找不到像《The Devil And God Are Raging Inside Me》当中曾经给人带来的感动。



Imogen Heap《Ellipse》

迷离的女声和琐碎的电音，Frou Frou的女主音Imogen Heap在2009年推出的个人专辑《Ellipse》继续着这种流行小电子风格，不像其他电子艺人那样喜欢运用繁复的手段去堆砌音乐，自小受古典音乐熏陶的她将优雅放在了自己的音乐当中，虽然粗略听来这张专辑与她本人的其他专辑并没有什么太大的不同，多少会出现乏味的感觉，但《Ellipse》只有细听之后才能品味出Imogen Heap寓入这张专辑里的深刻意义。



Sliimy《Paint Your Face》

有一个Mika成名，就会有无数个Mika站起来……这个签于法国华纳旗下的潮男Sliimy就被当成法国版Mika捧起来了，未闻其声之前就已经从他的专辑封面看出Sliimy的外形确实有点儿Mika的影子，鲜艳的色彩包装与Mika的卡通画封面设计也有雷同迹象，不过一切都得以音乐说话：虽然做不到Mika那样用假音暧昧地缠绕乐迷的听觉，但是Sliimy同样也有着雌雄莫辩的声线，再加上鬼马轻松的音乐性质，这张名为《Paint Your Face》的Sliimy首张专辑，会让一部分热衷于这种轻松流行调调的朋友感到开心。



The Big Pink《A Brief History Of Love》

这几年冒出头的新乐队所持有的通行证就是他们擅长把玩多种音乐风格，除了越来越红的MGMT之外，你还能找到很多很明显的例子。The Big Pink刚推出一张预售版的乐队同名EP即受到各界媒体的关注，除了乐队两名成员都有着不凡的出身（Milo Cordell的父亲是音乐厂牌Merok的创始人，Robbie Furze则担任过歌手Alec Empire的吉他手）之外，原因正来自于The Big Pink的音乐是以电子器材为最主要的发声乐器，融合入实验、自赏、迷幻这类后音乐，再掺入更能为大众所接受英伦摇滚和电子朋克曲风，首张专辑《A Brief History Of Love》是一张值得琢磨值得反复体验的处子作，可以充分体味出二人在掌控音乐上的老练和成熟。

]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100evew.html#comment Mon, 21 Sep 2009 03:25:12 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100evew.html 每周新碟（2009.9.7--2009.9.13） http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100esls.html 撰文 王硕 朴九月

为新浪摇滚频道撰写的每周碟评专栏



The Beatles《The Beatles: Stereo Box Set》

正如你现在可能已经知道的，The Beatles的这些歌曲已经以最小心谨慎的方式重新进行了修复和灌录，令人高兴的是，这项工程的过程和结果都颇为令人感到满意。从1963年的《Please Please Me》到1970年的《Let It Be》，包括双CD版本的《Past Masters》，这十四张The Beatles作品均使用近期最高端的设备以及EMI高级录音师Allan Rouse和Guy Massey重新灌录。

尽最大的努力，做出忠于原始录音文件的修复，以让The Beatles的乐迷不会在当中发现任何的瑕疵，相反，这些专辑听起来将会显得更深刻更丰富也更有血有肉，当你更清晰地聆听到Paul McCartney的贝司音色时，你会感觉到那首极具磁性的《Something》更易于捕捉、同时掌握它的深意；你知道那首《Twist and Shout》是JohnLennon最脏的现场表演之一，现在这份重新修复的版本会让你感受到他撕裂的嗓音；在《Good Morning Good Morning》当中，你可能在之前并没有注意到那些轰鸣的号角声怎样带领着这首歌；《You Can't Do That》当中Lennon和George Harrison的吉他尖锐得像是折射着光芒的刀锋。



Jamie T - Kings & Queens

人们对于像Jamie T这样的所谓“天才少年”的态度是鼓励甚至纵容的，而他们本身也是大胆甚至放肆的，2007年第一张横空出世的处子专辑《Panic Prevention》开始为Jamie T撑起了属于他自己的天空，多种音乐风格在那张专辑当中交相辉映，人们惊叹于Jamie T对音乐的领悟能力和掌控能力，同时也担心他的这些能力与仲永才华的稍纵即逝没有什么两样。

两年后Jamie T的新作《Kings & Queens》降临，同样以戏谑的腔调唱着古怪的另类流行，说唱的比重愈发加大，对于上张专辑当中还存在着的舞曲朋克则在这张专辑当中不见太多痕迹，可以说Jamie T在这张专辑里更完整地表达了他自己的优点，尽管他拥有着软绵绵的唱腔，却有着清晰的吐字发音，这使得人们更多地将注意力放在他的人声上，而对背后的编曲有点漠视，比如说，作为开场曲的《368》一曲，当中的模拟童声和音则多少为这首歌打了折扣，编曲的简单和这些和声的加入恰恰削弱了Jamie T在进行说唱时候的力度，也让这整张专辑在一开场就显得绵薄无力。

作为收尾的民谣小曲《Jilly Armeen》让这张原本可能感觉五彩斑斓（比如那个五颜六色的封面就让人感觉这张专辑将会是一张多元化的专辑，然而事实却不然）的专辑最终以一抹暗色结束，虽然不可否认Jamie仍旧努力地完成了他的二年级作品，然而整体的平庸消磨掉了他寓入其中的他的个人特质。



Frank Turner《Poetry of the Deed》

在音乐这条大道上经过长时间的不懈努力，Frank Turner这张混合着布鲁斯摇滚、民谣摇滚的第三张个人专辑终于展示在我们面前，作为英国已经解散的一支并未拥有太多名声的后硬核乐队Million Dead的主唱，Frank Turner所发行过的三张个人专辑，已经明确地昭示着他已经由早期的生猛渐渐转变为如今的厚重平静。但也不能简单将《Poetry of the Deed》归类为民谣，Frank Turner在其里将属于朋克当中的愤怒和民谣当中的忧郁做了一个有机的调和，配上颇有深度的中性歌词，这张专辑在一开始就以一种热烈的氛围吸引了耳朵。

依旧是以一把吉他作为整张专辑的创作工具，然而这张《Poetry of the Deed》专辑却更多地注重起Frank Turner个人的生活感悟，日常琐碎当中，二十八岁的Frank Turner开始与人分享他有异于同龄人的成熟思考方式和思索结果，所以在这张专辑的主题当中，有许多关于生与死、生活的繁重等等比较令人感到沉重的话题，好在Frank擅于将这些沉重转变成为蜻蜓点水一般的轻描淡写，而真正在意的人们会对这些主题灌注上自己深邃的思考。

由《Live Fast Die Old》和《Try This At Home》这类极具蛊惑性质的快歌渐渐减缓速度到中部的慢板歌曲，Frank Turner和另一位制作人Alex Newport秉着保持原汁原味的民谣摇滚的精神，并没有做太多的后期处理，也没有加入别的电声乐器，整张《Poetry of the Deed》透露着一种原始的、不刻意的真实和淳朴，而这些配合着Frank Turner明亮的嗓音，都不免令人动容。



Athlete《Black Swan》

凭借十五年的友谊，Athlete这支伦敦乐队完美诠释着他们的内心以及他们对于绅士和浪漫的理解，《Black Swan》作为乐队的第五张专辑，几乎无失他们在早期就确定下来的唯美加忧伤风格，加之Athlete从成员当中的互动能力层面而言，他们已经不仅仅只是一个四人编制的创作型乐队，人们在聆听他们的音乐的时候，会感觉他们更像一支多声部的合唱团，因为除了主唱Joel Pott以外，乐队其他成员都有参与和声。由畅销经管类书籍《黑天鹅》当中获取灵感，《Black Swan》讲述的正是乐队在演艺生涯甚至是整个人生当中，以怎样的心态面对突如其来的意外事件，情绪的高涨和低落正好促成了整个完整的生活图景。无论是第一主打曲《Superhuman Touch》给人来带的速度与激情，还是《Black Swan Song》当中无限深情和励志的浅吟低唱，这张乐队转签到Fiction旗下的首张专辑并没有失却掉Athlete最吸引人的特点，那就是那种婉转的旋律当中汩汩流动的感动和勇气。



The Cribs《Ignore the Ignorant》

如果不是有一张太过完美的《Men's Needs, Woman's Needs, Whatever》出现在前面，如果不是有为数众多的一群人是因为《Men's Needs, Woman's Needs, Whatever》认识的The Cribs，这张《Ignore the Ignorant》肯定也是一张受到好评的专辑，遗憾的正是在它之前，The Cribs创作出了《Men's Needs, Woman's Needs, Whatever》。现在唯一不失公正的评判标准就是不要再拿《Ignore the Ignorant》与《Men's Needs, Woman's Needs, Whatever》比较，如此一来就可以无憾地说，The Cribs的新作是一张完整度和平衡度做得相当完善的专辑，十二首歌曲初初听来并不见得会有特别亮眼的歌曲，但正是这种特质而让乐迷的注意力平均放置在了整张专辑之上，如此一来便得以发现实际上质量均衡的这些曲目足够让这张专辑有个良好的分数。



