我发誓，这是我在电影院看过的最低分数的影片，该分数真的低到让人发指啊！！！！这么值得铭记的时刻！！！！以后！！！！绝对不能再发生了！！！！！

虽然不少朋友对《300》深恶痛绝，但我依然认为，《300》是最好的美漫改编影片之一。导演扎克·施奈德对漫画的画面还原程度让我咋舌——原版漫画几乎成了电影《300》的分镜脚本，无论您是先看过漫画还是先看过电影，总能从两者中找到似曾相识的画面或镜头。同样，扎克·施奈德的新作《守望者》，至少在画面上，已经做到了对漫画的高度还原，从这点上来看，已经是诸多漫画改编作品所不能比的。

《300》和《守望者》，两本风格完全不同的漫画拍成电影后，如实呈现出两种完全不同的风格这是漫画原作者的功劳，这是两个漫画作者风格不同所致，而能够同时将这两种风格高度还原，这却着实是导演的功劳。从《300》到《守望者》，至少可以看出扎克·施奈德并没有在电影中加入过多的“个人理解”，您可以说这导演是毫无创意没有思想，但我也可以说偏偏就是这样的导演是最适合改编一部美漫，尤其是一部有着无数粉丝的美漫。

同当时看《300》时的热血沸腾不同的是，《守望者》至少在前一个小时内，剧情让我一头雾水，这部通篇充满了对超级英雄解构、又充满浓郁政治隐喻的影片，确实在一开始给了我不同于其他美漫改编影片的感觉，但由于对原著的陌生、对其作品产生的背景以及中西方文化的差异等原因的存在，《守望者》无法如同《300》那样在一开始就用简单甚至有点粗暴的方式来从我的眼睛来占领我的脑袋，除了那牛Ｂ的片头之外，这一个小时几乎没有让我兴奋。如果说《300》是近两个小时的高潮的话，那么《守望者》则是到了影片的最后也没有给人一种酣畅淋漓的感觉。不过《300》直到今天仍然没有给我重看一遍的欲望，而在我粗略翻阅了《守望者》的漫画以及了解了该漫画的诸多背景之后，却让我对这部沉闷的美漫英雄片回味无比——而这就是《守望者》的魅力所在，而事实上，艾伦·穆尔的漫画正是因为其冷峻的视角以及对现实犀利的批判赢得了无数漫迷的追捧，而将其漫画作品改编成电影的最关键之处就是是否可以将其“黑色”忠实再现，而电影《守望者》在这一点上也做到了。

但由于原版漫画较为生涩，这难免造成了其读者群本身就有一定的局限性，而作为其改编的电影，其受众面将会更窄了一层（《守望者》甚至可以说是美漫电影中的“小众影片”），不用说影片那多条线索纠葛不清的剧情，也不必说影片中无处不在（包括各个角色本身）的象征意义，就是影片那“沉闷”的对白都可以让人一头雾水，总之，影片里的一切，都有将非粉丝拒之门外的意思，这种态度似乎比那些文艺片导演更加冷漠。所以很容易想象的出来，对那些不了解《守望者》漫画且一心想看美漫英雄大显神威的观众而言，《守望者》是何等的枯燥和乏味，甚至是极度沉闷和无聊的；而因为对原著漫画的高度还原，《守望者》也必然会获得不少死忠粉丝的支持——因此，《守望者》就不得不面对一个嫉妒两极分化的评论，要么大爱，要么大恨，几乎没有什么中间派。

同时，《守望者》在上映的地区分级大多偏高，而其通篇的政治隐喻更是让其无法在部分国家和地区上映（影片中的暴力、以及情色镜头直接将这部影片划为了少儿不宜的行列里，但就算没有这些元素，《守望者》的剧情也不是小孩子所能理解的，同时幸好《守望者》没有如同之前所风传的那样要被引进内地，只可惜我们就此错过了影史上最“伟大”的“剪刀手”），所以《守望者》则要不得不面对其可能的票房尴尬——纵然它可能是最好的漫画电影之一。而这些牺牲所换来的便是对原著漫画的还原（电影对漫画最大的改编就是对结局的改编），虽然其原著作者艾伦·穆尔一再表示拒绝观看该影片，但《守望者》已经拍到这种份上，就算他不高兴，估计也不会让他有直接拍桌子骂娘的冲动了。

从无法在内地上映，到香港电影死亡论，《新宿事件》在上映之前便被渲染得极具悲剧色彩，这不由让人对这部意料中的黑色电影有着诸多的期盼。由于在上映之前，无数的电影杂志已经完美地完成了剧透工作，甚至连影片中角色的命运也早被影迷烂熟于心。所以，我已经不再期待尔冬升来给我讲一个在日偷渡华人的悲惨故事，我所期待的是尔冬升究竟要用一种如何残酷的镜头来满足我对这部影片“黑色”的渴望。

从影片的开头来看着实有一种震慑人心的趋势，中国电影以前几乎没有用影像如此赤裸裸地表现中国上个世纪90年代偷渡潮。四处逃散的人群以及刺耳的尖叫，奠定了电影灰暗的基调。而接下来铁头等人在日本所受的欺辱以及日本黑帮之间的争斗（尤其日本黑帮的第一次亮相），都隐隐给人一种史诗黑帮之感。从影片的前半部分来看，影片呈现出的是一种让人心酸的灰暗，而影片的厚重感也是在这种在日华人的磨难中一点点的沉积起来，一切都似乎在表明，《新宿事件》将会远远超过《旺角黑夜》。

然而到了影片的后半段，其跳跃且渐落俗套的剧情，让影片前半部分逐渐积累起来的厚重没有得到一个有效的释放。

最大的问题在片长。影片用了几乎一半的时间来渲染在日偷渡华人的悲惨生活，而由铁头为首的华人帮派的发展以及最后的分裂却都塞在了后半段，而就是这本来就不多的一个钟头，还要留出一定的时长给后半段大量的暴力戏，这让剧情本来就不饱满的后半段和前半段相比更显得单薄。于是我们便在影片中看到了尔冬升几乎在用几段暴力戏来完成后半段剧情的衔接，因此便给了我“前一分钟是天堂，后一分钟是地狱”的感觉。若是影片有三个小时的片长，并且涉黑部分能够占据影片近三分之二，那影片或许会比现在饱满许多。

由于在影片最为关键的后半段缺乏足够的时长来展开剧情，这便让影片所该承载的意义被大大削弱。从某种意义上来说，《新宿事件》的后半段依然无法跳出香港传统黑帮片的模式，纵然其背景是日本东京。而从在日偷渡华人这个现象来看，尔冬升在影片的前半部分对华人涉黑的原因做了初步探讨，却在其后半段无力对其进一步的剖析，使影片最终有流于表现之嫌。铁头这个角色最后的惨死并没有让影片最后的剧情避免落入俗套，因为铁头这个“好人角色”的死在影片中只是个别现象，简单来说，他的死并没有触及到在日涉黑华人的真正悲剧所在，因为与铁头的死相比，其他角色的死亡有给人一种“多行不义必自毙”的感觉，其悲剧的根源更多在于本身，而和其原来偷渡客的身份已经没有太大的关系了。尔冬升似乎对这越发展越庞大的剧情有种无力掌控之感，只能不得不用一种最为娴熟、看起来似乎也最为悲剧，但同时也是最为俗套的方式来完成影片。于是我们便在影片的最后看到了香港黑社会影片中那熟悉的元素，械斗、内讧、背叛、死亡等。虽然最后的械斗桥段有着大量的群众演员撑场面，却完全没有影片开始那段三和会祭拜场面的那种震撼力。打得惨烈，却已经和普通的黑帮械斗没有太大的区别了。

