假如男性还希望在伴侣前展现纯粹个体的吸引力，内裤就是那面硕果仅存的旗帜。

曾经的防护罩

当然，上述所论之事只存在于当代。在历史上，男士内裤曾经是“绝对”的实用品。如今，我们能看到最早的男士内裤实物，据现代已经有5000多年的历史。它的主人就是大名鼎鼎的“奥兹冰人”。 1991年，两名德国游客在意大利和奥地利边界的阿尔卑斯山冰川上发现了一具有5300年历史的男性遗体，发现地点在奥兹山谷，因此人们称之为“奥兹冰人”。 冰人被发现时，已被阿尔卑斯山上的冰雪制成木乃伊，而且他的衣服和随身物品都保存完好。冰人身上穿着由羊皮、鹿皮和树皮及草制成的三层服装，在宽大的斗篷下面，便是由皮革制成的缠腰带——也就是现代男士内裤的远古雏形。

奥兹冰人倒毙的时候，身旁放置着一把铜制的斧头，一支长弓和一个装有14只箭的箭袋，这说明他的身份很可能是一位战士。由此我们是否能就此推论，早期人类历史中，男性内裤是作为防护性服装存在呢？这个推论并非一厢情愿的臆断，人类学家的记录为我们提供了支持。在探访新几内亚西部高地的土著居民时，他们发现那里的成年男性除了内裤以往什么都不穿。而当地居民的内裤是由坚硬的葫芦掏空制成的，能让他们的重要部位避免狩猎时候的伤害。

在关于古希腊和罗马的记录中，我们也能找到不少论据。古希腊人的着装是宽松的披挂式，内衣极为罕见。更为人熟知的是他们的奥林匹克运动会，其中的参赛人员都是不着寸缕。不过，像摔跤这样的格斗类竞赛中，腰布（很像现在的内裤，不过采用了围裹的穿着方式）依然是很多运动员的防护手段。

古罗马的情况则更为清晰。罗马因袭了希腊的服饰传统，在这个征战四方的国家内，是否穿内裤一度被当作区别蛮族和罗马人的手段。不过，这些“元老院”里保守的思想，在前线战士身上并没有获得过多尊重。古罗马依靠武力将文明传播到所谓“蛮族”地区的同时，蛮族们的文化也在侵袭着征服者的传统。尤其是在北方地区，罗马士兵们惊奇地发现蛮族分叉式的长裤，无论是保暖效果还是方便性，都超过自己的服装。类似今天衬裤或内裤的玩意在军中迅速流行起来，并且随着大军的迁徙来的罗马各地，并最终被人们广泛接受。

男性的隐秘勋章

仔细地回溯历史，我们发现古代男士内裤多是作为一种防护服穿着在战士身上，这是不是如今总是将内裤和男性力量联系在一起的历史基因呢？征服给男性带来荣誉感，让他们觉得自雄姿英发，最终自豪的心情浓缩到一条看起来鼓鼓囊囊的内裤上。甚至当它的主人不是一位曾经浴血疆场的战士时，这种联想效果依然能让男性赢得一份本不属于他的荣耀。

有这样想法的人，不在少数，他们中最有名的是亨利八世。亨利八世（1509—1547)是英国都铎王朝的第二位国王，亨利七世的次子。这是一位英国历史绕不开的人物，他实施的宗教改革让英国和罗马教廷决裂，他在英国成立圣公会，不承认罗马教廷，确立国王对教会的绝对统治，从而导致英国形成完全的民族国家。

除了宗教改革，亨利八世更为人熟知的是他性好渔色的做派，其发动宗教改革的直接原因就是为了让自己的第二次婚姻合法化。亨利八世一生钟爱后宫生活，前后结婚六次，动不动就将失宠的妻子以通奸、叛国的罪名杀死。虽然身为他的王后必须时刻警惕，但亨利八世自己倒是过得逍遥自在。他热爱科学和艺术，他的宫廷吸引了当时欧洲最重要的艺术家和学者，并为自己留下了为数众多的肖像。在著名画家荷尔拜因为亨利八世绘制的全身像中，有一个引人注目的细节——隆起的裆部。

不错，这位亨利八世正是在内裤中加入衬垫的爱好者。彼时欧洲的男性通常只穿一条裤子，内外不分，流行的款式很像现在的LEGGING。只是它分为两个部分，内部是由束绳及膝宽松内裤，而外部是将紧身长筒袜套。虽然当时男裤已经有了门襟处的饰袋设计，不少人将其当作放零钱和杂物的便利口袋，但是亨利八世通过身为国王的权威，让自己成为男装潮流的领军人物：将内裤的裆部故意垫厚，使得自己的下体看上去伟岸非常。联想这位国王的政绩和情史，如此夸张地展现自己的男性雄风，似乎也是情理之中的事。但也有历史学家不愿往亨利八世脸上贴金，他们推断内裤中放了浸有药水的布带，以缓解梅毒带给国王的痛苦……

不论突起的裆部是国王有意为止还是迫不得已，是顺应潮流还是引领风尚，用内裤当作男性尊严标志的行为都成为一种文化符号。在经历了中世纪的压抑和文艺复兴的洗礼后，人类对自己身体的审美开始不假修饰地表达出来，这种转变对男女来说应该是平等的。可是，参考文艺复兴后的服装样式（尤其是宫廷时装），为什么女性在很早以前就能暴露出大面积皮肤，而男性始终做不到？有一种解释称为“勾引原则”，女性时装的设计本就是为了增加对男子的性吸引力。而男性时装的原则是“等级原则”，男性时装是为了彰显他们的社会地位。男性在服饰上变化，多数代表着他的社会地位的变动和背后权力场的更替——这才是现代男性吸引女性的“孔雀屏”。真正能显示其个体魅力的空间，算来只有脐下三寸。也难怪以亨利八世的地位和魄力，在享尽了俗世权威带来的快感后，也要靠给内裤加垫来标明自己“本真”的男性尊严。抛却了社会赐予的身份后，男性对自我的认识，似乎就剩下了内裤后那一点。他们可以靠为女性打造各种性感的“牢笼”来获得审美愉悦，但同时也把对自身的欣赏囚禁在牢笼中，不知道这到底算不算幸运。

从遮羞布到性感符号

在亨利八世时代风光了一阵后，男士内裤又开始归于沉寂，走回了单纯遮挡的老路。工业革命改变了世界的样子，却并没有让男士服装产生太多变化，指望它替现代男士内裤的定型，已经是20世纪之后的事情了。

1935年，芝加哥，Jockey公司发布世界上第一条Y字形三角内裤。如今我们熟悉的内裤样式，长短大小，从此终于基本固定了下来，“内裤”一词也正式收入词典，成为男装的一个单独分类。说来好笑，一开始谁也没有把这种布料精简的裹身之物当回事。一些人讽刺它是“寡妇设计师”因为想男人而弄出来的花痴作品，纽约的百货公司甚至在一次暴风雪后将展示这种内裤的橱窗全部撤下，替换为长至脚踝的约翰衬裤（因19世纪拳击手约翰·苏利瓦酷爱穿这种紧身衬裤打比赛而得名）。

百货公司的经理认为自己的处理十分妥当，天气已经寒冷起来，还有什么人会花钱买那巴掌大的几块布？可就在他们沾沾自喜地布置橱窗的当口，商场里的Jockey内裤已经卖完了600包。3个月里，三角内裤在售出3万条，Jockey公司不得不租用飞机往美国各地送货。

体验过Jockey内裤的男人，终于养成了消费这种新型内裤的习惯。虽然内裤贴身而舒适，它却不是什么能摆上桌面讨论的物件，还没有摆脱遮羞布的尴尬地位。不过，它并没有等待太久，仰赖一位英雄人物的登场，内裤终于从遮羞布变成一种全新的文化符号。

30年代的美国，笼罩在一片阴霾之中。前有几乎摧毁了“柯立芝繁荣”全部成果的经济危机，后有越来越成为世界安全隐患的法西斯主义崛起，期间还穿插着美国宪法第18号修正案“禁酒令”带来的副产品——黑帮势力猖獗。正当美国的大都市居民被高犯罪率折磨得人心惶惶时，一位保护神从天而将。他有着坚不可摧的躯体，令人叹服的力量，敏捷的身手和无与伦比的责任感，不错，这就是如今已经家喻户晓的漫画人物——超人。自从1938年6月在《动作连环漫画》杂志上正式登场以来，这个由作家杰里·西格尔和连环漫画家乔·舒斯特创造的超级英雄，化身成为正义的代言人，在潜移默化中形塑美国的伦理精神。

如同签署“禁酒令”的人没有想到它会催化黑社会势力的崛起，超人的设计者也没想到他们居然能在和漫画不相干的风尚领域留下属于自己的印记。超人的出现，直接将一种“隐秘时装”直接放到了大众的眼前。想想除了力大无穷、高速飞行、刀枪不入外，超人还有什么特征？蓝色的紧身衣、红斗篷……对！还有一条穿着外面的内裤。

自从超人诞生之日开始，关于他这套奇怪装束的询问，就不绝于耳。为什么一个“高大全”样式的英雄人物，要把内裤穿着外面？解释当然也是各种各样。漫画里，超人自己的解释是为了让衣服区别于各种军服，所以他（另一说是他的养母）选择了“氪星时尚”来标明自己与众不同的身份。有人认为杰里·西格尔和乔·舒斯特的“超人漫画”总是找不到买家，于是就力图将自己的创作改造得更醒目。西格尔建议在超人胸前三角形标记中放一个字母“S”，而舒斯特为超人的背上设计了一件潇洒的披风。不过，这些都比不了在纯蓝色的人体正中加上一道宽大的红色，来得引人瞩目……

无论怎样评论这套奇特的装束，有一点都必须承认。在超人扶危济困的年月里，这条飞翔的红色内裤已经成为了他的名片，标志着超人不同寻常的另一面。既然超级英雄可以以之显示自己的特立独行，普通人心中又何尝不会思忖一二？内裤在超人的帮助下，完成了从人人耻于谈论的遮羞布到显眼的个性符号的进化过程。或者说，只有超人这样存在于想像中的超级英雄，才能将男性那些隐于心中，无视身份与地位的审美观念激发出来。超人将内裤套在外面的同时，也将男人从重重社会规训的束缚中松绑，替他们完成了一次心灵的解放。

此后，相比几千年里的默默无闻，男士内裤地位的提升只能用“一日千里”来形容。款式越来越新颖，使用的材料越来越多样化。而像马龙·白兰度、詹姆斯·迪恩这样，代表着反抗刻板教条，蔑视沉闷生活的明星，在电影里经常以内衣内裤示人。流行乐团“沙滩男孩”凭借着身穿短裤，扛着冲浪板的专辑封面，开启了自“淘金热”后最大规模移居加利福尼亚的潮流。到了80年代，英国名模Nick Kamen在李维斯501牛仔裤的著名广告中，穿着白色纯棉拳击内裤（一种平角内裤）坐在洗衣机前。结果这则广告不但让牛仔裤热卖，也带动了白色纯棉拳击内裤的风行。而且，大部分的客户都是女性，她们购买内裤，是为了当作礼物送给自己的心上人。时装设计师卡文·克莱恩将自己的名字印上了内裤，Calvin Klein Underwear 是世界上首个设计师内衣品牌。经常裸露在外的腰边商标，性感逼人的户外广告，都是他为内裤——这一新型服装样式发展制定的标杆。

仅仅将这些事件当作是大众媒体对“性话题”的猎奇，恐怕不尽然。虽然作为贴身衣物，男士内裤与性有着天然联系，但怎么解释它在战后突然繁荣起来呢？理查德·科利尔的研究似乎能给我们一些启示。他认为以往的服装起着使男性去性化的作用。并不是说男性时装超越了与性的联系，而是男性为了抹去身上作为个体的性特征而着装。随着反战示威游行、嬉皮士潮流、民权运动、女权运动、对麦卡锡主义的批判等反权威思潮的逐次开展，越来越多的男性（尤其是青年）开始对社会赋予他们的身份角色产生怀疑。对他们而言，世界不应该被僵死的齿轮固定住，而应该是一个由渴望、梦想和“利比多”编制出的舞台。在这舞台上，尽情挥洒个体的光芒是唯一必须的事情。武断地将这种情怀等同与享乐主义的偏见，让人很容易无视它的正面价值：无论将遮羞布变为性感符号看起来多么粗鄙，它都代表着一种对男性权力和性别角色的反思。内裤，从保护罩到生殖器装饰物，从无法得见天日的布条到可以彰显个性的旗帜的嬗变，难道不正说明男性在靠时装给女性画地为牢的同时，也把自我绑架到了一个漠视人性的高度？难道不正说明解决这个问题最好的办法就是那句：解放别人，同时解放自己？

如果大导演詹姆斯·卡梅隆的电影作品《泰坦尼克号》讲述的全部都是真实历史，那么女主角露丝的命运里，不但拥有过一段刻骨铭心却转瞬即逝的爱情，遭遇了人类历史上最为惨重的一次海难，还能在有生之年，目睹一种同样拥有“旗舰”般地位的服饰，从全盛走向衰落。比起来前两项经历，想必她更乐意见证后者，因为正是它，让她在泰坦尼克号上吃尽了苦头。

没错，这种服装就是紧身胸衣（corset）。就是那个罗斯夫人在为女儿艰难穿上后，又紧拉了一把的物件。通过大银幕，人人都能看到露丝的痛苦和无助。但是，请不要认为这是导演为了煽情而刻意布置的桥段，事实上，在《泰坦尼克号》描写的20世纪初，正是紧身胸衣最后的辉煌时代。上流社会的女性，无不以能装进狭窄得有些变态的紧身胸衣，展示自己的魔鬼身材为荣。相信住在泰坦尼克号二等舱以上的贵夫人们，没有几个敢于跳出这束缚的牢笼。她们的审美观念甚至使得20世纪末的女演员们大为头痛，因为拍摄电影《泰坦尼克号》时，为了力求真实，詹姆斯·卡梅隆让很多女演员都套上了紧身胸衣。弗朗西斯·菲希（饰演罗斯夫人）在后期配音时，怎么也找不到感觉，不得已而穿上紧身胸衣（导演此前没让她遭这份洋罪），一阵骨头嘎嘎作响后，罗斯夫人傲慢而市侩的嗓音立刻传了出来。你能想像到一件衣服给女人最大的改变，也不过如此吧。

尊奉自然的女体

如今大家提起紧身胸衣，似乎都有一种“昔人往矣”的感觉，仿佛我们是在追溯一种上古时代的传说。其实不然。看似充满古典情调的紧身胸衣，真正出现的年头不算太长，比起我们衣柜其他服饰，它也没有什么傲人的历史可追溯。古代埃及的天气炎热，想也知道包裹紧密的紧身胸衣没什么出场的机会。而后来的古希腊和古罗马，则崇尚自然，也很难让他们去开发一种束缚性的衣物。事实上，有很多证据指出，古希腊和古罗马妇女的长袍内通常不着一缕，她们拥有的内衣款式则像极了如今风靡全球的比基尼，都采用抹胸和底裤的两段式设计（不过也有人认为这种服饰是给奴隶穿着的）。作为女性解放符号出现的比基尼，却和几千年前的古代内衣神似，不能不说是一次奇妙的历史轮回。

接下来的中世纪时期，被普遍认为是欧洲的文化低潮期，基督教的势力在欧洲大陆日渐庞大。这一时期，欧洲人对文化的需求还没有像后世那样如饥似渴，在服饰方面没有什么明显的发展，主要还是沿用后期罗马——拜占廷式样的服装。男女的服装款式也继承了罗马的风格，并无明显的区别，都是采用圆筒形状的长袍，长袖的款式。贵族妇女还会穿戴面衣。它不仅是面纱，而且宽大得能包住头部，甚至覆盖整个肩部，类似于修女的头巾。