Saosin《In Search of Solid Ground》

2008年用于尝鲜的《The Grey》EP同时也掀开了美国后硬核代表乐队Saosin第二张正式大碟的序幕，名为《In Search of Solid Ground》的这张专辑在本质上延续着Saosin在首张同名专辑当中的特质，遗憾的地方却是，在这样一个以后硬核后垃圾甚至Emo唱响美国摇滚圈的时刻，这张专辑未免显得过于平庸，而对于这些看似陌生听来却熟悉的曲目，其实熟识Saosin的乐迷已经知道一些曲目不过是Saosin从《The Grey》EP当中抽取了部分进行改头换面然后放入正式专辑而已，当然，这些小序曲都无可厚非，重要的则是Saosin如果再没有更多的进步和新鲜玩意儿的话，很可能在后硬核这股大风潮当中被更多更新的好乐队所冲击。



The Postmarks《Memoirs at the End of the World》

这绝对已经是一个对独立小清新音乐审美疲劳的年份，人们怀念的是早前听过的舒缓小曲，却对新鲜出炉的这些不再热衷。The Postmarks的首张乐队同名专辑和上一张《By the Numbers》赢得了乐迷和媒体的双重肯定，然而到了现下，他们明白一味制造这种恬淡的独立流行小调调已然无法满足乐迷们的多元化需要，于是在《Memoirs at the End of the World》的开场，略带激情的《No One Said This Would Be Easy》几乎是在昭告一个新鲜的The Postmarks的诞生，甚至运用到了中国乐器二胡的《My Lucky Charm》也依旧让这种新鲜感持续着，然而到了中部之后，平凡的调子被一首首地重复，新鲜感最终也就降至为零。


]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100esls.html#comment Mon, 14 Sep 2009 17:30:45 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100esls.html 郑重：吓唬自己，气喘吁吁 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100eqdp.html 郑重做了很多年编剧，比较有名的作品都是和李少红合作，比如电视剧《大明宫词》、《橘子红了》，还有电影《恋爱中的宝贝》。但编剧并不是他的终生理想，只是最开始以这种形式进入电影领域。“时间一长，写得东西多了，别人只把你当作编剧，如果有一天你说想试着导演一部片子，别人肯定会说你不行。”可是去年他还是拿着《气喘吁吁》的剧本找到了投资，并且请来了许多名角，包括葛优、刘桦、林熙蕾、张秋芳、陈柏霖、梁天，还有说相声的李菁以及《百家讲坛》里冒出的纪连海。光是这些人不同的受众就能让这部在28日上映的电影有着些许的票房保证，更何况电影本身的趣味盎然。

 


在采访中，郑重提到最多的一个词是“好玩”，关于这部电影的娱乐性，他显得颇有信心，“至少不会让观众觉得沉闷”。与此同时，他也觉得这部电影不是一出喜剧，如果为电影寻找一个核心，就是人们自己给自己制造的心理压力，因而总感觉“气喘吁吁”。故事看似没有什么惊人之处，预告片中这样写道，“十年前，中国人去美国淘金，十年后，美国人来中国扎钱”。讲述美国藉商人弗兰克欲把行将破产的家族奶酪公司转给由葛优扮演的中国大款李强。李强却受困于要债的债主、欠钱的朋友、肥胖的神经质妻子、怪异的朋克儿子、近期头部出现的阴影……这两位倒霉蛋都要尽量装得若无其事，装得很有钱，很幸福，生怕对方看出破绽。可越装越不像，越不像越掩盖，于是发生了一系列啼笑皆非的故事。但在叙述手法上，郑重没有选择传统的单一性叙事，而是通过几个人形成的几条线索，描写几个相关人物之间发生的貌似不相关的事。同时镜头语言采用了主观手法，当主观镜头讲述不同人面对同一个地方时，用不同的颜色做处理，以此强调心理对每个人的重要性。

 

美式电影观

 

应该说这个剧本以及拍摄手法的构思源于郑重在美国7年间形形色色的遭遇相关。从人民大学毕业之后，他没有像许多同学一样选择政府机关的工作，而是跑到美国留学。但到了美国之后，他发现自己对学习毫无兴趣，因此报考的学校一天没去，倒是在这期间和一个美国姑娘结了婚，认识了许多做戏剧的朋友和歌手。他先在芝加哥、再到纽约，然后到洛杉矶，生活状态如同今天国内的地下导演。这些年他拍过贝纳通和麦当劳的广告，参与过无数原创戏剧，担任过几部电影的第四副导演。“如果说去美国之前我只是喜欢电影，那么到美国混了几年之后，对电影有了一定认识，但这种认识不仅局限在知识层面，而是觉得当导演不是什么难事。”

 

那时他20多岁，所处的年龄段正是受外界影响最为深刻的时候。因此在电影表现手法上受到许多美国方式的影响，因此看《气喘吁吁》时，你能在他身上发现许多与其他国内新锐导演不同之处。其中最为明显的地方在于他对形式感的运用，从造型、服装到音乐，无一例外。“我想要在固有的模式当中进行一些突破，把我比较奇异的对世界的感觉放在其中，注重原创，别让人看了之后都说这样的电影我在哪哪见过。另一方面，我也追求一些娱乐性，刻意避开一些与人性相关的较为深入的观点。他并不排斥那类电影，只是觉得自己没能力把人性的话题描述透彻，让每个人都心服口服。”

 

虽然他总说自己不愿意把电影弄得过于深刻，但严肃还是他在这部电影当中始终追求的目标，想把心理恐惧的内容展现出来。“心理上的东西虽然不属于实质，但在很多时候比实质更加凶猛。其实我们每天都生活在感觉当中，它十分真切地指导我们某些天的生活。”

 

形成这种观点也和他在美国的经历有关。92年到了美国之后，《老友记》等一批喜剧成为他比较主要的娱乐方式，他也从中看出了两种文化之间主流价值观的差异，“美国人觉得这东西只要能对别人起到娱乐作用，就是符合了价值观当中的主旋律，必须先满足这一点，讲究好玩，能让观众在椅子上坐住，才能再谈视听享受与情感起伏。但中国电影必须有一定意义夹杂其中，这就是所谓的文以载道。道在先行，娱乐其次，娱乐似乎不是目的，必须要有一定教育意义才行。”

 

现实意义更重要

 

现实意义是郑重一直追求的元素，这在他的剧本中也有着强烈的体现。虽然《大明宫词》的背景是盛唐时期，《橘子红了》的背景处在请莫明初，可其中的对白都是白话，只是想通过这种形式借古喻今。这种对于现实意义的追求也《气喘吁吁》当中有所体现，电影最初的动机源自一家西班牙公司的项目。“当时他们想找编剧写一个中外友谊的故事，但我写的显然不是他们想要的友谊。这些人对中国的看法还停留在农业文明时期，必须在故事里有一对恩爱的夫妻和美好的家庭。可当今情况下，这已经不是普遍情况了，我们现在正处于一个有些混乱的状态下，需要寻找一种新的观念去指导变化了的新生活。其实现在的中国人和外国人没什么两样，如果不把英雄算进去，就拿正常人来说，都有高兴和失落的时候，尤其是在大环境下不好的氛围里面，没什么人能通过一己之力改变周围的现实。”

 

如今让郑重最为头疼的就是一些人在看过影片之后的反应，甚至有人追问他三角债为什么形成以及具体的债务数字。“这种问题让我很难回答，因为那根本就不是我要表达的东西，在我看来也是电影里不需要传达的内容。”其实这就是中国观众与美国观众在欣赏习惯上的差别，此种现象也在诸多电视连续剧当中有所体现。国内连续剧喜欢通过一条线把整个故事讲完，但从《迷失》到《越狱》再到《别对我撒谎》，都是多角度交叉进行的叙事。

 

于是顺利的拍摄过程也造就了困难的后期剪辑。“我觉得这也正常，毕竟一部电影不是个人化劳动，我是产业链当中的一个环节，因此必须要满足一些人的想法，要对得起制片人。所以在不影响整体风格的前提下，我被逼着在剧本当中加入许多之前没有的台词。但我还是觉得它在叙事上不是一个非常传统的戏，其中包含大量主观和情绪化的东西，而且从我的电影观上讲，也没有纯粹的客观，主观才是真正的电影语言。我不想用单线程的句式表达因果关系，而是选择同时发生的几件事构筑电影的整体感，但很多人的欣赏习惯线性，习惯什么都讲特别清楚。“台词太多，讲的太明白，表演就会被忽略。”

 

 

Interview

《周末画报×郑重》

 

你平时创作剧本的时候，有没有必须坚持的东西？

善良。在这部戏里也一样，如果这些人本质上不那么善良，这出戏就不可能成立。

 

写了好几部电视剧，转型做导演之后为什么要直接选择电影？

电视剧制作周期太长，而且必须按照商业标准操作，不能太飞，许多我想用的镜头都不能在电视剧里使用，毕竟那是大众娱乐，不能做得太艺术，所以我觉得电影更能说明我自己。

 

电影中有哪些地方让你自己都觉得拍案叫绝？

太多了，比如刘桦饰演的山西煤老板为了躲债，想方设法出国，但在学英语的时候，误找了

一个喜欢嘻哈的黑人，但他分不清黑人英语和白人英语的区别。另外林熙蕾饰演的葛优秘

书是个保定人，但因为自己想当明星，说话时总是故意带些台湾腔。两个人都闹出了很多笑话。

 

有人说这部戏从侧面反映了经济危机，你怎么看待这个问题？

宣传时为了配合时效，所以加入了经济危机的概念。只能说这是个巧合，我剧本写了六个月，后来开始找投资，找到第三家，才有了眉目。这期间时间挺长的，那段时间经济危机还没被大肆渲染。

