sololau/文

    电影上映前但见铺天盖地的枪稿在鼓吹这片子里面中国人多么强大，都牛得拯救世界了，美国佬再也不以救世主自居了。当时就怀疑这可能吗？就算奥巴马总统再亲华，美国人也不至于都这么俗气吧。看了片子之后果然那些都是屁话，除了说中国劳动力资源多么强大之外根本就没别的。虽然灾难来临时美国人也死得差不多了，但电影骨子里还是一成不变的星条旗。

    无论是《后天》《先知》《世界大战》还是《2012》，大灾难中的小救赎都是灾难电影的不二法门。即使电影特技再华丽再震撼，也离不开一个平凡的美国主人公将观众带入情境。成熟的好莱坞经典叙事套路再次印证了它的经典性，只是冷静的尼古·拉斯凯奇或者惊艳的汤姆·克鲁斯换成了长相更为平民化的约翰·库萨克。大难临头时面对生离死别才找到生命终极意义的主人公往往用一个大义凛然的笑容告诉我们，什么是生命的重量。虽然这些都是旧瓶旧酒，但却都是屡试不爽的招数，就在观众被《2012》的亲情感动得流泪时，罗兰估计正在窃笑。

    美国人对于自己的民主政治和那些代表着纳税人利益的政客们持一种一贯的复杂但并不乐观的情绪，但似乎有个约定俗成的特例就是大部分好莱坞电影中的美国总统都不是孬种，像《空军一号》中的哈里森·福特或者《独立日》中的比尔·普尔曼就是最典型的代表。《2012》中维护政府形象的惜命政客和黑人总统就成了这一现象的最好证明。可能本片中的美国总统在影史上而言是较为有突破意义的了，首先这一角色不是什么大英雄没有不凡的身手当然也不会开飞机，相比之下这样的一位黑人老者更有可信性形象也更加可亲。美国历史上的最后一位总统，选择放弃登上诺亚方舟，留下来与他的人民一起承受灾难，临死之前安详地怀念着自己的妻子，这就将美国总统的角色定位成了一个长者，而不是一个权力中心。美国人对于政治持冷峻态度，但同时又对自己的民主怀着一种近乎偏执的信念。

   如果电影《2012》只让最有权力的政客们和顶级的富翁们成功逃生，那么这当然就成了一部失败的作品，主题的定位也会被人诟病为盲目悲观主义。但好莱坞灾难电影将目光放在平民或者说中产阶级的身上，总是让他们表现出顽强的求生欲望并最终成功逃出生天（即使有的可能会付出惨痛的代价），这样就无形中成功塑造了一个经典的美国梦，通过自己合法的争取和奋斗达到目的获得财富求得机会，这正是美利坚合众国始终宣扬的美国精神。他们的祖先踏上那片土地，一步步拓荒，虽然代价是印第安人的鲜血，但这种追求自我价值包含着达尔文进化思想的自由主义信仰被写历史的人称为美国精神。就算电影最后经过有良知的学者的一番慷慨之词，政客们终于点头开了大门，这也仅被渲染成一个美国人的人道主义精神。

    整部电影除了特效生猛逼真堪称绝妙之外，其实剧情和思想都是中规中矩的好莱坞套路，虽然乍看之下充满人性光芒，但归根结底还是美国人自己的说教。外表包装再震撼，依然改变不了骨子里的星条旗本质。当然，话虽然可以这么不厚道，但不得不承认中国人短期之内真的无法做出这样一部灾难大片来。无论这部电影的骨子里是如何模式化，但从某种意义上来说，单纯凭借本片的特效，《2012》也已经成为世界末日题材电影的标杆之作了，观众的口碑就是最好的证明。

Sololau/文

或许现在“周星驰”三个字对于影迷来讲已经不是单纯是一个名字更多的是一次捧腹不止的欢笑抑或是一段淋漓放肆的狂欢，虽然现在看着造型沧桑的周星驰你会意识到那些风格浓烈的星字头光影故事已经成为如风般的回忆，但他的电影的确影响了太多人。但有些美中不足的是，在影迷们的眼中周星驰只是个喜剧表演天才，他夸张无厘头的表演风格被一传再传，相应的也忽视了他的另一个身份——导演。

 其实周星驰从出道开始就有强烈的创作意识，比如他在83版《射雕英雄传》里跑龙套的时候就曾央求导演能不能让自己挡一下梅超风的爪功再死。虽然这段小插曲现在已经成为周星驰自己回忆过往辛酸路的笑谈，但从中可以不难看出他的独立思想与创作意识。

 此后周星驰的表演才华得到了李修贤、万梓良等娱乐圈大哥的赏识开始在电影中担任重要角色，并且最终凭借与刘镇伟合作的《赌圣》一炮而红。之后周星驰的演艺道路可以说是星光灿烂甚至可以说如黄河泛滥般一发不可收拾，全香江都被这个夸张搞怪的年轻人所折服。继冷面笑匠许冠文之后，周星驰隐然已经成了香港喜剧电影的代言人。“无厘头喜剧”“周星驰电影”这些标记彻底被摆上台案，“二周一成”在香港这座东方好莱坞的风头一时无两。随着自身资本的累积以及电影创作经验的成熟，周星驰的名字也渐渐出现在编剧栏和导演栏的后面。

 喜剧片面向社会大众，强调娱乐性，所以往往被清高之士冠以“低俗”之名。周星驰因喜剧电影而大红大紫，而且具有很强的作者意识，当然深谙喜剧电影若没有内涵便没有价值的道理，因此在他主动参与到电影创作中的时候总是设法将个人的思考和想法融入“周星驰作品”，所以人文精神蕴含与无厘头喜剧以及小人物励志题材的完美结合是周星驰作品长盛不衰的重要原因之一。从周星驰出道至今已经导演过7部作品了，这些电影题材不一、多彩缤纷，但反响都甚佳，并且作者色彩浓烈，从星派的天罡北斗阵中我们或许可以触摸到周星驰怪异表情下的那颗细腻而真实的内心。

天枢星——《国产凌凌漆》
 星君：凌凌漆
 香港电影素跟风的“习俗”，当好莱坞特工片《007》系列横扫全球刮起一阵猛烈的邦德旋风之时，头脑聪明的香港电影人自然不会放过这个好机会拍了很多部具有跟风性质的动作电影，而周星驰执导的这部《国产凌凌漆》算是比较另类当然也是较为经典的一部。星爷的后现代思维将严峻的冷战背景下那个勇敢英俊的军情六处特工形象给完全消解了，在周星驰的癫狂语境中主角成了名副其实的杀猪男，这一新鲜大胆的设计令观者瞠目结舌。当然电影中的杀猪男阿漆可不是单纯的屠夫，而是身怀绝技的“刀客”（刀当然是杀猪刀了），最后和无坚不摧的金枪人决战一场戏中，阿漆以气御刀谈笑之间潇洒地将BOSS斩成几段已经成为了星爷银幕的经典瞬间，而最后杀猪刀上居然刻上了“民族英雄”几个字更是令观众佩服他的创意和勇气，更可贵的是电影中周星驰传达的大隐隐于市，有才华莫愁无所用的观念对当时郁郁不得志的青年们有一定的鼓励作用（当然我们都知道小人物励志题材一直都是星爷电影的主要元素之一）。整部电影笑料密集，虽然是周星驰导演的第一部作品，但在他和李力持的无间合作下，消解严肃、颠覆正统的无厘头风格显然已经成熟。

天璇星——《食神》
 星君：史蒂芬·周
 周星驰和李力持合作导演的第二部作品《食神》将目光瞄准了炙手可热的饮食题材，虽然徐克等重量级导演都曾涉猎到这一题材而且大都选择了喜剧作为突破口，在众多同类型的作品中《食神》不算是独领风骚，但绝对是独树一帜，因为它真的很有“神”。不但狠狠地恶搞了一段少林寺和十八铜人，还将厨艺玩的神乎其神，“降龙铲”“打狗抄”整的不亦乐乎，类似于“撒尿牛丸”“真心面”也是让人哑然失笑，最后的“黯然销魂饭”更是煽情到极致，整部电影看下来真如一碗杂碎面一样，内容丰富同时又令人温暖。其实从这部电影也可以看出周星驰对自我的一种嘲讽心理，借迷失在名利中最后尝尽辛酸功德圆满的史蒂芬周之口说出了“其实根本就没有什么食神，或者说，人人都是食神”的真言。成名后的周星驰光芒闪烁，但他的表演和作品始终本着面向大众为出发点所以没有什么深度，而且自己一路走来同样也辛酸无数，所以在时刻提醒自己莫忘本真的同时也暗示或者可以说成勉励有梦想的人去努力。
 

天玑星——《大内密探零零发》
 星君：零零发
 虽然大内密探的名号极其唬人，在寻常百姓眼里都是武功登峰造极的超级高手，但不要忘了周星驰最拿手的就是消解和结构，电影中的零零发不但手无缚鸡之力而且被众人排挤鄙视，说白了他只是个喜欢搞点小发明创造的无用书生。但令人意外的是不但电影中正统的武林高手全部被杀，而且最没用的阿发反而成了整部电影最大的英雄，他的发明创造在关键时刻发挥出了巨大的威力将反派降服。令人忍俊不禁的是周星驰在本片中还恶搞了古龙武侠文学和香港电影金像奖，决战紫禁之巅的众英雄竟然成了老丑不堪的“嫌疑犯”，金像奖影帝不但没有颁发给演技精纯的阿发反而给了他不起眼的岳父，这种巧妙离奇的设计不但制造了笑料也暗含了周星驰的一些映射，明白人自然忍俊不禁。虽然电影是古装片，但周星驰却灵活地为本片融入了一股浓浓的市井温情，夫妻之间的理解和信任，朋友之间的亲密和默契，导演表达的含蓄而生动，笑料过后静静回味，温情油然而升。