如果说“缺乏足够的时长、剧情逐渐落入俗套”仅仅是让影片变得单薄的话，那后半段无所不在的说教味则彻底让这部影片的黑色程度大打折扣。成龙确实是可以为影片带来一定的票房保证，但事实证明，成龙并不适合这部影片。虽然他不再非常能打，但他似乎依然无法放下自己老好人的“身段”，依然无法解开不演反面角色的心结，这便使得他所扮演的铁头成了影片最大的一个瓶颈。在影片中看到铁头终于愿意走偏门，并且愿意为了“出人头地”而杀人的时候，我隐隐看到了成龙一次彻底转型，但偏偏就是到了后半段，那个熟悉的成龙又回来了。而成龙的“回归”也彻底让影片开始了“诲人不倦”的说教，那为了生存甚至有点不择手段的惨烈逐渐成了安分守己的温润，以至于影片中还喊出了诸如“中国人不打中国人”这种在影片中极度不合时宜的台词（之前砍台湾人，打华侨的时候怎么都没这么想？），这使影片失去了那种震慑心扉的阵痛感。用一个善良的人来表现出对命运的无力，这本是一个可以让影片主题得到升华的设置，但这种无力成了一种因说教需要而强加的“无力”，并且让影片的角色变得有点不可信的时候，则不仅没有得到应有的效果，反而使影片本该因此更加震撼的黑色也同样变得“无力”。正如我前面所说的那样，铁头的悲剧固然可怜，“好人没好报”的设置固然会让人心痛，但占绝大多数其他角色的死亡却只是简单地传递着“恶人有恶报”的信息（这未尝不也是一种说教）——至此，影片已经从对命运的控诉转向了对角色本身的控诉，“恶人”的“恶报”因为“其恶”，与其电影所本要表达的悲剧根源已经没有太大的关系了。同样是黑色电影，同是尔冬升导演的，在有着近似题材的《旺角黑夜》，在这个方面上就比《新宿事件》要好得多。

《新宿事件》透露出了导演尔冬升的野心，却也看到了他的无力。或许一切的问题还是要追寻到影片片长这个最根本的原因。两个小时的片长，确实很难承载一个这么庞大的题材，也无法完美塑造影片中那超过十个有名有姓的角色（在演员方面，《新宿事件》不算成功，除了吴彦祖以及日本演员竹中直人的出色表现外，其他角色均没给人留下太深刻的印象，徐静蕾和范冰冰则更是沦落为准花瓶），这让影片离我预期的震撼有着一定的距离。或许这正应了那句老话：“希望越大，失望越大。”

相对于《变形金刚1》的“捉襟见肘”，迈克尔·贝拍摄《变形金刚2》可谓是阔绰的多了。这个一直擅于“花小钱办大事”的导演在拿到投资的那一刻，便必然会给我们带来一部比《变形金刚1》更加火爆的续集，而事实上，这个看到爆炸场面便一脸吸毒表情的疯子，着实没有让我们的肾上激素失望，两个半钟头几乎没有给我们上厕所的时间，如果电影院的音箱够劲爆，我相信观众走出电影院后耳朵里还在回荡着那轰隆隆的爆炸声。

在近年来续集电影越来越沦为承托前作优秀的工具之后，《变形金刚2》却没有让影迷白白地巴巴等上两年，虽然这集的剧情有“借鉴”《国家宝藏》的嫌疑，但好在《变形金刚1》的剧情本来就是属于小学生级的，所以续集在剧情上面，还是相对第一集有很大的进步——更何况，观众走进电影院就是为了看这些巨大的钢铁家伙打架去的。因此我相信，到了《变形金刚3》，迈克尔·贝也不会让剧情变得太复杂，毕竟大脑一秒钟的思考，则很可能错过了看几千个金属零件在你眼前放肆挪动的机会。

在第一集上映之后，便有影迷抱怨影片中的机器人是在太少，来来去去就那几个，其中还包括几个死跑龙套的。所以对于渴求在电影中见到更多钢铁家伙的观众来说，迈克尔·贝这次可算是足足让他们过了眼瘾，影片中一共出现了四十多个大大小小的机器人，虽然其中大部分还是属于死跑龙套的，但这些却是极其昂贵的龙套。纵然我们在影片中我们看不到大部分“龙套金刚”的样子，甚至大部分的“龙套金刚”都没有台词，但就是这些龙套加上我们所熟悉的机器人，使得《变形金刚2》的视觉特效和第一集相比，已经不是翻了一翻那么简单。在第一集中，在影片的前半部分，除了大黄蜂、眩晕以及路障之外，并没有其他重量级的机器人出现，而擎天柱更是在影片进行了饿近一半后才姗姗来迟，而整部影片看下来，擎天柱完整的变形镜头甚至只有两个——便是这个让影迷看后大呼不够过瘾的第一集，其特效画面也吃掉了工业光魔整整15个T的硬盘容量（1T=1000G），而《变形金刚2》更是将这个咋舌的数字变得更加咋舌——140T，而其影片的预算相比第一集却只有增加了5000万，从这点上来看，迈克尔·贝似乎比第一集更加“抠门”了。当在影片的一开始，擎天柱便以两个近乎于完整的变形过程来完成他的华丽登场之后，两个半小时的视觉盛宴就开始不知疲倦的轰炸我们眼镜了。从影片所呈现出的效果来看以及从几乎相同的投资来看，迈克尔·贝至少在特效方面着实比MCG更加有叫嚣的资本，《终结者2018》在视觉效果上和《变形金刚2》完全不是一个量级上的。

然而如此疯狂的视觉轰炸，也将这部影片的问题给“炸”出来了。《变形金刚2》是一部好看的电影，是一部让人感到非常爽的电影，然而却不是一部给人足够回味的电影。我至今仍然忘不了在看到《变形金刚1》中擎天柱等机器人在山姆面前集体变形的那种屁滚尿流的感觉，在看《变形金刚2》之前，我已经做好了再次被激动得想哭的准备，可影片直到结束也没有给我这种机会。我相信，和我有相同感觉的人不在少数。可以说，成也特效，败也特效——如果，这勉强算是“败”的话。

《变形金刚1》的出现一下让变形金刚粉丝二十多年的情绪得到了痛快的发泄，而由于预算的原因，迈克尔·贝在影片的前半部分有意的压缩机器人的戏份，这让走进影院却急着要看擎天柱变形的影迷有了足够情绪积累阶段，在吊起影迷足够胃口之后，擎天柱的“姗姗来迟”便成了影片中最直接的一个情绪爆发点，这也让那个桥段成了《变形金刚1》中最为经典的一个桥段。可以说，正是《变形金刚1》中那让影迷不够过瘾的特效镜头让影迷更加珍惜影片中每次出现的变形过程，所以那上万个零件的每次颤抖都能让人在椅子上浑身发抖，这正应了中国的一句老话“物以稀为贵”。

而到了《变形金刚2》中，机器人的变形已经变得极其平常，而且除了擎天柱的那次从天而降，影片并没有对机器人的变形过程的气氛有着足够的渲染（事实上第二集确实也不能将镜头的重点对准“变形”二字了，毕竟影片的中心已经从“降临”转移到真正的“斗争”了），而在第一集中，就连大黄蜂的第一次变形镜头都是经过了长时间的铺垫。削弱对机器人变形时气氛的营造加上影迷对变形镜头不再陌生，这便使得《变形金刚2》的诸位机器人的出场并没有让影迷激动到像第一集看到擎天柱那种程度，而影片中最有可能引发肾上激素狂飙的大力神组合镜头，却也因为其印象和影迷所期待的相差甚远，使得该镜头震撼有余却激情不足。

