日本exxonomo小组2006年作品。这是“合成时代：媒体中国2008——国际新媒体艺术大展”中，我最喜欢的一件作品。
　　我先看到作品的一面，是个配合屏幕显示的画面发出声音的装置。

　　走到作品的另一面，才知道画面并不是事先设定好的，而是一个有观众参与的射击游戏。让我感到有意思的是，游戏中的声音竟然是由另一面的发声装置给配上去的。

　　作品官方释义：装置呈现一个经过改良的单人三维射击游戏，此外一个动态物体和一个虚拟现实装置也是作品组成的一部分。展览空间的三维环境，由投向四面墙的投影设备组成，空间内部安放了三个物体，包括键盘、鼠标以及其它计算机零件和电子工具，还有一个玩家的遥控终端。根据游戏的发展进程，玩家频繁且猛烈的撞击遥控设备，继而会触动装置产生机械运动。

　　欣赏更多作品，请访问我的播客：http://you.video.sina.com.cn/m/1242875380

　　作品官方释义：艺术家在访问北京后感受到北京飞速的变化，体会到一个加速迈入现代化城市的活力。北京加速器所面对的正是速度对现今城市生活的影响，从这个意义上讲，它类似于一个以前的作品：全景加速器。但是北京版通过优越的设计增强画面感，使观众的体验更为直观。

　　作品与身体和视觉感知产生一种游戏关系。参与者坐在装有操纵杆的电动转椅上，面前屏幕上显示出北京的全景，随参与者的方向与速度旋转。在旋转时，参与者控制坐位的方向和速度，如果与画面无法同步，人体平衡系统将发出不同的信息到大脑和眼睛，会导致激烈的失控感觉，并最终导致恶心。其目的是使动态影像与坐位的旋转速度一致。一旦达到这个目标，参与者可以查看图象，没有失去方向感和恶心。不过很短的时间内，一个新的景色会用更高的速度设定旋转。游戏变得更难以取得平衡及看清图片。游戏总共由六个级别组成。

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　　Adobe透露了有关下一代Photoshop软件CS4版的详情。Photoshop CS4开发代号“StoneHenge”(英国史前巨石阵)，版本号11.0。Photoshop CS4进一步改进了和Windows Vista的兼容性。以下是Photoshop CS4运行在Windows XP上的截图。启动画面按惯例再次变化，成了一堆巨石，与其开发代号遥相呼应；软件本身界面则与CS3版完全一样。

　　最令人关注的自然是它的64位支持了，但对于苹果用户来说可能不是个好消息，因为64位CS4将只在Windows平台上发行。

　　Adobe公司一贯对Windows/Mac OS X平台一视同仁，但由于去年苹果改变了编程架构，让Mac版的64位支持变得不可能。苹果有两种技术，分别是Carbon及Cocoa，协助开发人员管理其操作系统上的内存、字体或窗口。原本两种技术都包含在64位操作系统中，但是去年苹果表示新操作系统中只提供Cocoa技术。而Photoshop则是从Mac OS 9时代以Carbon写成，所以如果Photoshop把代码全面移植到Cocoa平台，则需要耗费大量的人力，在短短几个月内根本无法完成。

　　Adobe Photoshop产品经理John Nack在接受访问时表示：“Photoshop CS4将不再推出Mac平台的原生64位版本”，Nack说。“我们尊重苹果为该平台所做的决定，但它的决定却影响到了许多开发人员。”

　　64位运算将带给Photoshop更强大的处理能力，总体性能比32位系统提升8-12%，并可利用到更多的内存以处理复杂的图像。比如，开启一个3.2G的图像文件，64位运算将会快上十倍，因为64位系统提供更大容量内存支持，可以不必把数据写入到老旧或过慢的硬盘中。

　　众所周知，大量从事设计工作的苹果用户都要使用Adobe Photoshop软件，而Adobe此举无疑将迫使这些用户向windows操作系统迁移，这难道意味着windows系统会在64位时代独领风骚？