天权星——《喜剧之王》
 星君：尹天仇
 尽管它的结尾有点无聊但这是周星驰最常被人说道的一部电影，因为本片像极了他的自传。电影中的主人公是一个跑龙套的临时演员，但却有一腔抱负和激情。虽然地位低下受人歧视，连片场看饭的都鄙视他笑其不切实际，但尹天仇却能始终坚持称“我是一个演员”，小人物面对落魄现实和闪亮理想之间巨大落差的复杂但又积极的心理不言而喻。其实励志元素到了这部电影里面已经明显到了无需多言尽人皆知的地步，但他还是始终如一的坚持抱着这个主题不放手，可能是他实在无法忘记自己艰难过去的缘故吧。总体上这部作品充满了周星驰的回忆已经对于前辈偶像们的敬意，对其个人而言也是一部意义非凡的作品。
 

玉衡星——《少林足球》
 星君：少林弟子阿星
 周星驰终于自己独立执导作品了，而且是他一直钟爱的功夫题材作品！电影一上映便好评如潮而且票房告捷，周星驰积极地将少林功夫元素与足球运动以及先进的电影特技相结合，在保持了自己一贯主题和风格的同时电影华丽的视听效果也让观众赞不绝口。大胆的创新精神和在创作上一丝不苟的严谨态度不但令周星驰第一次独立执导作品就拿到了金像奖金马奖和金紫荆奖的三个最佳导演和金像影帝，还使得这部电影横扫各大电影奖满载而归，周星驰当时可谓是风头大盛。这些奖项肯定了周星驰在电影创作方面的才华和能力，也造就了他在新世纪的事业癫峰，少林弟子阿星的大力金刚脚真正踢出了名堂。从此周星驰成了人们心目中一个执着于梦想又着眼于现实的电影导演。值得一提的是本片还成就了许多有潜力也有实力的新人，如陈国坤即是最明显不过的一位。

开阳星——《功夫》
 星君：古惑仔阿星
 电影《功夫》名副其实，是周星驰执导的首部纯功夫题材电影，本片继续秉承了《少林足球》大胆应用电影特效的风格手法，同时作品也透着一股浓重的怀旧味道。当镜头笼罩故事发生的猪笼寨时，相信看过《笼民》或者《七十二家房客》等经典香港电影的影迷一定倍感亲切。民国时代背景，底层民众，功夫高手加起来你想到了什么？再给点更加直观的提示，元华、元秋、董志华、赵志凌、梁小龙，想必中看官听到了这些名字肯定就想到了邵氏老电影了吧，特别是张彻先生阳刚忠义的武侠片。然后火云邪神、杨过与小龙女、洪拳、五郎八卦棍、谭腿、蛤蟆功、狮吼功、如来神掌，这些都曾是香港武侠片功夫片里的重头戏，这些怀旧元素集合到一部电影中，《功夫》即成了周星驰不折不扣的武侠梦境，这些是他成长中所迷恋过的所憧憬过的事物，因为他们周星驰有了电影梦有了武侠梦，更可喜的是电影的造梦功能帮周星驰圆了梦，圆了内心一直牵挂的情结。从电影中我们看到了周星驰美丽如童话般的梦境(事实上电影童话式的结尾也说明了《功夫》是个如孩子般充满幻想的梦境)，也看到了他作为一个土生土长的香港人对于香港这座城的眷恋，也能真实的触摸到周星驰对于逝去的香港本土记忆的无限怀念。

摇光星——《长江七号》
 星君：周小狄
 似乎有一个公认的规律就是当一个导演或者说一个电影创作者已经可以影史留名之后他的创作风格和倾向都会开始尝试转型。周星驰最近的作品《长江七号》即为他的转型之作，但本片从宣传开始就令影迷感到一些失落，因为在这部作品中星爷不再是玉树临风、潇洒倜傥的男主角，而是退居二线成了潦倒落魄的男配，男主角成了孩子。我们习惯了看着星爷在电影中嬉笑怒骂、叱咤风云，虽然明知道是转型之作，但面对这一情景还是有些落寞。电影《长江七号》虽然有点儿童片的味道，外星人元素的增加也让电影更加梦幻，但作品本身所反映的恰恰是一些敏感的现实问题，全片具有明显的写实主义倾向。可以看得出周星驰是希望让自己的影片在保持单纯欢乐外表的同时融入更多的人文元素，虽然本片褒贬不一，但周星驰的这种尝试和努力值得肯定。不过，影迷们心底里还是希望周星驰继续做影片的主角，周星驰风格不仅仅是一个人的思想，更是一群深受香港电影影响的观众所共有的群体记忆。

周星驰喜剧被人崇敬至今不是没有理由的，当然星爷的个人魅力已经是块金子招牌，这点无须质疑。但更重要的是他的作品中充满了对于生活的凝视态度和一股子自嘲精神。小人物故事定位使得电影更接近真实的生活，直面底层市井平民的辛酸。无厘头喜剧风格则是面对现实顿感乏力的小人物们的一种戏谑式发泄，当然这种戏谑在今天看来充满了自嘲的意味。所谓的后现代解构，也是通过消解权威消解传统认知定式的方式来抒发民众对于现实的复杂态度。同时，这种复杂的态度又不是悲观的，而是积极向上的奋斗精神。

 作为一个导演，周星驰有着自己鲜明独特的风格和丰富多彩的想法,而且将创作立足于生活。他导演的这七部作品几乎都将娱乐性，艺术性以及人文特质巧妙地融合为一，一套天罡北斗阵刚柔并济，乱中有序，在锋芒大盛之时往往又真情流露，于癫狂放肆之中常常又包含哲思。而今国产电影奇招尽出，山寨喜剧或者徒具无厘头之表的喜剧电影大行其道，虽然就形骸来看称得上是奇技淫巧费尽心思，但其内涵空乏疲累又令人嗟叹不已。现在的喜剧片导演如果想拍出真正的喜剧电影，还是要向周星驰学习，关注生活、凝视生活、拷问生活。

Sololau/文

谍战题材影视剧通过电视荧幕走进千家万户之后，这个目前大陆最火热的剧作题材终于得到礼遇被改编成了电影，同时也代表着谍战作品叙事模式的逐渐成熟。随着漫漫长夜里《暗算》、《潜伏》、《夜幕下的哈尔滨》等谍战热剧的轮番袭击，观众对于这一题材的新鲜感逐渐消退，取而代之的是日益挑剔的欣赏标准。所以《风声》作为首部谍战题材电影存在着潜力也存在着不小的压力，幸好本片在保持了同类型作品水准之余没有落入俗套，而且堪称谍战题材的模板之作。
 
 所谓谍战题材的模式说白了就是“悬疑+惊悚+煽情+主旋律”，解释开来即为敌我较量够不够悬疑、生死边缘够不够惊悚、人物关系够不够煽情、最后的主题是不是落笔在主旋律上，当然这也是观众评价此类影视作品的一个参考标准。
 
 杀人游戏放异彩
 估计玩过杀人游戏的观众看完之后最强烈的感觉就是《风声》的敌我较量方式像极了火爆的“天黑请闭眼”，不过与游戏相区别的是除了“老鬼”自己之外包括观众在内没有一个知道谁是哪张牌，没有全知视角，这样一来游戏就更加难以捉摸。面对五个嫌疑人，敌方费尽心机逐个排除，可每当看似柳暗花明之时线索却又峰回路转别有天地，故事设计的悬疑气氛浓厚，往往令观众也不自觉地陷入了寻找“老鬼”的脑力竞赛中。虽然“老鬼”的中途告白让电影没有想象中那样有冲击力，但这种风靡一时的头脑推理游戏在本片中大放异彩，使得故事悬疑气氛浓厚，情绪节奏紧张，令观众充分享受到推理般的快感。
 
 可怖酷刑惊煞人
 相信观众至今对本片中的残酷刑法还心有余悸，英达饰演的伪政府大员贪生怕死，但一看自己要被用刑当机立断地自尽，其惨不忍睹可想而知。周迅所受的性虐般的重刑，其不堪程度绝对可以胜过传说中的“满清十大酷刑”。最令人头皮发麻的还是那位能用针灸配合药物活活折磨死人的六爷，电影开始的时候笑容满面的他还让人感觉不到什么，但当我们看到银幕上女杀手惨死的表情时，再想想他那皮笑肉不笑的表情更是不寒而栗，直到最后完整呈现他针灸之时，看着那一根根针被他笑着插进吴大队长的肉体，惊悚的情绪达到了极点。本片中的一些情景虽然隐晦，但其震撼程度不下于CULT电影，虽然佩服导演营造的这种情绪效果，但还是怀疑他怎么通过电检的。
 
 崇高信仰甘献身
 本片的成功之处在于导演将杀人游戏包装成谍战故事的同时又给电影带上一顶很华丽的高帽子，不但主题上做到了理想的升华，故事结局还用解包袱的手法促成了全片感情的迸发，煽情与拔高并举。老鬼为了民族的兴亡和自己的信仰在本来可以保全自己的情况下为了顺利传出情报牺牲了自己，在知道真相后回想老鬼死时的情景就如同殉教仪式般庄严神圣。煽情的同时又宣扬了主旋律，也为电影画上一个完满的句号。
 
 作为第一部改编自谍战题材文学作品的电影，《风声》开启了该类型电影的先河，意义非凡。而且导演独具创意，不但将杀人游戏融入剧作中营造出幽闭空间内别具一格的悬疑气氛；而且赤裸裸的酷刑更是肆无忌惮地刺激着观众的试听，惊悚效果令人动容；最重要的是导演灵活地将主旋律的拔高融入煽情情节之中，让电影的定位和格调大大地提升，另外强大的明星阵容也是本片不容忽视的票房后盾。《风声》的制作模式和作品风格如模板般典型，居高不下的票房也说明了电影的成功，这就为以后的谍战题材电影做出了很好的示范。