同时随着机器人的增多，机器人面目不清的问题在第二集中再次出现。在第一集时便有影迷抱怨当影片中两个钢铁怪物扭打在一起之后经常分不清角色，而这个问题在第二集中随着大量机器人的出现变得越发突出。不可否认，大量的机器人出现让最后的高潮戏精彩无比，但机器人的面孔却在诸多的机器零件以及摇晃的镜头中更加模糊，由于造型上不如动画版更像人的缘故，所以电影版中的机器人在对戏之时，给观众的代入感远不如动画片那种简单的造型来得有效，因此无法想象倘若有更多的机器人，那会造成视觉上何等的混乱，所以所谓的想看机器人大混战，看来只是个美好的想法而已，当真有一堆机器人将屏幕塞得满满之后，我们或许会发现，情况比我们想象得要糟糕得多。而在战争场面的营造上，由于混战场面的增多，影片中也几乎没有像第一集铁皮慢镜头飞跃那样的难忘的经典镜头，这便使得最后的高潮戏，火爆是升级了，却没有留下一个足够经典的镜头。

机器人的面孔被模糊化，这当然和迈克尔·贝有意增加擎天柱的戏份有一定关系，擎天柱在第二集中已经成为了真正的主角，甚至战斗力也得到了倍增，在第一集的结束之时尚且要靠魔方来打败威震天，而在本集中最不仅在第一次差点秒杀威震天、红蜘蛛等三个机器人，更是在和天火合体之后秒杀了变形金刚的元老级人物，这无疑可以让擎天柱的粉丝大呼过瘾。有大量机器人出现加上要维护擎天柱的主角地位，一些“老面孔”就不得不受委屈了，因此就连大黄蜂也成了绝对的配角。在擎天柱之外，迈克尔贝将更多的镜头对准了几个新机器人，其中那个机器犯贱玩具小机器人更是成了影片中体积最小的“明星”，这涉及到影片相关玩具的销售，也是无可厚非的。

无论从场面、特效镜头、剧情甚至是影片中的幽默元素来看，第二集都超过了第一集，除了机器人太多造成场面上的一点混乱之外，作为一部商业片来说，《变形金刚2》已经做得相当不错，而且这所谓的瑕疵也不会影响我再次观看这部影片。做为一部续集来说，想让影迷再找到那种等待了二十年的激动也确实比较强人所难，毕竟这两年等待的是续集，而不是等待《变形金刚》归来，无论从等待的目标以及等待的时间上来看，这都是无法可比的，也是无论如何用多么壮观的变形场面都无法替代的。所以，在经历过《变形金刚1》的那种近乎癫狂的激动后，到《变形金刚2》的平静（当然这是相对第一集的平静）也应该是这个系列电影的影迷所要经历的并需要接受的，毕竟擎天柱归来时的那种感动只有一次。所以我们除了继续迈克尔·贝在视觉上给我们的再次冲击之外，也要等待他给我们带来一个完美的三部曲，既然我们经历过那种“归来”的激动，那我们就踏踏实实地享受“归来”后给我们带来的一次又一次的冲击。

当然，托尔金离我是远了点，无论空间还是时间都不合适。而唐小豪这个家伙，却着实是和我同一时代的，他当然不如托尔金那样有个非常牛B的庞大的世界观，但是在我看来，至少和我比起来，就已经很牛B了，牛B到会让我嫉妒。

2009年，唐小豪开始了一个在我看来相当圈钱也相当有远见的计划，就是写一套以一个角色为中心的系列小说，这个系列小说的主角有两个，一个叫唐墩，一个叫赖宝。可以说，唐小豪在进行这两个角色的故事，换成其他阿猫阿狗的名字偶读可以，但这些故事却仍然有着共同的主角。这是一种非常成熟的系列小说的创作方式，一来可以延长角色的生命力，二来也可以形成自己的一个独特的品牌，好莱坞的超人系列、蜘蛛侠系列的漫画和电影，便是一样的创作思路。想到这个想法不难，难的是如何用一个又一个吸引人却又不落俗套的故事让读者为此着迷。

而唐小豪脑袋里的鬼点子总是让我惊奇，似乎他的脑袋里已经有了诸多新奇的故事，然后找时间一个个地套到唐墩和赖宝的身上——就是这点能力，足以让我感到嫉妒了。

说说他们这次的新故事吧：

一个具有复制能力的人，一本看似可以道破世间万物的“天书”将几名年轻人扯进了一个充满密团的旋涡中……唐墩和赖宝的挚友付清祖上传下来一本奇书，因为这本书的关系付家几代男丁都离奇失踪，而唐墩和赖宝之前巧遇那个看似具有复制他人能力的人又一次出现，费尽心思想得到这本奇书以达到长生不老的目的，随着钟教授的出现，神秘美女石瓶儿的介入，这本书变得越来越神秘，到底这本书里隐藏的真的是长生不老的秘密？还是书中真藏有中国各大古墓和宝藏的秘密？随着一张来自某个神秘集团的探险寻宝邀请函，这一切都渐渐的揭开了序幕，一个由清末时期延续下来的神秘组织也渐渐的浮出了水面……

看这介绍像电影吧？想知道具体的故事情节？不好意思，我也不告诉你，自己向唐小豪问去吧！

《终结者2018》终于将镜头对准了“审判日”之后的末日景象，但是影片却没有显出应有的宏大，虽然剧情挺让人惊喜，可拨开这“创新”的外皮来看，依然是对前作一种近乎于“保守”的延续。《终结者2018》给了MCG一个超越前作的机会，但是MCG依然没有做到让人咂舌的程度。如果说《终结者3》在面对前作的时候更多是一种力不从心的“难以逾越”的话，那么在《终结者2018》里我看到的则是一种战战兢兢的“不敢逾越”。詹姆斯·卡麦隆的余威犹在，而后面的几亿粉丝从开机的那一刻就已经开始蠢蠢欲动，一个闪失都会让导演MCG被粉丝撕成碎片。毕竟不是每个导演都有乌维·鲍尔的勇气的。

浅尝辄止的战争场面

可以说，我们在最终版的预告片中所看到的人机对决几乎是《终结者2018》中战争场面的所有精华所在。那个引发迈克尔·贝和MCG口水战的“收割机”机器人，留给其露脸的机会也不多，这个大型机器人的出现确实让《终结者》系列里的机器人等级有了一个质的飞跃，但是它的出现并没有让战争场面有一个量的突破。若不是这个大家伙对剧情有一定的作用，那它几乎只是在某个特定时刻衬托了人类的渺小罢了，MCG估计没有足够的钱来折腾这块大金属，以至于观众难以看到它身上的任何细节，当从这点上来看，迈克尔·贝的《变形金刚》确实有向《终结者2018》叫嚣的资本。

可以说，如果希望在《终结者2018》中看到那种酣畅淋漓的人机战争，那无疑是失望的，影片中的所有战争加起来充其量只是一种小范围的冲突，而最后天网基地的爆炸更多也是主角个人英雄孤军奋战的结果，和反抗军没有太大的关系。詹姆斯·卡麦隆在《终结者1》和《终结者2》中在小空地上塑造的末日战场给人带来的震撼甚至也超过了本片。换句话说，除了影片开头那场短时间的轰轰烈烈的对决之外，影片便几乎没有反抗军和机器人正面战争的桥段。