在这里，我们不能不提到基督教文化对中世纪服装风格的影响。由于基督教是在和罗马帝国对抗中逐渐传播的，所以它极力反对古罗马帝国的种种流弊，尤其是古罗马后期的骄奢淫逸。所以，在中世纪初期，欧洲人的衣着简朴，平民和贵族的服装式样也基本相同。而且基督教教义不追求俗世生活的炫目，并将肉欲视为一种禁忌。于是，中世纪的欧洲居民（尤其是下层）普遍以简洁朴素为美，女性绝少刻意打扮，用长可及地的袍子将自己包裹得严严实实。袒胸露乳，故意摆出“S造型”吸引人的目光，在当时是根本无法想像的情景。

然而，看似铁板一块的欧洲中世纪，却被自己的刀剑砍出了缺口。从1096年到1291年，为了收复圣地耶路撒冷，欧洲组织了前后长达200年的十字军东征。如果从战争发动的目的来看，十字军东征可以说是彻底失败，但是它带来的影响，却改变了整个欧洲历史的进程。首先罗马教廷建立世界教会的企图完全落空，而且由于十字军缺乏组织，难以约束，其所到之处经常是焦土遍地，民生凋敝，这使得教会在信徒心目中的威望大为下降。另外，十字军打开了东方贸易的大门，导致大量自由民的出现，加速了西欧手工业、商业的发展，这成为文艺复兴与中产阶级商业文明发展的重要推动力量。还有，欧洲人还带回许多新奇的纺织品、香料、珠宝等，大大刺激了贵族的奢侈欲望，使用东方奢侈品成为一种时髦。而伴随着十字军东征，回忆录和歌曲形式的文学、诗歌兴盛起来，其中歌颂骑士罗曼蒂克爱情的章节，无疑诱导着女性意识萌芽的产生。十字军没有将基督教的旨意传播到东方，却在后院里种下了世俗生活的大树。在巨大的树荫下，人们开始质疑教条，开始拥抱尘世，开始享乐，开始追求感觉刺激。终于，紧身胸衣有了出场的机会。

魔鬼登场

女性服装的史上，必须书写11世纪的法兰西，因为在那里男装和女神发生了第一次分流，它便是corsage。这是一种胸衣，常穿在长裙的外面以为装饰。它的款式是紧身无袖，在背后系带使之紧身牢靠。卷领，领子上装饰着凸条纹和刺绣细花边，也有无领子的样式。现在看来，corsage和紧身胸衣在款式上（紧身、系带、无袖）已经有了很多相似之处，但是它还没有迈出关键的一步——刻意凸显女性的身体曲线。

虽然在前基督教时期，女体崇拜的习俗遍布古文明的各个时期。但在中世纪的居于统治地位的基督教文化中，从来没有将展示女性身体（尤其是局部器官）当作审美的，淫欲是七大罪之一，是魔鬼的诱惑，而暗示肉欲的女性曲线则是被视为大敌，所以中世纪的女装，几乎无一例外采用了遮掩的态度。

可是谁能想到，“魔鬼”居然随着一群老鼠翩然而至。在十四世纪中叶黑死病（鼠疫）大流行以后，很多人开始怀疑上帝，离弃信仰，沉湎于无休止的放纵生活。他们暴饮暴食，终日寻欢作乐，用感官刺激麻痹自己。同时十四世纪后半期，由于人口的急剧下降，反复爆发的瘟疫，使得无论是单个家庭，还是国家城市都必须采取紧急措施来促使人口的增长。这就让公共场合的性吸引有了口实。历史学这样描述黑死病洗劫过的欧洲：“当一些妇女在公开场合戴上假发，穿上低胸衬衣，任其乳房束得如此之高，竟至可以将一柄蜡烛径直搁在酥胸之上时，谁会怀疑人性已经破灭到了地狱的边缘？”

黑死病带来的恐惧，让人们向往着肉体产生的欢愉，而文艺复兴的光辉，则让女性意识开始复苏。城市里的新兴阶层，厌恶严苛的禁欲主义宗教传统，希望归返古希腊、古罗马那自然惬意的精神家园。这一观点在女性着装上体现得尤为明显，层层包裹的身体终于可以袒露在阳光下，以往被刻意忽视的第二性征，也能够大胆展示。15 世纪宗教改革家杨·胡斯写到：“由于女人穿着脖颈大开特开的服装，所以任何一个人都能直接看到她们闪烁光辉的肌肤，直至裸露的半个乳房。”

正是在这股潮流中，让女性又爱又恨的紧身胸衣，登上了历史舞台。

紧身胸衣的风潮起自西班牙，最开始它全是由布缝制而成，靠收紧带子来勒细腰肢。后来，为了强调收腰和保持整体形状，在其中嵌入了鲸须。这种紧身胸衣的造价不菲，是贵族身份的象征。有一个传说，讲得是其时西班牙正处于外国的统治之下，西班牙女王向她的臣民保证：祖国一日不自由，我一天不解胸衣！这个传说现在看来有点搞笑，真伪也有待商榷，但是却能反映出紧身胸衣在上流社中的风行。

热爱紧身胸衣的不仅仅只有西班牙贵族。法国国王亨利二世 （1547-1559在位）的王妃卡特琳娜·德·梅迪契，就是一个名副其实的“紧身胸衣发烧友”。在她的嫁妆中就有紧身胸衣，更让人吃惊的是，这件紧身胸衣居然是铁制的！这种铁甲似的胸衣分前后两片，一侧装合叶，一侧用挂钩固定。把原来用作医疗器械使用的铁胸衣，当成时装穿在身上，这位王妃也可算开一时风气之先。

正所谓“楚王好细腰，宫中多饿死”，欧洲王室对紧身胸衣的热衷，将这种审美品位深埋进了贵妇的心坎，并被她们当作传家宝一般，代代继承。当然下层妇女对紧身胸衣也不无艳羡，但她们一则难以负担高昂的价钱，二来苦于必须整日劳作，实在连穿上一试的机会也没有。紧身胸衣，居然误打误撞地成为阶层划分的物件。我们固然可以说，它的出现，是源于文艺复兴后女性自我意识的觉醒，标志着女性要凸显自己的第二性征，从而扫清中世纪禁欲主义刻意模糊男女界限的阴霾，甚至可以将其视为古代生殖崇拜的再次回归。但另一方面，我们又不能不对历史的偶然性大为感叹，如果不是欧洲王室联姻广泛，造成她们的审美品位如出一辙，恐怕紧身胸衣折磨女性的历史，也不会持续四百年之久。

从辉煌到寥落的S型曲线

在王室的推动下，紧身胸衣在欧洲上流社会迅速风靡开来，它的制作工艺也得到改善。新型紧身胸衣的缝线，从腰际向胸部呈扇形展开，不但具有装饰美感，即使大幅度的动作，也不会让衣服走形。除了前部要插入带状鲸骨或木片、金属片定型来保证腹部平坦以外，还要把鲸须按体形曲线弯好后嵌入衣身。在胸衣上沿，也要横着嵌入一条定型过的鲸须，背后的鲸须则必须挺直，从而压迫肩胛骨，使背部平坦，让胸部能更为突出。胸衣开口开始统一放到后部，腰围越来越小，“可堪赢握”从修辞变成现实。胸衣前部下端呈尖角状，这样做不仅在视觉上产生使腰看上去更苗条的效果，还能把人们的视线引向女性的两腿之间，可以说极具性感和挑逗力。

不断改良的紧身胸衣，终于在维多利亚时代，达到了辉煌。以至于我们今天提到它，大家都会不由自主地想起那个英国的全盛时期。维多利亚时代的女性经典形象是：上有紧身胸衣，下有加了裙撑和臀垫的长裙，通身装饰着蕾丝花边，面容苍白，娇弱无力。如果说紧身胸衣在发明之初还带有一点点女性自我意识觉醒的味道，到这个时候，已经完全沦为畸形的审美玩具。它将女性身体雕塑成极端的沙漏形状，所要付出的代价是健康，甚至生命。因为束缚，肺部机能被严重削弱，胃、肾、肠等器官都被迫下移，下半身血管受到强烈压迫，人体的三大机能——呼吸、消化和血液循环同时受阻，严重的时候会直接引发猝死。如果说内在的病变不容易察觉，穿着的不舒适感能立刻体会到，就算我们已经无缘亲眼目睹，但从《泰坦尼克号》、《加勒比海盗》、《乱世佳人》等影视作品的情节中，多少可以一窥端倪。

但问题也随之而来，既然穿紧身胸衣如此难受，为什么还有那么多人对它趋之若鹜？

恐怕解释这个问题，还要从两性关系入手。自文艺复兴以降，禁欲主义的藩篱被突破，人们终于开始正视男女两性的差别。如何在这新的前提下构筑两性关系，又成了一个棘手的难题。在西方文明史上，以生理上的性(sex)来截然划分男、女两性(genders)，并以此为基础谈论男、女特质与男、女在社会分工上的位置，不过是最近几百年的事。尤其是到接近十九世纪时，女人的身体成为重新定义男、女关系的战场。然而令人悲伤的是，在这战场上进行的交锋，输家永远是女性。以女性的第二性征来吸引男性，本来是无可厚非的事情，然而在男权的语境下，这种吸引变成了献媚，本身平等的展示与观察，变成了一边倒的受与施。紧身胸衣的流行正演绎着这种逻辑怪圈：男性将自己的审美眼光强加与女性，而女性为了博得认同，不得不放大其中某种期待，男性觉察到自己被满足后，回馈的是更多要求。几轮过去，不论男性和女性，大家都陷入这种愈演愈烈的误解中无法自拔。最后的结果就是，紧身胸衣的系带越来越紧，紧到勒得肋骨都折向后方。

法国启蒙思想家让·雅克·卢梭说：“看见女人象黄蜂一样被束成两半，那可不是什么赏心悦目之事。”但真要让女人拆下紧身胸衣，也不是那么容易的事情。十六世纪中叶一直到第二次世界大战前，紧身胸衣一直是盘旋在欧洲女性头上的幽灵。期间，虽然有几次衰落，但却一直挥之不去。二战虽然让全人类蒙难，但给女性带来很多工作机会。为了方便活动，累赘的紧身胸衣必须解除掉。再加上本世纪前期几位天才设计师创造的全新时尚风潮（如波烈倡导的新型女士内衣和宽松的长袍款式，夏奈尔设计的直身小黑裙等等），以及战后女权运动的燎原之势，束缚女性身体，影响女性健康400年的紧身胸衣才终于被扔进了储藏室。

纵观紧身胸衣这四百年的发展，用女性曲线雕塑史来形容毫不过分。从中世纪的完全遮挡，到文艺复兴前期的贴合身体，从适度的S形到极端的X形，展现的是女性探寻体态美的艰辛过程。为了美丽付出一些代价，相信大家都不会介意，可如果代价是健康乃至生命，这样的审美无异于犯罪。人们经常形容女性玲珑浮凸的身材是“魔鬼曲线”，真是恰如其分，它既给予足够的诱惑，又不知不觉取走最宝贵的东西作为交换。这四个世纪里，魔鬼正是居住在男性自私的欲望与女性对美的误解中，奋力雕刻着那道让世人迷醉的曲线。如今，紧身胸衣的时代已经过去，但女人们与魔鬼曲线抗争的历史远未结束，至于其中的成败得失，只能留待后人评说了。

时尚界一贯的风格是“上行下效”，所谓“楚王好细腰，宫中多饿死”，不论那个社会的风尚，其源头似乎都能追溯到当权者的喜好上。于是，亨利五世、维多利亚女王、路易十四、温莎公爵等王公贵族，不但是历史教科书绕不开的人物，也成了时装迷们必须记住的名字。毕竟，他们或多或少起到了开一时风气之先的作用，那怕没有耀眼的政绩，单是在时尚领域的领袖作用，就足够升斗小民们好好学习钻研几年了。

然而，时间推进到又一个世纪之交，事情似乎出现了一点变化。伴随着近百年来贵族权力的衰落，和大众媒体的风起云涌，越来越多原本属于平民的穿衣打扮的调调儿，也开始登堂入室，在HIGH-FASHION的领域里分得一杯羹，其中，就包括最街头不过的嘻哈风格。

嘻哈，从它的英文hip-hop能很容易找到起源。Hip是指臀部，Hop意为单脚跳，组合在一起就是扭动臀部，是一种对肢体舞蹈动作的描述。这个词语最早用来指代尚处于雏形阶段的街舞(也就是中国人曾经很熟悉的霹雳舞)，后来引申为一种音乐和舞蹈形式，甚至一种生活方式与态度。

嘻哈文化的命名者是Afrika Bambaata。他因为在一个热闹的PARTY上，随口说了一句：“Let’s hip hop！”，于是嘻哈文化——这种新兴的黑人城市文化便正式诞生了。这个典故似乎也在表明，嘻哈是一种多么自由开放的生活态度，甚至连命名都如此“随意”……。然而正是这种随意征服了全世界年轻人的心。从20世纪70年代末、80年代初嘻哈诞生开始，它迅速席卷全球，如今不论是在时代广场还是天安门广场，凯旋门下抑或明治神宫前，都能看到引人侧目的嘻哈少年，自由自信地展示着hip-hop文化的方方面面。

当然，最显眼的标志还是服饰。哪怕对服装最没概念的人，也能轻易辨识出嘻哈时装来。印有夸张logo和涂鸦的宽大T恤，同样宽大的运动鞋裤和运动裤，高尔夫球帽或者棒球帽，甚至是不同风格的头巾，纹身、闪耀的项链、戒指、手环，这些风格强烈的符号，清晰地勾勒出一个个性招摇的前卫少年形象。

按理来讲，嘻哈风格的时装元素如此醒目，很容易被设计师们采撷进自己的作品，可事实上，嘻哈风格入侵HIGH-FASHION的道路，实在是多有崎岖。传统的流行时尚，无不背靠着一个理念：依靠衣着来提高自己的社会层次。这种思路简直堵死了嘻哈风格的进身之阶。因为创于美国工薪阶级和少数族裔中的嘻哈文化，从诞生之日起就和“穷困”两字绑在了一起，在穿着打扮上也不例外。为什么要穿宽大的衣服？除了方便运动，穿着舒适之外，这种大号衣服的好处就是可以让长身体的孩子们能多穿几年，省去了贫困家庭一笔可观的置装费用。为什么会有涂鸦？这东西最早是街区内各个帮派之间划分势力范围的标志，后来才越来越漂亮精致，发展成了民间艺术。为什么会有街舞？因为黑人青年没钱去舞厅，而且当时种族歧视问题依然存在，白人舞厅也算禁区之一，所以只能在街头聚会。至于现在已经风靡全球的BLING-BLING，靠堆砌来耀财富与地位，早年的设计界肯定会目之以“暴发户”，这些举动都是自降身价的事情，怎么能见容于HIGH-FASHION？

不过，风水轮流转，随着hip-hop屡屡创出唱片销量神话，嘻哈脱离亚文化范畴，向主流文化道路高歌猛进，HIGH-FASHION也开始了向街头时尚的虚心学习。遍观掌握着时尚话语权的设计师作品，其中已经不乏浸染着hip-hop灵魂的创意了。

最明显的体现，就是超码（oversize）。80年代的贫困黑人，为孩子购买超大形状的衣服，本来实属无奈，没想到现在居然成为了世界时尚圈的浪潮。John Galliano在自己的男装品牌中就肆无忌惮地大玩oversize概念，宽松的半长大衣，松松垮垮的迷彩裤子，让看腻了HEDI式清瘦少年的观众眼前一亮。同时，John Galliano还将超码的概念引入了迪奥的高级时装领域，虽然John Galliano的高级时装设计一向以戏装般的夸张闻名，但是一定要撇清其与街头风格的关系，恐怕也不是那么容易。

嘻哈风格另外一个重点，是运动感，嘻哈文化的产生与音乐舞蹈有千丝万缕的联系，自然要求服装上要能适应街舞的肢体律动。于是，宽松，留有一定运动松量的款式，吸汗、透气性能好的弹性面料，就成了嘻哈风格的一大标志。如今，高端时尚和运动的联姻，早就不是什么新闻了，最为人称道的例子，就是阿迪达斯和山本耀司的合作。Y-3全面保留了阿迪达斯作为运动品牌的风格，更加上山本耀司对简洁款式的癖好，糅合出一种既充满运动能量，又不显得粗俗的新世纪街头风貌。