 

有没有人觉得你的东西和刘奋斗有想象之处？

还是不太一样，我的东西是好玩，他的东西是生猛，《气喘吁吁》还是比较调皮的，从某种意义上讲比较无厘头。就拿葛优来说，他演冯小刚的东西是一个套路，但在这部戏里完全不一样。我当时跟他说，就让他按照悲剧人物来演，纵然如此，依然能产生喜剧效果，因为他的存在有一个前提，就是每天因为脑子里有东西的问题殚精竭虑，看到4就害怕，但还经常会看到4，显得十分滑稽。当这种滑稽与悲剧表演结合在一起的时候，就显现出一种严肃当中的趣味。其实这部戏当中所有人几乎都生活在这样一个逻辑当中，悲苦始终伴随，但这种悲苦都来自他们内心的焦虑，是一种幻想，没什么必要。

 

]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100eqdp.html#comment Wed, 09 Sep 2009 17:56:49 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100eqdp.html 每周新碟（2009.8.31--2009.9.6） http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100epmb.html
撰文 王硕 朴九月

为新浪摇滚频道撰写的每周碟评专栏




Yo La Tengo《Popular Songs》

作为近几年内一直没有放弃实验和创新精神的独立乐队之一，Yo La Tengo在新作《Popular Songs》当中保存了他们那种多重风格元素齐齐绽放的特征，他们在早期所拥有的媒体加乐迷的双重口碑让他们没有必要在这张新专辑中刻意讨好任何一方，甚 至可以认定他们拥有相对而言较为强有力的态势，将新旧乐迷的听觉神经全数圈在这十二首所谓的“流行歌曲”当中。

自1986年的《Ride the Tiger》开始直至今年的这张《Popular Songs》，Yo La Tengo十二张全长专辑的唱片数量和质量呈正比之势，没有那种令人在第一时间就迷恋上的小曲，乐队音乐的魅力在于层出不穷的实验创意堆垒、在于乐队三人 始终保持稳定的默契，而这些早就了他们数张专辑当中无法被统一归类的风格，缱绻迷人的民谣小调，另类沉闷的实验长曲，还有突然刺激耳膜的朋克和令人陷入思 索的自赏，都能在《Popular Songs》以及之前Yo La Tengo的任何一张作品当中觅到踪迹。

如果喜爱的是他们的温情，《By Two's》和《All Your Secrets》会令人感到欣慰，而如果需要的是他们创造的自省环境，《More Stars Than There Are In Heaven》的肃穆和幽暗则是非常好的选择，最令人对Yo La Tengo肃然起敬的还是最后两首均在十分钟以上的实验长曲，他们用常人所无法理解的对流行歌曲的定义完成了这张《Popular Songs》，当然Yo La Tengo并没有将过多晦涩的概念放在这张专辑当中，《Popular Songs》最大的特点即在于它所提供的自由的意念漫游空间，可以让任何人对它做出任何或好或坏的定义与评价。



Whitney Houston《I Look To You》

Whitney Houston暌违乐坛七年的作品《I Look To You》算不上沉甸甸，但的确让人等待良久和感慨良多。依旧是老搭档Clive Davis为其量身制作，圈中好友Alicia Keys、Akon以及R Kelly等都多多少少在这张专辑里贡献了自己的力量。专辑同名主打曲《I Look To You》的深情厚重让人回忆起以往Houston式歌曲的纯正味道，整张专辑听下来还算风格统一，中规中矩的回归之作让人感觉平和安详，符合Whitney Houston这个年纪的老牌歌手该有的风范。

经历过多重坎坷重返歌坛的Whitney在与Akon合作的《Like I Never Left》当中表达了她的想法，这首歌的寓意就像歌名一样，Whitney希望大家像她从来没有离开过那样继续地支持她热爱她。很多听完这张专辑的乐迷从Whitney的歌声当中得到得最多的，是一种感动，因其坚强和坚持所唤起的感动，尤其是当她唱到“I crashed down and I tumbled, but I did not crumble”.

但是作为一张音乐作品来讲，《I Look To You》的单薄和平淡丝毫无法与现在层出不穷的新生军的新作相抗衡，没有非常出彩的作品，如水一样平淡的旋律衬着Whitney Houston已趋衰老的声音，如果不是赚乐迷的那一点点感动，如果不是Whitney Houston，这张专辑不会被人过多在意。



The Used《Artwork》

与上一张头重脚轻略略令人失望的《Lies For The Liars》比较，这张《Artwork》明显让人感到兴奋，至少这张专辑在瞬间点燃激情这一点上做得比上张好上太多，只不过如果再牵扯上那张开创了EMO风潮的同名大碟，The Used这几年逐渐向流行摇滚靠近的趋势，就显得越来越明显。

不可否认的是《Artwork》当中的每一首歌都有着无可挑剔的完美旋律，Bert McCracken低沉的咆哮或是高亢的嘶吼之声都诠释着这支乐队仍旧旺盛的活力，可是我们仍然不得不去思索为什么一种跟随The Used到现今的乐迷，会对他们有着一定的失望，或许他们尽管掩盖得很深的向商业流行曲风靠近的趋势，是乐迷们对其诟病的根本原因，情绪摇滚的本质之一在于更个人化更痛苦的一种音乐形式，它们更多地是遵循乐队创作人的感官情绪，而非现下流行的任何曲风任何模式任何情感，也正是因为这种相对自私、相对黑暗的特征导致Emo这个词对于欧美许多家长而言，如瘟疫一般避之不及。

《Artwork》在旋律上的讨喜其实多少有着朋克的影子，添入更多的关于社会关于局势的思考也是这张专辑的一个突出特征，然而在封面设计上，这张专辑却首先给了人负面之感，当沉浸在那些翻江倒海涌过来的音墙和咆哮之中时，不知道这种负面的情绪会不会一直跟随着聆听者，其实像《Watered Down》这样的曲目，如果再现场当中演唱的话，的确是会引发很强的共鸣感。



Mew《No More Stories Are Told Today, I'm Sorry, They Washed Away》

丹麦另类摇滚团体Mew在失去了贝司手之后，在他们的第四张专辑里出现了一些细微的变化，或许可以想见得到，Mew身上那种迷幻与阴柔的迷人风格也会渐渐被节奏明亮欢快的小舞曲所覆盖。令众多人感慨万千的那张《Frengers》或许已经是Mew的巅峰之作，当人们试图从这之后的作品当中追寻出那种美，已经发现这只翱翔的海鸥依然翩翩飞离，不怪这张名字如此冗长的专辑偏离了Mew该有的轨迹，事实上这张专辑仍旧很好地保留住了像主唱Jonas Bjerre纯美的嗓音、飘忽的原声乐器这些特点，怪只怪《Frengers》的完美让人无法从当中撤离，也就没法抛弃掉所有的偏见，对这张有转变以为的专辑进行冷静客观的评述了。



Juliette Lewis《Terra Incognita》

2006年Juliette Lewis与她的第一支乐队The Licks的专辑《Four On The Floor》和《You're Speaking My Language》可谓惊艳四方，几乎可以让人深信Juliette可以从《天生杀人狂》里的好莱坞影星角色跳出，建立起自己的音乐事业。然而在音乐生涯上相对沉寂的三年过去后，她带领着她的第二支乐队The New Romantiques和新专辑《Terra Incognita》出现，却不得不让人感到失望，被磨掉的那种生猛的车库复兴野心，整张专辑以一种半死不活的唱法懒洋洋地呈现着，连同无所指甚至没有旋律可言的吉他，都显示着这张《Terra Incognita》不过是一张滥竽充数的三流作品，不知道该不该说上那句既然Juliette是个演员，就不该对其音乐作品多做指责，然而有着那么优秀的《Four On The Floor》和《You're Speaking My Language》专辑出现在前，这张《Terra Incognita》就显得相当可笑和尴尬——你找到当中任何一首好听的歌了吗？



Simian Mobile Disco《Temporary Pleasure》

从幕后制作人和DJ开始到现在建立起自己的创意团队，Simian Mobile Disco里的James Ford和Jas Shaw磨出了他们的第二张正式大碟《Temporary Pleasure》，虽然James Ford在Simian Mobile Disco之外是一名流行音乐制作人，但当他与DJ Jas Shaw联手之后即披上了华丽丽的电子舞曲外衣。《Temporary Pleasure》由二人在世界巡回演出的过程中迸发的灵感所创作而出的全电子乐专辑，而录制这张专辑的时间也跨越了08和09年，其中不乏请到他们的圈中好友，譬如Gossip里的重量级女主唱Beth Ditto和Hot Chip里的Alexis Taylor都为这张专辑献声。



The Black Crowes《Before The Frost... Until the Freeze》

老牌布鲁斯摇滚乐队The Black Crowes这次的新作可谓超大容量，播放时间超过一个半小时的这张专辑是一张录音室和现场的合辑，一共包含The Black Crowes新近创作或翻唱的40首歌曲，与之前的专辑一样，这张《Before The Frost... Until the Freeze》仍旧在乐队自己创立的厂牌Silver Arrow旗下发行。除去The Black Crowes当中不亚于以往的优秀表现，这张专辑最有意思的地方在于它的录制过程：The Black Crowes特意邀请了他们最忠实的乐迷亲临录音现场，并以非专业角度，对他们的演唱、演奏和录音过程提出了自己的意见。