面对巅峰的畏惧保守

詹姆斯·卡麦隆的两部《终结者》，换句话说就是讲述主角的亡命逃亡之路，这几乎已经成了《终结者》的核心剧情，而在这场被机器人追赶的逃亡中，卡车又是一个让观众难以忘记的角色，在《终结者3》换了导演之后，这两个传统依然被忠实的延续了下来。从好的方面来看，这是对巅峰的一种尊敬，然而换个角度看，这也是一种过分的保守。当然对于导演来说，这种保守是一种最安全的做法。

如果说《终结者3》的故事因为是发生在审判日之前而不得已而“保守”的话，那么已经突破了“逃亡”这个框架的《终结者2018》则完全可以不再遵循这个传统，而将重点转移到人机对战上。但是在这部讲述发生在“审判日”之后故事的《终结者》，依然没办法完全绕考“逃亡”和“追杀”这两个主题。因此，我们在这部最新的《终结者》影片中依然看到了机器对人的追杀，机器摩托追杀大卡车的桥段几乎就是对“传统”的“忠实传承”，只是在面对对手仅仅是缺乏智商的摩托机器人之后，这场追逐戏虽然火爆，却少了《终结者1》和《终结者2》中那种近乎于绝望的感觉。不过在本片中，这场逃亡戏倒是从影片的主线中剥离了出来，和核心剧情扣得不那么紧密，成了影片动作场面的一个调味剂，从这个角度上来看，本片在延续传统的同时还是做了一点突破，虽然这种突破并不见得人人都喜欢，但至少已经让《终结者2018》在向前作“致敬”的同时，有了一点新的气息。纵然我们在这种尊敬中还是感觉到了一丝畏惧之意。

如果说在影片的前半部分，MCG尚且可以放开手脚大胆的创新的话，那么在天网中的戏则完全成了“致敬”的爆发地。约翰·康纳和T-800之间的对决，依稀让人看到了《终结者1》最后一场戏的影子，而两个机器人之间的对决，以及四处飞溅的火花又有着《终结者2》的味道，而施瓦辛格的那张年轻的脸出现的时候，则更是赤裸裸的告诉粉丝这最后的高潮戏就是对前作放肆的致敬，然而影片最大的问题则也出现在这里。

这种人与机器的“肉搏戏”在《终结者》的前三部中都不是问题，因为那是发生在审判日之前的故事，那仍然是一个机器人占少数，人类占主流的社会。但到了《终结者2018》里，“肉搏”的战场已经转移到了天网里，而天网里最不缺的就是机器人，在反抗军的首领以及其父亲被抓住后，天网居然不派遣大量的机器人将其围歼而任凭其肆无忌惮地在总部里和自己的机器人单挑——这便成了影片最大的硬伤。导演MCG似乎过于专注于对詹姆斯·卡麦隆的致敬，以及过于追求其主角的个人英雄主义，而让影片的剧情不得不硬生生的扭转过来为角色服务，使得影片的剧情在前半部分比较优质的情况下变成了结尾处的庸俗。

MCG有机会突破的更多，但遗憾的是，畏惧和保守让这部影片并没有“优质”到底，如果说《终结者3》更多的是一种难以逾越的话，那么MCG所面对的则是自己“不敢逾越”的心结。

期待剧情新的突破

值得肯定的是，《终结者2018》在剧情方面确实已经跳出了传统《终结者》的框架，而在影片的大部分时间里，对其“传统”的传承更多的是在场面上。虽然影片的火爆程度没有达到我的预期，虽然影片中带着心脏的机器人一时还让我难以接受，但毕竟已经在影片中看到了一个新的系列诞生的倾向。

而《终结者2018》做得最为出色的一点就是不再将影片的主角定位于约翰·康纳身上，克里斯蒂安·贝尔虽然被称为影片的主角，但其实影片中最为关键的角色却是那个认为自己是人的机器人，这个角色继承了前两部中施瓦辛格的作用，实际上才是影片真正的主角。这点设定使得约翰·康纳不会一开始就以一种救世主的姿态出现，虽然约翰·康纳在影片最后过了一把个人英雄主义的瘾，但在整部影片中却没有沦为一个传统的美国大英雄，这让这个角色也显得饱满许多，这也为后面两部续作角色的塑造开了个好头。从目前的表现来看，这个新的《终结者》系列的续集也应该是板上钉钉的事了，MCG之前的履历一度让人不大放心，但他的表现还是超出了我的预期，至少表现得要比乔纳森·莫斯托（《终结者3》导演）表现的要好的多。

我不奢望新的《终结者》能超越詹姆斯·卡麦隆的作品，我希望这将会到来的新的三部曲会给人一种新的感觉，经典难以逾越，但若是如此而不敢逾越，那不如不拍。

曾经是香港票房之王的王晶，近几年作品的水准是愈发走下坡路，不仅无法重现当年叱喝香港院线的那种霸气，还无法拿出较有水准的严肃题材作品。虽然有《黑白森林》这样的“跟风之片”，但给人的感觉和同时期同类型的题材相比，总是短了一截气。因此，《金钱帝国》可谓是王晶这几年最具野心也可能是最具内涵的影片，但是事实证明，现在王晶鼓捣一些无脑型娱乐片还是有两把刷子，但是要把握起有点份量或是比较严肃的题材，他还是欠缺一点火候。同样是表现香港警察贪污的影片，《雷洛传》的高度是《金钱帝国》所远远无法比肩的。二者最大的区别是，《雷洛传》将香港那段黑暗的历史拍出了有着黑帮味的史诗片，而《金钱帝国》则是简单地将影片拍成了黑帮片。贪污的警察最大的特点就是亦官亦匪的味道，可到了王晶的新作中，除了陈奕迅的角色之外，我们看到的只有匪气。

我们可以稍微回忆下《雷洛传》，可以说《雷洛传》最成功之处就是再三强调主角的探长身份，影片甚至不惜花了大量的篇幅来描述主角的成长，这让观众对主角的身份有着很强的认知感。然而在《金钱帝国》中对主角身份的描述却仅仅通过旁白来实现，如果没有旁白以及片头几个警察收钱的镜头，我们几乎在后面的镜头中难以找到反应这部影片背景时代的元素。而同样是《雷洛传》中，却对警察如何收黑钱有着较为详细的描述。王晶似乎在影片的一开始就没有准备给其很高的立意，仅仅是想借那段历史之名重新鼓捣一部标准的的“黑帮片”罢了。所以我们在影片中看到了熟悉的仇杀、熟悉的地盘划分、熟悉的分赃等等。虽然当时的警察就像黑帮一样，但却因为身份的复杂，不能简单的用塑造黑帮的方法来塑造这群“黑警察”，甚至这群“黑警察”比普通的黑帮要来得更加有破坏力。但是在《金钱帝国》中却没有看到如此的“力量”，从梁家辉出现之时，这部影片已经和普通的黑帮片没有什么区别了。

同时，从梁家辉所扮演的“乐哥”这个角色的设置便可以看出王晶在本片中空有一定的野心却缺乏一定的挖掘能力，影片在大部分的时间里甚至看不出梁家辉的大探长身份，只看到他咆哮和打人，这几乎就是《黑社会》中大D的翻版，只见其狠，不见其智，但是我相信，在那个时代的香港，想爬到最高探长的位置，只有狠是永远不够的。一个堂堂的大探长，甚至是颇具政治手段之人，在影片中如同一个家族黑帮的老大一样，而这个黑帮老大的气质，却远远不如《黑金》中的那个老大来得更有震慑力。梁家辉的表演虽然很精彩，但是很遗憾，影片并没有给他太多的发挥空间，他本来可以演个和刘德华的“雷洛”想媲美的角色，但从目前的情况看，多年之后，大家仍然只知“雷洛”，不知“乐哥”。这同时也暴露出影片另外一个毛病，就是没有一个深入挖掘的人物。