Sololau/文

女性形象在父权社会时代背景下的主流电影中一直是被看的欲望对象和男性行为动机的客体，而现实中大多女性的定位亦是如此。男性对于女性充满爱欲的同时也对她们存在着焦虑，电影《麦田》真实反映了这种复杂心理，我们从电影中惊异的发现在缺乏父权的“女儿国”中，男人眼中弱势（甚至是残疾）的女人是如何的癫狂，如何的悲哀。

两个冒牌的武遂男人作为厌倦了战争的逃兵在“收麦子”的动机下阴差阳错闯入了这座没有男人的城池。男性的缺失使这座城成为了名副其实的“女儿国”，城中的权利中心是城主夫人，一个以父权之名管理人民的女人和以神权之名辅佐她的女祭司。多么值得玩味的问题，母权社会环境中统治阶层的女人竟然没有一个是以女性本身为名义来行使权利，行暂代之名的女城主骊一再强调自己是城主剧葱的夫人，他们是如此的依赖于男性，即使那兵荒马乱的年代背景中父权对于这座城市中的女人们而言是那么飘渺，她们还是要抓住最后一丝脆弱的希冀和幻想，那是他们唯一的依靠。

暇和辄的闯入让这座城市充满了癫狂与荒诞，没有了父权约束的女人们根本没有了荣辱礼节的意识，而无论是以一敌百的秦国锐士还是胆小贪婪的逃兵在这个环境中都丧失了自己的男性主体地位。一个荒唐又深刻的现象出现了：两个男人在这座城市中完全成为了“男宠”一样的玩物，情节与现实正好相反，他们成为了女人们直视的欲望对象和行为动机客体，我们看到银幕上成堆的女人们抚摸戏弄的对象，那麻布质地的简陋衣衫被女人们随意剥夺，两个男人惊慌又充满了幻想的身体被喧哗放肆着的女人们包围或者可以说掩埋。

城中的女人们因两个男性的闯入而混乱，无论是高贵贤惠的城主骊还是神秘莫测的女巫。披着红色布匹陷入了幻想的骊幽怨而隐忍；向天神求助的女巫最终如恶鬼缠身般躺在床上挣扎着，她不解为何迷雾重重，因为即使是天神告诉了自己真相她也无法从心理接受事实。

强盗的侵入使得本来就漏洞百出的谎言变得更加弱不禁风，可是直到女人们看到玉佩为止仍然没有一个人去真正撕破这谎言。对于城中的女人来讲，男人或者说等待着父权的回归是他们活着的唯一意义也是唯一依靠。令人震撼的场面是得知真相后的女人在秦兵入侵前就在骊的指示下集体自杀，这种颇具仪式性的集体殉葬行为像极了祭祀。没有父权，没有了男人，这些女人的生存权等于直接被剥夺了。就算女人们不自杀，秦国男人的剑也会终结他们的生命，宿命如此。

电影中的女人们活着的意义就是等待父权的回归，他们依靠父权依靠男性才能苟活于乱世。几千年的文化洪流中，女性也早已失去了自主权和独立意识，不能说他们沦为了男性的附属品，但父权的缺失的确让他们恐慌又迷茫，女人无法也无力存活，何去何从的问题唯一的答案就是死亡。即使骊最终看着那些孩子长大成人，也无法摆脱自己的命，生于乱世才能真正体会到自己在时代面前的无力和渺小。历史波涛拍打而过，什么也不会留下什么也不会记住，历史书永远都只是略过乱世直奔下一个王朝。

何平的古装电影没有刀光剑影，有的是写意般的文化意境。他总是坚守者自己的风格在电影中表达一个作者的思考和探寻。电影《麦田》以罕见而又冷峻的旁观视角来凝视乱世中的女性命运，无论荒诞还是残酷，电影都没有明确的思想指向，只是一种“观看”，因为创作者知道，历史将不留痕迹地湮没这一切。人们会赞叹金黄的麦田，但不会细看任何一棵像骊这样充满沧桑的麦子，它们终将被遗忘。

Sololau/文

 电影满足了人类的木乃伊情节,让凡人可以活在光影中不褪色，于是世俗出现了神话般的梦境，而永生在这梦中的人比活在天国更圣洁。

 迈克尔·杰克逊真的离开我们了吗？答案是否定的，虽然他的生命终结了，他的灵魂也随着信仰而飞入天堂，但我们还是可以看到他迷人的舞姿，听到他激情的歌声。电影《This Is It》从某种意义上可以说为这位伟大艺者的生命花了一个唯美的省略号，之所以不是句号，是因为我们心里都明白，迈克尔杰克逊将通过另一种更为生动的形式永生下去。

 没有人可以否认迈克尔·杰克逊是个天才，是个天生的艺术家，他的音乐成就和高度难以逾越。从童年崭露音乐才华到惊艳于世界而成为天王巨星，迈克尔·杰克逊在传奇的一生中创造了无法计数的辉煌。他的作品激情四射但又包含深情并且带有强烈的节奏感，同时又兼具浓重的人文气息，他将自己对于人性、对于情感、对于人类生存环境以及人道主义的关注完全灌输到作品中。人们可以在他的音乐中完全释放自己，能够从他的狂舞中找到自己真实的性灵，虔诚的心灵总能够触摸到那节奏中的真实质感。电影《This Is It》中收录了迈克尔最辉煌的时刻，最华丽的演出，最动人的音乐和最淋漓的舞姿。两小时的观影经历使影迷充分感受到他神一般的魅力，在那炫目的银幕上他的光芒达到了顶峰，那是神化的一刻，也是电影造梦的最美瞬间。

 现实中的杰克逊一直被绯闻、官司所缠绕，真实的生活总是充满了欺诈、背叛、压迫等黑暗面，纵然是天王也无法脱离这些苦恼，因为太多的人眼中只有利益两个字，他们只知索取不知给予，完全没有感恩的概念。麦当娜说的那些话很恰当，我们关注他的绯闻胜过了他的音乐，这是多么可悲的一件事情，这是浮华年代的大众欲望投射，同时也可以看出我们生活的多么无聊，而迈克尔的音乐是释放自我的最好利器，但真正着眼于那些音符的又有几人呢。

 我们悲痛的接受了迈克尔离世的消息后，却转变了一贯的看法，开始越来越多的关注他的音乐、关注他的舞蹈、关注他的人文精神和艺术成就。令人欣慰的是，躺在棺中他再也不必为这些苦楚而伤心，他真正得到了安静。而永生在电影梦境中的他无论从哪个角度都是最迷人的迈克尔·杰克逊，即使有人对着银幕口出狂言，或者那些执着于桃色八卦的记者商人怎么炒作都不会打扰到他了。因为那不但是迈克尔的永生梦，更是我们所有人的美梦。没有人可以打碎这梦境，除非他将所有人毁灭，没有人愿意在这梦中清醒。哪怕电影散场之后也会有下一场继续灿烂。

 迈克尔杰克逊的逝去让这个时代成了名副其实的“偶像的黄昏”，所有人的心头都笼罩着一股悲伤的情绪，但所幸的是“偶像黄昏，巨星不死。”电影艺术让迈克尔·杰克逊永生在银幕中，永生在我们共同的梦境中，这个梦是纯洁的是安静的是唯美的，不会有梦醒时分，因为他在这个世界的光芒无法拭去，迈克尔·杰克逊不会被遗忘。

Sololau/文

怀念无厘头风格，怀念周星驰电影，怀念那个存着在“江湖”和“传说”的过火时代，怀念那段凝视生活同时又戏谑人生的癫狂岁月。

之所以用“怀念”这个词，根本原因是那些“美好的日子”真的已经成为了逝去的“回忆”，香港电影的黄金时代也是无法再回来的“曾经”了，并且在今天看来合拍片不仅是港人北上的捷径，更是大势所趋，不但香港电影无法复兴，甚至“香港电影”这个名词也在一天天消解。就在我们逃避现实在用怀念的方式去重温那一个个美梦的同时，惊奇的发现那些梦境的精神内核在当下的电影作品中正一步步变质，电影《重庆美女》就是个明显的例子。

无论是繁华的重庆还是动人的美女都不足以从根本上促使早已看惯风月的观众走进电影院，真正提起观众兴趣的是“全80后班底”几个字。原因很简单，80后是改革开放后的新一代，这个群体经历了各类文化如洪水泛滥般融入大陆的激流年代，并且80后的精神品格和思想格局都在这场繁荣中经历了消解和重构。70后面对纷杂的新文化在睁大了眼睛的同时还固守着一些传统的思想观念，而完全生于这段革新之中的80后的认知方式与前辈们存在着毋庸质疑的区别，当然这是题外话，在这里不再多说。

电影《重庆美女》可以很明显的看出香港电影文化甚至说得更具象一点是香港喜剧片中的无厘头文化对80后的影响。无论从电影的故事文本建构还是人物形象设计都能明显的看到周星驰电影的影子，小人物的故事是一直的主题，对两代人观念冲突的探讨问题上《家有喜事》和《大话西游》（正好罗家英还是《大话西游中》的父权形象饰演者）都蕴含着丰富的思考和延伸，甚至是饮食题材都有点向早已“食神归位”的周星驰作品致敬的意思，虽然这种读解看起来有点像笔者的一厢情愿，但没有人能否认香港电影对于70末和80后的意义，那些光影早已在这代人心目中打上了烙印或者说成为该群体文化思想体系的一部分。

但可惜的是这部《重庆美女》虽然带有无厘头风格的影子但却只是徒有虚名，不但故事情节稚嫩，人物形象生硬，而且主题上也不够深入。美女成了单纯的花瓶式角色，全片也没有看出一点对于重庆这座城市的感情和定位。整个故事看下来平平稳稳没什么高潮，牵强的剧情令本片呆滞无神。