]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100epmb.html#comment Tue, 08 Sep 2009 01:34:03 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100epmb.html 每周新碟（2009.8.24--2009.8.30） http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100en80.html 撰文 王硕 朴九月

为新浪摇滚频道撰写的每周碟评专栏



Arctic Monkeys《Humbug》

在经历过二年级专辑《Favourite Worst Nightmare》的稳步徘徊，以及Alex Turner这个有为青年开启他同样极受好评的分支计划The Last Shadow Puppets之后，Arctic Monkeys的第三张专辑《Humbug》开始以一种模糊朦胧地姿态向乐迷们展开。提及Alex Turner，总会被他孩子气的漂亮外表所迷惑，怎也想象不到他可以以令人佩服的能力领导起Arctic Monkeys和The Last Shadow Puppets两支乐队，并负责创作和演唱几乎所有的作品。

从第一张可谓“横空出世”的《Whatever People Say I Am, That's What I'm Not》开始，痞气、顽皮和才华横溢是几乎所有用以形容Arctic Monkeys的词汇中出现频率最高的三个，与英伦深情、浪漫、礼貌的绅士风情有着相当大的差距，然而一不做二不休的Arctic Monkeys将这种痞性延续到第二张专辑《Favourite Worst Nightmare》之中，只是到了这张《Humbug》，他们则更多地注重起音乐本身的质感，将那种轻易挑起感官刺激的短小曲目一扫而光，换上了值得慢慢去品味的三分半钟以上的中长度曲目，尤其以这张专辑的结束曲《The Jeweller's Hands》为亮点，以暗黑和迷幻的风格将乐迷带入与早前完全不同疆域当中，中部的《Dance Little Liar》更是迷幻风格的延展，这便与这张专辑最早的主打单曲《Crying Lightning》有了较大的质的差别，或者可以说专辑当中的这首主打令人回味起第一和第二张专辑当中那个带着简单三和弦复古风的北极猴子，但《Humbug》整张专辑决不再单一依靠这种简洁的旋律，虽说这种形式的改变算不上太大的进步，但他们敢于抛弃以往这种大受好评的特点，倒是令人敬佩。

另外值得注意的一大特色则是《Humbug》当中不遗余力地堆砌起配器的效果来，在《Potion Approaching》当中，鼓点的繁复给人压抑的不安感，更不用提其他曲目当中贝司的扫弦所营造的那种黑暗氛围，这种转变可以说是Arctic Monkeys已经在刻意转向内敛和细腻，也更注重乐队的整体配合，在氛围渲染度之上，Arctic Monkeys似乎也在宣告他们今后会将更多精力投放在现场的情绪调动之上。总体而言，《Humbug》令人更多地将注意力投放到猴子们的技术和能力之上，唯一对他们的这张新作产生威胁的地方还是早前令他们声名鹊起的网络，《Humbug》mp3音频在网络上的出现比实体CD的预售时间几乎提前了一个月，但北极猴子才不在意，因为这次早泄事件，正是在猴子们的官方论坛上制造的。



Pete Yorn & Scarlett Johansson《Break Up》

Pete Yorn和Scarlett Johansson此次合作推出的这张合唱专辑实际上录制于2006年，时隔三年之后推出，似乎正好应景“Break Up”这个专辑名。短小的九首作品除《I Am the Cosmo》由已故美国音乐家Chris Bell创作外，皆出自才子Pete Yorn手笔。相比较于今年早些时候才刚刚推出自己第四张个人专辑《Back and Fourth》，并再次受到褒奖的Pete Yorn而言，这张合作专辑的重点则全数放在了女方Scarlett Johansson身上。

作为一个从演戏过渡到唱歌的歌手，或许并不该在唱功上对其再做太多的数落，2008年Scarlett发行的翻唱自Tom Waits歌曲的专辑《Anywhere I Lay My Head》，就已经遭到部分媒体的批评，在《Break Up》推出前夕，制作人Sunny Levine就已经针对Scarlett的歌唱弱点进行了整修，然而在这张以乡村民谣、独立流行小曲为基调的专辑当中，还是很遗憾Scarlett将她们唱得很糟糕，其慵懒的演唱方式和单薄的声线或许更适合于爵士乐。

尽管九首作品带有温馨质朴的亲近感，歌词当中也侧重诗性之美——Pete Yorn坦言这些歌曲的灵感均来自于他的一个梦，于是这些短小的作品多少被沾染上了梦的美妙光环——但平淡如水的旋律以及粗糙的录音效果，让这张专辑没有太多的美感可言，作为最早推出的主打曲、也是专辑的开场曲《Relator》在旋律上的不甚讨巧和Scarlett在演唱方式上的苍白（后期处理太明显），几乎让人对整张专辑失去了耐性，好在他们收录了早在2007年就在网络上泄露过的那首《Shampoo》，至少这首歌有着人见人喜的独立流行小调。



Skillet《Awake》

尽管一直以来被冠以福音摇滚乐队，但实际上Skillet从音乐风格上划分的话更适当的领域应该是后垃圾和硬摇滚。Skillet可能也是那些经过了成员换血之后仍保持水准甚至更引人注目的极少数乐队之一，这大可归功于后期加入进Skillet的两名成员皆为美眉。Skillet几乎是一支在完美的旋律创造上不容得别人置疑的乐队，虽然他们的歌词也被乐评人们所津津乐道，但旋律的讨巧仍旧是Skillet的最强武器，今次这张《Awake》也仍旧打着旋律招牌，从开场曲《Hero》开始，Skillet重新创造的摇滚狂潮再一次奋力向乐迷耳朵袭来。

以“Awake”冠名整张专辑，即需要以强悍姿态唤醒这不景气的音乐市场，《Hero》的畅快直接带动生猛的《Monster》，这首专辑首播主打曲旋律异常熟悉，让90年代的硬摇滚风潮再次掀起，然而两曲震慑力十足的歌曲并没有让整张专辑的基调趋于重型，抒情之曲《Don't Wake Me》的展开虽然有悖于专辑主旨，但其中透露出的那种深情不免让这首歌成为专辑的第一个闪光点，紧接着的《Awake And Alive》即马上回归专辑主题。《One Day Too Late》当中出现的二重唱式后期处理则让这首歌与乐迷间有着更多的共鸣。

专辑的特色之一还在于零星加入的女声合唱，女键盘手Korey Cooper和女鼓手Jen Ledger声音当中的张力绝不输于主唱John Cooper，好在她们的这几把嗓音并没有喧宾夺主之势，要不然，又得担心其Skillet的再一次分裂了。



The 69 Eyes《Back In Blood》

作为一支老牌哥特金属劲旅，The 69 Eyes这么多年来一直不断地发表作品，是一件既令人感到欣慰也令人肃然起敬的事情。虽然他们一直挂着哥特金属的招牌，但在他们的音乐表现之上，硬摇滚、哥特金属、艺术摇滚这几类风格并没有太过明显的分界线，乐队第十张专辑名取“Back In Blood”，像是昭示他们重新返回邪恶的黑金属领域当中去，然而多年来The 69 Eyes注重旋律流畅的特性让这张专辑仍旧带有相当令人愉悦的亲切感，或者说已入中年的几名成员如今在力量的爆发上已经显示出了岁月的痕迹，那种心有余而力不足的遗憾成为这张《Back In Blood》最大的不足，然而冲着他们的勤奋努力，这张专辑仍旧可以慰藉一下他们长期以来的乐迷。



Leeland《Love Is on the Move》

福音摇滚最重要的地方Leeland在这几年的作品当中都做得很出色，那种满盈的希望与阳光在优美的旋律和动人的演唱上都很令人感到欣慰，所以说两次格莱美奖提名并不是盖的。第三张录音室专辑《Love Is on the Move》继续这种混合着希冀之光的健康向上曲风，主唱Jack Mooring也已经退去少年时期的青涩和生猛，在这张专辑当中崭露出成熟的唱功和更为令人着迷的个人声线魅力，骨子里的优雅深情附着在十二首旋律优美的曲子当中，令整张专辑散发浓郁的阳光味道。虽然Leeland总被人评价说几名成员受到非常深重的英伦摇滚影响，然而在他们所创作的歌词里，思想感情的着重点仍旧是非常传统的美国式思考，那种向往自由和寓全人类情感于一体的包容，足够证明了他们的音乐依旧是原汁原味的美国制造。



Cobra Starship《Hot Mess》

此次“眼镜蛇飞船（Cobra Starship）”之中将上演一场湿热的迷乱派对，成员不仅包括五名玩世不恭的乐队成员，还邀请到了《Gossip Girl》当中的女星Leighton Meester，而after party当中，还有其他的特殊嘉宾，也就是这张新专辑《Hot Mess》的精装版本当中，还附赠有六名有着不同自我风格的DJ对Cobra Starship四首作品的重新缩混作品。从2006年投石问路的第一张专辑《While The City Sleeps, We Rule The Streets》开始，Cobra Starship就是一支无法被简单定义的纽约式乐队，他们几乎尝试遍了近几年来最能激发人类荷尔蒙的音乐风格，从朋克、舞曲、新浪潮到合成器流行，可以说他们的音乐实际上就只是为了人们的欢乐而服务。一开场的《Nice Guys Finish Last》并没能立刻掀起第一波热浪，直到与Leighton Meester合作的《Good Girls Go Bad》才多少唤醒了那颗蠢蠢欲动的欲望心灵，再加上撩拨意味十足的歌词、节奏感强烈的电子节拍，整张《Hot Mess》所试图突出的特点即像专辑封面上的那个汗涔涔的女子一般，带着一种火热夏季当中遮也遮不住的狂欢欲望，去品尝大城市不夜城当中的那种迷离、混乱与肮脏。