除了乐哥这个本该是主角的人物被王晶完全的浅薄化之后，影片中的其他角色更是没有得到相应的挖掘。陈奕迅的“阿九”这个本该是影片中最为矛盾的角色，也给人感觉是过于浮于表面，至于刘洋扮演的女毒枭在片头嚣张了一阵后更是逐渐淡出了戏外，王晶的演出更是将影片往低俗之路拉得更近了一点，这个小丑般的角色虽然使得影片多出了不少笑声，却让这本就没有多少厚度的影片变得更加快餐，而廉政公署的一般演员更是极具脸谱化的演出，在影片中甚至无法感受到这群反腐斗士的力量。最最让人难以接受的便是黄秋生的角色，在进入廉政公署前后，黄秋生几乎是两个完全不同的人，但便是这完全不同的人在影片中几乎就是在一个晚上得到了统一，这着实难以信服。王晶似乎没有将角色的性格转变以及命运的发展和剧情融合一起，所有的角色以及所有角色的命运以及个性，完全按照王晶的喜好来设定，这种设定甚至是非常随性和表面的，王晶在影片中极度缺乏对人物个性的挖掘，因此才会出现黄秋生所扮演的“火麒麟”这样难以让人信服的角色。

影片几乎沦为普通的黑帮片，人物缺乏一定深度的挖掘，可以说《金钱帝国》所本该具备的一些优秀元素已经被王晶玩废了，但就是这样，王晶却仍然不忘在影片中插科打诨，一些本该出现一些快餐式娱乐片的元素也频频出现在这部本该严肃的影片中。可以说，王晶是一步步毁掉了这部电影，或者说，现在的王晶已经根本无法驾驭如此庞大的题材了。

《金钱帝国》，空有一个有气势的片名而已！

我看了之后只觉得可笑之极！

众所周知，在一般情况下，电影就是只有2个小时左右的片长，你无法在这2个小时的片长里剪出一部好电影，那就是你导演能力不够，要是一定要5个小时才能说好事情，那你拍电视剧得了，还拍啥电影啊！

还有所谓剪掉的都是精华，那看看你电影里留下了什么？跨国恋，三角恋以及莫名的欢呼，留下这些东西，就能说明好东西都被剪掉了么？

说到底，《拉贝日记》就是一部极度平庸的电影！

我不会因为一部电影的平庸而否认拉贝的伟大，而同样我也不会拉贝的伟大而却去承认一部平庸的电影。虽然《拉贝日记》在德国获得大奖，但这并不代表这是一部表现南京大屠杀的好电影。《拉贝日记》给我带来的失望超出了我的预期，在这部影片里我根本没有得到应有的震撼，甚至没有什么感动。这部拍给西方人看的“拉贝小传”虽然也只有两个小时的片长，却让我感到是如此冗长，我不知道在影片的播放过程中看了多少次时间，《拉贝日记》“循规蹈矩”到没有任何惊喜，甚至没有一个高潮点来引发观众的共鸣，影片如同流水账一样，平庸到没有让人想重看一遍的欲望，而在走出影片后，脑海里那刚刚看过的影像也正立刻慢慢消散，《拉贝日记》给我便是这样一种极度模糊的印象。

背景般的中国人

说到刻画那场浩劫中真正的主角中国人，我就不能不提到《南京！南京！》。导演陆川在接受杨澜时采说道，那一个个特写的中国人的脸庞是他照着真实的照片尽量寻找长相相似的群众演员来化妆扮演，而这便使《南京！南京！》里那一张张茫然、无助却带着点刚毅的脸庞给我留下了深刻印象。然而在《拉贝日记》中，导演罗瑞·加仑伯格却依然采用了一种最为平庸的手法来塑造中国人。只有在拉贝选择那20名士兵时，镜头了给了那些士兵一些镜头特写之外，在大部分的时间里，中国人已经完全沦落为了这部影片中的道具。除了张静初这个所谓的主演和拉贝先生的司机之外，我几乎想不起电影中有哪张让我难忘的中国脸庞。

当影片中的中国人无法给观众留下深刻印象之后，影片中浩劫给人所带来的震撼则要打上一个大大的折扣。或者说，《拉贝日记》的故事核心是完全转移到了拉贝此人身上，因此甚至可以说这场浩劫中在《拉贝日记》中已经完全成了成就影片中那个拉贝的光辉形象的一个活动的背景板。

而同样的问题也在屠杀桥段中可以看到。在预告片中被大肆渲染的“多米诺骨牌屠杀”桥段则是我在影片中看到最为难受的桥段之一。但这并不是因为屠杀的残忍，而是对该桥段中所表现出的造作感到难受。在桥段中，那些中国士兵已经完全彻底地被道具化，在机枪扫过之时，居然没有一丝要躲避反抗的意思，完全按照导演的意思在特定的时间并以相同的姿势倒下，毫无生命的道具也不过如此了。

当有的电影试图还原那张浩劫中的每张脸，而有的电影却用粗糙的大笔将中国人一笔画过。《拉贝日记》中的中国人都在拿着聚光灯，只不过他们都站在聚光灯的背后，光芒全部落在了电影中的拉贝身上。由此不得不说，有时比比，才知道哪部影片更有诚意。

恶俗桥段的放肆堆砌

陆川在将五个小时的电影剪到了两个小时之后，原本剧本中存在着三角恋剧情被完全删除，以至于我们在现在公映的《南京！南京！》里完全看不到有几个角色之间原本存在的感情纠葛。

事实证明，删除比保留更加困难。

诚然，加入几个主角的感情纠葛后，会让影片显得更商业更吸引观众一点，然而这必须要看是什么影片。将这种无谓的感情戏掺杂在以南京大屠杀为题材的影片中，便怎么看怎么让人觉得腻味。商女不知亡国恨，老外不知屠城痛。南京大屠杀这场浩劫对金发碧眼的外国人眼中似乎仍然太过遥远，从他们彻底将中国人沦落为一个个只会呼吸的道具可以看出，他们似乎还远远没有了解到这场浩劫给中国人带来那种难以抹灭的痛，而是在用一种纯国外的思维来打量这场浩劫，因此他们更关注这场浩劫上的外国人，对发生在这场浩劫上的莫须有的异国恋则更加有兴趣点。这是一种理所当然的惯性思维态度甚至是霸道不负责任的，这不禁让我对《拉贝日记》的诚意表示怀疑。因为在影片中将张静初的爱情戏份删除，对影片的剧情几乎没有任何影响，相反会让剧情更加紧凑点。而偏偏就是这对表现影片主题毫无帮助且和历史完全无关的恶俗剧情，在影片中以“战场中的浪漫”的名义肆无忌惮地游荡在血和尸体之上。

而影片中的恶俗之处远不止这一处。

我不明白外国人是否真的能理解在这场浩劫中出现所谓的欢呼是一件多么奢侈的事情。劫后余生固然可喜，但远远不会达到影片中那样欢呼雀跃的程度。这种将人从死亡线上拉回的激动更多的是一种悲乐，而不是影片中那种没心没肺的狂欢。然热这种欢呼却一而再再而三地在影片中出现。而最让人难以忍受的便是最后拉贝离开南京的桥段，且不论这场戏是否符合史实，单单那些那些衣冠鲜亮的且满脸红光的群众演员，就让我难以感受到他们刚刚经历过一场死掉无数中国人且缺乏充足食物的浩劫。无论拉贝拯救了多少人，但在这场死了30万人的浩劫中，任何的欢呼都是刺耳的。至此，这部影片中的中国人已经完全成为衬托拉贝光辉形象的元素了。