不过，嘻哈带来最深入人心的的时尚贡献，还要算混搭（Mix&Match）的风行。号称“20世纪最后的草根生活方式”，嘻哈从诞生之日就开始向下层社会的问题开火，贫富差距、种族问题、年龄代沟等，都是嘻哈想要去弥合的鸿沟。于是我们能看到，hip-hop音乐想起的时候，青年们不分种族肤色，都开始翩翩起舞。如果音乐已经可以共同欣赏，那服装为什么不能天下大同呢？将不同风格款式的衣物叠穿在一起，从一种禁忌变成一种时髦，于是混搭便应运而生，并逐渐成为全世界青年共享的时尚准则。我们甚至可以这样说，现在已经没有哪个设计师敢无视这股潮流，从Balenciage到Costume National，人人都在为多元文化下的时尚沟通添砖加瓦。

嘻哈教父Afrika Bambaata曾说过，嘻哈是一种文化，它带给人们生活中欢乐，你必须去享受它，享受它带给你的欢乐。时尚同样也应该给人带来快乐，不论是HIGH-FASHION还是街头风格。嘻哈风格为时尚界带来了又一种非束缚性的时装，让自由随性的少年心气取代了规矩刻板的保守装扮，这一点，恐怕也是当下中国最需要的。

如果不是专业从事平面设计，恐怕知道Helvetica的人实在寥寥无几。这件事情很有思考的价值：几乎每天，我们从睁眼开始就要面对的Helvetica，却很少有人真正认识它，了解它。

作为全球影响力最大的字体之一，Helvetica刚刚迎来50华诞。为了向这项改变了平面设计半个世纪面貌的创造致敬，英国导演Gary Hustwit特地拍摄了一部名为《Helvetica》的记录片，将这款字体的前生今世、辉煌寂寥都浓缩在短短80分钟里。影片结束的时候，当观者再抬眼四处张望时，会发现我们已经很难找到一个没有Helvetica驻足的角落了。

这种全世界使用率最高的无衬线字体，是瑞士的Haas Foundry公司在50年代推出的代表作之一。当时 “国际字体风格”（ International Typographic Style，也称为“瑞士风格”）十分受欢迎，其中的佼佼者是Josef Muller-Brockmann 在1896年推出的Akzidenz Grotesk——一款已经有半个世纪历史的无衬线字体。为了和Akzidenz Grotesk 在竞争市场份额，Haas Foundry希望能设计一套新的无衬线字体。于是Helvetica应运而生。它是由设计师马克斯·米耶丁格（Max Miedinger）和爱德华德·霍夫曼（Eduard Hoffmann）于1957年设计的。当时米耶丁格和爱德华德在瑞士哈斯铸造所（Haas’sche Schriftgießerei）将其作为排版铅字。这种字体最初的名称是“Neue Haas Grotesk”，意为“哈斯的新无衬线铅字”，后来被哈斯的德国母公司斯滕佩尔（Stempel）在1960年改为 Helvetica（为“瑞士”的拉丁文），使其更具有国际市场竞争力。

因为Helvetica字体的设计简洁中性，几乎不流露任何多余信息和情感，它在60、70年代风靡一时，被广泛用于全世界使用拉丁字母和西里尔字母的国家。当然，同样的风格后来也被移植到希腊字母、希伯来字母和汉字。Helvetica大量出现在标志、电视、新闻标题以及无数的商标中， 如3M、美国航空、American Apparel、BMW、Crate & Barrel、德国汉莎航空公司、Fendi、Knoll、英特尔、无印良品、雀巢、松下、Parmalat、SAAB、三星、Staples、Target、Texaco等，数百间企业的标志都在使用Helvetica字体。

同时，Helvetica字体清晰规整、易于阅读的设计，让它成为很多政府部门和公共设施的标准字体，因此拥有了更高的辨识度。特别是在上世纪七十年代，当设计师Massimo Vignelli 为纽约城地铁设计了标识系统和地图后，Helvetica就几乎垄断了政府部门的所有Logo（以至于有人认为使用Helvetica的人都支持越战，在设计界甚至遭到过抵制）。加拿大政府的联邦认证制度（corporate identity program）使用了这个字体及其各种版本，纽约现代艺术博物馆将其列入最早的馆藏字体。Helvetica还是苹果操作系统的默认字体，微软常用的Arial字体也来自于它，这也为其在平面设计中赢得了不少出镜率。

正是因为坐拥此等巨大的影响， 2007年Helvetica诞辰50年的时候，才有了全球范围的庆祝活动。伦敦设计博物馆举行了“50-Helvetica”展览，纽约现代艺术博物馆(MoMA)推出了Helvetica 五十年（50 Years of Helvetica）特展，这部《Helvetica》自然也是献礼之作。

和Helvetica字体设计风格神似，这部纪录片的拍摄手法也是——简单、明了、规矩，易于阅读。全片以对Helvetica相关人员（涵盖美国，英国，荷兰，德国，瑞士，法国和比利时，老中青三代字体设计师，创意人士、评论家等）的访谈串起，穿插大量由Helvetica构成的广告、招贴，再辅以轻松明快的音乐，毫不拖沓的剪辑，没有一般涉及专业领域纪录片的艰涩，但务必让你随时都能接收到有关Helvetica的信息。认真看完八十分钟，相信你转眼就能分辨出周围哪些字是Helvetica。

Helvetica字体在世界范围如此受欢迎，它的优势自然不用多言，倒是影片中几位设计界大腕对它的批评值得玩味。David Carson 说："Helvetica没有表现力。无论它写的是什么，就像一个很平凡的人在那里很平淡地say Hello一样。……一件东西可读并不意味着传达了信息，更重要的，并不意味着正确传达了信息。反过来讲，有些刚开始难以阅读的东西，也许表达了完全不同的信息并且值得读者花更多时间去参与。”Stefan Sagmeister的批评则近乎指责：“我对通常意义上的现代主义是失望透顶的。他们太无聊啦！我们拿到一份手册，它们都有着大量的留白，上面写着几行用Helvetica一类字体的小字、下面来个抽象的小LOGO、再配一副商务人士走路的图片……这些狗屁无聊透顶。”这些中生代的设计师，将对传统的反叛和颠覆视为己任，在他们看来，Helvetica毫无感情和个性，可算是最坏设计的范例。而年轻一代设计师的观点则充满着实用味道和去政治化倾向：“只要在你的传单上，用同一磅大小的Helvetica Bold，它看上去都是挺不错的。”

放下Helvetica字体设计到底是好是坏不谈，不可否认的是，它代表着战后一种全新的设计思潮，它和包豪斯建筑风格、欧普艺术等，有着浓重的血脉联系。尤其是欧普艺术，画家摒弃了传统绘画中一切的自然再现，用规则重复的几何图形来代替原本的具体形象，目的是为了达到视知觉的运动感和闪烁感，从而产生令人眩晕的光效应现象与视幻效果。不可否认的是，这种艺术形式深具野心。我们都知道，人对艺术品的欣赏体验与其受到的教育、人生经历等紧密相连，可欧普艺术却希望通过人类一致的感官和生理反应，达到对艺术作品的“无差别体验”。从某种意义上说，Helvetica字体要完成的任务，不也是“无差别”的信息传递么？相比复杂的手写体，庄重的衬线字体，Helvetica均衡、简单、冷静到缺乏感情的设计，正是为了让字体不至凌驾于内容之上，使读者全情投入文本本身。这是Helvetica的长处，同样也是问题所在。过分强调设计形式为内容服务，却忘记了形式本身传递出的信息，以及它有可能带来与观众的互动。设计最终沦为简单的实用主义，这Helvetica深为反对者诟病的最大弊端。

经历了反叛年代的沉寂后，Helvetica在新世纪重新焕发了青春，究其原因，却难免有些尴尬。风靡全球的互联网浪潮，为我们打开了一个全新的空间，人人都感觉自己似乎拥有无限选择权力的时候，却发现世界绝非我们想像般美好。选项固然增加了不少，但我们为决定付出的成本也成直线上升。在“速度决定一切”的前提下，简单明了，不带任何倾向性，又不会产生歧义的Helvetica，就顺利成章地成为最经济可行的预案。更可怕的是，这种操作系统的默认字体，经常会有意无意出现在大众视野中，长时间的视觉轰炸后，你还能确定自己的选择中又多少是经过主体思考而来？尤其是在中国，传播业各个环节还显稚嫩的大环境中，选择“默认”，似乎永远是最安全的……

就像影片里那纷繁缭乱的蒙太奇一样，如今，周遭的Helvetica实在太多，传递的全是关于现代化的种种信息，无疑让正朝这个方向行进的人们兴奋不已，躁动难耐。但是，有时候我们必须停下脚步，仔细分辨一下，这些既强烈又隐蔽的视觉符号中，到底哪些应该欣然接受，哪些应该抛诸脑后。Helvetica50在瑞士举行的大会上，主要议题就是“Helvetica会一直流行下去吗？”。没错，按照现在的状况，Helvetica依然会流行下去，可问题是，默认代替选择，不愿加以取舍地滥用下去，Helvetica的价值，除了流行以外，还能剩下什么呢？

如果大导演詹姆斯·卡梅隆的电影作品《泰坦尼克号》讲述的全部都是真实历史，那么女主角露丝的命运里，不但拥有过一段刻骨铭心却转瞬即逝的爱情，遭遇了人类历史上最为惨重的一次海难，还能在有生之年，目睹一种同样拥有“旗舰”般地位的服饰，从全盛走向衰落。比起来前两项经历，想必她更乐意见证后者，因为正是它，让她在泰坦尼克号上吃尽了苦头。

没错，这种服装就是紧身胸衣（corset）。就是那个罗斯夫人在为女儿艰难穿上后，又紧拉了一把的物件。通过大银幕，人人都能看到露丝的痛苦和无助。但是，请不要认为这是导演为了煽情而刻意布置的桥段，事实上，在《泰坦尼克号》描写的20世纪初，正是紧身胸衣最后的辉煌时代。上流社会的女性，无不以能装进狭窄得有些变态的紧身胸衣，展示自己的魔鬼身材为荣。相信住在泰坦尼克号二等舱以上的贵夫人们，没有几个敢于跳出这束缚的牢笼。她们的审美观念甚至使得20世纪末的女演员们大为头痛，因为拍摄电影《泰坦尼克号》时，为了力求真实，詹姆斯·卡梅隆让很多女演员都套上了紧身胸衣。弗朗西斯·菲希（饰演罗斯夫人）在后期配音时，怎么也找不到感觉，不得已而穿上紧身胸衣（导演此前没让她遭这份洋罪），一阵骨头嘎嘎作响后，罗斯夫人傲慢而市侩的嗓音立刻传了出来。你能想像到一件衣服给女人最大的改变，也不过如此吧。

尊奉自然的女体

如今大家提起紧身胸衣，似乎都有一种“昔人往矣”的感觉，仿佛我们是在追溯一种上古时代的传说。其实不然。看似充满古典情调的紧身胸衣，真正出现的年头不算太长，比起我们衣柜其他服饰，它也没有什么傲人的历史可追溯。古代埃及的天气炎热，想也知道包裹紧密的紧身胸衣没什么出场的机会。而后来的古希腊和古罗马，则崇尚自然，也很难让他们去开发一种束缚性的衣物。事实上，有很多证据指出，古希腊和古罗马妇女的长袍内通常不着一缕，她们拥有的内衣款式则像极了如今风靡全球的比基尼，都采用抹胸和底裤的两段式设计（不过也有人认为这种服饰是给奴隶穿着的）。作为女性解放符号出现的比基尼，却和几千年前的古代内衣神似，不能不说是一次奇妙的历史轮回。

接下来的中世纪时期，被普遍认为是欧洲的文化低潮期，基督教的势力在欧洲大陆日渐庞大。这一时期，欧洲人对文化的需求还没有像后世那样如饥似渴，在服饰方面没有什么明显的发展，主要还是沿用后期罗马——拜占廷式样的服装。男女的服装款式也继承了罗马的风格，并无明显的区别，都是采用圆筒形状的长袍，长袖的款式。贵族妇女还会穿戴面衣。它不仅是面纱，而且宽大得能包住头部，甚至覆盖整个肩部，类似于修女的头巾。

在这里，我们不能不提到基督教文化对中世纪服装风格的影响。由于基督教是在和罗马帝国对抗中逐渐传播的，所以它极力反对古罗马帝国的种种流弊，尤其是古罗马后期的骄奢淫逸。所以，在中世纪初期，欧洲人的衣着简朴，平民和贵族的服装式样也基本相同。而且基督教教义不追求俗世生活的炫目，并将肉欲视为一种禁忌。于是，中世纪的欧洲居民（尤其是下层）普遍以简洁朴素为美，女性绝少刻意打扮，用长可及地的袍子将自己包裹得严严实实。袒胸露乳，故意摆出“S造型”吸引人的目光，在当时是根本无法想像的情景。

然而，看似铁板一块的欧洲中世纪，却被自己的刀剑砍出了缺口。从1096年到1291年，为了收复圣地耶路撒冷，欧洲组织了前后长达200年的十字军东征。如果从战争发动的目的来看，十字军东征可以说是彻底失败，但是它带来的影响，却改变了整个欧洲历史的进程。首先罗马教廷建立世界教会的企图完全落空，而且由于十字军缺乏组织，难以约束，其所到之处经常是焦土遍地，民生凋敝，这使得教会在信徒心目中的威望大为下降。另外，十字军打开了东方贸易的大门，导致大量自由民的出现，加速了西欧手工业、商业的发展，这成为文艺复兴与中产阶级商业文明发展的重要推动力量。还有，欧洲人还带回许多新奇的纺织品、香料、珠宝等，大大刺激了贵族的奢侈欲望，使用东方奢侈品成为一种时髦。而伴随着十字军东征，回忆录和歌曲形式的文学、诗歌兴盛起来，其中歌颂骑士罗曼蒂克爱情的章节，无疑诱导着女性意识萌芽的产生。十字军没有将基督教的旨意传播到东方，却在后院里种下了世俗生活的大树。在巨大的树荫下，人们开始质疑教条，开始拥抱尘世，开始享乐，开始追求感觉刺激。终于，紧身胸衣有了出场的机会。

魔鬼登场

女性服装的史上，必须书写11世纪的法兰西，因为在那里男装和女神发生了第一次分流，它便是corsage。这是一种胸衣，常穿在长裙的外面以为装饰。它的款式是紧身无袖，在背后系带使之紧身牢靠。卷领，领子上装饰着凸条纹和刺绣细花边，也有无领子的样式。现在看来，corsage和紧身胸衣在款式上（紧身、系带、无袖）已经有了很多相似之处，但是它还没有迈出关键的一步——刻意凸显女性的身体曲线。

虽然在前基督教时期，女体崇拜的习俗遍布古文明的各个时期。但在中世纪的居于统治地位的基督教文化中，从来没有将展示女性身体（尤其是局部器官）当作审美的，淫欲是七大罪之一，是魔鬼的诱惑，而暗示肉欲的女性曲线则是被视为大敌，所以中世纪的女装，几乎无一例外采用了遮掩的态度。

可是谁能想到，“魔鬼”居然随着一群老鼠翩然而至。在十四世纪中叶黑死病（鼠疫）大流行以后，很多人开始怀疑上帝，离弃信仰，沉湎于无休止的放纵生活。他们暴饮暴食，终日寻欢作乐，用感官刺激麻痹自己。同时十四世纪后半期，由于人口的急剧下降，反复爆发的瘟疫，使得无论是单个家庭，还是国家城市都必须采取紧急措施来促使人口的增长。这就让公共场合的性吸引有了口实。历史学这样描述黑死病洗劫过的欧洲：“当一些妇女在公开场合戴上假发，穿上低胸衬衣，任其乳房束得如此之高，竟至可以将一柄蜡烛径直搁在酥胸之上时，谁会怀疑人性已经破灭到了地狱的边缘？”