Sally Shapiro《My Guilty Pleasure》

现实生活中羞赧的瑞典姑娘Sally Shapiro在电子乐领域当中却是有着相当令人可敬的勇气，这几年来先后不断推出的个人作品或是混音作品，都能引发一小波狂潮。《My Guilty Pleasure》理论上是Sally Shapiro的第二张正式作品，与上一张《Disco Romance》有着较大的差距，《My Guilty Pleasure》相比《Disco Romance》更注重迷离迷幻的氛围感，减少了合成器的使用，以其个人的飘渺嗓音做主打，可以说彻底褪去《Disco Romance》里的舞曲风格，打造起更纯正的House曲风，没再有诸如向早期迪斯科舞曲致敬这类名号，Sally Shapiro完成这张《My Guilty Pleasure》的时候多了更多的随性感觉，但这种随性也导致这张专辑在整体上不够统一，九首歌曲良莠不齐，甚至在节奏的掌控上都多少显示出了Sally Shapiro作为一个女孩子的柔弱，那种既想要出门舞起来又想要乖乖端坐于家中的矛盾充斥于这张专辑当中，总之与《Disco Romance》曾经给人带来的兴奋与刺激不同，《My Guilty Pleasure》所注重表达的情绪正是那种内敛和自责。



]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100en80.html#comment Tue, 01 Sep 2009 16:35:51 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100en80.html 北京出租没有幽默 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ekg0.html 在所有描述北京出租车司机的文字当中，几乎都能看到幽默二字，尤其是在奥运前夕，因为一个外媒记者与出租车司机的一番对话，瞬间让这个行业成为所有服务窗口的明星。我一直觉得那个外媒记者十分幸运，一不小心打到了一辆靠谱的车，同时赶上了更加靠谱的司机。如果说十年前，这样的司机有百分之七十，那么在今天，这个比例能有百分之三十就不错了。

 

当然，出租车司机不是相声预备班的考生，没有幽默的义务，但我觉得有些最起码的东西应该保证，其实服务态度的好坏都是次要的，但首当其冲的是认路。不知道从什么时候开始，城八区之外的拖拉机司机开始嫉妒成立的出租车司机，觉得他们坐在沙发上就能赚到钱，于是这些人拉帮结伙也都涌入城市中心，开起了出租，可问题是他们对这里并不熟悉，许多地方不认识，你说大栅栏他说屁股蛋，你说前门楼子他说鸡巴头子。

 

有一次加班到夜里两点，在公司旁边的工体东路上拦下一辆车，告诉司机我要去湾子，然后我就小睡了一会儿，还没等我睡着，司机就告诉我到了。当时我还纳闷，以为自己见到了出租行业的二环十三郎，可是定睛一看，发现有点儿不对。左边一排小饭馆，右边的楼盘叫做“后现代城”，顺着挡风玻璃一看，眼前那座立交桥上写着“百子湾”三个字。不过我还是很庆幸，他没有给我拉到香港的湾仔。

 

这种情况如何避免呢？说实话，很难，不过也有办法，就是在打车之前稍微留意一些外观特征，也许能比较靠谱的挑到一个认路的司机。首先是观察车的上半部分颜色，所有白色的车都来自北汽，大部分司机都住在城八区，对市里的道路较为熟悉。其次就是看顶灯，如果写“京诚联”三个字，基本上也可以打，那些司机的性质和北汽相似。当然，最靠谱的就是通体黑色的车，目前只有北汽和首汽有这种车，而且司机都是经验丰富，保留着老司机诙谐幽默的特征，服务态度很好。可是一些不识数的傻逼老觉得这种车价格贵，不敢拦，其实他们和那些下半身屎黄的车一样，都是每公里两块。

 

除了基本的识路之外，你还要注意另外一些问题。

 

有些道德沦丧的司机会在计价器上做手脚。前些年科技不发达的时候，他们会换一些直径比较小的轮胎，利用计价器计算轮胎旋转圈数的原理多收钱。不过今天的科技告诉我们这件事不用那么麻烦，他们会安一个装置，遥控计价器。有时候这个设备处于明显位置，就在离合器的左边，司机会不时的踩踏，据说每踩一次就是一百米，还有一种就是遥控器，趁你不注意的时候一按，里程表就会飞速前进。这种事在出租行业里被称作“弹弦子”，一经发现，严厉惩处，直接开除公司，吊销出租车运营执照，此生不能再从事该行业，同时1万元的风险抵押金也不予退还。对于乘客来讲，不可能时刻盯着司机是不是“弹弦子”（如果你一直盯着他，他肯定也不敢），最好的办法就是记住常走线路的公里数，如果差距超过500米，那你就可以问问他，那500米来自何处。

 

另外还有一种仿真出租车也悄然兴起，这和黑车是两个概念，行话叫做“套牌”。从外观上看，这种车和普通出租车没有任何区别，该有的都有。进去之后就会发现许多不一样的地方，首先看看他有没有运营证，如果没有，那它肯定是假出租，如果他摆放的位置不对，是用胶条之类的东西贴在不显著位置的话，基本上也有问题。当然，这都不能作为判断依据，最好的方法就是到达目的地之后让他打一张发票，如果他说他没有，你有权拒付，如果他打出了发票，一定要在灯光之下仔细看看，是否有“票样”二字。如果这两个字出现，你应该在内心喜悦之时表现出面孔的凝重，告诉他，这车不是正经出租，发票有问题。一般情况下，把这两个要点抛给他之后，知趣的人就会不收你钱，让你下车。当然，也不乏一些存有侥幸心里的傻逼的司机，如果他们继续追问，你就告诉他最近的派出所在哪，那才是你要去的目的地。

 


贴心提示：

 

1.       如果车上有异味，你有权换车，最好把这个问题告诉司机，顺便建议他买个空气清新丸之类的东西，也对他有好处。

 

2.       假如司机不知道你要去的地方在哪儿，也可以选择换车，如果这时司机已经打表，并且走了几百米，你依然可以毫无顾忌的下车，如果他用已经打表作为理由，非得要那几百米的钱，你可以拒付，或者付钱之后索要发票，直接拨打发票上的电话，投诉他。

 

3.       如果你因为其他原因想要投诉司机，千万不要打运营证上的监督电话。那个电话是出租车辆管理局的电话，其投诉过程十分麻烦，先要写一个书面投诉报告，邮寄到南礼士路附近的一个地址，然后等待长达三个月的处理结果。

]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ekg0.html#comment Wed, 26 Aug 2009 20:03:13 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ekg0.html 黄盈：戏谑中寻找真挚 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ejxq.html “在戏谑中寻找真挚，在顽皮中感悟深情。”这是黄盈新戏《未完待续》的宣传语。这几年大多数话剧宣传语都显得名不副实、言不由衷，然而对于《未完待续》来说，这句话绝对属实，似乎还显得力度不够。不夸张地说，这出戏是2009年上半年最让人惊喜的作品，看过的人都说好，某报一向苛刻的“戏剧档案”更是给予8.9分的好评。全剧以戏中戏的手法，将死亡的话题贯穿始终。四位演员饰演的创作者需要设计一个女孩的命运，前提是这个女孩已被告知明天即将死去，但必须找到一件自己最想带走的东西才能离开，否则将永远活在昨天。“这样的生命看似永恒，时间一长却发现十分残酷”。

 


见到黄盈，是在电影学院的咖啡厅，他刚给学生上完课，马上又要去听学生汇报。前些天他忙得不可开交，每天4点下课，马上就要赶到东方先锋剧场，带领演员走场排练。他为人熟知的身份是青年戏剧导演，但本职工作是电影学院表演老师。“我一直觉得自己是个业余导演，把戏剧当成爱好，纵然如此，却以专业的态度对待。”

 

1997年，还在中国农业大学研习生物化学与分子生物学的黄盈第一次有意识地接触话剧，在朋友马正强的引导下，看了郑天玮的《古玩》，感觉很有意思。自此之后的一年，频繁进出剧场，买最便宜的票，坐在最后进场门的位置，看遍了那一年的几乎所有话剧。在本科毕业之后毅然决然地放弃赴美深造的机会，留在国内，考取中央戏剧学院导演系，成为丁如如的得意门生。期间担任过林兆华戏剧工作室导演助理，又因为在首都剧场停车场演出布莱希特《四川好人》的惊人之举，被传为佳话。

 

大师理论，活学活用

 

经过“戏剧书照单全收”的戏痴时期，又经过《枣树》、《两个人的法式晚餐》和《西游记》这三部原创作品的历练，黄盈对戏剧大师的表演理论已经运用自如。用分析的眼光看过《未完待续》之后，能从中找到布莱希特的间离效果，马赛·马尔索的经典哑剧表现形式，雅克·勒考克的肢体与中性面具训练，斯特雷勒与费鲁巧·索莱利的假面喜剧，圣菲利浦·内里清唱剧无伴奏和声的演唱方式，以及斯坦尼斯拉夫斯基的体系的形体动作分析法。

 