最重要的是本片丧失了喜剧电影（不单单是无厘头喜剧）的根本精神内核。周星驰喜剧被人崇敬至今不是没有理由的，当然星爷的个人魅力已经是块招牌了，但更重要的是他的作品中充满了对于生活的凝视态度和一股子自嘲精神。小人物故事定位使得电影更接近真实的生活，直面底层生活的辛酸。无厘头喜剧风格则是面对现实顿感乏力的小人物们的一种戏谑式发泄，当然这种戏谑在今天看来充满了自嘲的意味。所谓的后现代解构，也是通过消解权威消解传统认知定式的方式来抒发民众对于现实的复杂态度。同时，这种复杂的态度又不是悲观的，而是积极向上的奋斗精神。最好的例子当然是周星驰自传式的作品《喜剧之王》中那个面朝大海的渺小身影发出的呐喊。艺术性，商业性，人文精神的完美结合才是真正的喜剧作品。

80后登上电影舞台初执导筒还是显得有些紧张和浮躁，毕竟创作经验和人生阅历都还欠火候，但我们坚信这只是时间问题，因为中国电影太需要注入新鲜血液了，期盼着新锐导演们的大放异彩。但同时也感慨甚至有点恐惧经典电影的内核正在一步步流失。当无厘头已成往事，当喜剧沦为纯粹的闹剧，当观众不知道该因何而笑的时候，回忆会显得更为美丽，也更加悲哀。

一脸正气、目光坚毅的甄子丹如今已是华语电影界首屈一指的功夫巨星，从1982年因结识著名武指袁和平而入行到今天，他在电影圈已经摸打滚爬了整整27年。这些年来，凭着自己的努力和敬业甄子丹在华语电影界打出了属于自己的一片天，甚至在星光最盛人的好莱坞也有了一席之地。他是继李小龙、成龙、李连杰之后最闪亮的动作明星，同时在武学上又是学贯中西并且集大成式的武者，本文选取了十部比较有代表性的甄子丹作品去尝试触摸这位“甄功夫”的丰富而不凡的电影人生。

《笑太极》：惊艳亮相

在结识了著名导演袁和平之后，甄子丹得以进入电影圈，发光的金子不会被埋没，经历了短暂的替身生涯（在《奇门遁甲》中做替身）之后有着惊人身手的他便被袁和平看重而主演民国功夫题材的喜剧电影《笑太极》。在这部电影中初次亮相银幕的甄子丹虽然能看出在表演方面的明显不足，但他敏捷的反应潇洒的动作却让观众眼前一亮，甄子丹多年积累下的深厚功底终于找到了舞台。他在电影中将绵延悠长的太极打得充满阳刚气质，但又不会让人感到丝毫的不协调，反而别有一番滋味，这得益于母亲（甄子丹的母亲是有名的太极拳名家）的教导，也和自己对于武术的领悟有关。这次亮相，让大家记住了这个身手不凡同时气质又独特的年轻人。

《洗黑钱》：如鱼得水

电影《洗黑钱》是甄子丹第一次做武术指导的作品，虽然是和别人联合指导，但他今后在动作设计方面的才华展露无疑。这部电影将颇具现代感的自由搏击和传统武术套路的见招拆招融合到了一起，打斗极其精彩，动作拳拳到肉可见功力。同时甄子丹绚丽的空中连环三脚更是成了香港动作电影中不得不说的经典场面。这次做武指的经历让甄子丹有了如鱼得水般的畅快，他通过这部电影表现出了自己的才气也找到了日后努力的方向。

《新龙门客栈》：初识徐克

经过一段时间的努力和积累，表现过人的甄子丹有机会与香港著名导演徐克结识，一向识才爱才的徐克邀请他在自己的电影《新龙门客栈》中出演东厂头子曹少钦角色。经过徐克的设计和指导甄子丹所饰演的曹少钦不怒而威、冷酷心生，甚至一个眼神就让人头皮发冷，再加上如妖怪般变态的武功，杀人魔王的形象跃然于银幕。虽然演技上甄子丹尚不成熟，但经过徐老怪“妖魔化”包装，使得这一角色气势十足，令人难忘，甚至还有人将其归结为“影史超级反派之一”。这次塑造角色的成功也为徐克甄子丹两人的进一步合作打下了基础。

《黄飞鸿之男儿当自强》：晋身一线

徐克《黄飞鸿》电影系列的第二部《黄飞鸿男儿当自强》是整个电影系列中思想性最高的一部，创作者将自身对社会对历史的拷问和对人性的探讨完美融入作品之中，有了甄子丹和李连杰这对功夫巨星的加盟，动作场面自然也是可圈可点。全片最精华的双棍大战称得上是动作电影史上绝对惊艳的经典场面了，甄子丹在电影中饰演满清武将纳兰元术，他突破性的用布棍施展“四门棍法”，阴柔中带着刚猛，威力惊人而且极具视听冲击力。布棍的巧妙设计和两位功夫巨星在幽闭空间内的精彩对决使这段武戏一直被传颂至今。同时甄子丹也凭借在本片中的优秀表现获得了第12届香港电影金像奖最佳男配角的提名，很多观众也正是因为此片而被这个亦正亦邪表情坚毅的演员所吸引，第一次真正认识了甄子丹，同时他也以此片为跳板晋身一线动作明星之列。

《少年黄飞鸿之铁马骝》：打片标尺

1993年由徐克编剧并监制袁和平导演的武侠电影《少年黄飞鸿之铁马骝》上映并引起轰动，本片打斗精彩、剧情丰富、节奏紧凑，在精心于动作设计的同时也很好地兼顾了电影本身的情感和内涵，被称为香港动作电影的标尺。甄子丹在电影中饰演黄飞鸿的父亲黄麒英，名义上这是一部黄飞鸿题材电影，但实际上黄麒英和铁猴子才是真正的主角。电影动作风格硬朗又不失飘逸，连贯有力的传统套路对招眼花缭乱绚丽夺目，而黄门家传功夫“无影脚”的设计则将了甄子丹的惊人腿功发挥到了极致。片尾黄麒英和铁猴子在着火的梅花桩上迎战少林叛徒衍空的场面惊险刺激，动人心弦，给观众带来了别样的视听震撼效果。而电影中甄子丹严肃又充满慈爱的父亲形象感人至深得到了观众的广泛认可，在甄子丹磨练演技的道路上也是不能忽视的一笔。另外本片在海外也产生了巨大影响，这对甄子丹对袁和平都具有非比寻常的意义。

《杀杀人，跳跳舞》：艰难时期

一提起拍摄这部电影的日子甄子丹就感慨良多，那是他自己做导演拍片子最艰难的时期。不但背负着方方面面的压力，而且资金严重不足，已经到了甄子丹自己借高利贷做经费的地步。但就是那样一段时光让甄子丹积累了宝贵的电影创作经验，也让他对自己拍电影的信念更加坚定。虽然本片在国内反响不是很好，但却获得了日本北海道夕张国际冒险电影节的青年导演奖，这种肯定让甄子丹在黑暗中看到了光亮。在今天看来这部电影带有强烈的个人风格化色彩，画面黯淡、音乐绵长，动作风格则将传统打斗和现代枪战相结合，而且音画节奏的配合也让电影别有一番黑色的感觉。

《刀锋战士2》：扬名国际

经历了《刀锋战士》的票房大卖之后，好莱坞片商们看准了市场潜力接着拍起了续集，并且邀请具有中西双重文化背景而且在国外武术界赫赫有名的甄子丹担任演员并参与武术指导工作，这也是甄子丹第一次参与好莱坞电影的拍摄制作。不负所望，由于他的加盟使得这部《刀锋战士2》在保持了第一步水准的同时更加精彩过火，颇具港片味道。动作风格则是将日本剑道、自由搏击与新奇震撼的电影视听特技有机结合，大大提升了电影的视听震撼力度，甄子丹在电影中的突出表现和专业精神也获得了国际电影人的好评。

《千机变》：双料武指

从某种意义上讲，电影《千机变》像极了翻版的《刀锋战士》，不过本片不是纯粹的山寨，而是理智的取经。电影在继承了香港传统僵尸片元素的同时又借鉴了西方吸血鬼猎人的故事元素，杂糅融合的多样性风格让本片别具看头，可以说是新世纪香港电影的一朵奇葩。电影虽然故事相对单薄，但作为武指的甄子丹在动作和特效场面上却下足了功夫，很有可看性。凭借本片，甄子丹拿到了香港电影金像奖和台湾电影金马奖的双料最佳武指，“甄功夫”的招牌彻底打响。

《导火线》：文武相济

甄子丹的武术设计没话说，实力有目共睹，不过近年来他和叶伟信一起合作的电影作品像《龙虎门》就被评论人冠以“武戏满分，文戏零分”的评价，再精彩的武打场面也会因为蹩脚的电影文本故事而被人诟病难成经典。甄子丹视这部《导火线》为翻身之作，不但在武戏方面更加精心创新，而且在文戏方面也下足了功夫。请来了巨星古天乐和美女范冰冰来配戏，制造感人的爱情，而且反派越南三兄弟和母亲的舐犊情深也可圈可点。本片动作风格将徒手对战的灵活性发挥到了极致，甄子丹用融合了美式自由搏击的综合武技来对战邹兆龙的泰拳，精彩火爆直令观众大呼过瘾，也让甄子丹第三次拿到了香港电影金像奖的最佳武指。虽然电影的文戏方面仍然具有明显的不足，但较之他之前的作品已经是长足的进步了，当然也正是甄子丹身上体现出来的这种电影人的反思精神和专业意识让观众看到了华语电影的希望。

《叶问》：人文气质

在甄子丹的电影生涯中，电影《叶问》算得上是他得奖最多的大丰收电影。甄子丹在本本片中一反往昔的铁血硬汉形象出演儒雅的咏春派宗师叶问。精彩的传统咏春拳技让观众看得目瞪口呆，完全被中华传统武术文化的宽厚品格和动人美感而折服。同时，甄子丹饰演的叶问内敛温润如玉又不失尊严和骨气，这一形象的成功塑造让他的演技得到了观众的广泛认可，使甄子丹获得了包括华表奖优秀境外华裔男演员奖在内的三个重量级表演奖项。电影《叶问》让观众看到了甄子丹身上的人文气质，也让甄子丹摆脱了动作演员定型化的危险，这和甄子丹自幼便受父亲的艺术熏陶有关，当然更离不开他对自己演技的一次次历练。