黑死病带来的恐惧，让人们向往着肉体产生的欢愉，而文艺复兴的光辉，则让女性意识开始复苏。城市里的新兴阶层，厌恶严苛的禁欲主义宗教传统，希望归返古希腊、古罗马那自然惬意的精神家园。这一观点在女性着装上体现得尤为明显，层层包裹的身体终于可以袒露在阳光下，以往被刻意忽视的第二性征，也能够大胆展示。15 世纪宗教改革家杨·胡斯写到：“由于女人穿着脖颈大开特开的服装，所以任何一个人都能直接看到她们闪烁光辉的肌肤，直至裸露的半个乳房。”

正是在这股潮流中，让女性又爱又恨的紧身胸衣，登上了历史舞台。

紧身胸衣的风潮起自西班牙，最开始它全是由布缝制而成，靠收紧带子来勒细腰肢。后来，为了强调收腰和保持整体形状，在其中嵌入了鲸须。这种紧身胸衣的造价不菲，是贵族身份的象征。有一个传说，讲得是其时西班牙正处于外国的统治之下，西班牙女王向她的臣民保证：祖国一日不自由，我一天不解胸衣！这个传说现在看来有点搞笑，真伪也有待商榷，但是却能反映出紧身胸衣在上流社中的风行。

热爱紧身胸衣的不仅仅只有西班牙贵族。法国国王亨利二世 （1547-1559在位）的王妃卡特琳娜·德·梅迪契，就是一个名副其实的“紧身胸衣发烧友”。在她的嫁妆中就有紧身胸衣，更让人吃惊的是，这件紧身胸衣居然是铁制的！这种铁甲似的胸衣分前后两片，一侧装合叶，一侧用挂钩固定。把原来用作医疗器械使用的铁胸衣，当成时装穿在身上，这位王妃也可算开一时风气之先。

正所谓“楚王好细腰，宫中多饿死”，欧洲王室对紧身胸衣的热衷，将这种审美品位深埋进了贵妇的心坎，并被她们当作传家宝一般，代代继承。当然下层妇女对紧身胸衣也不无艳羡，但她们一则难以负担高昂的价钱，二来苦于必须整日劳作，实在连穿上一试的机会也没有。紧身胸衣，居然误打误撞地成为阶层划分的物件。我们固然可以说，它的出现，是源于文艺复兴后女性自我意识的觉醒，标志着女性要凸显自己的第二性征，从而扫清中世纪禁欲主义刻意模糊男女界限的阴霾，甚至可以将其视为古代生殖崇拜的再次回归。但另一方面，我们又不能不对历史的偶然性大为感叹，如果不是欧洲王室联姻广泛，造成她们的审美品位如出一辙，恐怕紧身胸衣折磨女性的历史，也不会持续四百年之久。

从辉煌到寥落的S型曲线

在王室的推动下，紧身胸衣在欧洲上流社会迅速风靡开来，它的制作工艺也得到改善。新型紧身胸衣的缝线，从腰际向胸部呈扇形展开，不但具有装饰美感，即使大幅度的动作，也不会让衣服走形。除了前部要插入带状鲸骨或木片、金属片定型来保证腹部平坦以外，还要把鲸须按体形曲线弯好后嵌入衣身。在胸衣上沿，也要横着嵌入一条定型过的鲸须，背后的鲸须则必须挺直，从而压迫肩胛骨，使背部平坦，让胸部能更为突出。胸衣开口开始统一放到后部，腰围越来越小，“可堪赢握”从修辞变成现实。胸衣前部下端呈尖角状，这样做不仅在视觉上产生使腰看上去更苗条的效果，还能把人们的视线引向女性的两腿之间，可以说极具性感和挑逗力。

不断改良的紧身胸衣，终于在维多利亚时代，达到了辉煌。以至于我们今天提到它，大家都会不由自主地想起那个英国的全盛时期。维多利亚时代的女性经典形象是：上有紧身胸衣，下有加了裙撑和臀垫的长裙，通身装饰着蕾丝花边，面容苍白，娇弱无力。如果说紧身胸衣在发明之初还带有一点点女性自我意识觉醒的味道，到这个时候，已经完全沦为畸形的审美玩具。它将女性身体雕塑成极端的沙漏形状，所要付出的代价是健康，甚至生命。因为束缚，肺部机能被严重削弱，胃、肾、肠等器官都被迫下移，下半身血管受到强烈压迫，人体的三大机能——呼吸、消化和血液循环同时受阻，严重的时候会直接引发猝死。如果说内在的病变不容易察觉，穿着的不舒适感能立刻体会到，就算我们已经无缘亲眼目睹，但从《泰坦尼克号》、《加勒比海盗》、《乱世佳人》等影视作品的情节中，多少可以一窥端倪。

但问题也随之而来，既然穿紧身胸衣如此难受，为什么还有那么多人对它趋之若鹜？

恐怕解释这个问题，还要从两性关系入手。自文艺复兴以降，禁欲主义的藩篱被突破，人们终于开始正视男女两性的差别。如何在这新的前提下构筑两性关系，又成了一个棘手的难题。在西方文明史上，以生理上的性(sex)来截然划分男、女两性(genders)，并以此为基础谈论男、女特质与男、女在社会分工上的位置，不过是最近几百年的事。尤其是到接近十九世纪时，女人的身体成为重新定义男、女关系的战场。然而令人悲伤的是，在这战场上进行的交锋，输家永远是女性。以女性的第二性征来吸引男性，本来是无可厚非的事情，然而在男权的语境下，这种吸引变成了献媚，本身平等的展示与观察，变成了一边倒的受与施。紧身胸衣的流行正演绎着这种逻辑怪圈：男性将自己的审美眼光强加与女性，而女性为了博得认同，不得不放大其中某种期待，男性觉察到自己被满足后，回馈的是更多要求。几轮过去，不论男性和女性，大家都陷入这种愈演愈烈的误解中无法自拔。最后的结果就是，紧身胸衣的系带越来越紧，紧到勒得肋骨都折向后方。

法国启蒙思想家让·雅克·卢梭说：“看见女人象黄蜂一样被束成两半，那可不是什么赏心悦目之事。”但真要让女人拆下紧身胸衣，也不是那么容易的事情。十六世纪中叶一直到第二次世界大战前，紧身胸衣一直是盘旋在欧洲女性头上的幽灵。期间，虽然有几次衰落，但却一直挥之不去。二战虽然让全人类蒙难，但给女性带来很多工作机会。为了方便活动，累赘的紧身胸衣必须解除掉。再加上本世纪前期几位天才设计师创造的全新时尚风潮（如波烈倡导的新型女士内衣和宽松的长袍款式，夏奈尔设计的直身小黑裙等等），以及战后女权运动的燎原之势，束缚女性身体，影响女性健康400年的紧身胸衣才终于被扔进了储藏室。

纵观紧身胸衣这四百年的发展，用女性曲线雕塑史来形容毫不过分。从中世纪的完全遮挡，到文艺复兴前期的贴合身体，从适度的S形到极端的X形，展现的是女性探寻体态美的艰辛过程。为了美丽付出一些代价，相信大家都不会介意，可如果代价是健康乃至生命，这样的审美无异于犯罪。人们经常形容女性玲珑浮凸的身材是“魔鬼曲线”，真是恰如其分，它既给予足够的诱惑，又不知不觉取走最宝贵的东西作为交换。这四个世纪里，魔鬼正是居住在男性自私的欲望与女性对美的误解中，奋力雕刻着那道让世人迷醉的曲线。如今，紧身胸衣的时代已经过去，但女人们与魔鬼曲线抗争的历史远未结束，至于其中的成败得失，只能留待后人评说了。

Armani Privé 亚洲新潮

熟悉阿玛尼风格的人，一定有理由对Armani Privé今年的新装大吃一惊。几十年来，阿玛尼已经成为简约主义的旗手级人物，甚至有人揶揄到，他把全世界的女人都变成了修女。相信发表如此言论的人，如今可以闭嘴了。穿Armani Privé的女人丝毫不像修女，倒更像是南亚来的舞者。

整场发布最引人注意的就是时装的肩部轮廓。加宽垫肩的深色光感西方套装，带着阿玛尼标志性的剪裁线条，让人依稀回忆起80年代强势女性的黄金年代。但这还不是最显眼的。一系列肩部和袖笼部高耸入云的轮廓，让09年的Armani Privé拥有了话题级别的设计。这些肩部的形状夸张而富有梦幻感，观众能立刻联想到身着传统服饰的泰国舞姬。二者是如此相像，看来阿玛尼先生是有心为南亚风再添一把火。自从奥巴马夫人身穿泰裔设计师库恩·帕尼克歌尔(Thakoon Panichgul)设计的印花裙出席民主党大会后，泰国风格一时间成为时尚圈的新宠，再加上这次阿玛尼先生的鼎立支持，相信泰式风格很有可能成为继中国风、和风之后，亚洲对世界时尚界的又一贡献。

除了让人眼前一亮的肩部塑性，09年春夏的Armani Privé依然秉承着阿玛尼一贯的优雅风格，不会让老顾客觉得难以接受。没有使用南亚过份浓烈的色彩搭配，而是将素雅的中国画、浮世绘当作印花图案。极尽夸张的时装廓型，却辅以清净的花纹装饰，显示着设计者动静调和的功力，对亚洲文化研究的深入，以及对品牌自身风格定位清醒的坚持。毕竟是在设计界打拼了尽半个世纪的阿玛尼，把握分寸的功力之深，让人找不到丝毫可以指摘的地方。

Chanel 纯洁仪式

不知从何时开始，夏奈尔高级时装发布的现场布置越来越简练，而成衣秀的舞台则越来越讲究。是品牌掌控人卡尔·拉格菲尔德希望让夏奈尔高级时装那份足以傲视同行的财务报表更加锦上添花，还是有什么别样的考虑，外人就不得而知了。不过，抛弃舞台布置上的极尽机巧，能让人将注意力更多集中在时装和设计本身，这倒是个显而易见的好处。

这次夏奈尔09春夏高级时装发布，同样继续着这个习惯。适逢全球经济危机，人心不稳，卡尔·拉格菲尔德说他要把所有的东西都清除并且“从一张白纸开始”。他的决心收获了一个绝佳的效果，这个无色系列成了最近几年最值得回味的夏奈尔高级时装秀。纯白纯黑的时装，一般都是学生和刚出道设计师要做的功课，因为它最能展示服装结构，却容易失之单调，难以获得商业上的认可。不过卡尔·拉格菲尔德却让这个系列变化万端，丝毫没有单调重复的感觉。无论是简单的A字裙，还是盆领层叠式短裙，抑或白色薄纱长裙，都和常见的款式有天壤之别。为什么？除了一流的裁剪外，最大的功劳当属丰富的表面细节处理。白色面料做成了花朵形装饰，镂空的蕾丝花纹面料，极富表面质感的直线条纹，大魄力头饰都有着让人惊艳的表现。匠心独运的细节处理让这个系列摆脱了“作秀”般的浮光掠影，具有了值得收藏把玩的价值。

同时，09春夏夏奈尔秀上的时装款式也十分丰富，从裙装到裤装，从套装到礼服，几乎都囊括在一次不长的发布中，消费者尽可比照着秀场上的样板各取所需。将艺术修养和商业诉求完美的结合起来，这才是卡尔·拉格菲尔德几十年名声不堕的绝招。

Christian Lacroix 宫廷之魅

金色的纽扣和装饰腰带、多层叠加的薄纱裙摆、放肆的堆塑褶皱，不用问一定是克里斯汀·拉克鲁瓦。克里斯汀·拉克鲁瓦可以算设计界的一个异类了，当别的设计师都在遵从着市场取向，迎合着消费者喜好的时候，他却把传统看得比什么都重要。这可能和拉克鲁瓦还是一位狂热的古董时装收集者有关，他甚至承认自己的设计秘诀是让旧事物无休止地复兴，这对“喜新厌旧”的设计师们来说，无疑算一句石破天惊的名言。

不过，克里斯汀·拉克鲁瓦绝不是一个躺在传统上不思进取的人，否则他也不可能有如今的地位。本次时装发布冠以“The Designs of her Nature”之名，可见相比以往华丽夸张的风格，这次的设计将会轻松自然不少，但是拉克鲁瓦招牌的宫廷式样依然有机会登场。前襟和公主线上有金色纽扣装饰小外套，分明有着拿破仑时代贵族军官的风范。黑白薄纱束腰式长裙，依稀残留着帝国宫廷的奢华唯美。然而不知是否也受到经济不景气的拖累，这次发布中主打的是中规中矩的晚礼服，让拉克鲁瓦的拥趸们有些失望。黑底白点、橘红、洋红和紫色的长礼服，虽然气度非凡，但相比拉克鲁瓦以前的设计，明显更为保守和实用。让人印象最深的是一套金色流线形礼，从色泽到轮廓，到褶皱、蝴蝶结装饰的细节处理，标志着克里斯汀·拉克鲁瓦设计的最高水准。

这次发布的另外一个亮点是多款清新的短裙。短裙紧扣Nature的感觉，配色上有实用的黑白，有大胆的撞色。还有可爱的天鹅绒斗篷裙，圆点图案短风衣，这些都让09春夏系列成为克里斯汀·拉克鲁瓦近期最有可穿性的时装系列。

Christian Dior 历史回眸

约翰·加利亚诺一再声称现在是信贷危机而不是创意危机，自己的工作是创造梦想，为人们提供有品质、裁剪精良、有想象力的时装。Christian Dior没有让喜爱喜爱这位设计师标志风格的观众失望，约翰·加利亚诺底气十足地推出了一场09春夏少有的张扬发布。至少，从裙摆的幅度来说，他当得起如此评论。

给了约翰·加利亚诺信心的不止有LVMH集团的管理层，还有品牌的创始人克里斯汀·迪奥先生，加利亚诺这次不是一个人在战斗。从09春夏高级时装秀场上，那一套套细腰大裙、两袖蓬松的华服上，我们分明看到了迪奥先生灵魂附体。只不过相比迪奥先生的“NEW LOOK”， 加利亚诺更“变本加利”。他在肩部、上臂部用了大量褶皱、层叠装饰，而裙角干脆装上了硬质支架，使得裙子铺开的面积更大，再加上强烈收腰的剪裁，人体形成了一个夸张的沙漏形状。女性身体曲线带来的视觉效果，在加利亚诺这里被推到了极致。

如果是第一次看加利亚诺的设计，可能会被那夸张的效果震住。但这些都是他最拿手的把戏，早就轻车熟路了，本系列的另外一些灵感倒让人觉得兴味盎然。例如白色上衣硬朗的切线与蓬松纱质长袖柔曼质感的对比，例如从十七世纪荷兰绘画中挖掘出的姜黄色，例如筒状的上衣下摆和漩涡状的裙摆，还有青花瓷一般的印花纹案，这些不时闪现的创意火花，足够加利亚诺的爱好者们探讨很长一段时间。

半个多世纪前，迪奥先生的“NEW LOOK”带给刚经历过二战的人们一种对美的狂想。今天，约翰·加利亚诺的设计，能否也起到一样的功能呢？我们不知道。不过看看约翰·加利亚诺在T台上下的表现，他倒是一直在朝这个方向努力着。

Elie Saab 以Haute Couture为魂

今年的奥斯卡上，一部描写印度的电影成为最大赢家，在高级时装领域，来自黎巴嫩的Elie Saab同样传递着亚洲的声音，而他对高级时装的忠诚，甚至连很多欧洲同行都难以望其项背。

09年Elie Saab的春夏系列继续保持着Haute Couture一贯的优雅风范。轻柔的雪纺面料是发布的主轴，几乎所有的晚装都以它为基础，这让整场发布都沉浸在轻柔曼妙的浪漫氛围中。晚装最经典的款式可谓应有尽有，抹胸式、单肩式、古希腊的希顿式等等，给足了消费者选择空间。和服领样式晚装的出现是个意外，不过硬直的领子和柔软面料的对比有些过于强烈，不知道接受程度如何。毕竟Elie Saab的礼服设计重在典雅，不少女明星走红地毯时选择他也是这个原因，例如本次奥斯卡上的安吉丽娜·朱莉。