“虽然我研究这个，但并不以此为傲。其实大师们用于实践的东西可能没有书里写得那么神乎，主要就是如何运用，我自己是个很土的人，运用起来也会特别土，但这样也有自身的好处，就是不会让人看出那种明显的借鉴，观众看到的应该是一台运转良好的机器，而非零件的产地。”

 

纵然“土法炼钢”，演黄盈的戏还是很辛苦。在排戏初期，他安排演员做了7天的训练，配合演出当中可能发生的情况进行以上的表演训练。这种训练模式会消耗大量体能，堪比跆拳道训练班的热身。因此演员必须具备两个基本条件：有本事，禁折腾。否则很难适应大师理论中对演员的要求。“有人觉得《未来待续》道具简单，适合到其他城市商演，但他们只看到了道具的轻松，没注意演员的需求。这部戏必须要求原班人马，如果换两个演员，肯定没法演了”。

黄盈这种看似折腾的做法有自己的原因，他排戏的时候不愿意“指挥作战”，只把剧本当作大纲交给演员，更多依靠演员排练过程中下意识的即兴能力，所以必须注重基础表演训练，“有这些作为前提，演员才能有发挥的空间。”

 

死亡题材，无人惧怕

 

一个人每天都要重复度过生命中的最后一天，这样的情节看起来和电影《初恋50次》当中德鲁·巴里摩尔扮演的露茜有相似之处，但在黄盈看来，纯属巧合。“那部电影的女主人公永远有明天，只是记忆停留在车祸发生的那一天，并不意味着只活在昨天。其实这部戏的真正灵感来源于中世纪一个叫做《每一个人》的神迹剧，也是死神告诉一个人马上要死了，但他必须带走一样东西才能离开，于是他同财富、美德等拟人化的东西进行了一番对话。”

 

除了之前导过《麦克白》等大师作品之外，《未完待续》是黄盈第一部与死亡题材密切相关的戏，这样的题材在国内戏剧领域也是寥寥无几。2005年的时候，他遭遇一些挫折，每天和借住在研究生宿舍的编剧王彩练沿着中戏转悠三到五圈，怀疑人生，探讨戏剧。“人生不如意的时候难免想到生死话题，中国人常说‘生不带来，死不带去’，当时我们俩就想和这句老话较劲，非要让即将死去的人带走一样东西，通过这个设问的方式看看会是什么结果”。

 

但因为许多投资人认为死亡是敏感题材，没有市场，不愿意投资，所以这部戏撂了两年。直到2007年，有青年戏剧节的契机，加之投资不高，才演了5场。这次在东方先锋剧场演出的12场是戏剧投资人白梅接手之后的版本，整体效果比从前更加完善，而且票房不错，略有盈余。“后来有个媒体做过调查，问读者是否愿意在话剧中看到死亡题材，所有人的回答都是愿意。这个结果让我个人很惊讶，开始质疑商业禁区是不是真的存在，是不是只能做那点儿爱情喜闹剧。也许其他题材不是问题，也不是商业禁区，这种情况下，创作者的勇气就成了关键。”

 


 

 

你怎么看待今天戏剧市场火爆的场景？

在我看来现在还不是真正的火。我从97年开始看戏，开始感觉看戏的人不是那么多，但大家都对戏剧有诉求，觉得这东西能带给他们很多生活之外的内容。这几年戏剧市场繁荣，观众数量变多，大家的需求基本上是爱情喜闹剧，甚至由此形成制作的模式化，当中必然要有穿越时空、时尚热点、恶搞时下流行人物或电影之类的环节，结尾一定是Happy Ending，而在Happy Ending之前也会有个洒泪分别的场景。基本上这样一个情况，是人们追着市场的尾巴，而不是引领市场。

 

保守地说，至少有百分之八十的话剧以此模式运作，只是水平优劣问题。所以只能说看戏的人多了，但不能说戏剧火了。如果有一天真的火了，不是只有单一品味的东西。就像有人说咖啡市场火了，所有人都在喝咖啡，但大多数人都买速溶咖啡，你能说咖啡市场就真的火了吗？

 

戏剧可以娱乐放松减压，也可能带给我一些别的东西，那么在这个优良基础的环境下，创作者应该努力，不要只是重复一个题材，因为观众从欣赏口味上来讲也会更加多样化。我希望未来几年能出现火爆局面，但就现在来讲，还是在追求市场尾巴的路上。

 

但票房和上座率一个不争的事实。这次“两岸城市青年戏剧演出季”是小令做的，但在前几年，他和袁红在北剧场做台湾戏剧交流的时候，票房惨绿，甚至有一场戏的到场观众只有二三十人，索性就把观众们请到舞台上看戏。然而近两三年却发生了大逆转。

其实从剧场预订就能看出来，去年到今年，订剧场成为排戏的最大障碍，即使淡季都排得很满，经常是什么时候有剧场什么时候演戏。但现在的问题还是形式过于单一，完完全全纯笑闹的体验，这样的戏大家很放心，觉得只要上去说两个笑话，观众就会买账。其实观众不是这样，他们比原来更聪明，欣赏水准更高，有时候想到你前面，你的动机一出来，他们就知道要抖什么包袱，我们应该拿出更多的好东西回馈他们。所以说一直好下去才是真的好，现在还是有点儿泡沫。

 

有没有一部戏是这个现象的导火索？

找投资人或者戏剧市场宏观调控的人可能比较合适，我没有考据过。在这个过程中，林兆华、孟京辉可能起到领军作用，然而形成这个状况，只靠一两个人的努力是不可能，并非一己之力。有时候更需要青年戏剧节这样的集体行动，这样创作者随着一个群体走出来。其实在这件事上，我更喜欢话剧观众，是他们做好准备，他们希望走进剧场来看戏。

 

在整个戏剧行业里面，最让你感到欣慰的东西是什么？

还有那么一批人在坚持。他们可能也要接活儿养家糊口，但当你跟他们说最近弄个事儿的时候，他们往往也会欣然答应，不会因为同一档期有了一个赚钱的活儿，对答应好的事儿放手不管。

 


]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ejxq.html#comment Tue, 25 Aug 2009 19:11:32 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ejxq.html 每周新碟（2009.8.17--2009.8.23） http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ej84.html
撰文 王硕 朴九月

为新浪摇滚频道撰写的每周碟评专栏




Dolores O'Riordan《No Baggage》

讨论那些光芒万丈的主唱离开乐队之后有没有变化是没有意义的，如果一个乐队的成员不是因为想要更自我地区追逐自己的目标的话，单枪匹马地作战还不如倚赖整支队伍，所以，单飞之后的乐队成员势必要与之前在乐队里时有着更多更明显的不同，这样才能够证明当初他的决策是正确的，也就是说，必须必须得有所变化。但我觉得很可惜，Dolores O'Riordan在离开The Cranberries之后，变化得太不明显，也就是说，实际上Dolores O'Riordan就是The Cranberries，The Cranberries就是Dolores O'Riordan，不存在哪个解散哪个消失诸如此类的说法。

究其原因，实际上还是出在Dolores O'Riordan身上，她在The Cranberries时期就太过强调个人特质，无论从主导创作还是从主导整支乐队的形象、风格来说，Dolores都是直接人物，而其余的成员，更多的则是旁设，是建构了The Cranberries=Dolores O'Riordan这一等式的充分不必要条件而已。

上一张Dolores O'Riordan的个人专辑，也是她单飞后的第一张专辑《Are You Listening?》就开始令人更执着于挖掘独属Dolore的个人魅力，也是这种执着态度血淋淋地挖开了Dolores的三记硬伤：太过雷同的曲调，太强调自我内心挖掘和流逝青春的歌词叙述，太多处Dolores的标志性中低音唱法。说是硬伤有点残忍，实际上这正是Dolores的个人特征，抛去这些特质，Dolores O'Riordan也就不再是Dolores O'Riordan，可问题就在于，这些东西太多，总会让人厌烦的吧，又没有别的新鲜的东西让我们转移注意力，总是沉溺在旧的特征之上，最后特点就变成了鸡肋，所以，当问起《Are You Listening?》这张专辑怎么样的时候，很多人会说哪首歌哪首歌很不错，但论及整体则会感觉一般。

Dolores O'Riordan的第二张专辑《No Baggage》也不可避免地被套上“感觉一般，但有几首不错”这样统一的评价，作为主打的《Switch Off The Moment》和《The Journey》都无一例外地让人在最初眼前一亮，但接下来温吞水一样雷同的曲调，便再也激发不起任何新鲜度了。可以说Dolores是个太典型的处女座了，在追求自我完善的同时，舍不得抛弃过去闪亮的特点，于是这个“假完美”的专辑里，便掺杂有太多属于过去的完美，而实际上，上面已然蒙尘，它所能激发的，是那些在过去爱她致死的歌迷重新的热忱与热爱，再一次泪眼汪汪地对其大赞大赏，而对于那些对The Cranberries并没有特殊感情的人，很快就会将这张专辑束之高阁。



Calvin Harris《Ready For The Weekend》

如果你是一口气酣畅淋漓地听完Calvin Harris的上一张专辑《I Created Disco》，并接着循环很多遍以体验Calvin Harris为你创造的电音高潮的话，到了这张《Ready For The Weekend》估计你就得有点儿失望了，换个说法其实就是Calvin Harris在他的处女专辑《I Created Disco》当中太过完美，将他多年的DJ和制作人经验全部糅杂在了一张专辑当中，到了第二张专辑的时候，一是想要继续延续他的优点，二是又想加进新鲜玩意儿，结果发现，他的优点在第一张专辑当中崭露得太过彻底，导致当它们又一次出现在《Ready For The Weekend》当中时，未免显得做作和不尽兴，要加入的新鲜特点也并不新鲜，因为好像在第一张专辑当中，Calvin Harris就把太多元素给玩了一遍了。