07年4月在美国NAB展会上参观Adobe展位

出席苹果07年度用户大会

听取苹果产品经理Christopher Bourdon的讲解

　　看到李楠的摄影作品《身份》，想起几年前跟朋友的一次争论。朋友是位摄影狂热爱好者和摄影器材发烧友，大部分积蓄都用来购置顶级的摄影器材和装备。他坚持认为，摄影是一门技术而非艺术：因为影像是客观存在的，摄影师所做的，只是通过准确的曝光和良好的色彩还原而得到清晰的影像。当然我立即对他的观点进行了反驳。我问他拍得清楚就算是好摄影作品了吗？2007年5月，我们在中国美术馆看到保罗"罗维西的作品，其中有很多拍“虚”的肖像，该做如何解释呢？

　　摄影的确是一门技术，但技术和艺术是可以相互转换的。从拉丁文词源结构考察Art（艺术）一词，其本意就是“技术”，由此可见技术和艺术的关系。我始终有个观点：任何事情做到极致，都是艺术。正如《庄子"养生主》中讲述的庖丁解牛的故事。庖丁通过对技术钻研和磨练，达到“合于桑林之舞”、“莫不中音”的地步。文中描述的那种技术之高，达到了 “目无全牛”、“游刃有余”，完成后则“踌躇满志”的精神境界，那就是艺术的境界了。连“解牛”这种事都可以成为艺术，摄影当然也不会例外。

　　曾经有人把艺术定义为“人类以创造美为主要目的的技术及其产品”。的确，艺术需要技术作为支撑，但它不能被认识为技术。技术与艺术的关系，犹如物质与精神的关系。艺术家以摄影技术为手段，通过影像表达自己的思想与观念。观众所看到的作品，与其说是现实世界中的影像，还不如说是摄影家的思想与观念。摄影技术和影像在这里成为一种媒介，使“物质”转换为“精神”。这种转换，如同传说中的炼金术。“掌中握无限，刹那成永恒”应该是对摄影艺术家创造能力的传神表述，也就是这么一个过程，摄影艺术家从人类真实的视觉世界中提炼出了“可视物”不同寻常的视觉特质，而后融入到人类的精神世界中，成为人思想观念的一部分。在这个过程中，摄影艺术家“表达什么”远比“如何表达”更重要，也更为关键。所以，衡量一名真正的摄影艺术家的标准，关键是看他对艺术观念的理解及把握。当然，朋友的观点也有他的道理。因为正如庖丁解牛，对于技术乃至精良装备的追求，何尝又不是一种对于至臻之境的追求呢？况且脱离了技术能力，所谓的“艺术”也将是苍白的。

　　很羡慕李楠，不仅有多年的新闻媒体从业经历，现在还有学院里良好的学术研究环境，这些使他总能以一种非常自然而且自主的方式将观赏者引入到他摄影作品里面。我想，这就是一名优秀的摄影艺术家应该具备的强大控制力。他的影像作品会形成一个“全息”的视觉“磁场”，激发任何一个进入到“磁场”中的观者的视觉感受能力，来接受“磁场”的全方位辐射。因此，摄影艺术的视觉传达力也是一种精神控制力：对图像的控制、对自我感情的控制、对镜头内外世界的控制，甚至这种控制力能透过图像载体，去“控制”图像前的观看者，控制观看者的思维方向和起点。无疑，李楠就是这样一位具有“控制力”的摄影艺术家。在他的摄影作品《身份》中，拍摄对象既是表达他们自己的演员，也是表达摄影艺术家思想的演员。这体现在李楠对人物形象的选择和对场景道具的选择上，包括人物身体语言、神态的表达，李楠都进行了细致的安排。每次拍摄前他都会画好设计草图，并设计出人物所应该表达出来的状态。