在时装的细节上，这一季Elie Saab虽然将施华洛世奇水晶运用到设计中，但是没有重复以往大面积运用宝石的先例，更加冷静而克制。颜色上着重显示了本系列的保守倾向，大面积的藕荷色与米色，让时装在有了一流可穿性的同时，缺少了些许成为话题的可能。

Givenchy 优雅的前卫

最近两年里卡多·提西屡屡把纪梵希变成潮流的指引者，常有石破天惊的作品问世。这位35岁的年轻人的全新时装取向，不但让纪梵希重新焕发了活力，也让整个时装圈的风气为之一新。

09春夏的纪梵希春夏高级时装，肯定将作为里卡多·提西又一次灵感大爆发而被人牢记。因为这次发布中出彩的地方实在太多：对面料肌理效果的准确把握，简单轮廓与复杂细部结构的统一，透视面料画龙点睛般的使用，贝壳形肩部轮廓的塑造。这些都体现着作为设计新生代的里卡多·提西的功力。特别值得一提的是贝壳形肩部轮廓。它应该是直接源于前段时间由提西领军的未来主义浪潮，但显然设计师为它在高级时装领域的出现做了优化。用柔和的面料取代塑料感面料来完成造型，在保留基本轮廓的前提下，维护了高级时装的优雅气度。而薄纱的使用更能体现设计者独特的视角。薄纱经常作为头饰和第二层布料，与其他服装搭配出现，为整个系列增加了不少朦胧感和神秘色彩。相比其他设计师采用大量重叠的方法获得奢华效果，提西的设计明显更有留白的韵味。

本次发布中，纪梵希的高级时装多以短款示人，可爱的形象取代了人们心目中的奢侈华丽。每件时装上仅出现几个有趣的设计细节，毫无堆砌之感，更多的则是展示实用的剪裁与一流的面料。如果评选不会受经济危机影响的时装系列，里卡多·提西设计的纪梵希09春夏一定排名靠前。因为它兼具着欣赏价值、可穿性与收藏潜力，更因为在提西设计中那种对时装美感不懈的探索，在任何时代都不会过时。

Valentino 向传统致敬

Valentino 也是最近几年变动不断的时尚大牌之一。瓦伦蒂诺先生宣布退休后，他的继任者Alessandra Facchinetti只干了短短两季就被拿下。这次09春夏Valentino高级定制时装发布是新接任组合Maria Grazia Chiuri和Pier Paolo Piccioli（原品牌配饰设计师）首次亮相。组合能否一炮而红，瓦伦蒂诺先生的时装江山能否后继有人，这次发布的意义非同小可。

不知道是因为Maria Grazia Chiuri和Pier Paolo Piccioli刚刚接手，还未能全情投入，还是金融风暴的影响深入人心，这场发布是灵感有余，而魄力稍逊。看得出两位新晋设计师想为经典的Valentino品牌融入许多不一样的元素，而且他们也做得相当出色。例如金色盆领开袖大衣，不对称的丝光褶皱长裙，带有青草状装饰的绿色上装，汉服一样的宽袖连衣裙，这些时装中不乏绝妙的灵感，既向瓦伦蒂诺先生追求了一辈子的优雅致敬，又闪烁着新鲜思维的光辉。对于两位刚开始执掌国际大牌的年轻人来说，这份答卷就算到不了优秀，也能称之为良好。至于如何将自己的灵感统一在一个主题之下，如何让自己设计更好为品牌的整体风格服务，则是需要很长时间来磨砺的事情，并非一朝一夕之功。

这件事相信瓦伦蒂诺先生也会赞同，因为发布的时候他就在台下，而且据说事后他看上去非常满意。Maria Grazia Chiuri和Pier Paolo Piccioli秉承着瓦伦蒂诺先生一贯的信念，女性的高雅华贵在他们的设计里体现得相当完美。而那些浓烈鲜艳的色彩，优雅明晰的轮廓曲线，更像是瓦伦蒂诺先生一手调教出来的。品牌的忠实拥趸们终于可以送上一口气了，Valentino并没有偏离他们的希望太远。

YUMI KATSURA 富丽堂皇的梦幻

2009春夏发布已经是桂由美女士连续第9次受邀参加巴黎高级时装周。这次的发布主题是“奥斯卡之夜”，被视为日本婚纱行业领军人物的桂由美的设计本身就十分契合这个主题。在发布现场，大幅面的礼服成为当仁不让的主角，尤其是以好莱坞女星费雯丽为灵感，饰有银色象牙缎的结婚礼服，辅以粗犷的银色项链，产生一种让人无法逼视的震撼力。而由浅尾美和出演的彩虹色褶皱长裙，下摆的夸张造型和大量褶皱形成的复杂表面效果，也令人过目难忘。

除去浪漫华丽的传统礼服，桂由美的设计中还有不少清新可人的小品。由几条布带和蝴蝶结装饰组成的上衣，很有结构派的味道。黑色长大衣搭配露脐装紧身裤，虽然结婚的时候不一定能穿出去，但是当作普通时装来看的话，也属于上乘。有金银色泽的闪亮面料、宽大张扬的戏装轮廓，这些元素的运用都显示着设计师开阔的视野，就算比起一贯张扬的约翰·加利亚诺也丝毫不逊色。

相比09年春夏其他的时装系列，奥斯卡之夜的设计无疑更为奢华唯美。桂由美女士带给所有观众一个精美绝伦的梦境，至于是把它当作非常时期的心灵慰藉，还是浮华世界里的过眼云烟，那就要看人们各自不同的心境了。

然而，时间推进到又一个世纪之交，事情似乎出现了一点变化。伴随着近百年来贵族权力的衰落，和大众媒体的风起云涌，越来越多原本属于平民的穿衣打扮的调调儿，也开始登堂入室，在HIGH-FASHION的领域里分得一杯羹，其中，就包括最街头不过的嘻哈风格。

嘻哈，从它的英文hip-hop能很容易找到起源。Hip是指臀部，Hop意为单脚跳，组合在一起就是扭动臀部，是一种对肢体舞蹈动作的描述。这个词语最早用来指代尚处于雏形阶段的街舞(也就是中国人曾经很熟悉的霹雳舞)，后来引申为一种音乐和舞蹈形式，甚至一种生活方式与态度。

嘻哈文化的命名者是Afrika Bambaata。他因为在一个热闹的PARTY上，随口说了一句：“Let’s hip hop！”，于是嘻哈文化——这种新兴的黑人城市文化便正式诞生了。这个典故似乎也在表明，嘻哈是一种多么自由开放的生活态度，甚至连命名都如此“随意”……。然而正是这种随意征服了全世界年轻人的心。从20世纪70年代末、80年代初嘻哈诞生开始，它迅速席卷全球，如今不论是在时代广场还是天安门广场，凯旋门下抑或明治神宫前，都能看到引人侧目的嘻哈少年，自由自信地展示着hip-hop文化的方方面面。

当然，最显眼的标志还是服饰。哪怕对服装最没概念的人，也能轻易辨识出嘻哈时装来。印有夸张logo和涂鸦的宽大T恤，同样宽大的运动鞋裤和运动裤，高尔夫球帽或者棒球帽，甚至是不同风格的头巾，纹身、闪耀的项链、戒指、手环，这些风格强烈的符号，清晰地勾勒出一个个性招摇的前卫少年形象。

按理来讲，嘻哈风格的时装元素如此醒目，很容易被设计师们采撷进自己的作品，可事实上，嘻哈风格入侵HIGH-FASHION的道路，实在是多有崎岖。传统的流行时尚，无不背靠着一个理念：依靠衣着来提高自己的社会层次。这种思路简直堵死了嘻哈风格的进身之阶。因为创于美国工薪阶级和少数族裔中的嘻哈文化，从诞生之日起就和“穷困”两字绑在了一起，在穿着打扮上也不例外。为什么要穿宽大的衣服？除了方便运动，穿着舒适之外，这种大号衣服的好处就是可以让长身体的孩子们能多穿几年，省去了贫困家庭一笔可观的置装费用。为什么会有涂鸦？这东西最早是街区内各个帮派之间划分势力范围的标志，后来才越来越漂亮精致，发展成了民间艺术。为什么会有街舞？因为黑人青年没钱去舞厅，而且当时种族歧视问题依然存在，白人舞厅也算禁区之一，所以只能在街头聚会。至于现在已经风靡全球的BLING-BLING，靠堆砌来耀财富与地位，早年的设计界肯定会目之以“暴发户”，这些举动都是自降身价的事情，怎么能见容于HIGH-FASHION？

不过，风水轮流转，随着hip-hop屡屡创出唱片销量神话，嘻哈脱离亚文化范畴，向主流文化道路高歌猛进，HIGH-FASHION也开始了向街头时尚的虚心学习。遍观掌握着时尚话语权的设计师作品，其中已经不乏浸染着hip-hop灵魂的创意了。

最明显的体现，就是超码（oversize）。80年代的贫困黑人，为孩子购买超大形状的衣服，本来实属无奈，没想到现在居然成为了世界时尚圈的浪潮。John Galliano在自己的男装品牌中就肆无忌惮地大玩oversize概念，宽松的半长大衣，松松垮垮的迷彩裤子，让看腻了HEDI式清瘦少年的观众眼前一亮。同时，John Galliano还将超码的概念引入了迪奥的高级时装领域，虽然John Galliano的高级时装设计一向以戏装般的夸张闻名，但是一定要撇清其与街头风格的关系，恐怕也不是那么容易。

嘻哈风格另外一个重点，是运动感，嘻哈文化的产生与音乐舞蹈有千丝万缕的联系，自然要求服装上要能适应街舞的肢体律动。于是，宽松，留有一定运动松量的款式，吸汗、透气性能好的弹性面料，就成了嘻哈风格的一大标志。如今，高端时尚和运动的联姻，早就不是什么新闻了，最为人称道的例子，就是阿迪达斯和山本耀司的合作。Y-3全面保留了阿迪达斯作为运动品牌的风格，更加上山本耀司对简洁款式的癖好，糅合出一种既充满运动能量，又不显得粗俗的新世纪街头风貌。

不过，嘻哈带来最深入人心的的时尚贡献，还要算混搭（Mix&Match）的风行。号称“20世纪最后的草根生活方式”，嘻哈从诞生之日就开始向下层社会的问题开火，贫富差距、种族问题、年龄代沟等，都是嘻哈想要去弥合的鸿沟。于是我们能看到，hip-hop音乐想起的时候，青年们不分种族肤色，都开始翩翩起舞。如果音乐已经可以共同欣赏，那服装为什么不能天下大同呢？将不同风格款式的衣物叠穿在一起，从一种禁忌变成一种时髦，于是混搭便应运而生，并逐渐成为全世界青年共享的时尚准则。我们甚至可以这样说，现在已经没有哪个设计师敢无视这股潮流，从Balenciage到Costume National，人人都在为多元文化下的时尚沟通添砖加瓦。

嘻哈教父Afrika Bambaata曾说过，嘻哈是一种文化，它带给人们生活中欢乐，你必须去享受它，享受它带给你的欢乐。时尚同样也应该给人带来快乐，不论是HIGH-FASHION还是街头风格。嘻哈风格为时尚界带来了又一种非束缚性的时装，让自由随性的少年心气取代了规矩刻板的保守装扮，这一点，恐怕也是当下中国最需要的。

过去半年里面，人们听到最多的字眼就是“危机”、“风暴”，“倒闭”，伴随着有百年历史的老牌银行一朝歇业，美国政府的一道道救市金牌，华尔街已经变成“风声鹤唳，草木皆兵”的荒漠，那怕是端坐在高档写字楼里的人们，似乎也都能感受到金融危机带来的阵阵凉意。当然，作为和人们生活密切相关的时尚产业，自然也无法在这场经济危机中独善其身，而且，它受到的损失甚至更大……

1.推销说，时尚消费不会受到经济危机影响。她在撒谎。

有一个和经济危机直接相关的时尚现象，很有意思，那就是裙摆理论。它是指在经济的繁荣程度和女性的裙摆长度成正比例关系。简单通俗的说就是：经济繁荣时代，女性的裙摆会越来越短；经济一旦进入衰退，短裙则随之变成长裙。历史上世界经济的波动一次次在证明着这一点，在资本主义发展的黄金事情——上个世纪20年代，年轻女子都穿短裙，但1929年股市大崩溃时，裙子都拉长了。1960年迷你裙流行时股市飙升，到了上个世纪70年代阿拉伯石油禁运，美国经济不振，当时流行的裙子却开始长及脚踝。

基本上，我们能将这个理论等同于：繁荣时期，人们热衷享受，而衰退时期里，保守主义和节俭的观念就大行其道了。这样一来，和享受生活直接相关的时尚产业，岂不是要遭受第一轮打击？

事实上，这样的假设并非耸人听闻。以和这次经济危机很相似的1929年举例，灾难前的美国经济好的出奇。汽车产量从1919年的150多万辆增加三倍，达到平均每六人一辆汽车的水平。到1927年，亨利·福特已经卖了1500万辆T型车。在加拿大，1918年的汽车总数只有区区30万辆；而十年之后，这一数字已经飙升到190万。发电量增长一倍以上，各种电机及电器日益普及，电冰箱、洗衣机已成为日常用品。这时候，保罗-波列、夏奈尔、蒂凡尼等已经成名，尤其是保罗-波列，他豪华夸张的时装造型广受妇女，尤其是贵族和大资本家追捧。蒂凡尼等奢侈品商店中更是灯火通明。

但在转眼而至的“大萧条”中，美国企业破产l09371家，作为20年代美国经济繁荣标志的钢铁、汽车和建筑等行业的衰退更是明显。奢华的豪宅成为历史，城市中的无家可归者用木板、旧铁皮、油布甚至牛皮纸搭起了简陋的栖身之所。汽车成为摆设，甚至由于无力购买燃油，有人竟然改由畜力拉动的汽车。高档的时装不在有任何意义，露宿街头长椅上的流浪汉只能身盖报纸。

相较1929年，这次的经济危机对时尚行业的影响，无疑更大。因为如今时尚行业和奢侈品行业的容量，相比1929年已经不可同日而语言。已经有不少时尚行业的巨头出来放话，唱衰未来几年的时尚行业。全球第二大奢侈品企业历峰集团表示，由于全球两个最大经济体的需求减弱，该集团的潜在增速已降至10%，较之以往下降4个百分点。美国最大名牌手包制造商Coach也表示，第二财政季度，公司美国零售店的同店销售额下降了1.1%，而在2006年的圣诞销售季，该公司同店销售额上升了25.7%。Coach表示，交易规模的下降出乎公司“意料”。日本百货公司联盟的数据，跟去年同期相比，今年8月份，百货公司的销售量下跌了 3.1%，是连续6个月以来的持续下滑。路易-威登敞亮的专卖店中，浏览那些价格最高达5,000美元的包、鞋和高级女装的客人寥寥无几。当这家LV店刚开业的时候，购买的长龙排到了店外。在印度，筹划了两年的新德里Emporio 购物中心近日开业，成为印度第一个奢侈品高级购物中心。这里的工作人员看起来很有信心，但该购物中心只有一半的地方进驻了品牌店，另外一半还空着。 B&O是丹麦的一家全球顶级数发烧音响和家庭影院品牌，仅一个mp3播放器的价格就达到了约6000元人民币，今年一月份以来，这个品牌的销售量已经下降了63%，公司也已经连续3次调低了今年的销售预期。

就像一位年轻白领所说的：“我的一些朋友确实喜欢买设计师产品，但现在品牌已经不是最重要的了。我们现在谈的大多是食品价格，油钱，生活成本。”的确，经济危机时期的消费者会注重节约，减少奢侈品的消费数量，这已经是不争的事实。要是导购小姐还在怂恿你买高档奢侈品，一定要警惕。因为月底，高额的账单和公司解聘书可能同时到达你的邮箱。