所以，一张失去了早期热忱度的专辑靠什么来维持好感？Calvin Harris的新作居然给乐迷出了这么大一个难题，然后当主打曲过去之后，厌烦情绪便滋生了，这直接就导致《Ready For The Weekend》进行到中后部分的时候就让人觉得，Calvin Harris不行了。哪怕是他邀请来Izza Kizza合作的那曲《Worst Day》也让人感到兴致寡淡，甚至会纳闷像《Worst Day》、《Dance Wiv Me》这样加入了嘻哈元素的曲目又会为Calvin Harris带来怎样的好处呢？倒不如像上一张专辑那样一味把玩电音舞曲，再惹一拨后生对其膜拜模仿。

如此说来，这张专辑一下子收入十四首歌，未免太过拖沓，人们的热情早在第五曲《Blue》过后就已经渐渐转淡，Calvin Harris原本的初衷不过是想继续延续《I Created Disco》创造的电音热浪，从专辑的封面设计上就能窥见一二，可遗憾的是，他在这种努力进行复制的过程中，丧失掉了在《I Created Disco》当中令人印象深刻的独属于他个人的特征。



Jay Reatard《Watch Me Fall》

不知道从什么时候开始，Jay Reatard被封为新世纪的车库之王，如果单从这十年间他所参与制作甚至直接效力的八支不温不火的车库摇滚乐队的作品来看，那庞大的数量和繁芜的质量，这种在上世纪八、九十年代由一伙儿一根筋想玩音乐的年轻小伙子手里炮制而出的最最简单的摇滚乐风潮，倒是可以被Jay Reatard重新在这几年里疯玩一把，只是我们从近几年里Jay Reatard的这几支周边乐队身上，已经没法看到他还能制造出什么车库狂浪了，像The Reatards、Lost Sounds、Nervous Patterns和Bad Times这样的乐队实际上已经没有什么新动作了吧。

所以当我们看到Jay Reatard挟着他的个人新专辑“回归”时，心里的滋味儿不是那种既开心又担心的交织杂感，而是一种完全无所谓的姿态，何况，这些多少携点儿欢乐的热闹车库小曲，却被一张看似暗潮、工业甚至死金的封面照片所包装，不得不说，这在一开始，就很倒乐迷胃口了。

十二首简短的歌曲乍一听来像是Jay Reatard这几年里的草稿作品，然后在后期被一股脑儿装进这张被称作《Watch Me Fall》的专辑里，说来也巧，在听这几首歌的时候，好像一直有个声音在耳边提示一般地吼着：“看着我堕落吧，看着我堕落”，没有令人感到悦耳的旋律，没有发人深省甚至根本不值得去注意的歌词，这一整张专辑似乎正是在宣告Jay Reatard已经自己将头上那盏不知道谁给他戴上去的“车库之王”的王冠摘掉，又或许，在这样一个人人皆可做王的年代，Jay Reatard的这张《Watch Me Fall》正是为了说明他并不在意这样的封冕。



Jet《Shaka Rock》

这几年澳洲的车库乐队发展得似乎比美国加拿大更为红火，作为澳大利亚车库劲旅，Jet从上张极受好评的专辑《Shine On》当中吸取优特征，将乐队四人对八十年代纯正摇滚乐的热爱全数融入这张新鲜热辣的《Shaka Rock》当中，除去简洁有力的三和弦，这张专辑最大的特色来自于主唱Nic Cester爆发力十足的嗓音，那些用尽全力嘶吼的段落配合其兄弟Chris Cester的鼓点，让这张专辑的复古和致敬意味相当浓厚，虽然可以略微感觉到Jet此次想要加入更多的新鲜元素，但《Shaka Rock》还是早先的那个Jet，只不过更加侧重于摇滚激情的迸射，至于之前宣传当中所说的舞曲影子，倒是没有被捕捉到，也许对于摇滚乐的执着，就足够人们来上一场pogo舞蹈了，但其实Jet在抒情摇滚上的天赋，才真正让人动容和振奋，其实，Jet不需要太多的改变，只需要提升他们的特质。



Colbie Caillat《Breakthrough》

阳光微笑将成为Colbie Caillat永远的标签，不管是令许多人惊艳的处女碟《Coco》还是时隔两年之后的这张《Breakthrough》，Colbie Caillat的亲切甜美从来没有褪去过，有时候真想夸大其词说她是这两年来真正能够温暖人心、治愈伤痛的一记女声。没有人会刻意抵御这种温和的流行调调，无论这两张专辑当中的作品是描述Colbie个人的恋爱史也好，阐述她的人生观也好，无一不是给人带来最真实希望的歌曲。



Third Eye Blind《Ursa Major》

流行朋克乐队做起偏向于概念性质的系列专辑，不知道是想要博得更深层次的尊敬抑或想要同时维持这系列专辑的销量。2008年就开始透露出新专辑《Ursa Major（大熊座）》信息的Third Eye Blind，也是直到今年下半年才正式将这张专辑呈现而出，外带的消息就是下一张同系列的专辑《Ursa Minor（小熊座）》也会很快露面。以1997年的一曲《Semi-Charmed Life》而闻名的这支旧金山乐队，就适合这种略带抒情意味的流行朋克小曲，这张《Ursa Major》当中，乐队将更多舒缓的感觉放入旋律当中，虽然对于这种曲风的延续并不会让Third Eye Blind受到太多的赞扬或是批评，但却收获了许多疲倦，如果说开场的两首歌曲还能让人感到这支乐队的年轻活力的话，到了中部，一种属于夕阳老年人的倦怠，却缓慢由音符和主唱Stephan Jenkins的唱腔当中弥漫而出了，不过喜欢这种舒缓型流行朋克的朋友，也还会把这张专辑当做挚爱吧。



Frankmusik《Complete Me》

Frankmusik这张正式专辑的推出，也终于让人在接下去的时间里无视了英国媒体大肆推崇的一批电子艺人，就这张平淡无奇的专辑而言，与其拿Frankmusik与07年电子界的大宠Calvin Harris作比较，或是将其攀比为英国的Owl City，都不如说他做的是张gay味十足的流行电音舞曲唱片这样的噱头来得让人信服。当然我没有说这个化名为Frankmusik的Vincent Frank先生是个同性恋，但这张专辑确实无法让人抹去这种念头，先是一个回眸撅嘴大头像封面（说到这个封面，实际上可比早前他的《Complete Me》EP上所使用的一个令人毛骨悚然的艺术照片要让人舒服得多），再是Frankmusik的唱腔，最后则是歌词所描述的内容。新鲜意味并不感觉有多少，但可以说《Complete Me》的确是一张很英伦的电子唱片。

]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ej84.html#comment Mon, 24 Aug 2009 04:45:23 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ej84.html 专题片里的集体记忆 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ej02.html 去年庆祝改革开放30年，北京台弄了个专题片《岁月如歌》，科尔沁夫担任总撰稿，以诸多明星为视角，探讨了十一届三中全会之后的华语流行音乐。今年庆祝建国60年，中央台也做了一个与音乐相关的专题片，名叫《光阴的回响》，资历更深的李皖担任撰稿，导演是一个叫门欣熙的人。与之前的角度不同，这部片子的主线是事件，从一个解放军进程的镜头开始，讲述这些年影响内地百姓生活的三地歌。

 

之前不知道这位导演，此次接触才发现是一位牛人，年轻时学油画出身，后来还和夏小万、刘小东等人参加过群展。这哥们儿对华语流行音乐的历史了如指掌，拍过纪录片《崔健》、《邓丽君》、《这些年那些事—中国流行音乐二十年》和《一百年的歌声》，被圈内人称为“音乐纪录片活词典”。

 

我作为讲述者，参与了这个片子。在拍摄之前的茶话会上，我们几个讲述者先是回忆过去那些年美好的歌声，紧接着就开始叹息今天流行音乐不太流行的悲哀。是否像那句老话所说，怀旧只是因为今天的新歌太难听？其实这只是一方面原因，还一方面原因是分众时代到来，集体记忆难以形成。

 

从《英雄儿女》到《智取威虎山》，再到《甜蜜蜜》，不同的时代都面临着娱乐生活匮乏的问题。就音乐而言，凡是能够被大众接触到的音乐都享受到了反复聆听的优待，成为集体记忆的一部分。然而今天我们的现实是，几乎所有人都是娱乐事件的旁观者，这必然会形成表面繁荣背后的泡沫隐患。一眼望去观众那么多，不明真相的人也会怀揣明星梦走进其中，结果就形成娱乐产业的冗员状况，很多人分一杯羹，每个人连一勺都吃不上。如今走在新光百货和银泰中心，小明星大模特随处可见，即使他们不戴墨镜也没有二十年前的人群围拢，原因就是今天广大群众对于他们的关注只是牵手门、艳照门和嗑药门之类的花边新闻，为自己平凡的生活找些不凡的乐趣，看见之后只会和同伴小声嘀咕，“这就是‘溜冰’那位”。

 

关于这一点，“羽泉”新歌《让暴风雨来得更猛烈些吧》唱得十分到位，“夹缝中生存变成重要的才华，勉强的支撑表面风光的尴尬”。唱歌可以在KTV的包房解决，可歌唱只有少数人才能办到。