一路走来，有星光灿烂也有风风雨雨，甄子丹电影之路上的风景丰富、不凡，当然他的人生也同样精彩。幸福的家庭是他执着的动力，观众的认可是他努力的方向，甄子丹在事业上的激情和奋进以及零绯闻的健康生活作风都让他成为当代好男人的典范。十部电影只能窥得他人生的冰山一角，真正的艰难只有一步步坚强走过来的甄子丹自己才能明白，向这位优秀的电影工作者致敬，祝愿他的电影和人生都更加闪亮夺目。

Sololau/文

 童话不是喜剧，它比喜剧更单纯更像梦境。熟悉安徒生、格林作品的读者都听惯了“王子和公主最终幸福的生活在了一起”，即使偶尔有“美人鱼化成了泡沫”，唯美气质也盖过了悲伤情绪。而喜剧却是“通往心灵的悲剧”，特别是中国的喜剧传统在制造笑料之余特别注重作品本身的社会批判意义。周星驰电影之所以被众人推崇甚至上升到学术文化层次研究是因为他的电影是真正的喜剧，无厘头过火的荒诞外表包含着的却是小人物励志题材的辛酸心路。电影《窈窕绅士》不是一部合格的喜剧，因为创作者避重就轻、回避现实，从某种意义上讲它只能算是一部合格的名利场童话故事。

 出身贫寒的曾天高经过自己的努力成为了大款，当然，他是名副其实的土大款。当一个人从没钱变得有钱，必然要经历一次对于自己身份的重新定位，即所谓的晋身“上流社会”。在属于富翁和社会名流的名利场，每个人都要有贵族般的修养和举止，只有这样才符合他们区别于众人的精英身份。农村出身粗声大气的曾天高面临的最大危机就是自己的一切一切都和上流社会格格不入，于是将一个“土包子”变成“绅士”成了本片的最大噱头。

 在选秀成风、疯狂制造流星雨的今天，丑小鸭变天鹅见得多了，灰姑娘穿上水晶鞋也已经见怪不怪了，但农村老爷们儿学着变成绅士还是很稀奇的事情。本来就是社交名媛又善于营销的吴嘉倩为他安排了一系列的欧美贵族课程，比如欣赏艺术品、煮咖啡、品红酒，打高尔夫等等，这些有趣又高雅的课程让观众看得津津有味，以至于遗忘了有些单薄的现实。曾天高背课文式的跟朋友介绍了一顿歌剧之后，却和吴嘉倩看着看着昏睡了过去，当然这不是最具有反讽意味的笑料，名模在看到查理斯换回俗气的“本真”之后近乎崩溃的举动才是全片最精华的部分，可惜也只有这几秒钟的闪亮。起承转合的规范叙事没有出人意料的地方，身边的人才是自己最爱的人，最后当然没有任何意外，“绅士”和“名媛”挑起了幸福的舞蹈，我们的童话故事完美结束。

 之所以说电影创作者避重就轻、回避现实，是因为电影全片没有多少深度，梦醒了，电影散场了，大家完全不会有什么感触。名利场、上流社会本来就是靠利益关系建立起来的虚伪社交范围，优雅光鲜的绅士们和气质脱俗的淑女们其实都有一双势利眼。像曾天高成为话题人物之后名模主动搭话、美女投怀送抱，本来是充满反讽味道的情节却被电影淡化了，下一幕就是两人拍拖的幸福时光，没有使观众感受到一丝嘲讽传达的反而是公子哥泡到美女的成就感。名模因看到自己的老土造型而离去之后，“轻松”的查理斯拿着一本徐志摩诗集在夜中散步，虚伪被撕破的那一幕成了他直面爱情的勇敢。这个爱情故事实在太单纯了，他回避了现实为观众制造了一个纯粹的白日美梦，同时电影也失去了电影本应具有的精神内核。

 观看这样一部电影的过程是快乐的，因为全片没有让人揪心或者感到触动的情节，你所要做的就是静静地欣赏毫无意外的起承转合，去与创作者共享这个单纯的梦境。但看完之后呢，我们得到了什么？电影《疯狂的石头》引起了国产电影一股小成本平民喜剧热潮后，像《我叫刘跃进》、《鸡犬不宁》这样的作品层出不穷，创作者无一不是把目光对准了平民，并且用真诚的态度去记录去关注他们的生活，这让电影的社会功能有了更大程度的发挥，当然最重要的是观众在观看了那些电影中的优秀作品之后会有所感悟有所思考。《窈窕绅士》的主人公是社会精英阶层，本来这也是一个值得挖掘的创作范围，但光鲜外表下电影讲述的是一个单纯到无法再单纯的爱情故事，虽然打着喜剧片的旗号，但空乏的内涵让它也仅仅相当于一部名利场童话故事。

《少林寺》：一鸣惊人
1980年著名导演张鑫炎带着自己的电影班底从香港来到大陆拍摄武侠电影《少林寺》，这位电影作者因与张彻、胡金铨两位大师级导演共同引发了第一次武侠电影新浪潮而享誉一时。张鑫炎选了当时在国内武术界创下金牌记录的李连杰作为这部武侠电影的男主角，这是运动员李连杰的第一次触电，但没有想到的是这部电影在票房和口碑上都取得了空前的成功，在当时甚至引发了万人空巷的壮观场景。李连杰饰演的觉远和尚深入人心，很多年轻人受其影响居然放弃学业去少林寺学武，可见英武的觉远和尚在当时已经成为了天王巨星般的偶像。李连杰通过处女作《少林寺》一鸣惊人，引起了电影界的注意，同时他也成了第一代由运动员晋身影坛的功夫明星，为他以后的电影之路奠定了良好的基础，也让李连杰第一次有了去香港发展的想法。另外，据悉一部由谢霆锋、刘德华、成龙等多位巨星级大腕加盟参演的电影《新少林寺》即将开拍，单从名字来看这部电影就具有对李连杰版《少林寺》致敬的浓厚意味，在电影技术和创作水准发生了翻天腹地改观的今天，电影《新少林寺》如何精彩，较之前作有哪些具有深远意义的进步，我们拭目以待。

《中华英雄》：初执导筒
李连杰1986年的这部电影很少被人提起，在现在看来本片动作尚算生猛但故事没有新意、节奏也显得拖沓，在票房和口碑上都不突出，但这却是李连杰第一次自己做导演拍电影。可以看出在当时就尝试着做导演的李连杰并不是一个单纯的演员，他是一个“不安分”的人，他散发着一股属于年轻的斗志和激情，自己的导演处女作虽然不算成功，但却使他积累了宝贵的电影创作经验，这为他以后的演艺之路甚至是后来自组电影公司做了很好的铺垫。

《龙在天涯》：红颜利智
其实这部电影最出彩的不是李连杰的打斗戏，毕竟那时候中国功夫走进欧美语境还显得有些生硬和不适，反而是星爷的搞笑功夫令人印象最深刻。那时周星驰还没有大红大紫，只能在一些电影中饰演配角而且角色往往还都死的很惨，但他的喜剧表演才华已经显露无疑，能发光的金子大放异彩是迟早的事情，所以没过多久一部《赌圣》就成就了他，当然这是题外话了。李连杰拍摄这部电影最大的收获可能就是认识了以后的爱妻利智，这是两人的第一次合作，从这部电影开始两人擦出了爱的火花。虽然利智在电影中多饰演胸大无脑的花痴角色，但在生活中却是李连杰相夫教子的贤妻，不但为了丈夫而退出演艺圈，而且还冒险投资支持丈夫奋斗。当然，李连杰也没有辜负利智，甚至为了妻子辞演了李安《卧虎藏龙》的邀请，这种彼此的真诚付出，试问夫复何求。

《黄飞鸿》：扬眉吐气
1989年一位有远见卓识的新锐导演徐克趁自己赴美国学习电影制作的机会亲自拜访了李连杰，并且真诚邀请他合作，这场见面在现在看来颇有点英雄相惜的感觉。当时的李连杰正处在《龙在天涯》失利后的不得志中，徐克的拜访让他真正有了到香港发展的想法。1991年由徐克执导李连杰主演的武侠电影《黄飞鸿》上映并引起了巨大的反响，李连杰在关德兴等人对黄飞鸿儒家大家长式的传统演绎之后又一次让这个历史人物在华语电影史上大放异彩。李连杰饰演的黄飞鸿活泼生动又不失一代宗师的大家风范，得到了观众的广泛认可。这部电影打斗精彩富有创新意义，巧妙的动作设计给观众带来了新鲜的视听震撼；同时徐克也将自己对于历史和社会的思考精心融入到电影中使这部武侠片终成经典，并且引起了一股港台武侠电影热潮。直到今天李连杰拍摄的《黄飞鸿系列》还让人津津乐道，可以说这部电影的巨大成功让他终于扬眉吐气了一把。

《魔教教主》：一举成名
在拍摄完《狮王争霸》之后李连杰和香港娱乐喜剧电影翘楚王晶合作拍摄了《铁鸡斗蜈蚣》《魔教教主》等电影。随着电影之路的不断成功，李连杰在这一阶段的片酬飙升到了1600万港元，成为仅次于成龙的香港第二。片酬上的暴增也侧面反映出了李连杰的影坛地位，趁热打铁一举成名，李连杰真正在香港打出了名堂，成为了不折不扣的巨星。