2.时尚动物的主张是：宁被打死，不被吓死。宁可挨饿，也要血拼。

如果在繁荣时期，上面的口号被视作理所当然，可是在萧条时期，这不是自寻短见么？

等一下，也许他们说的不无道理，没准这真是捱过寒冬的好办法！因为有调查显示在1973 年美国石油危机期间，83 %的消费者承认自己比以前更经常地购物！并不是因为经济危机到来而视消费为洪水猛兽，而是迎着困难前进，为什么？难道时尚消费真的有如此魔力？

造成这个不可思议现象的原因是：一方面，消费是很多女性缓解生活压力的首选方法，而身处经济危机中，尤其需要放松心情；另一方面，在萧条的背景中，购物本身也是一种相对比较便宜的娱乐活动，而其，就算是本着挑便宜货的初衷，寻找、选择的时间也自然更长久了。

最近发表的一个研究称，经济衰退使得人们纷纷对自家经济状况感到担心，但是女性的忧虑更多，女性比男性更容易有经济上的不安全感。所以对于身处金融中的白领丽人们来说，节衣缩食也许并不是唯一的选择，在自己力所能及的范围内适度的消费，其实更是一种自我调节。已经有科学家通过试验证明了，购物既能帮助女性缓解压力、平衡情绪，也能帮助她们表达快乐、增加快感。就算身处萧条之中，女性也没有必要对自己过于苛刻，甚至导致生活质量直线下降。

不过，当大家都捂紧自己钱袋的时候，时尚产业便要面临如何引导大众消费的问题。其实，对于这个问题，时尚产业和奢侈品行业可以算早有准备。在 1990～1991年的美国经济危机时期，美国的消费者都喜欢买大容积和大批量的产品，因为他们觉得这样比较省钱。同样的事情也发生在金融危机后的亚洲国家。于是在这个时候，“价格便宜量又足”的香水、化妆产品，就成为商家的首选。此时的消费者相对偏好一些低价格的品牌，因而购物的地点一般来说也会由以前相对高档的商店转向比较大众化的商店，比如，大型超市、折扣店和直销店等。精明的时尚产业自然会将这些地方作为自己的桥头堡，向大众推销自己的产品。

还有一个有意思的现象，在大萧条中，女性消费者尝试新鲜产品的意愿明显减少，在做出消费决策前，会进行特别仔细的调查和比较，而在购买过程中还会有特别激烈和反复的讨价还价行为。这让不少以往的推销方式无所适从。不过自然有商家认识到了这一点，他们抓住了具有多种功能的产品会比单一功能的产品好卖的机会，大做文章。比如，美国经济危机时期，有厂商推出一种新式口红，这种口红两头都可以用，可以涂两种不同颜色，结果很受欢迎。

上面说到的，只是时尚产业在危机中求变的一些表面、细节做法，真正能抓住非常时期女性心灵的，却是风格的转化。例如，夏奈尔风格的流行，甚至可以说有经济危机的一份功劳。由于萧条和恐慌不约会而至，保罗-波列那种夸张，豪放的帝国贵族样式已经风光不在，夏奈尔那种简单却实用的款式，却前所未有地深入人心。而且，夏奈尔女士也有着惊人的胆识，她不顾经济危机的影响，毅然决定拓展自己的珠宝事业。用廉价的塑料取代昂贵的珍珠宝石，用可以分拆组合的款式取代珠宝原有的复杂造型。这些改变让珠宝有了可奢华可简洁的全新概念，为萧条时期的女士送去了欢愉。

人类历史中每一次危机，都成了设计师展示才华的舞台。911事件后，有不少设计师都特意在自己的作品中增加亮丽的颜色，有趣的款式，为的就是让更多人能从痛苦和恐惧中走出来。“我爱纽约”这个经典LOGO又大红大紫起来。这次金融风暴也不例外。经济危机下的时装周，Marc Jacobs却开始挑战裙摆理论，模特们展示的迷你裙看上去短得几乎像没有了一样。Vivienne Westwood和Giles Deacon也推出了令人炫目的新系列。如同纽约精品店Bergdorf Goodman的CEO Jim Gold所说，女人们并不会因为经济衰竭而打消自己的消费欲望，而是希望能买点特别的东西回去。诚然这个世界已经一派萧条，但尽我们所能为生命增加一点色彩，又有何不可呢？如果说在繁荣中，人们看重的是时尚能彰显个性，那在危机中，我们需要它来温暖自己的心灵。危机总有结束的一天，只要生活在继续，真正的美就永远不会被埋没。这正是在经济危机中，时尚产业应体现出的价值。

世间再无引路人

法国时间2008年6月1日，一代时装巨擘伊夫·圣·洛朗在巴黎去世，享年72岁。从此，他那白皙瘦削的面容，轻薄纤弱的嘴唇，挺拔高耸的鼻梁，乱中有序的半长头发，敏感而锐利的目光，以及宽大的黑色玳瑁框眼镜，都将被封存进历史的相册，人们再也无缘亲见。但是，那连缀起来的斜体字母——Yves Saint Laurent，和他创造的无数经典设计一起，为时尚界留下一道永恒的彩虹桥，永远联通着服装的右岸和艺术的左岸。

1936年8月1日，伊夫·圣·洛朗出生于法属北非阿尔及利亚的奥兰，父母都是法国人。和老一代时装设计师多半出生贫寒不同，伊夫·圣·洛朗家境相当富裕，他的父亲是一名成功的商人，拥有保险事业及电影制作事业，祖上甚至有人曾被授予爵位。可以说不论是经济地位还是社会威望，伊夫·圣·洛朗的家庭都是名副其实的上流社会中坚。

由于生活在这样的家庭环境中，伊夫·圣·洛朗很小就能接触到各种高级时装珠宝，这也培养起他对美的品位。还是孩子的他，就已经开始为母亲的的晚宴着装出谋划策，开始为自己的娃娃剧玩偶制作服装了。从那时开始，他便把全部兴趣都放在了时装上。十岁生日的时候，伊夫·圣·洛朗许愿，希望自己的名字能出现在香榭大道上。相信他对这个愿望的实现从来没有怀疑过，但是大约伊夫·圣·洛朗自己都没想到，梦想变为现实的速度会如此之快。

让伊夫·圣·洛朗如此迷恋时装设计的另外一个原因，恐怕和他的性取向有关。伊夫·圣·洛朗很早就知道自己是个同性恋。但在半个世纪前，这种性取向毫无疑问被认为是一种伤风败俗的病态。为此，少年伊夫·圣·洛朗没少遭受来自同学的白眼和嘲笑。我们几乎可以想见，他纤细而敏感的个性，以及选择时装设计——这个当时还未受男性世界广泛认可的领域，多半与伊夫·圣·洛朗儿时的心境和遭遇有关。

不过，后来的事实证明，伊夫·圣·洛朗的选择再正确不过。他在1954年国际羊毛组织的设计大赛上崭露头角，成为巴黎时尚界一颗冉冉升起的明星（值得一提的是，伊夫·圣·洛朗当时获得的是第三名，而第一名的获得者正是当今时装界如日中天的“凯撒”——KarlLagerfeld，在第二年的设计比赛上，伊夫·圣·洛朗终于获得冠军）。十八岁时，伊夫·圣·洛朗高中毕业，进入著名的巴黎时业公会学校学习时装，但是他最后选择了辍学，并在Christian Dior的工作室中谋得一份工作。伊夫·圣·洛朗那改变全世界女性形象的传奇设计师生涯，也就此正式起步了。

1957年10月24日，法国时装界领袖，52岁的ChristianDior突发心肌梗塞离世，年仅21岁的伊夫·圣·洛朗临危受命，接管下老师未竟的工作。以如此年纪便在当时的世界时装舞台登顶，除了运气的因素外，也是对伊夫·圣·洛朗才华的肯定。要知道，Christian Dior在世时，工作室制作的三分之一的时装就是出自伊夫·圣·洛朗笔下。1955年，Rid Avendon为BAZAAR拍摄的著名时装片“Dovima与大象”中的礼服，即是由伊夫·圣·洛朗设计的。伊夫·圣·洛朗并没有辜负人们对他的期望。次年，他在Dior发表了第一个时装系列“Trapeze”。Trapeze系列带给人们明亮、灵巧、年轻的新气象，伊夫·圣·洛朗从此一炮而红。

然而，在ChristianDior担任首席设计师，并非那么轻松的差事，尤其对于有着强烈创新精神的伊夫·圣·洛朗来说。Christian Dior以NEW LOOK系列设计闻名于世，提倡的是女装的奢华感和对女性自然体态适度夸张的凸显，虽然号称“NEW LOOK”，但其精髓是对战前女装的继承和再创作。可是，时年二十出头的伊夫·圣·洛朗，却是在二战后席卷欧洲的新思潮中成长起来的，他对时装的理解更为激进和先锋，和Christian Dior的复古主义有明显的区别。这一点在伊夫·圣·洛朗为Christian Dior创作的时装系列中越来越清晰地表露出来。其中，1960年他以法国歌手JulietteGreco和垮掉的一代为灵感的Beat Look系列，无疑是最好的例子。鳄鱼皮夹克的狂野粗犷，运动剪裁迷你袖子的玲珑利落，黑色大外套的简洁实用，都为这个系列赋予了和Christian Dior大相异趣的街头风格。如果从现在的审美品位来看，伊夫·圣·洛朗的Beat Look系列将街头元素引入高级时装，是具有革命意义的尝试，在半个世纪后的今天，类似的设计手法受到广泛追捧。但在当时，这种“过火”的设计并不讨Dior老客户和品牌领导层中一些人的喜欢，也导致了伊夫·圣·洛朗最后和Christian Dior董事会的不欢而散。

1960，对于伊夫·圣·洛朗来说，注定不是一个充满幸福回忆的年份。由于当时他的故乡阿尔及利亚情况吃紧，这位时装艺术家应征入伍开始了军旅生涯。不用猜都知道，伊夫·圣·洛朗这样纤弱而敏感的上流社会公子哥，怎么可能适应艰苦严苛的军队生活？更别提他内向感性的性格面对粗鲁，毫无隐私可言的集体生活，只能用灾难来形容。于是，在这种折磨下，伊夫·圣·洛朗彻底崩溃了，他被送到南部的一家精神病医院修养。在治疗期间，医院给使用了电击治疗和大量镇定剂，以至于在今后的人生中，伊夫·圣·洛朗再也没有能摆脱对各种麻醉品的依赖。不过，在时装事业上的波折恐怕给了他更大的打击。Dior董事会以健康原因解雇了这位少年天才，旋即把职位交给了他曾经的设计助理MarcBohan。明眼人都知道，健康不过是Christian Dior高层的借口罢了。

但是，正如中国人所说——“福祸相依”，1960年的噩梦却给了伊夫·圣·洛朗重新选择的机会。在合作伙伴兼同性情侣Pierre Bergé的帮助下，伊夫·圣·洛朗脱离老东家Christian Dior，以自己名字命名的品牌，组建新的时装公司，由此开始了一段所有时装历教科书都无法忽略的传奇。

自1962年1月29日，伊夫·圣·洛朗品牌的第一个时装发布开始，几乎每隔几个年头，都有令世界为之一震的作品出现。从吸烟装到蒙德理安裙，从狩猎外套到鸦片香水，从中国风格到非洲情调，从为著名影星Catherine Deneuvs设计剧装到命名为“左岸”的成衣系列，60、70、80年代，伊夫·圣·洛朗在世界时装舞台上可谓呼风唤雨，他的每次出手都让人过目难忘，而且每每切中时代脉搏，成为引发时代风潮的话题级别作品。在创作欲望最旺盛的日子里，伊夫·圣·洛朗开始全面推进自己在Christian Dior工作室里没有完成的事业——为这个时代的女性重新树立形象。伴随着社会革新运动在全世界范围内方兴未艾，伊夫·圣·洛朗在时装中践行着“男女平等”的原则，而他用的方法就是被后来者推崇备至的“中性化风格”。

所谓中性化，简单说来，就是在服装上模糊男女两性的性征。二次世界大战期间，因为战时造成劳动力锐减，不少女性开始承担起平时由男性负责的工作。由于物资匮乏和工作需要，女性也开始尝试穿着男人们的衣服，以至于在战后一段时间内，女士服装的男装化倾向相当明显。不过，Christian Dior“NEW LOOK”的出现改变了潮流，强调女性的身体曲线（尤其是胸部和臀部），要求服装的审美感超过其实用功能的设计再次成为主流。

时过境迁，女权运动的蓬 勃发展，让女性又一次开始重新审视自己的躯体。然而这次，她们需要的是已经不仅仅是能穿上男人的衣服，更要这些服装摆脱宽大、粗笨的传统形象，变得精致时 髦起来。和战时不同，新时代的女性不但拥有选择的自由，还要有按自己喜好随意改变的权力。正是在这种思潮的影响下，伊夫·圣·洛朗设计出根据男士吸烟装改良的“LeSmoking”，它保留了男士礼服的几乎全部特点，却在剪裁上完全贴合女性身体，服装的轮廓玲珑雅致，成为女士礼服的经典之一；以男士套装为蓝本，但加宽裤脚以获得摇曳柔美感觉的设计；从猎装中借用粗犷感，再靠腰带来勾勒女性上半身精美的线条，这些都为中性化风格做了最完美的注解。

在改良男装为女士服务的同时，伊夫·圣·洛朗也在大胆抛弃着束缚女性身体的时装款式。他是胸罩最坚定的反对者之一，要求模特全部真空上阵，去展示性感的透视装。可以想像在40年前，这个举措会带来多大的轰动。

伊夫·圣·洛朗曾经说过：“在我的作品里，外在影响最大的来自男装，比如吸烟衫、连身裤和长裤套装。但艺术的感染力却扮演着核心的灵魂角色。”在审视他的经典作品的时候，我们不难发现其他艺术门类，尤其是绘画的影子。伊夫·圣·洛朗承袭了自夏帕瑞丽以降“服装画家”的传统，利用剪裁精美的时装为画布，创作着属于自己的艺术作品，其中最著名的要数他的蒙德里安系列和毕加索系列。这一设计手法从他热衷于收藏绘画大师作品的爱好上（尤其是那些曾经给予他灵感的艺术家如蒙特里安、巴勃罗、毕加索以及亨利马蒂斯）就能管窥一二。

在伊夫·圣·洛朗的时装中，我们也能经常看见各种异域情调融入。他的设计，不只体现时尚都市的风格，还表达了对未知文明强烈的好奇感。伊夫·圣·洛朗的中国情节早已举世公认，著名的“鸦片”香水据说就是东方之行的产物。上世纪70年代开始，他就开始选用大量的黑人模特，这在时装史中是前所未有的，他对黑人女性在时尚界地位上的提升，有着不可磨灭的功劳。同时伊夫·圣·洛朗也是第一个离开塞纳河右岸，在左岸开工作室的著名时装设计师。左岸是拉丁区，是穷人和贫困艺术家集中的地方，看来在伊夫·圣·洛朗心中，地位、名望、包装这一切的一切，远没有艺术本身来得重要。