《拉贝日记》的结尾，必然成为09年最恶俗的桥段之一。

毫无亮点，平庸到底

“毫无亮点，平庸到底”——这八个字就是我对《拉贝日记》最直接的印象。这是一部无论从尊重史实的程度上还是从一些虚构的剧情上来看，都有着太多太多瑕疵的影片。这部耗资2000万美元的“大片”，空有还原历史的想法，却缺乏还原历史或者是传达真相的能力。对浩劫缺乏足够尊敬的描述，而影片里和日军的交涉以及安全团内部的矛盾这些本可展开的剧情又浅尝辄止。这部平庸到极点的影片甚至比不上好莱坞标准流水线的作品，至于比肩《辛德勒名单》那更是天方夜谭。虽然影片中的演员都有着出色的演出，尤其是扮演香宫鸠彦的香川照之更是令人尊敬。如果没有这些演员，那么这部影片甚至连平庸都谈不上。

拉贝是伟大的，但这部《拉贝日记》却离伟大有着太过遥远的距离。

这几天，自22号看完《南京！南京！》之后，我写了《<南京！南京！>：请给予陆川足够的尊重！》一文后，无论是天涯还是我的新浪博客，所收到的大多是一种近乎于癫狂的无耻的谩骂，这是我看这部影片以及写那篇文章之前完全没有想到的，这种谩骂已经脱离了对影片本身的讨论而上升到一种纯粹的人身攻击上来。若是往常，我会一句句的反击，但是这次，我却选择了沉默。因为我知道，虽然确实有网友不喜欢这部电影，也确实有些网友异常愤怒，但更多的谩骂是来自于《拉贝日记》的制片方，同时我也相信，陆川对于那些无耻的人生攻击，也会选择必要的沉默——对于那些揣着几个硬币的打手来说，对他们最好的反击就是沉默，是非曲直，自有公断！

我尊重和我有着不同看法的人，但我鄙视你们这些踩着逝者的血泪，假爱国之名干着龌龊勾当的暴徒！你们与那些曾经屠杀我们同胞的日本人几乎没有分别！我毕竟是个无法压抑愤怒的人，这种愤怒需要寻找一个爆发点。

如果《拉贝日记》是一部好电影，我同样不会吝啬自己的夸奖，但是如果《拉贝日记》并不如你们这些暴徒鼓吹的那么高尚，那么那些你们曾甩在别人脸上的耳光将会成倍的落在你们的脸皮上！！

不是不反抗，而是我要选择反抗的方式，毕竟我不是暴徒，不是我不愤怒，而是我压抑的愤怒会更加反衬你们的狰狞！！！！

对于《南京！南京！》（以下简称《南》）这样一部影片，我们有必要给予一定的宽容。虽然在我们走出影院冷静下来之后，确实会发觉影片中在技术方面有着一些较为明显的缺陷，但是我们并不能将此时的冷静逐渐变为一种近乎于麻木的冷漠，我们不能忘却在影片中那种让人窒息的沉重。有人批评陆川再次将自己置于一个较高的道德制高点上而让人难以对其批评，但我认为，在如今一个物欲横流且越来越忘记伤痛的年代里，尚且有人处于一个所谓的“道德制高点”之上而对国人敲响警钟，这总比冷眼的批评家的嘴皮子要来得实在，从这点上来看，陆川有理由值得我们尊重。

“人性化”还是“美化”

在看影片时我曾经想过，其实《南》如果加上那些被剪掉的镜头，估计完全可以剪成两部影片。一部以范伟所扮演的唐先生为视角，而另外一部以中泉英雄所扮演的角川为视角。就如同《父辈的旗帜》和《硫磺岛的来信》一样。但是影片没有做，影片而是将两个视角甚至更多的视角交叉（这样做法的效果并不是非常理想，后文后具体说到）。而角川这个以一个日军士兵为视角的拍摄手法，在国内的影片中是极其少见的。

在中国传统的抗日战争影片以及以前所拍摄过的关于南京太屠杀的影片，都往往忽略了“日军士兵其实也是人”这样一个事实。因此我们在影像上所看到的日军其实已经成为了一种符号式的元素。他们如同一个个土黄色的道具一般，只会出现在导演需要的地方以某种特定的姿势来填补胶片中的空白。因此这些日军的行为往往模式化，甚至于程序化。虽然日本在侵华战争中给我们留下的太多的苦难，然而简单地将这些土黄色的道具“妖魔化”，所以我们不曾记住那些日本军人的样子。这固然会引起我们对日本侵略军人的仇恨，但是对敌人的过分妖魔而忽略其实际上是人的本质，这从某种意义上来说，也是一种对战争的不负责。战争本就是一次人性的灾难，在离开了“人”这个元素，灾难也相应变得轻浮。因此将敌人逐渐人性化，或者说将敌人逐渐回归到“人”这个本质上来，已经是世界各国的战争片所做的。近几年的一些反应抗日战争的影片已经开始逐渐往这个方向靠拢，但都没有这次《南》要来得彻底。

但是，“人性化”和“美化”往往只有一层纸，因为只要是人，总有其优秀的一面，在以人性化的手法来表现敌人的时候，总是要不可避免的表现其优点的一面，这便会使得部分观众在感情上无法接受，他们无法理解这些“恶魔”怎么也会如同自己一样，他们本该无时无刻脸上都堆满了狰狞，在被固有思维所拘禁的人自然会第一时间冒出“美化”二字，而批评之声也就随之而来的。在这里，不管这些观众是否是过于苛刻，“人性化”的度依然是一个难以把握的度。拿我们所熟悉的《硫磺岛的来信》来说，由于克林特伊斯特伍德并没有深刻了解到他们眼中那值得尊敬的敌人给中国人所带来的灾难，因此在我们眼中便显得因人性化过度而变得有美化之嫌（具体可看拙作：《硫黄岛的来信》：反战、日军和美国价值）。而有部叫做《太阳》的影片，则是几乎在为裕仁天皇开脱了，这是一个典型的没有把握好人性化尺度的一个影片（具体可看拙作：从《帝国的毁灭》到《太阳》：所谓人性……）。

因此，判断一部影片中对敌人的人性化是否有美化之嫌，只有两个标准：其一便是该角色是否有着较为鲜明的性格以及有着一些和普通百姓一样的品质，其二影片是否回避该角色在影片中所犯下的罪行。从这两点标准来看，陆川此次在《南》中的尝试无疑是成功的。

影片中塑造的主要的日军角色便是角川和伊田。但这两个角色其实在影片中还是被赋予了较大的符号意义（这也是影片中的一个缺陷，后文具体会说到）。角川是代表了战争中受到伤害的日本百姓，而伊田则是承担了传统影片中妖魔化日军的作用，所以影片中日军的人性化表现更多的是从其他角色来体现。所以我们可以在影片中的日军身上看到兄弟之情，可以看到他们在闲暇时候一起嬉戏作乐，然而正是这种极度人性化的角度让影片更加震撼。影片中有组镜头是“自愿借给”日军的女人被蹂躏致死后，赤裸着身体被抬上板车从一群日军中拉走，而在旁边谈笑，甚至是拉家常的日军士兵甚至没有看一眼这几具还未冰冷的尸体，依然谈笑如我——这种冷漠和热情交织在一起的镜头，无法不让人动容。那些指责陆川在影片中有媚日甚至卖国嫌疑的人，你们睁开眼睛好好看看，如果你还不能从这样的镜头中看到导演的良心，那么我只能怀疑，你是否真的有良心！？