《精武英雄》：影史经典
前几天在书店看到了一本新出的关于动作电影中武打设计的书，发现里面讲解和解读动作设计的时候大篇大篇地拿陈嘉上的这部《精武英雄》做范例，可见这部电影绝非池中之物，实际上本片也早已成为全世界公认的功夫电影教科书。接拍这部电影对李连杰来讲存在着很大的挑战，前辈李小龙早在1972年已经塑造了一个光芒万丈的民族英雄陈真形象，观众不需要你把李小龙的陈真再“复述”一遍，而是需要一个全新感觉的陈真，这对于电影创作者来讲是个不折不扣的难题。幸好经过精心的制作，电影上映之后得到了观众的广泛认同，票房也取得佳绩。《精武英雄》的突破在于它没有将陈真设计成单纯的民族英雄，而是让陈真“中西合璧”，主动吸收西方的先进开明思想和知识技术，对于外来文化他采取取其精华去其糟粕的态度。而对待中国传统文化他采取同样的批判性接受态度，比如对待电影中颇具符号性质的霍家拳他主张剔除华而不实的部分，并且主张采用西方实用的锻炼方式。最精彩的戏份是他和沧田保昭对打的部分，在对战中根据实际情况及时改变攻击策略颇有点像《猛龙过江》致敬的一位。这是一个全新的富有变革精神的陈真，李连杰没有重复前人，而且他在电影中的表演形神兼备有板有眼，值得称道。

《轰天炮4》：惊艳异国
虽然在令梅尔吉普森红透半边天的这部电影系列续集中李连杰戏份少的可怜，差不多只有15分钟的戏份，但李连杰凭借自己不可忽视的实力用这15分钟第一次在真正意义上征服了西方观众，不但在异国获得了广泛好评也引起了好莱坞电影公司的注意。在电影中饰演反派角色的李连杰身手惊艳、技惊四座，而且人物造型方面也符合西方观众对东方人一贯的神秘印象，电影取得了巨大成功，李连杰也终于在自己之前不得志的地方获得了认可。

《致命罗密欧》：征服好莱坞
电影《轰天炮4》上映之后荣登票房冠军的宝座，鉴于本片的巨大成功华纳公司开始力挺李连杰出演动作电影《致命罗密欧》，虽然这部电影的投资规模不大，但由于李连杰的加盟使得华纳毫无意外地大赚了一笔。在电影的首映式上媒体如云，而且李安、杨紫琼还有多位好莱坞明星都赶来捧场。华纳用先出中文字幕再出英文字幕的方式向这位功夫明星表达自己的敬意和重视，这代表着李连杰真正在好莱坞打出了名堂有了自己的一席之地。另外据一项媒体调查表明，李连杰在此之后已然成为了继李小龙、成龙后最有魅力的亚裔明星，甚至成了许多美国青少年心目中的英雄。

《霍元甲》：人生哲思
在经历过事业的巨大成功之后，李连杰已经铁定是影史留名的人物了，他拍电影考虑的角度也相应的有所改变。电影《霍元甲》可以看成是李连杰对自己人生观、价值观以及对武学思考的一个总结。真正的功夫巨星都不是只会打斗的一介武夫，像李小龙本身也是一个研究哲学的学者，他们都非常注重自己的精神修养。李连杰从拍摄少林寺开始就研究佛学、哲学，多年的积累更是培养出他博爱、宽容的达观人生态度。李连杰以《霍元甲》为媒介传达出自己多年的人生哲思，我们可以看到，本片中的霍元甲和以往影视作品中民族英雄霍元甲的形象有所不同，主创对这一艺术形象更偏重于思想性的心路历程塑造，从他经历人生巨大打击到幡然醒悟有一个具体生动又富有内涵的过程。历经多年磨砺后蜕变的李连杰不再是当年那个武术运动员，现在的他更应该被称为武者，他用电影传达给了我们“止戈为武”的武学思想和博爱又不失原则的健全人格体系。

《投名状》：我是演员
在第三十二届香港电影金像奖上，李连杰在闯荡影坛28年之后终于获得了影帝桂冠。最佳男主角对于一个动作演员来讲意义非凡，因为动作二字成就了他们的同时也拘束了他们，动作演员一生都被动作二字所束缚。成龙大哥是个很好的例子，本来试图通过《新宿事件》转型但可惜根本得不到观众的认可，到头来还得去拍《大兵小将》、《新少林寺》这种动作电影。这种宿命般的瓶颈是每个动作演员都无法避免的，观众一直在关注着“动作”很少关注“演技”，李连杰拍了一辈子电影终于获得了演技上的肯定，令人高兴，也似乎让众多还在努力着的动作演员们看到了曙光，从拿到奖杯的那刻起，他可以畅快地高呼“我是演员!”了，这也为李连杰的人生填补了一个遗憾。

李连杰虽然是国际巨星又是一位可敬的武者，但他的人生其实也和常人一样充满起起伏伏，世人看得最多谈得最多的是他光芒闪烁的一面，而对他克服艰难波折的一面却提及甚少，当然这是人的本性，就连本文也不例外。2004年亲身经历了海啸并且与死神擦肩而过的李连杰对于名利的态度更加淡薄和坦然，在生死边缘人会看透很多事情，所以李连杰知道了自己该做些什么，他发起了“壹基金”，生命的意义现在对于他来讲在于尽自己的力量去帮助那些需要帮助的人，这种兼济天下的心境让我辈又增添了几分对于李连杰的钦慕之情。最近李连杰应史泰龙的邀请和世界顶级的几位动作巨星一起参演动作大片《敢死队》，这种阵容让影迷们充满了期待和遐想，同时李连杰的参演也用实际行动告诉我们廉颇不老，他的人生还在继续，并且前方更加精彩。由衷地祝福这个幸福并且懂得珍惜幸福的男人，李连杰。

Sololau/文

    20年前，电影中正气的警察和侠气的杀手可以为了情义背靠背在枪林弹雨中一起拼命，那是段英雄主义泛滥的日子，一股子血脉喷张的阳刚激情被写入了那段以青春之名的诗里。20年后，警匪对自己的身份定位都相当明确，即使是改编自上世纪30年代的故事，探员也得开出宿命般的那一枪。虽然他们在长期的较量中变得惺惺相惜，而且匪徒的邪魅倾倒了所有人，但也阻挡不了最后的对决，因为英雄年代已经逝去，我们也不再做梦。

 电影公众之敌取材自美国萧条时期的偶像犯罪人物约翰·迪林格的传奇故事。约翰·迪林格是个不折不扣的大盗，从1933年5月到1934年7月这一年多的时间里他抢劫银行并且多次用巧妙到令人拍案惊奇的手法智胜警方，他为因经济危机而陷入疾苦的人民说话，在当时美国社会有很大的影响力。当时警察和政府都视他头号公敌，而人民却视他为那个时代真正的英雄。在大萧条时代人民陷入了失业的困窘中，生活变得没落无望，这种时代背景下美国人需要一个英雄出现来挽救他们已经所剩无几的信心，但正面人物、光芒人物一次又一次的让所有人失望，他们的光环越来越暗淡，这时候约翰惊艳地出现使失落的美国人重新看到了希望触摸到了可贵的斗志。

迈克尔·曼选约翰尼·德普来饰演这位风云人物实乃点睛之笔，放眼当世恐怕也只有“多艺而近妖”的杰克船长才能将约翰·迪林格塑造到理想境界。电影中的迪林格有一股深沉又不甘寂寞的劲儿，散发着迷人的邪气。无论真实的约翰·迪林格长相如何但经过杰克船长的精心塑造这一形象毋庸置疑会光芒万丈并且影史留名。虽然由蝙蝠侠克里斯蒂安塑造的FBI头头正气十足而且刚毅帅气，在宿敌迪林格面前他还是稍显黯淡。导演将本片打造出了一种好莱坞黑白电影时期的优雅犯罪味道，宿命中的正邪人物斗智斗勇，虽然电影并没有多少血腥味道，但由于这股属于两个男人的宿命力量所以全片都笼罩在一种无形的戏剧张力中，直到最后迪林格倒下镜头闪过茂文那惊愕到不敢相信的眼神，原来宿命之战如此简单也如此真实，倒下的人平静放松而开枪的人也没有一丝成就感，这就是可笑的命。

 有一个极具吸引力的题材，而且云集了约翰尼·德普、克里斯蒂安等大腕儿的电影，《公众之敌》本该珠圆玉润，但可惜漏洞和不足还是明显的。首先人物设计不够丰满，如果不是提前搜索了解约翰·迪林格这个人物的话，不了解故事背景就看很容易觉得电影枯燥沉闷。而且作为一部动作片《公众之敌》的枪战场面并不生猛，虽然仔细看能感觉到迈克尔·曼在枪战的视听方面确实下了功夫，而且有点旧好莱坞时代的味道，但这样却调动不起看惯了枪林弹雨大爆炸震撼场面的观众们。节奏和气氛使这部电影美中不足，也正是这种淡淡的压抑让《公众之敌》充盈着一股英雄末路的哀伤。


 有英雄的年代因为人们需要一个可以成为英雄的勇士来给他们信心和希望，哪怕是迪林格这样的反派人物，他做出的一件件令人匪夷所思又倍感惊喜的事情至今仍然被说道，这个天才劫匪成为那个昏暗时代难得的一抹亮色。正因为平淡有困窘的生活需要不同的颜色，所以我们现在能看到《邦尼和克莱德》能看到《公众之敌》。但那个属于英雄的年代毕竟已经逝去了，别说这两部电影就算是《英雄本色》《喋血双雄》那样的作品也不会再出现了。因为随着社会和时代的发展，人们活得越来越现实，没有几个人会再为了情义去拼命，也没有几个人会再为了正义去迎上枪林弹雨，“义”的可贵更多的是存在于口边或者是纸上，利益才是主题核心。

(约翰尼迪林格被枪杀的地方)