　　有人说艺术家只关注心灵，这是不对的。一名艺术家，首先要关注社会。艺术的确是一种主观的东西，但是脱离了社会，就会成为无源之水、无本之木。就像我们不可能脱离了物质空谈精神一样。《身份》这一系列摄影作品中，李楠着重表达了他对人在社会中不同角色身份的思考，并希望通过《身份》来记录这个时代不同身份的人。李楠一直从事纪实摄影，是第一个获得荷赛金奖的中国人，《身份》虽然是摆拍样式的人物肖像摄影，但它延续了李楠一贯的纪实风格。这种纪实风格体现在人物身份的真实和场景的真实，并非是演员所扮演的身份角色。同时，“这组照片并非实写实录，我在其中注入了强烈的主观意识”。他说：“过去我在拍纪实摄影《盲孩子》、《福利院的孩子》、《最后一代小脚女人》等作品时，努力摆脱摄影师在场的迹象，让被摄者忘掉摄影师的存在；而在拍摄《身份》时，我却在强调我的存在及我的控制力。并且为了达到我最初拍摄的本意，这组照片前期拍摄时用的是黑白胶片，后期用电脑进行主观控制着色，达到非客观色彩效果，目的就是表述我的态度。”

　　在李楠这里，摄影只是作为一个手段。《身份》与其说是摄影作品，还不如说是观念艺术作品更为确切。艺术作品作为人类情感思想的表现载体之一，其材料类型各种各样，但它们的物质属性跟艺术本质没有直接关系，正如相机胶片与表演躯体不是艺术所关照的中心。艺术的本质是通过各种材料手段反映的意识世界，其观照的主体最终是人。所以我们还是回到文章开始时的讨论：摄影到底是技术还是艺术？我的回答是，那要看摄影者充当了一种什么样的角色。正如贡布里希写在《艺术的故事》中的第一句话：“世上没有艺术，只有艺术家”。单就照片而言，艺术与否确实很难界定。同样一件东西，今天是艺术，明天可能就成为垃圾；在有些场合是艺术，换个场合可能就什么都不是；在某些人眼里是艺术，在另外一些人眼里却一文不值……实际情况肯定比我描述的还要复杂。但我确信一点：艺术作品更多的是面对观众，无论何种形式、风格的艺术作品，只有当它与观众之间产生了共鸣的时候，它的艺术性才会得到肯定，或者说它的艺术价值才能得到体现。

　　在李楠的《身份》中，我们看到了这种价值，看到了李楠作为一名摄影艺术家特有的禀赋，看到了他在自我角色、个体角色、社会角色等方面的人本思考，也看到了作品中包含的社会实况和时代精神以及这些元素所具有的感召力。