我确实在影片中看到了一个个活生生的有血有肉的日本军人，但是同时，我也在荧幕上看到了一个个毫无人性的残酷的侩子手。陆川确实是人性化了日军，但决然没有美化！

影片最后，影片中人物的照片一张张的出现，大多数人的生命都定格在了1938年，包括那个慰安妇百合子，而那个伊田活到了1970年。战争的受害者早早离开了我们，而多数侩子手却依然没有得到相应的惩罚，在这几张安静的照片，我几乎可以感受到陆川无声的愤怒！

令人沉重的死亡众生相

影片中并没有将过多的镜头留给大屠杀的“大场面”，如果过于纠葛于大屠杀场面的塑造，则也会使得那些被屠杀的军民如同以前影片中的日军一样，沦为了一个个符号。那样场面虽然震撼，却不会给心灵太大的震慑。而在《南》中，在那场大屠杀来临之前，陆川用一种极其窒息的安静来为那即将到来的黑暗做铺垫，而同时，影片用了大量的镜头给了中国士兵脸部特写，在死亡即将来临之际，我们在这些脸上读到的是一张张麻木到甚至忘记恐惧的脸，他们甚至不明白等待着他们的就是一场突如其来的死亡。陆川在《可可西里》中便用这种让人窒息的安静来慢慢的展现死亡，而这次我们在《南》中看到了同样的手法，这种近乎于定格的镜头，比任何鲜血都要让人觉得沉重。

《南》的英文片名为《City of Life and Death》，从片名上来看，影片主要是为了展现在这场浩劫下，众人对生的渴望以及对死亡的无奈。这也是影片的后半部分将故事的重心转移到了难民求生的主题上来的主要原因。对生的渴望其实就是对命运的抗争，纵然这种抗争是无力的，但同样是在这无力的抗争中让人看到了动容的力量。影片中最为感人的一幕便是江香君自愿“借”给日军的那个桥段，在这里，陆川同样给了几个让人难忘的特写镜头，但这次不是脸，也是那一支支高高举起的手。如果说前面一张张中国士兵的脸上更多的是死亡的麻木，那这一支支手则是一种对死亡的抗争。

而与此有着鲜明对比的便是影片最后日军的祭祀。可以说，这段是影片中最为华彩的一段，伴随着激昂的鼓声，日军那严肃且庄重的意识里让我们感觉到他们对逝去同伴的思念，但与其形成强烈对比且极具讽刺意味的是他们身后的累累白骨。生与死这个主题也在这一刻得到极大的升华，因为偏偏在这最为庄重的一幕中，我没有感受到日军对中国人生命的怜惜。

值得一提的是，陆川几乎是以一种纪实手法在拍摄《南》，影片在大部分时间里并没有配乐，唯独江香君自愿“出借”时的音乐和影片最后的鼓声让人难忘。前者让我感受到了对生的眷念，而后者则是让我感到对生命的麻木。

虽有瑕疵仍值得尊敬

不可否认的是，《南》在技术层面上还有一定的缺陷，其中最为明显的便是影片视角的转换。影片的第一视角明显是角川，但是陆川在具体的执行中，并没有将角川的视角贯彻到底。在影片的一开始，影片的镜头是跟随着角川的，但到了南京城内后，实际就成了陆剑雄和角川的双人并行视角，并且两人的视角都是以第一人称角度来拍摄。而到了后面安全区的桥段，影片则成了多人视角，但是除了角川的视角仍然是以第一人称的角度来贯彻之外，安全区中唐氏一家，姜老师等人的视角却都是第三人称。因此，《南》在视角的选择上略有点混乱，而这主要原因还是影片中的人物过多，而这些人物都是陆川无法割舍的，其无法割舍的原因就是这些人物都承载了一定的符号功能，即每个人物都代表了一个特殊的群体，为表现这些群体，就必须要让影片中的各个人物都能全部点到。这便引出了影片的第二个缺陷，就是各个人物稍欠丰满。

《南》从某种意义上来说是一部群相影片，影片中有台词的且对剧情有推进作用的主要角色就近十个，这就是说，在这100多分钟的影片里，其实留个每个人的戏份并不是太多，这便限制了影片中角色的性格塑造，而这也是以符号性塑造人物一个难以逾越的瓶颈，这便使得《南》的人物并没有带来太多的震撼，可以说，这点是令人遗憾的。

而同时，同样也是因为身上带着符号功能，陆剑雄这个角色便成了了抵抗到最后被屠杀的中国军人代表，为了照顾这个角色，影片在开头安排了一场经常的巷战。不可否认的是，这场巷战甚至比《集结号》拍得更为出色，同时也是影片中最具视听效果的一个桥段，但很明显，这段和后面有一定的脱节，战场和安全区仅仅依靠一个小豆子来联系，而参加过巷战的角川则更多戏份更多的是在安全区之外。所以我们在影片中便看到影片中有几个角色在大部分时间里都是处在自己的空间里没有太多的联系，影片在平行空间叙事还是交叉空间叙事之间有点摇摆不定，这也是为何我前面说到这部影片完全可以剪成两部影片的原因。

但是，这也是我对这部影片唯一可找到的批评之处了。

坦白说，对于这样一部艰难的影片，能以现在这样的面貌出现在大荧幕上已经足以让人欣慰，我们完全有理由原谅陆川在技术层面上的一些缺陷，更何况这些缺陷其实并不影响我们观看影片。上在影院中观看之时，我感到的只有沉重，只有愤怒。《南》有缺陷，但毕竟让我们再次回顾了那段让人心痛的历史，我想说的是，如果你是一个有血有肉的中国人，请给予陆川足够的尊重，以道德者的姿态去指责一个本不该指责的中国导演，才是真正将自己置在所谓的“道德制高点”上的可怜之辈。如果你有孩子，那么趁中国电影尚未分级之时，带他进影院看看这部电影吧，虽然影片中有些不适合小孩的镜头，但我相信，那些镜头只会让孩子更加牢记这段不该忘却的国耻！

最后，我以一句最为简单，也是我看完电影后对朋友说得最多的一句话来结束本人的文章：

支持《南京！南京！》！支持陆川！

目前我们内地观众所能看到的《神枪手》版本，有两个问题影片没有对我们讲清楚：一个就是任贤齐的方克明究竟有没有撒谎，另外一个就是方克明的妻子为何要自杀（我相信这绝对不是炒股失败那么简单）。这两个情节很有可能是整部影片的最关键的两个情节，并且彼此之间都有联系。但很遗憾的是，导演林超贤并没有在这个版本中给我们答案。当然，我也有足够的理由相信，这个版本绝对不是他最想要的版本。

《神枪手》在“硬件”方便所下的功夫已经让人满意，因为中对各种枪械的描述已是香港电影中较为专业的，我们不会在影片中看到类似《导火索》或是《猛龙》中那样将狙击枪当机枪或手枪用的低级错误，同时也能看到反器材步枪的强大威力。因此如果抛开剧情层面不讲，《神枪手》的所有狙击桥段都极具娱乐性。如果不是影片最后那段为了对狙而故意设计的仓库对战戏有些牵强不符合事实，那么这部影片则会显得更加专业一点。

平心而论，这部影片中的三位帅哥的表现还是合格的，至少没有出现一味耍酷的地步，对于一部娱乐商业片来说，他们已经完成了任务。《神枪手》现在不那么让人满意，这三位演员并不是罪魁祸首，而是含糊不清的剧情让这部影片的水准大打折扣。