怀念吴宇森的电影，怀念约翰·迪林格的时代，怀念《邦尼和克兰德》的潇洒，虽然最后难逃悲情的宿命，但那些年代，有我们这个时代没有的英雄。

Sololau/文

和以前看过的《史前巨鳄》《狂蟒之灾》等同类题材惊悚电影不同的是《逃亡鳄鱼岛》显得更加生猛，虽然电影没有那么多好莱坞华丽电影特技的修饰，也没有强大明星阵容的压场，但这种贴近自然甚至可以说有点记录片风格的影象为电影凭添了一股原始的气息。观众在影院里所感受到的是散发着洪荒血腥味道的巨鳄给我们带来的90分钟纯粹恐怖视听体验。

从故事开始到灾难降临，电影并没有如观众印象中那样在铺排节奏积淀危机感，相反，开始部分镜头中记录最多的是澳大利亚的自然风光，如果不是提前知道这是一部惊悚电影而是半途中进入放映厅的话观众可能会认为这是一部BBC的自然记录片。镜头中的澳大利亚印象是一片原始的未开发的神秘地带，人类那充满致命力量的工业化触手还没有伸到这里，一切都显得那么天然、原始、可贵。这片土地上生物链异常繁荣，大量不同物种的动、植物相互依存着，那镜头如《动物世界》般的感觉，以一种闯入者或者说是观察者的客观目光来捕捉着这里的一切。突然出现的鳄鱼捕食镜头让观众意识到这片未知的天地同样存在着残酷和危险，但这也仅仅是一种提醒，灾难只有在亲身经历过之后才会明白它的可怕和生命的脆弱。总体而言前半部分节奏舒缓安逸，让观众饱览了澳洲原始森林的迷人风光，也为电影培育着一股神秘气氛，正是这种气氛和节奏上的安排使得后半部分更加具有惊悚效果。

当游船缓缓地行驶在静谧的河流中突然遭到不明巨物的撞击时，观众可能才从迷人的风光中收回注意力意识到这是部惊悚电影。突如其来的撞击有时候比逃避洪水猛兽的追击还有力度，因为电影前面根本没有多少恐怖气氛的烘托，而且大篇幅地渲染自然风光的神秘和美丽，这种情境下这次撞击给观众带来的心理冲击力是相当可观的。一群游客被困在一个危险的幽闭空间内，而巨鳄又往往出其不意地进攻，虽然电影中的鳄鱼不像好莱坞《侏罗纪公园》那样逼真生动，甚至看起来有点粗糙，但它那巨大的身躯屏蔽了一切质疑，往往连脸都不露一下就将人撕碎吞进嘴里，这种“不施脂粉”的手法在今天几乎完全依靠电影特技作为支撑的惊悚片类型中显得尤为可贵。电影最后部分男主角和鳄鱼在咫尺间纠缠，同时又得兼顾着受了重伤的女主角，这种场面虽然惊险但相比之下跟人的心理冲击力还是略逊于第一次撞击的震撼和突然。

电影《逃亡鳄鱼岛》在投资和制作上都与同类题材的好莱坞电影相去甚远，但本片在气氛的烘托和节奏的铺排上都做到了一种“非常突然”的效果。虽然电影制作上完全谈不上华丽，观众在观影的时候能明显的感觉到那种“粗糙”的感觉，但原始的环境、“素颜“的恐怖都大大增强了电影的真实感，在90分钟里面所有的观众都成了这场“真实”灾难的见证者。当放映厅的灯光亮起电影结束的时候，这种区别于华丽惊悚大片的原始生猛味道更令人感觉到别有一番滋味。

Sololau/文
 惊奇于姜炯哲的处女作就可以把娱乐圈绯闻、早恋、未婚有子等颇具争议性甚至涉及到伦理领域的严肃命题给拼凑在一起加上韩国电影所特有的细腻风格做成一部温馨感人的亲情喜剧。尽管韩国电影一贯走肥皂剧套路，很多桥段创意都已经看到麻木，但当银幕上30多岁的电台主持人外公，20多岁抱着音乐梦想的妈妈还有不到十岁的搞怪钢琴神童外孙凑在一起的时候，观众们都会意识到看头来了。韩国人骨子里蕴含着一股浪漫的情怀，像《非常主播》中所设计到的敏感话题如果在中国可能根本没有人会往喜剧电影的方向思考，即使有也会受到重重阻力，最终估计也就是整一出《左右》那样让人看着纠结的文艺片，还得在电影上映之后认真探讨电影中的伦理命题。相对于《左右》这种现实主义严肃题材来讲电影《非常主播》无疑是一个新潮的暖人的好梦。话虽如此说，但这绝不是赞扬高丽棒子精神境界高或者贬低中国人太过死板，而是说两国的文化差异所造就的创作思维不同，当然这两种不同的倾向也反应出电影的两种功能。

 几千年来深受儒家思想熏陶的中国人一直秉持着重视人伦崇尚礼仪的文化传统，当一些问题一旦涉及到伦理或者有违传统观念的时候再小的芝麻粒也会激起千层浪，比如九零后门门多事件在网络这种具有震撼性传播力度的媒体上就引起了一波又一波此起彼伏的探讨和抨击。电影《左右》就探讨了当下社会正在发生着巨大变革的环境中出现的新的真实伦理问题。为了救女儿的白血病女主角只能顶住各方的压力与前夫再生一个孩子，用新婴儿的脐带血来救女儿的性命。面对着生命垂危的女儿，在生命、爱情、忠贞面前女主角必须做出一个艰难的抉择，其实以另一个生命的代价来拯救当下的生命，但新生的生命又将如何对待，其实《左右》也有些理想化色彩，电影中女主角现在的丈夫已经宽容到了一个令人有所质疑的地步，这种剧情设计符合中国人传统的和谐仁爱观念，但在现实中我们不敢想象遇到这种情况面对女主角近乎癫狂的偏执，作为一个丈夫会怎么做，作为已经重新成立家庭的前夫会怎么办。《左右》反应的是现实中已经真实出现了的问题，电影波澜不惊的柔和外表下其实蕴藏着对于伦理观念的强力冲击和拷问，

 在电影《非常主播》里我们可以发现那些敏感颇具争议性的话题已经仅仅成为了一个噱头，这不是一部文艺电影，不会跟你去探讨什么未婚有子给现代人观念上带来了什么冲击，它带给你的只有丝丝值得回味的温情和细腻甜蜜的快乐。比那些敏感词更闪亮的是30多岁人气不火的艺人是如何重新正视自己定位自己对生活负责对家庭负责不再游戏人生，是20多岁抱着音乐梦想的灰姑娘如何经历波折蜕变成闪亮动人的白天鹅，是纯真懵懂的孩子如何在真实的亲情中绽放如花的笑容。这是一部有泪有笑而且很单纯的喜剧，给观众最直接的快乐和感动，轻快的节奏细腻的感情让充满噱头的故事变得有血有肉。当南贤株愤怒的喊出“我是他亲爸爸”的时候，一股热流让我们感受到那父爱的力度，在黄正英抱着吉他在舞台上的动情歌唱打动了所有人的时候，一种感动让我们明白了执着和梦想的力量，那稚嫩的手指滑过黑白钢琴键盘的时候我们听到了来自心灵的纯洁音符。那些时刻贯穿在整部影片当中，就这样消解了所谓的伦理争议，化解了题材的敏感，直到最后的最后这有趣的超速一家欢唱着属于爱的歌曲，美丽如童话般的结尾为这个舒服的梦境画上了一个完美的休止符。

 电影《非常主播》是一个柔美的梦境，我们看着那些沉醉于其中的做梦者们幸福的神情甚至不忍心去惊扰它们，尽管所有人都知道那只是个梦，但现实需要梦境去调和那些紧张疲乏的神经。而《左右》这种反映现实探讨严肃伦理命题的电影与梦境相比就如同是水中的倒影，这些影片将真实生活提炼升华进而让我们更好的去反思和正视真实的生活。我们需要梦的呵护，也离不开倒影的凝视。一如倒影，一如梦境，这才是完整的电影。

Sololau/文

    这个江湖不再是展现《英雄本色》的舞台，那些江湖人也不复《纵横四海》的潇洒，更没有《喋血街头》的激昂。因为这个时代没有了英雄和传说，甚至情义和热血都已成为尘封的往事，黑与白为了制衡双方而联手制造了一片灰色的无光区域，那些被称为“反骨仔”“二五仔”的卧底就生活在那里，不管他们当初加入警队或者拜入堂口的时候都抱着怎样的雄心壮志，等着他们的永远都是无情甚至可以用残酷修饰的宿命。

2002年刘伟强导演的《无间道》不但票房大卖而且一鼓作气斩获大奖无数，在引起华语电影界轰动的同时也为低迷已久的香港电影开出了一朵惊艳的昙花。本片的重大成功使得素来善于跟风的香港电影掀起了一股创作卧底题材电影的热潮。虽然作品质量参差不齐，但纷乱的喧嚣之中也难掩佳作的光芒，像邱礼涛的《黑白道》、还有最近刚刚在香港创下票房佳绩的《laughing之变节》都是这类作品中的上乘之作。当然这些电影也继承和继续了《无间道》系列对于身份找寻的哲学思考以及面对灰色悲情宿命的苍白疲软。

电影《黑白道》可以看成是《无间道》系列另一种结局的延伸和发展，本片中的卧底小海没有像陈永仁一样死后才能获得解脱恢复身份，他在出卖了自己的大哥之后如愿以偿地恢复了自己的警察身份，从此可以“见光”。可惜，之后的日子并没有如小海想象中那么轻松和安宁，一面是由于他的背叛使混黑道时与自己出生入死的兄弟仇恨鄙视自己，另一方面是警方内部调查科对其不信任而继续跟踪调查他。而最具反讽意味的是恢复警察身份后同僚对自己的冷漠和质疑让小海越来越怀念在黑社会的日子，虽然做的是捞偏门见不得人的事但大哥和周围兄弟的感人情义让人温暖。如今的小海身份是警察，但根本得不到警察代表的主流社会的认同，因为他的背景不再干净。黑社会虽然是被排斥于主流社会之外的边缘人群，但是他们有自己的秩序和生活环境，此时小海复杂的身份更加不会被黑社会所接受，他只能徘徊于黑白间缝的灰色地带，恢复了正大光明的身份却失去了情感、信任、希望这些最基本的东西，也只有死亡才能使内心挣扎失落的小海真正得到解脱。即使最后杀手没有开那一枪相信小海还是躲不过悲情宿命的纠缠，因为灵魂受煎熬的日子比死亡更难受。