松赞林寺前的塑料模特儿-2004

最后一代小脚女人-2001

大蓬脱衣舞女-2000

——从生物学和神经学的研究成果中得到的启示

　　视觉在感知信息方面有着特别重要的地位，因为人的各种感觉器官从外界接受的信息中，有85%左右是从视觉器官接受的，有人估计大脑至少有1/3参与了视觉活动，因此，视觉成为人类获得信息的最重要的手段。
　　在视觉信息中，图像较之文字更容易被人识别和记忆。例如我们识别面孔的能力。我们认识的人，过了多年还能认得出来，有时少儿长成大人也能认得出来。这完全是通过图像记忆办到的，用语言无法完成。这就是大脑视觉形象思维的功能。
　　形象思维，是人类进行审美创造时必须用到的一种思维方式。根据传达媒介的不同，分为想象的形象思维和视觉的形象思维两种。像文学这类时间艺术，就偏重于想象的形象思维，而绘画、平面设计这类空间艺术，则偏重于视觉的形象思维。当然这种分类只是方便概念上的表述，并不是绝对的。事实上，“视觉”是形象思维的共同基础，而“想像”和“联想”则是形象思维的主要方式。
　　神经科学的研究结果表明，神经元之间关于视觉信息的处理和建立的联系是经验性的，遵循的是多积累多收益的原则。所以，对于学设计的人而言，坚持锻炼视觉形象思维能力是很有必要的。
　　最近就有个报道，说音乐家、画家的大脑和普通人有所不同。一位音乐大师的大脑皮层与听觉有关的部分比普通人多130%的灰质。画家和普通人对大脑损伤的反应也不一样，普通人右脑受损会影响绘画构图能力，而对画家则影响较小，他还保有作画的能力。这说明，经过训练的人的大脑，某些功能大为增强，或者专司某种功能的范围有所扩大。动物研究证明，大脑视觉皮层对直线物的刺激比较敏感，对黑直线条、白直线条以及处于明处和暗处边缘部分的直线条最容易感受。刺激的大小、形状、位置和方向是引起强烈反应的重要因素。大脑视觉皮层对颜色的感受程度也有不同。这些视觉上的敏感性因人而异，并且通过锻炼可以得到提高。
　　那么，如何锻炼视觉形象思维的能力呢？
　　说难也不难，说不难也难。
　　为什么说“难也不难”呢？因为只要平常坚持用“视觉语言”来记录和描述视觉感受即可，包括绘画、摄影、摄像等手段，都可以用来进行视觉思考，锻炼你的观察能力和视觉语言表达能力。例如，你可以拍摄一组照片，表现花的香气，要想方设法从不同的角度去表现。拍完了拿给朋友看，如果朋友一看就知道这花好香！你就成功了。因为你的信息传达准确，尽管没有使用文字说明，但看者的印象跟你想表达的意图是一致的，就说明你成功地运用了视觉形象语言。而视觉形象语言的准确运用，是你善于进行视觉形象思维的结果。
　　说“不难也难”是因为“坚持”二字。要做到随时随地搜集设计素材，记录设计项目的偶发灵感，锻炼观察和视觉表达能力。从生物学和神经科学的角度来讲，就是需要不断刺激，养成视觉形象思维的习惯，才能完成从积累到突破的过程，实现从量变到质变的飞跃。

    任何一种艺术形式的出现，都要依赖于当时社会和科技水平。数码艺术这一形式便是随着计算机的发展和普及而诞生的。

    著名艺术家罗伯特·劳申伯(RobertRauschenberg)和设计大师乔治·开普斯(GeorgeCapps)在上世纪60年代就开始成立了专门机构研究数码图形与数码艺术，从上世纪80年代美国苹果公司推出MACINTOSH电脑形成“桌面排版系统”(DTP)开始，数码技术在艺术设计领域的应用越来越受到人们的重视。

    数码图形技术的成熟带动了CAD/CAM(计算机辅助设计/计算机辅助制造)的普及和发展，艺术与技术得以不断结合。随着现代的数码技术在艺术表现领域中开始形成独特的视觉表现语言，体现出自身的艺术价值，数码艺术设计开始进入艺术的古老殿堂。但是当数码艺术创作给艺术家带来兴奋和视觉新奇的同时，却发现因文化科技等诸多因素，产生了数码艺术与传统艺术美的情感差异，以及数码艺术内涵的缺失。

    通过对传统艺术形式和数码艺术创作文化渊源的发掘，对视觉表现和美学趋向的探讨，以及对艺术创作最基本的图形、色彩、文化、技术等方面的要素进行分析，有助于我们正确认识数码艺术。同时用传统艺术，尤其是本土的文化来丰富数码艺术创作，以弥补数码艺术创作中文化内涵的不足，才是解决现代数码艺术创作的认识和发展方向等问题的出路。

    视觉比听觉还具有一定的优越性。之所以看重视觉的东西，首先是指人对世界的把握和理解，主要是通过视觉通道。有实验证明，人对外部世界的信息的把握，绝大多数是通过视觉获得的。其次，从历史发生学的角度说，看也是先于说，恰如英国著名美术批评家伯格所言：“看先于词语，儿童先是看和辨认，然后才说。”其实，不只是儿童个体，世界上各个民族最初都是用形象而非语言来理解和表达他们所生活的世界的。阿尔塔米拉的洞穴壁画就是一个明证。