也许正是伊夫·圣·洛朗对时装艺术的诚恳，让他在时装历史上留下了浓墨重彩的一笔。没有一位现代女性的衣橱和她们的着装生涯不曾受到伊夫·圣·洛 朗的影响，很难找到一件大众熟悉的服装不是由他最先倡导的，你也很难找到一位后辈设计师没有从他那里汲取过灵感。这位终身沉溺于各种麻醉品，感情生活波折 不断的设计师，有时连上台谢幕都需要模特的搀扶，但是却为近半个世纪的潮流画下了一道无比清晰的轨迹。更重要的是，这轨迹中饱含着自觉、自省、理智、克制 这些现代人最缺乏的精神气质。所以伊夫·圣·洛朗看不上Tom Ford、加利亚诺们，当得知Tom Ford要离开Yves Saint Laurent时，他在电话访谈里毫不客气地抨击道：“这样最好。我并不欣赏Tom Ford设计的Yves Saint Laurent系列服装，他没有领悟我的精髓。趁现在还没被他毁于一旦，这个品牌还有得救。”的确，穿Yves Saint Laurent的女人也许不富有，更不愿抛头露面、搔首弄姿，但她能给你清楚解释《追忆似水年华》中的每个意象，相形之下TomFord的设计只适合为住进贝弗利山不择手段的三流女演员。伊夫·圣·洛朗时装中浓浓的精英（或者说知识分子）味道，很难为饱餐麦当劳，沉溺嘻哈乐的人们所理解。所以上个时代盛极一时的伊夫·圣·洛朗，在新千年里只能用晚景凄凉来形容。大众对他的兴趣，已经全都转移到性取向、酗酒、嗑药这些八卦上，他在大众心目中的形象，也从艺术家堕落成老顽固甚至老变态。除了放置在博物馆中供大家瞻仰，那一套套曾经照亮20世纪服装史的巨作，再也无人问津。人们在安享着老人遗留下来笔笔财富的同时，也毫不犹豫地将他扔到了时代车轮之下，“和光同尘”，“挫锐解纷”，直至老人身后那一片金光耀眼，BLING-BLING的“天下大同”。

2008年6月1日，艺术家伊夫·圣·洛朗离开了我们。

从此，世间再无引路人。

老有人说我不更新，发飚了~~！

开始更新，小说~~！每隔几天发几篇，这下更新的快了吧。

哈哈，我还有10万字的库存呢，怎么也能对付半年吧？

小雷听说你荣升了，呵呵，也帮我推推BLOG吧。哈。

最后，想看的就看，不想看的~~

我也没办法。哈

时尚村里的年轻人

序章

时尚村，生我养我的地方，我最爱的家乡！每次从远方眺望你，我都热泪两行。我以这个村子为骄傲，为自豪。你是如此引人入胜，叫我怎么能把你遗忘？

——以上引用自时尚村村委会评定的十大爱村金曲第三名。

每次我都想用纸笔把我眼中的家乡记录下来，可是苦于自己不是闲来无事就是俗务缠身，一直未能如愿。直到光荣地从村支书岗位上退下来，这才有了码字的功夫。这说明写书需要的是压力和动力的，二者缺一不可，否则就一定成为传说中的“太监”或者“大坑”。我现在的动力是我对村子的爱，以及当村支书期间的见闻。压力则是卸任后，没有了公粮，手头拮据。想想“美丽见村”、“应吉利村”，村领导下台后，人人都写回忆录，个个挣得盆满钵满。我就不信咱们时尚村民的审美品味不如他们？笑话!所以我也毅然拿起笔，为自己家乡的精神文明建设再度添砖加瓦。

好了，抒情结束。还是按照惯例先介绍一下我们村的风土人情。每次上级派人来检查，这个环节起码要说个十万八千字。现在是写给自己人看，就一切从简，免去罗嗦了吧。

时尚村之所以得名，和什么“FASHION”、“STYLE”关系不大。虽然我村是出了名的物华天宝、人杰地灵，走出过一辈辈领导世界新潮流的人才，但那都是后话。当初起名的人——也就是老一代领导核心，都是养鸡锄地出身，基本不知道什么是“翻驯汗丝带袄”。他们来这里也是为了垦荒和扩大养殖面积的，刚来这山沟的日子里，有时候还吃了上顿没下顿呢，能管得着国际流行趋势？

再说了，以前他们还没到时尚村的时候，净受那些假洋鬼子的挤兑。动辄告诉他们“牛要克”的鸡蛋期货指数大跌，让他们赶紧将自己手里的上好产蛋芦花鸡贱卖。老前辈们不愿意吃亏，这些假洋鬼子就偷偷塞给号称“县城菜市场喉舌”的孙二娘几把钱，让她去散布诸如：“卖鸡要听鬼子话”、“当套现时需套现，落袋为安才算钱”之类的流言蜚语。要是还有人执迷不悟，假洋鬼子就联合县城的师爷衙役逼迫他们出货，美其名曰：“强制平仓”。为了这事，经常发生不和谐事件。其实，这些上好产蛋芦花鸡都叫假洋鬼子暗地买去囤积起来了，等到事情一过，鸡农们再组织货源的时候，换个名堂让老前辈们又高价买回去。

后来这事让咱们老前辈琢磨明白了，这不明摆着欺负人，挣昧心钱么？一气之下，罢市。几个有气性的鸡农干脆带着铺盖家什出了县城，跋山涉水来到现在的时尚村，在这里安顿下来。养鸡卖不出钱，还不兴我自己吃么？没有想到时尚村的风水好，孵出的三黄鸡个个精神，鸡蛋鲜美无比，黄白分明，做成了白切鸡更是滑不留口，弄到县城价钱是蹭蹭得涨。假洋鬼子们这下不干了，还想用老办法逼咱们就范。玩去！爷们儿都见识过，而且吃过亏了，哪里还能再上一次当？咱老前辈们联合起来，组织“团结工会”，不吃你“完美市场”那一套，惹毛了我，哄你个有价无市！最后，在鲜美的鸡肉面前，假洋鬼子们屈服了，三黄鸡的定价权利重新回归人民手中。在这次事件中，因为领导斗争“有理、有利、有节”，从而诞生了时尚村最早的三任支书，他们被村民亲切的成为“三黄”。

这次事件经过孙二娘的宣传报道，变成人尽皆知的传说。据说后来有人总结了正反两个方面的经验教训，分别写成了两份纲领文件。多少年后，偶然发现正面文件的人如获至宝，并召集第三世界产油国的阶级兄弟成立了个什么“哦劈个”，用城里小姑娘每日梳妆必须的蝇头绿豆油狠狠算计了假洋鬼子们一把，从此这些假洋鬼子们要进货全得看咱脸色。可见村里人民大团结不仅仅是政治教育，更是多么有经济价值的一句口号啊！

拿到了反面教训的人是个艺术家，不好勾心斗角的政治把戏，就根据这个故事创作了一部偶像剧，名字是《为YY而战的五小强》。这部剧是长演长红，其中有一句风靡全球的台词：“同样的招数不要对小强们用两次”，据说就是当时假洋鬼子和“三黄”签协议时的哀号。

“三黄鸡事件”是时尚村建立的开端和契机，但真正让村民拧成一条心，形成归属感的却是另外一个事件。

那也是在建村后不久，一伙假洋鬼子突然闯到村里勘察，说要在这里建个什么中央商务区，而且给所有村民描绘了一个绝对诱人的宏伟蓝图。正当大家对美好的未来无限憧憬的时候，有明白人站出来说话了。原来，他们当年曾经被这伙假洋鬼子蒙骗过。

几年前，同样是以建立xx区为由，同样是许诺丰厚拆迁条件，这些人的村子被假洋鬼子征走了。可是，原来的民房扒掉后，迟迟不见开工，什么大厦、绿地、快速联络驴车道，全都没影。后来大家才弄清楚，这伙人原来是专业炒地皮的。策划了一个案子后，再找个“凯子”，让他用天价接手，自己的就颠儿了。什么拆迁款、回迁房，人家压根没想给你。后接手的人，看事情不对，要么重复前任的方法——转卖，能捞点算好，捞不到就少赔点。最后砸在手里的商人，干脆来个破产，县城衙门的红条一封，什么都不剩下。反正破产也不能把我剐了卖钱，滋润日子还是照常过，可村民的钱和地就都交待了。最后，一个村的人叫天不应，叫地不灵。脾气大的，倒下几个，其他人一看，自己的委屈根本没有人管，也干脆认倒霉。投亲靠友，各奔东西了。

几个人把经历一说，起先大伙还沉浸在美好的幻想里，不太相信，认为同样的事情不会被自己摊上。好在三黄鸡事件给大家的教训还历历在目，仔细想想，可不是吗，哪有在离城七八十里的山沟中间建商务区的道理？来回一趟就要两三天，鸡蛋都孵出小鸡儿了！再仔细掂量一下咱这的地形、地貌、环境、设施，也就建个把黑店靠谱，还不能太多，否则来一个咱就要磨刀霍霍地夹道欢迎。一年被劫的行人怎么数都不够一家分一个的，早晚得黑吃黑，火拼起来。

有道是：人民的眼睛是雪亮的。刚受过教育又扎堆的人民们，更是从来不可欺！这次大家下定了决心，一起来抵制骗子的嚣张气焰。骗子们有点傻眼，从来没有见过这么有觉悟的村民。这伙假洋鬼子连蒙带吓，也没有唬住咱老前辈。最后连地痞流氓都出动了，但是，在我村民大无畏的正义精神下，地痞流氓全被赶回了城。

这是时尚村的第一次保卫战。但追究胜利原因，却不太好意思说出口。谁叫咱们这太偏僻，骗子为了省雇驴车的钱，让流氓都腿儿着来。到了村口，仗还没有打起来，人就全趴下了，最后正好被咱以逸待劳。据说后来城里的黑道老大痛定思痛，认识到了后勤保障的重要，给自己的兄弟全都装备上了各式牲口。除了做代步工具，省时省力，以免再发生“不战而屈己之兵”的恶性事件外，这样做的另外一个好处就是有效减少了兄弟的伤亡。自从配备牲口后，流氓打架都改在了西郊三十里亭，那里豁亮僻静，衙役们也不愿意跑远路去抓人。要是谁事先想给对方一个下马威（这词也是这时候兴起的），又碍于道义，不能在约定的时间之前废了人家，可以把他的马（或者驴或者牛）头剁下来，趁半夜扔人家卧室里。意思就是说：我们必将像时尚村居民一样海扁您一顿，VIVA！

这个举动很有古代遗风，也有些巫术的意思。因为大家都知道，身为老大不可能只有一匹马（或者驴或者牛），所以这样至多能给自己讨个好彩头。而对马（或者驴或者牛）不对人，最大限度的恪守了道义传统，保护了道上兄弟，甚至有些骑士礼仪的味道。后来，《牛要克黑帮时报》驻县城站记者将整个事件详细记录，并以《它改变了黑道》为标题写成一篇轰动性报道。结果是，这个举动成为了国际黑帮大会颁布的《标准江湖规矩》第二修正案第五条，也成了以后全世界黑道大哥的行为准则。

扯远了，回来。经过这次战斗，连地痞带骗子全都歇菜。假洋鬼子留下已经建好的拆迁办和样板间，连夜就溜了。后来这地方成了现在的村公所所在地，变成了时尚村的胜利纪念馆。由于在这次保地斗争中的优异表现，又有五位积极分子成为了村支书。后来的居民尊称这些为时尚村做出卓越贡献的人为“五地”。

这些历史和时尚村名字的由来有着不可分割的联系。它给我们留下了许多思考。正是因为老前辈在斗争中求生存，在斗争中求发展，才有时尚村的今天。如果当时他们拘泥于过去的传统，不好好学习新的经验，肯定在三黄鸡事件中败下阵来。如果他们没有“我为人人，人人为我”的情操，也肯定不会在保地运动中贡献自己全部聪明才智。由此可见，“与时俱进，崇尚美德”是多么重要。

后来给村子命名的时候，我们也缅怀着这些老前辈，追忆着他们的智慧与情怀。最后，时尚村三个字脱口而出，成为广大村民呼喊着的神圣名字。

我们的“时尚村”。就这样诞生了。

交代了一番时尚村的历史，再简单说说本地的风土。风土究竟如何，我就不直接说了，有吹嘘之嫌（谦虚是当村支书时候做下的病）。就说一件小事吧。当年我们村办作文大赛，班小固同学、张小衡同学、左小思同学各写了一篇歌颂时尚村的赋，结果把阅卷老师感动蒙了，大家不约而同得深刻感受到：能生活在时尚村，是个多么应该感恩的事情啊！要不是这个月每人刚扣了200块校长妹妹结婚的份子钱，大家一定再为我们美丽的村庄捐献一次。

尤其是左小思同学的文章，看得老师们眼泪哗哗淌，擦眼泪的手纸，一张张往外抽。买空了学校小卖店不说，最后找到村委会，要求紧急调拨卫生纸应急。那有什么话说？再穷不能穷教育，村干部一声令下，村里男女老少不顾自家存货多少，都出来捐献卫生纸支援教育。结果三个月内，时尚村里所有纸张价格居高不下。这次“纸贵事件”后来被媒体知道了，咱们村又成了“爱教支教”的典型，省城发行量第一的杂志——《小妹妹是线郎是针》，以《慢慢擦呀慢慢抹，痴心村民的爱呵护流泪不止的女老师一路同行到天涯》为标题，做了20个P的追踪报道。

这件小事，从一个侧面反映了咱们时尚村的风土人情。班小固同学、张小衡同学、左小思同学的文章很长，也就不一一引用了。要是简单说，那就是群山环抱，地肥水美，物华天宝、人杰地灵。

这人杰地灵可不是吹的。按照村委会前宣传干事李小斯同学的说法，咱们时尚村里人，“致昆山之玉，有随和之宝，垂明月之珠，服太阿之剑，乘纤离之马，建翠凤之旗，树灵鼍之鼓”。 李小斯同学说话好拽个文辞，大家看着费劲，其实他的意思简单来说就是：十里八乡也没有我们这样风光的。为什么？首先就是我们的村支书领导有方。本来时尚村就是民风淳朴的地方，再加上省城里的地痞流氓也在村口吃过瘪，都视咱们村子为禁地，谁也不敢来滋事。偶尔有些治安事件，我们也下大力气治理。对于那些守村规的同学，我们每年评比一次，选出十大代表，让他们头插金花，十字披红，骑马巡游，让他们成为所有村民的楷模。对于那些不听话的同学，我们开展“多帮一”，先进带后进，给他不停摆事实讲道理，务必让他听个仔细。如果还不悔改，除了正常的一日三十次谈话，还要他们早请示晚汇报，每天交两万字心得体会。这样不用一个礼拜，什么歪毛淘气的同学都能变成要求进步的优秀青年……

停！怎么又变成我的工作报告了，这不是回忆录么？职业病，职业病。官僚主义害死人啊，还是赶紧转入正题。

那么就从这里开始吧。

时尚，从古到今，都是有钱有闲的人玩。其中，玩的最疯狂的，就要算各个时期的年轻人了。他们有时间，有精力，有对新奇事物的爱好，如果再有那么一点银子和社会地位，那简直就是天生的时尚圈内的奋斗者。世界时尚发展历史上，这些有着无穷热情的年轻人创造了数不清的新潮流。花花公子风、纨绔风、嬉皮风……让各个时期的老爷爷们都看到眼镜大跌。

不过，年轻人的创造力可不是只有在国外才能发挥，本乡本土的人，照样活的潇洒，玩得尽兴。不信，咱们就数数古书里的时尚人吧。

一等时尚村民 屈原

屈原（约前339～约前278),名平。初任楚怀王左徒、三闾大夫。因主张彰明法度，举贤授能，联齐抗秦，受怀王稚子子兰及靳尚等人谮毁而革职。顷襄王时，屈原被放逐，他无力挽救楚之危亡，又无法实现政治理想，遂投汨罗江而死。

要说屈原，可以说是中国历史上最知名的时髦人士，而且，更重要的，他比许多只将时髦的年轻人，多了一份忧国忧民的情怀。这可是很值得人尊敬的，也一扫“时尚人士无大脑”的基本判断。如果把他拉到近代，屈原怎么也能和切·格瓦拉齐名。可是，咱们过世早，传下来的资料没有那么丰富，所以暂时也享受不了世界级别偶像的待遇。

要说屈原是时尚人士，你绝对不能不信。为什么？首先，人家出身高。屈原的远祖是颛顼高阳氏，应是夏氏族的一部分。据《史记·楚世家》说，高阳氏六代孙名季连，是楚的创业始祖。周成王时，季连的曾孙熊绎受封于楚，居丹阳(今湖北秭归)，传至熊通(一作达)，就是楚武王。其子瑕，封采邑于屈，子孙就以屈为氏，所以屈是楚国姓的分支。自春秋以来，屈姓历世都担任楚国的显要职位，担任高级官职莫敖的有屈重、屈完、屈荡(前后两见)、屈到、屈建、屈生等。