]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ej02.html#comment Sun, 23 Aug 2009 11:33:49 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ej02.html 每周新碟（2009.8.10--2009.8.16） http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ehcb.html
撰文 王硕 朴九月

为新浪摇滚频道撰写的每周碟评专栏




Various Artists《Woodstock - 40 Years On: Back to Yasgur's Farm》

我们都知道伍德斯托克音乐节四十周年，人们会有许许多多种方式去纪念它，包括重新发行当年的现场录音专辑，包括重新为它撰写大篇大篇的纪念文字，包括重新想在四十年后再现1969年的这场盛世狂欢。那个年代仿佛有永不落下的太阳和永不消散的热情，人们像被拧了发条一般，在Yasgur农场里狂欢，和着台上那些同样精力充沛的乐手们演奏而出的音乐，制造了一个现如今看来显得那么不真实的自由世界。

这张超容量的套装专辑即以朴实温馨但也略略含带忧伤的名字命名：重回Yasgur农场，当中包括六张重新发行的CD，一张1970年拍摄的关于1969年这场音乐节的纪录片DVD，之后的一些书面资料等，力求以此等内容还原当年的空前盛世，无论是积极面还是消极面，这些当年的珍贵资料都没有点隐瞒，那些当年的大牌乐队艺人The Grateful Dead、Jimi Hendrix、Janis Joplin都像是重现出现在了我们面前，中间横亘的漫长的四十年或是令人心寒的死亡，仿佛都不曾存在。

逝去的必然无可追回，虽然不能冷酷地宣称所有纪念方式都是无用功，但伍德斯托克音乐节在最初所呼喊的那种种口号，在四十年后会不会再有人以相同的力度喊出，这是一个相当令人感到惋惜的问题，诚然，现在的人们用尽种种方式想要再造一个1969年的伍德斯托克，可是时间已经把我们远远抛离了Yasgur农场，唯一可能的方式，也就是在这些记录了历史的CD、DVD里用最无可奈何的方式追忆一把。



Squarepusher《Solo Electric Bass 1》

你无法揣量Tom Jenkinson能够为即兴音乐爱好者们带来多大的乐趣与思考空间，如果你不是拥有一个像他那样随时随地进行天马行空的想象的脑袋，不是拥有一种敢作敢为的实验、指导性思维，你也无法体验到他以Squarepusher为马甲的数张不同风格的专辑当中，所加注的种种新奇念头。譬如2009年他的这张《Solo Electric Bass 1》，初初听来，它是一张不知所云充满了枯燥和乏味的低保真式作品，但一旦你了解到它的创作动机和创作环境，保不准会再一次对Tom Jenkinson肃然起敬。

2007年9月Tom Jenkinson在法国巴黎的一次即兴演出当中，仅用一根电贝司的弦和一个小小的扩音器就完成了将近一个小时的这场演出，今年由Warp Records发行的这张《Solo Electric Bass 1》即是当时这场演出的完整录音资料，以最简单和真实的方式还原了Tom在独自操持一根电贝司弦时的冷静与自由，尽管在聆听的时候并没能获得感官之上的欢愉，但却有着非常宽广的思索空间。

永远以即兴作为最根本的创作源头，配之以令人感到惊讶的创作模式，Tom Jenkinson这位先锋实验音乐家依旧以最令人瞠目结舌的姿态引领这股即兴音乐风潮，当然，我们在其中也可以感受到他的不安，这种不安即隐藏在音符无节奏的跳跃和情绪不间断的变化之间，或许Tom Jenkinson用这种方式来躲避生活当中的种种不快。但在他的音乐当中所获得的更多信息，则是他在这一领域当中所发起的挑衅，以一种桀骜却又谦卑的矛盾姿态，低糜地在一根电贝司弦里发散他的挑战宣言。



Tim Buckley《Live at the Folklore Center, NYC - March 6th, 1967》

早逝天才Tim Buckley在身后遗留有很多珍贵的作品，包括数场家庭式的小型演唱会和一些未曾发表的小样，而这些就足够后人对其进行一场又一场的怀念了，当然，还能发一笔又一笔的横财。在1967年，Tim Buckley是一个家喻户晓的名字，他的魅力不仅发自他的民谣音乐，还发自他的内心，平和温顺让他在那几年里举办了许多场弹唱会，在三月六号那天，他踏上纽约的民俗中心，在那里抱着吉他开始了一场小型演唱会。如今，当时的录音资料被Tompkins Square唱片公司以现场专辑形式发行，这张包含了十六首歌曲的专辑当中，有六首歌曲从未被Tim Buckley及其后人公开发行，可以说是收录有Tim Buckley“新作品”的一张现场专辑。

尤其是被排在这张专辑最后的几首歌当中，Tim Buckley与他的乐手们展示了与以往不同的他们，《Cripples Cry》当中含义及其不明的吉他段落，令人感到晦涩以及零星的暴力，《In the Rain Comes》则有着一股坚强不可摧的力量，充满政治意味的《Country Boy》昭示着Tim Buckley的态度，而最令人感到回味无穷的就是最后一曲《I Can't Leave You Loving Me》，在不断变化着的唱腔中，仿佛并不仅仅只有Tim Buckley一个人在歌唱，而是四五个人的和声同时出现在这首歌里。



Mindy Smith《Stupid Love》

Mindy Smith说不上有一把辨识度很高的嗓音，这种温暖朴实的女声乡村民谣，在美国应该比比皆是，那么其早期在美国乡村乐坛脱颖而出的原因，应该就来自于她所创作的音乐当中，那种感人肺腑可以疗伤的紧贴内心的叙述。没有复杂的后期制作手段，从她的第一张个人创作专辑《One Moment More》开始，Mindy Smith一直就以一派清澄的形象甚至一名可以治愈内心伤痛的女神的模样出现，也正因为如此，为柔弱女子而歌，成为了Mindy Smith的责任。转眼《Stupid Love》的发行已经是Mindy Smith的第四张录音室专辑，用“愚蠢的爱”为这张专辑冠名，并在第一首主打曲《What Went Wrong》当中阐述在愚蠢的爱恋当中，女性的地位和态度问题，而之后的《What Love Can Do》、《Bad Guy》、《True Love Of Mine》等曲目当中继续就女性与爱情的问题展开Mindy Smith式的心灵拷问和心灵归途。 凭借这些时刻关注他人内心世界的创作态度，Mindy Smith同时在独立与主流乐坛当中拥有较高的名声。



Little Dragon《Machine Dreams》

由张北草原音乐节进入众多国人眼中的Little Dragon（小龙女）乐队也是在近期发行了他们的第二张正式专辑，依旧以繁密的电子节奏作铺垫，这张《Machine Dreams》在强调机械化的同时，注入更多灵魂乐当中的飘渺与唯美，Yukimi Nagano颤颤巍巍的声线与这种缓拍音乐相融合，鼓手Erik Bodin细碎的敲击为的是将Hakan Wirenstrand的键盘音色强化，继而再突出贝司手Fredrick Kallgren在驾驭低音音色时的冷静。整张《Machine Dreams》没有太多抢耳的旋律，这也不是这支来自瑞典的独立缓拍乐队所擅长的手笔，但不乏许多可圈可点之处，那令人迷醉的节拍就可以与Yukimi的清爽形成完美的一道风景，令人不禁将这张专辑循环播放。



The Rumble Strips《Welcome to the Walk Alone》

悠扬的管弦乐器、厚重的鼓点以及主唱Charlie Waller伦敦味道特别浓的口音，让《Girls and Weather》这张专辑成为2007年的一个亮点，同时让The Rumble Strips这支乐队以较为新鲜的形式进入到英伦乐坛当中。以活泼欢乐为主要情绪渲染方式的那张《Girls and Weather》却没有好好地带动The Rumble Strips的第二张专辑《Welcome to the Walk Alone》，从过分复古的曲调和讲求大气的演唱方式当中，我们遗憾地听到The Rumble Strips暴露出了他们急功近利的心思，这张总长度仅有三十分钟的专辑让一切早前The Rumble Strips引以为傲的器乐小姑显得多余可笑，无论是喧宾夺主的小号还是占据重要角色的鼓击，这些都不得不被掩藏在Charlie略显矫情的大吼大叫之后。




Cavo《Bright Nights Dark Days》

近两年来，这种偏流行摇滚的后垃圾曲风成为了美国主流摇滚乐坛的宠儿，大多数在近期可以得到关注的新乐队除了玩流行朋克的奶油小生，就是这种硬男人乐队了。与Daughtry有着很大相似度的Cavo可能会是今年里这些乐队的佼佼者，在刚出道的时候得到《变形金刚2》这部电影音乐导演的青睐，将一曲《Let It Go》收编入原声大碟，还乘胜追击发行了乐队的第一张正式大碟《Bright Nights Dark Days》。除了主打曲《Let It Go》，有着一段非常优秀的吉他riff段落的《Cry Wolf》、力请到Daughtry共同进行创作的《Ghost》都是这张专辑当中值得津津乐道的几首作品，加之顺畅的旋律一直主导这张专辑的前前后后，所以，《Bright Nights Dark Days》是可以轻易在最初得到不少赞扬的。

]]> 王硕 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ehcb.html#comment Wed, 19 Aug 2009 06:00:16 GMT+8 http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b03745b0100ehcb.html