    并且中西哲学史上都有强烈的视觉主义倾向。比如柏拉图著名的关于洞穴的寓言，再比如孔子的诗学中提到，诗可以“观”，可以“多识于鸟兽草木之名”，就是强调了视觉的重要性。现代哲学中，维特根斯坦的早期理论，强调“图画论”，亦是关注视觉问题的表征。人——生存——视觉的关系，或许可以作如下表述：大凡是人，总有视觉需求，就像人本心理学所指出的种种需求一样（马斯洛），视觉需求也不可或缺。这一点，无论是从神经心理学的层面上说，还是从文化社会学层面上说，都是如此。

分形，又称碎形，是指具有自相似特性的现象、图像或者物理过程等。分形学诞生于1970年代中期，属于现代数学中的一个分支。

 “分形”一词译于英文Fractal，系分形几何的创始人曼德尔布罗特（B.B.Mandelbrot）于1975年由拉丁语Frangere一词创造而成，词本身具有“破碎”、“不规则”等含义。Mandelbrot研究中最精彩的部分是1980年他发现的并以他的名字命名的集合，他在1982年出版的《大自然的分形几何学》（The Fractal Geometry of Nature）是分形学的经典著作。曼德尔布罗特发现整个宇宙以一种出人意料的方式构成自相似的结构（见图1）。

 图 1 Mandelbrot集合

Mandelbrot集合图形的边界处，具有无限复杂和精细的结构。如果计算机的精度是不受限制的话，您可以无限地放大她的边界。图2、图3就是将图1中两个矩形框区域放大后的图形。当你放大某个区域，它的结构就在变化，展现出新的结构元素。这正如前面提到的“蜿蜒曲折的一段海岸线”，无论您怎样放大它的局部，它总是曲折而不光滑，即连续不可微。微积分中抽象出来的光滑曲线在我们的生活中是不存在的。

图 2 Mandelbrot集合局部放大

 图 3 Mandelbrot集合局部放大

用数学方法对放大区域进行着色处理，这些区域就变成一幅幅精美的艺术图案，这些艺术图案人们称之为“分形艺术”。“分形艺术”以一种全新的艺术风格展示给人们，使人们认识到该艺术和传统艺术一样具有和谐、对称等特征的美学标准。这里值得一提的是对称特征，分形的对称性即表现了传统几何的上下、左右及中心对称。同时它的自相似性又揭示了一种新的对称性，即画面的局部与更大范围的局部的对称，或说局部与整体的对称。这种对称不同于欧几里德几何的对称，而是大小比例的对称，即系统中的每一元素都反映和含有整个系统的性质和信息。这与“一头牛身体中的一个细胞中的基因记录着这头牛的全部生长信息”，完全吻合。不管你是从科学的观点看还是从艺术的观点看，它都是那么富有哲理。

通过对“分形艺术”的梳理，引发我们的思考：艺术与科学并不是一种东西，却为什么结合得如此紧密？

分形技术完成的作品

      有很多因素可以影响色彩的对比效果，色彩的大小就是其中最重要的因素之一。色彩的大小会令色彩的对比有一种生动效果，在大面积的色彩陪衬下，小面积的纯色会有特别的效果。

      由于色彩有前后的感觉，因而暖色、高明度的色彩有扩大、膨胀感，冷色、低明度色有减小、收缩感觉。一般说来，暖色有扩散性并能够引起人们的注意，因而它们的前进感比较强；而冷色有收敛性且不大引人注意，因而有滞后感。把感觉一大一小的两种色彩放在一起，感觉小的色彩成为感觉大的色彩的补充，用户基本上不会注意到感觉小的色彩。

      按大小感觉的划分，色彩的排列顺序为：红、黄、橙、绿、蓝、青。充分利用色彩的大小感觉也是常见的一种表达方法。如图所示：