什么意思呢？简单说就是屈原是百分百的贵族。不但祖上论到三皇五帝，而且世代担任楚国的显要职位。比个光有贵族血统，只能靠卖唱为生的辣妹强太多了。贵族出身天生就带着时尚感，否则那么多高档楼盘、珠宝手表什么的，干吗要打着皇家血统的旗号？要是买臭豆腐出身，那多有亲和力。嚼谷着同时，把千万大宅拿下，省时省力，两全其美。干吗非要弄辆四轮马车当参观车，门口再放一对狮子呲水，费这劲为了什么？贵族品位！懂不？贵族贵族，不但要贵，而且要做足工夫。所以咱们三闾大夫底子好，根正苗红，都不用叨饬，天生时尚人士的料。

接下来，屈原的政治理想的内容是“美政”，即圣君贤相的政治。他认为只有圣君贤相才能改变楚国的政治和社会的现实，使楚国强大起来。他热烈颂扬古代的圣君如尧、舜、禹、汤、后稷、文王以及齐桓、晋文和楚之三后等，热烈颂扬古代的贤臣如伊尹、傅说、吕望、周公、宁戚、箕子、介子、比干、伯夷、叔齐、伍子胥及楚之子文等。

这可了不得啦。但凡顶级时尚人士，要的就是与众不同。在封建社会里呼唤奴隶社会，在资本主义社会里面呼唤封建社会，在共产主义社会里呼唤小布尔乔维亚。沧海倒流方显我时尚本色嘛。美其名曰：怀旧，保障弱势群体等等。没看每年都有几个顶尖时装设计师放弃使用动物毛皮的么？所以说，屈原是时尚人士精英中的精英，真心呼唤“YESTERDAY ONCE MORE”，人家为了“日月换新天”，命都搭了进去。比起咱们的一些所谓时尚人士，办个给希望工程捐款的拍卖，非要去最好的酒店，点最好的席面。要是没买到东西还急赤白脸和人理论，非说耽误了自己献爱心。有这工夫，不如赶紧离场吧。节省宴会大厅半个小时租金就够贫困家庭一年开销的了。

至于屈原在创作上的才华，简直没有什么可指责的了。《离骚》一篇就2400多字，表现手法上，却把赋、比、兴巧妙地糅合成一体，大量运用“香草美人”的比兴手法，把抽象的品德、意识和复杂的现实关系生动形象地表现出来。屈原作品，在楚人建立汉王朝定都关中后，便产生了更大的影响，“楚辞”的不断传习、发展，北方的文学逐渐楚化。就像现在最好的设计师，人家玩的是概念，等而下之的，才根据这些概念来做做什么流行趋势。所以比起现在口口声声说自己是时尚人士的男女，屈原高了不止一个档次，一开笔，写的就是“新概念”文章。至于什么华服峨冠，完全不放在眼里。看看诸位身边的时髦人，是不是还在花力气背那些拗口的外国名字？也就是比菜场大妈们多认识几个洋文而已。时尚？还差的远呢！屈原是真正的流行创造者，和跟风的二把刀相比，简直是侮辱了他老人家。

总之，屈原凭借高贵的出身、不凡的仪表、惊人的文辞、悲剧的一生成为时尚村里的首席偶像。那些完全不知道时尚应该是什么的品牌奴隶们，可以好好看看屈原的传记，学学他的辞文。整天法文不离口，DIOR不离手，当面叫HONEY，背后下黑手的尘世迷途时髦小男女，能学到人家一成，就是造化了。

题记：去年冬天的时候，笔者应朋友的邀请，协助他进行一个关于电子游戏玩家的调查，目的是想探索一些关于电子游戏这种新兴“艺术形式”的深层次问题。后来，由于一些特殊的原因，最终的论文没有形成。但是在将近一个月的资料整理中，笔者意识到，关于游戏的问题，并非一般人想象的那么简单。在此，笔者将陆续把自己和朋友一些成型的观点写出来，也算是给这次夭折的调查画上最终的句点。

关于游戏的断想——悖反性

游戏真是个无比奇妙的东西。不管是最简单的几根木棍还是复杂的电脑游戏，它最终为玩家陶冶的都是截然相反的情操——它同时带给人们对规则的恪守和对自由的美好向往，它同时要求人们抛弃现实和在现实世界中奋斗不息，它既助长城市少年的个体主义信仰，又告诉他们只有合作才是成长的最终奥义。这就是作为工业文化标签之一的电子游戏的魅力所在。从没有深入其中的人永远只知其一，他们永远无法了解一方小小的电脑屏幕曾经为城市中的孩子带来了什么弥足珍贵的记忆。

悖反性之一：恪守规则VS自由

“游戏会让我感受到更多的自由”是玩家们遭受质疑时最经常使用的托词。这本身就是一种讹传。说的人选择了听的人最愿意听到的回答，而听的人也就自然而然地相信了它的真实性。为什么？因为对自由的追求更容易成为让年轻人犯错的理由，为追求自由的“幻象”而犯错更体现出错误的年轻与幼稚性。这样自上而下的成就感是那些排斥玩具的家长、老师们急需建立的。同时，这样的说辞也确实具有很大的迷惑性，甚至是游戏玩家也曾经深信所谓自由就是玩的魅力所在。所以，事实是，说的人相信，听的人相信之后进行大肆渲染，然后说的人和听的人就更加确信无疑。

可事实恰恰相反。因为所有人都忽略了一个真理，那就是对自由的追求永远是最艰难的道路，不管你志在追求什么样的自由。自由代表的绝不仅仅是对成规的藐视与摧毁，更重要的是，它意味着对规则与权力的洞悉与利用。排斥既成事实诚然是一种勇气，然而更大的勇气存在于相信一种新生事物的价值。恕我直言，人类绝非那么渴望自由的物种，否则所有新生事物的立足就不会那般举步维艰。至于玩的魅力，它自然存在着自由的可能，那是所有游戏高手的最终成就所在；然而它之所以成为众多人士的个人玩伴，却不是因为自由，而是恰恰相反，因为人们渴望着对规则的熟练把握，因为人们无不在身心拥抱着规则。

只要一个非常简单的例子就足以证明我的观点——就是所谓“瘾”的形成。为什么有那么多人情愿十几个小时泡在电脑前点击鼠标？为什么有那么多人情愿将几万几十万金钱扔到网络游戏这个无底洞中？因为他们有瘾要过；那么他们的瘾又是什么？如何形成？我就要请教诸位看官了，或多或少，我们都曾经对什么上过瘾，那么请问，在此过程中最勾引你的是哪个方面？你或许会说总在期待和上一次同样优异的表现甚至更多，但你无法否认优异成绩之所以留给你如此美好的记忆，关键在于其中一连串的过程。让你留恋的是自己曾经的运筹帷幄，对规则的完美驾御，以及在此基础上的创造力。你沾沾自喜或许这就是艺术。没错！做到这步你的确成就了艺术，其中最令人心动的部分是旧貌换新颜的创造，而最令人跃跃欲试的则是对规则的掌握过程。所谓的学院派，终身在折腾的无非就是以上两步。其欣快感可谓滔滔江水连绵不绝。因此我说，人们喜欢玩，与其说是自由让他们上瘾，还不如说是成为规则与权力的一部分更让他们趋之若骛。与其说网瘾少年终日沉迷于自由的幻象，还不如说是对规则与权力的渴求，对功名的追逐让他们疯狂。我们博大精深的中华文明，其实从来折腾的就是这点事。这些玩家和一心考出高分的书呆子在态度上并无二致。

悖反性之二：抛弃现实VS拥抱现实

“因为希望逃避现实”已经成为了几乎所有非玩家对玩家沉迷某种电子游戏的完美解释。不晓得他们轻松吐出这个句子的时候可否产生过置疑，因为人类的科学与文化研究已经无数次向我们证明了一个道理——任何现象背后的原因都不可能如同外行人想当然的那么简单。逃避现实，究竟如何逃避？又逃往何处呢？其实，人只要生长在社会中，就很难产生真正逃避现实的心情，如同我们不会想逃避呼吸一样。要逃避和转换的，或许不过是一种生活方式；如同人们可能不满意空气的纯净程度而反对污染一样。说到底，游戏之所以好玩，就是因为它根本就代表着现实，代表着拥有无数规则和结构划分的社会。真正喜欢玩某种玩具的孩子一定无比明了这个游戏的规则，他们会知道将所有细节规定都谙熟于心其实是相当庞大的工程，整个图景根本就是一个社会本身。玩家了解这个世界中的结构——什么是高级的而什么等而下之；同时他们也了解当自己以一个最不具有资本的身份登陆之后，采取何种手段才能够成功升级，在结构中不断攀升同时拥有越发大的权力。因此，我们真的很难得出玩家在逃避现实这样简单的定论，他们不过是不满意现实中的一种生活模式转而寻求另外一种而已。他们其实是将非玩家在正统进取途径中付出的努力，得到的经验与教训完全转移到另外的途径中来。外行人只能看到学业、仕途与经济领域的魅力，而玩家认为同样的魅力仅存在于优秀玩具当中。前者对玩家世界的诋毁，与后者对现实社会的种种不认同毫无二致。

另举一例。2006年SKY在接受中央台采访中曾提到这样的生活经历：当年因为父母的不甚理解，SKY最终选择自己出外独立生活同时坚持电子竞技的理想。他坚持了下来，并且成为中国电子竞技行业收入最高的选手。SKY的成功经验说明了什么呢？不论人们坚持的是什么样的理想，其实都已经包含了逃避现实的成分——因为成功最终是一个人的苦斗；然而即使是电子竞技这样个人性的追求，也不可能不与现实短兵相接——当周围充满误解与阻力的时候，要向前走的人务必千方百计的排除阻力，为自己争取继续努力的空间。所以游戏对玩家的要求，根本不存在什么对现实的逃避与抛弃，它代表的是另一种生活空间，而身处其中的你只能拥抱现实，为己所用。

悖反性之三：独断专行VS合作

我在想，电子游戏对于生长在工业文化中的孩子来说，最大的魅力或许在于其个体性。游戏最初本来就是为单个玩家设计的，所有的模拟对手，复杂的情节安排都是针对个体需要制定出来的。而这完全符合80后城市少年的成长背景。我们的孩子少有兄弟姐妹，我们的教育又拼命鼓吹着工业化和高科技，受到如此熏陶的孩子不喜欢玩才是困难的很。这根本是文化生态学意义上的必然结果。况且中国众多人口这一点又与工业文化的标准相悖。工业文化与科技在意识形态上为人们灌输的是个体的空间、利益与权利，可是只要走在西单的大街上你就知道这些你很难实现。人与人之间难免发生摩擦，不同生活方式的人会同时出现在一个空间里，甚至沟通都难以顺利进行。但是游戏机与个人电脑这些玩具为孩子们逃避这些烦恼提供了出路。足不出户就可以锻炼自己的头脑，施展自己的军事或经济才华，就算沟通也是与同道中人进行。这不是梦想中的美好生活又是什么呢？我们接受的教育本来就要我们过这样的生活不是么？这一点看看日本少年的生活方式就明白了。

不过，人类的个体性是某个社会形态下的特定需求，或许也可以说是某种文化上的进化；可是有意思的是，我们仍然不愿意完全放弃与社会的沟通和交流，我们真心不愿意放弃合作。熟悉一款游戏的玩家都会知道，与先期设定的对手竞技实在容易令人生厌，到最后，真正棋逢对手还是人与人的竞争。电脑对手意味的仅仅是一组变量，其变化模式过于单一；可只要对手或队友换成具有同等水平的人，那将意味着甚至无数变量与组合方式。从数学角度将很容易量化出，最后的乐趣也将成几何级数展现出来。难怪我们的伟大领袖毛主席曾无限感慨：与人斗，其乐无穷！游戏为玩家带来的吸引力，最终不在与电脑的竞技，而在于与他人的斗争。

说到底，电子游戏给人们带来的影响，一方面集中体现出工业文化的特征，最终，还是使我们与社会更加紧密地维系在一起。

从古至今，不论是《圣经》还是《论语》，都把勤劳当作无上的美德，勤劳的人，不是现在能得福音，就是未来会上天堂，总之，靠自己双手努力耕耘的人，都会有善报。不过事情放到现在，恐怕勤劳获得的褒奖就没有那么纯粹了。

防沉迷系统是中国有关部门于2005年提出的一种技术手段，旨在解决未成年人沉迷网游的现状，设有该系统的游戏服务器中，未成年玩家如游玩时间超过3个小时的健康时间，游戏将会提出警示，并通过经验值减半、收益减半等方式促使玩家下线休息。网络游戏防沉迷系统及配套的《网络游戏防沉迷系统实名认证方案》定于2007年4月15日起实施，2007年4月15日至2007年6月 15日为系统开发时间，2007年6月15日至7月15日为系统测试时间。2007年7月16日起正式投入使用。2007年7月16日后公开测试运营的网络游戏，必须按照《网络游戏防沉迷系统开发标准》和《网络游戏防沉迷系统实名认证方案》先行开发完成，并同步实施，否则不予审批或备案，也不准公开测试运营。这个可以说是“一揽子”的解决办法，用意是在技术上防止未成年玩家沉迷网游。

笔者在今年春节前后，做了一个有关电子游戏玩家的访谈。当谈到防沉迷系统的时候，大家似乎都不看好。有位朋友的看法带有相当普遍性：“现在我们已经有了限制未成年人进入网吧的条例，而在家中上网游戏的孩子必然要受家长的监管，所以防沉迷系统的出现，似乎不那么师出有名。而且将所有的问题都交给机器解决，本身就是一个不负责任的态度。”这位朋友的观点，笔者非常赞同。我们要讨论防沉迷系统的效果，就要首先看看设计它的目的。如果它的目的是为限制未成年人的游戏时间，笔者觉得其作用微乎其微。限制未成年人进入网吧的条例和上网游戏的孩子要受家长的监管，这样的方法显然更有效果，也更便于施行。放着现成法律和家庭的武器都不用，再来开发一个防沉迷系统，似乎是舍本逐末。难道所有未成年人、家长和执法部门的能动性加在一起，还不如一个软件系统么？我们就真的打心里相信，机器控制人的生活会带来幸福？结果恐怕会让设计者失望，要破解这个系统，方法实在太多太轻松了。不信的话，大家可以去各大网站搜索一下，看看隐藏在玩家中的无穷智慧。防沉迷系统，最终还是一个摆设，成了一个大人们推脱自己在教育上失职的工具。

如果这个系统的目的，是希望大家不要总坐在电脑前，可以适当进行些别的活动，笔者倒是表示完全赞成。因为根据笔者自己的调查，游戏玩家的身体健康问题的确不容乐观。但是在中国目前的环境下，户外运动的成本实在太高。记得笔者小时候，市中心还有一块开放的球场，可以去进行足球比赛。现在，这片地已经被高楼覆盖了。面对户外活动的减少，玩家们只有将自己的勤劳全都发挥在电子游戏中，如此才能获得些小小的娱乐。现在如果连这个通道也不提供，难道我们真的要把全部精力和时间全都放到应付考试升学、赚钱升职上么？这样的状态难道就是专家口中的和谐社会？节流不如开源，只有当孩子们的娱乐变丰富了，他们才不会沉浸于虚拟世界的诱惑。相信多为中国孩子准备些有益的娱乐活动，远比掐掉他们本来就可怜的游戏时间，更能让人接受。

以前，笔者上学的时候，老师还教导我们：“会玩的人才会生活。”进入社会后，笔者真切地领会到这句话的含义。不错，真诚地玩的人才会真诚地生活，因为在游戏的世界里，你只属于自己。现在，我们的勤劳也开始被人管制，实在不知道是不是世界的进步。但笔者始终认为，当勤劳变成一种罪过，那是因为有另外一些人实在太不勤劳了。