今年邱礼涛又一次执导卧底题材的电影《laughing之变节》，这部由TVB火爆剧集《学警狙击》衍生出来的外传电影取材自电视剧中光芒一时无两的配角laughing哥。表面上谢天华饰演的这个古惑仔是社团进兴的话事人，而同时他也是警方安排在黑社会的卧底。电影讲述的是风光无限的laughing哥在成为黑帮头目之前的一段往事。故事的开始laughing就是黑社会派到警队的卧底，但没想到命运无常，刚进入警队的他又被上司派到黑社会去做卧底，如此复杂的双重间谍身份让这个青年茫然无措。与《无间道》中的陈永仁和《黑白道》中的小海相比这个角色要单纯一点，他的内心其实没什么真正的善恶观念和原则，他只是想生存下去。黑白双方都有能做掉自己的实力，因为七哥做卧底的前车之鉴所以为了逃避宿命他选择了继续卧底不恢复身份。恢复身份意味着被双方排斥，相比之下不恢复身份虽然见不得光背景不干净却可以安稳地活下去。结尾我们看到laughing哥成了一个比座头更嚣张跋扈的黑社会头目，但看过电视剧的观众依然知道最终他还是没有逃过宿命的纠缠，成了正邪较量的牺牲品。

邱礼涛以《黑白道》和《laughing哥之变节》将一个卧底在身份找寻上的思考和探讨做到了极致，虽然故事有种种可能，但宿命永远都是悲情。身份的模糊本来就是作为自然人的一大悲哀，不能像正常人活得那么单纯，也不能像古惑仔那样尽情堕落，正邪立场和良知情义之间的斗争将最终将他们送上了腥臭的祭台。电影《laughing哥之变节》最后负责挑选和指挥卧底工作的梁SIR将“A餐”“B餐”摆在laughing哥面前后，面对laughing的质疑他只是一脸无奈的样子。为何要做卧底，为何不能一开始就拥有单纯的身份，为什么正邪间的较量一定要让一些人去牺牲？其实根本原因不是警察和黑社会的智商都变得如何高如何与时俱进，而是这个时代已经不再像以前那么单纯直接，这个江湖也不再如从前那样意气风发。我们说卧底题材真实反映了港人97前后的茫然心态和大时代面前的无助感，但有此感受的又何止是港人，当所有人都活得不单纯的时候，想单纯的活着也就成了不可能的事情，这种悲哀的集体无意识可能就是真正的灰色宿命。

Sololau/文

虽然张艺谋凭借《活着》彻彻底底火了一把，但是与这部电影相比我更倾心于余华的原著小说。张艺谋与余华相比缺乏了点对于艺术的忠诚和坚持，结尾显得有些献媚观众，而余华的原著小说则是彻头彻尾的艺术。

初中读《活着》，觉得这本书很假，故事太不合逻辑了，为什么这一个好好的家庭要接二连三的遭受命运的苦难呢，而且灾难每次都来的那么突然那么赤裸。一次又一次的打击甚至不给读者留下一丝悲伤的空间，这种挤压的感觉令人近乎窒息，直到最后，一人一牛艰难地顽强地生活着，书中描绘的那背影是如此的悲伤又如此的坚韧。

高中读《活着》，觉得这本书很真。那些不符合逻辑的故事其实就是将生活放大夸张后的产物，人生就是那样，总要去不断地承受生活抑或应该称其为命运所给予的一次次历练。只是那时候还天真，根本不明白那些挫折的意义和重量，总以为“扼住命运的咽喉”是我听过最经典的话语，经常信口开河地去跟同学朋友们讲“挫折不可怕，可怕的是我们惧怕挫折，敢于直面人生挑战命运的人才是男人”，最大的感想就是福贵的懦弱和妥协（实际上可能当时自己都不知道妥协是个什么概念），叛逆的青春在现在想起是多么的激情，同时也是那么荒诞。

现在读《活着》，不会再将它当成一本书，因为我清晰的看到这就是生活最真实的面目，不虚假也不夸张，而且是对生活不施脂粉的忠诚。当你通过电视荧幕看到亿万人瞬间被大地无情的震吼所吞噬的时候，会明白生命到底有多么脆弱不堪。当你目睹身边生活着的朋友在阳光明媚的早晨瞬间被汽车撞飞的时候，会记住命运是多么乖张无常。当你知道那些不幸的家庭因为灾难一蹶不振又屡遭不幸的时候，会理解雪上加霜这个成语居然如此残酷不仁。当再次读到一人一牛俩“福贵”相扶相持的背影时，才真正明白“活着”二字的重量。

为什么活着是个沉重的问题，这个疑问也远不是一个还未真正接触社会的青涩学子能解答的。生活由幸福和磨难构成，一喜一悲二元对立但又力量不均，这种失衡让生命不再轻灵。上了年纪的前辈时常告诫说“生活就是经受住一次次打击”，有了点觉悟的知识分子怒骂道“贝多芬要与命运搏斗那是一句屁话”。活着就要承受生活的担子，活在当下就要去直面自己生命中的一次又一次挫折。因为《活着》，懂得了生活的本真即为坚强地接受和坚韧地面对；因为活着，懂得了要活得真实，抓住当下，尽量不留自己遗憾，下一秒钟发生什么无人知晓，但这一秒钟的风景要看得彻底。

Sololau/文

很多观众看完这部电影脑中产生的第一个印象估计都是姜文导演的那部经典的《鬼子来了》，电影对愚昧无知又带着点贪婪和软弱的小农意识以及国人的劣根性极尽嘲讽了一把，让观众在享受完电影的笑料之余也会陷入深深的反思之中。而这部《斗牛》虽然有异曲同工之妙（影像风格的相似显得创作者的目光同样冷峻）但特立之处在于电影中对于女性的定位和遭遇做了赤裸裸展现和探讨。

在牛二生活的村子被烧光杀光抢光之后，他心仪的未婚妻彻底离开了这个世界，牛二将戴在九儿手上的银镯子收了回来。可见这两人不是海誓山盟的相爱，而是在“协约”破碎之后收回信物。其实电影中牛二和九儿虽然经常有调情般的交流但那只是性的吸引，他们根本就没有相爱，所谓的婚姻也是由老祖爷和十三叔几句话决定的承诺。毕竟，虽然不服管教的九儿一口一个“女性解放，全民平等”，但当下这句话还没有真正实现更别说那个战乱的年代那个偏僻的农村了。一头冠以“八路”名分的奶牛（“同样是外姓”而且它是畜生）就决定了一个生活在家族式村落中的外姓女人的前途和幸福，虽然他们“两情相悦”，但我们不知道该不该认为这是一件悲哀，当一个处于弱势或者说是生存在这个村落生活环境中最底层的一个外姓女人为了抓住这个救命稻草似的“名分”一次又一次地向牛儿索要信物的时候我们看到了这个泼辣女人背后的辛酸和无力。

不知道将这头被牛二唤作“九儿”的荷兰奶牛解读成女性是不是合适，但在整个村里的人都死光之后这头母牛是唯一安详地活着的生灵，他与牛二相依为命，牛二管它叫过“九儿”也叫过“妈”，此时的牛几乎已经作为牛二心目中的一个女性角色的定位出现在电影中。日本人走了之后端着热牛奶的他对牛说的那一席话像极了一个“教训”自己的老婆。流民的恐怖远胜于日本人，因为日本人起码还会给奶牛按摩乳房治疗它的疾病，而流民却会在剥削尽奶牛最后一滴奶水后杀了它，这种愚昧和残酷恰恰是自古以来的“唯小人与妇人难养也”的礼教观念，那个年代没有人会将女性定位成一个完整的人，她们的社会地位和属性甚至不如一头外来奶牛，当发现一个女人丧失了劳动力或者生理能力（比如无法孕育）的时候就会厌恶她们甚至用对付畜生的套路去对待。奶牛被土匪强行配种更是赤裸裸地揭示出女性的悲惨命运，他们在“三从四德”之后完全丧失了在性方面的能动性，更多的是一种供男性发泄和为家族生育的工具。为了牛的安全老祖爷一剂哑药就剥夺了它说话的能力，而礼教登上历史舞台之后他们不该说话的时候甚至不用哑药就能剥夺其话语权。最后牛和牛二不胜其扰隐居在山上，生活在人世外的纯自然世界中，他们安详坚韧地生活在一起，生活在二牛之墓，看着那苍凉而又宁静的一幕观众才发现原来在人和动物的天性中都有平等这么一说。

或许将本片理解成一部女性电影实在有些片面，或许应该如《鬼子来了》一样批判愚昧无知和侥幸懦弱的劣根性，或许可以像《活着》一样来赞叹平凡的底层人民是如何坚韧地面对生活的苦难和命运的戏疯一步步走下去的，但相比之下分析女性主义色彩显得更实际一些，虽然新中国建立之后女性的地位发生了翻天覆地的革命性变化，但在当下这个名利时代女性仍然处于弱势的尴尬地位，无论是难以消除的家庭暴力还是越来越严重的生存压力抑或是偏僻乡村的落后观念都使她们面临着各种各样的困境和无奈的宿命，毕淑敏的一部《拯救乳房》很有力度的揭示了此间的种种问题。随着时代发展暴露出的新的女性问题需要真正地被认真重视，被呵护关爱。拯救乳房不能只是一句空话，更应该成为一句强有力的口号。