虽然影片打着陈冠希主演的招牌，但陈冠希所扮演的小O并不是影片真正的主角。他在影片中的作用更像是一条线，将黄晓明扮演的凌靖以及任贤齐扮演的方克明两个人联系起来，这两人才是影片真正的主角。但是这两个角色在影片中几乎没有任何对戏的桥段，这对一部影片来说是个炸弹，这很容易让影片变得凌乱。而小O这个角色的设置在很大程度上避免了这种情况的发生。所以就算在现在的这个版本中也可以看出，小O是三个角色中性格最为简单的一个，在影片中并没有引发多大的矛盾。真正的矛盾是围绕在凌靖和方克明之间，而这两者的性格也是最为复杂的，而这两个角色的饱满与否则直接影响到这部影片的水平。但是我们现在看到的这个版本，偏偏就是在这点上没有做好。黄晓明所扮演凌靖这个角色还让我们看到些许亦正亦邪（他在影片中并没有杀太多人，对于警察，大部分只是打腿，只有对狙击队员才痛下杀手），而方克明则几乎在这个版本中被塑造成一个正义的警察形象，这让本该是一部对人性有所讨论的影片立刻沦为了纯粹的正邪对抗的普通警匪片。因此目前为止几乎可以肯定现在的这个国配版本的《神枪手》是妥协再妥协后的产物了。

根据最新的规定，一部影片如果要在内地和香港一起上映的话，那么两地上映的版本必须基本一致，也就是说，以后影院中基本不可能出现所谓的港版结局和内地版结局（DVD发行除外），而这也是为何《新宿事件》不会在内地上映的原因之一。不过好在《神枪手》似乎没有在内地院线上映的计划，所以这部影片还是有希望的以本来的面貌出现在我们面前。

不可否认的是，《高考1977》拍得还是比较成功，无论对那个时代熟悉与否，影片中那群大龄青年对知识的渴求以及对命运的抗争精神还是会让我们动容，而导演也懂得在恰当的时候来个放肆的煽情，来博取观众的眼泪。作为一部主旋律影片，《高考1977》没有太多的假大空，虽然这部影片在左右观众情绪的手法方面还略显平庸，但能够使用娱乐片的手法来传达思想，却是近年来主旋律越来越追求的一个方面，这个变化是可喜的。

如果《高考1977》仅仅是表达一群人的高考故事，那么这部影片目前为止已经相当不错，但问题是《高考1977》所承载的内容永不止这些。如果说将这部影片作为表现上个世纪七十年代末，发生在中国大地上改变了无数人命运的一个重大事件的电影，《高考1977》则显得过于单薄，换句话说，就是做得还不够。虽然影片设置了一个农场并将诸多不同命运的人堆积到一起，但也没有使得后辈能对那段历史有更多的认识。《高考1977》故事讲得固然好看，却忽略了故事背景的深度刻画，而使得影片似乎纯粹为了父辈们怀旧而摄，而其本该承载着讲述历史、承启的功能却被无形的淡化了。

如果《高考1977》放在一个有史诗感导演的手里，那么高考恢复这个题材则会作为一个引子，并将当时高考恢复前后的历史事件以一种波澜壮阔的手法来表现出来。如果真能这样，那么“高考”这个元素则不是我们现在在影片中所看到的那样更像一个改革浪潮中的个体时间一般。然而事实上，1977年的高考恢复本身就承载着诸多政治意义，这个事件是无法脱离其前后历史而单独看待的，而其恢复高考前后所带来的阵痛也是这部影片所刻意规避的。

对于1977年参加高考的那群青年来说，文革是个永远无法抹去的痛苦回忆，而文革的“附属品”——知青下乡——这个事件，对于那一代人来说，是个回忆，却也是刻骨的辛酸。因此文革、知青以及高考，这三个元素对于那个年代的青年来说，是紧紧相扣所无法分开的。但是由于“文革”题材的敏感性，使《高考1977》放弃了将这场浩劫开始和结束作为故事的一个大铺垫，而仅仅是通过一个老师和一个知青这样两个符号性的人物来完成对这场灾难的控诉。但仅仅是这样，这两个人物在很多时间还是游离于“文革”这个元素之外。对于高考前的这场阵痛，影片连点到即止都未曾做到——当然，换了任何一个中国导演都会如此，这更多的是一种无奈。因此，影片中高考恢复这个历史事件在影片中最后所呈现的效果是煽情有余而震撼不足。虽然《高考1977》从故事层面上来看，着实是一部比较好看的主旋律片，但由于对阵痛的规避，让这部影片只能成为纪念高考恢复这个历史事件的一部“准中国教科书”式的影片，这部电影或许会出现在某些官方的材料上，但决然无法成为一部经典。我们反对过多的伤痕文学，但这次高考恢复满身本就是带着伤痕，而这些伤痕恰恰是我们所不应该忘却的，这种直达内心的伤痕远比影片中的鲜血要来的痛。

在这种情况下，我们就无法奢望能够在影片中看到一个以大环境为背景的历史再现。影片将故事设定在黑龙江的一个偏远农场，这是一个非常取巧的设计。这从一定意义上照顾了“知青下乡”这个题材并对“文革”有所提及（虽然这并不是影片所要表现的“重点伤痕”），也将这个大事件压缩到一个较小的空间，以方便用几个符号性的人物在不到两个小时的片长里展开矛盾——这是一种典型的象征性手法。这从一定意义上让观众更容易理解角色，并让经历过那个年代的观众很容易把自己同影片中的某个角色联系起来，换句话说，这可以在短时间内让观众建立起对这部影片的认同感，还不会因此而触及某些高压线，这会很容易让影片获得好评，所以说这是取巧的。然而，观众的短期共鸣毕竟是带着一丝冲动性，或者是这种共鸣是建立在和自己有相似经历的角色身上，而不是建立在对这部电影整体的认可之上，因此这种取巧的方式的缺点也是很明显的，除了上面所说的使得影片缺乏力度之外，还使影片沦为一部纯粹的有诸多象征意义的群像影片。

而同时，当人物众多，而每个人物都有承载着象征意义的时候，一部不到两个钟头的影片确实无法做到每个人物有血有肉，这就必然使影片要用一些刻意的泪水来达到煽情效果，以加深观众对影片的认同感——而事实上，影片也确实是感动了不少人，但这种感动不是建立在人物本身，也不是建立在高考恢复这个大环境下，而是通过一个又一个刻意制造的剧情和影片技术方面（如摄影、剪辑、音乐）的补充而达到的，影片最后那众人追赶火车的那段则是这种手法的最直接表现，虽然这个桥段有着太多值得怀疑的地方，但观众还是会在那一刻感动，甚至流泪。影片回避了最直接的伤痕，而用一些和当时历史环境没有太多关系的小伤痕（如被喇叭砸死，赶考差点迟到）来打动观众，这种脱离了历史背景的刻意煽情多少有点太过矫情之嫌。在现在的这种大环境下，我可以理解这种拍摄手法，但并不表示我认同。

对于《高考1977》，我可以觉得欣慰，因为这部影片确实挺好看，但是我同时也觉得遗憾，如果不是如此谨慎地避重就轻，这个电影本可以拍得比现在要更好的多，也更深刻的多。

如果不出意外，《红河》的票房并不会比《二十四城记》这样的影片好多少。在中国，文艺片总是要和艺术影片面临一样的票房窘境，纵然对于普通观众来说，前者会比后者更具看点。不过好在这次章家瑞会比贾樟柯更加不缺钱，一个红河集团的赞助多少会比华润置业更加牛气。值得庆幸的是，“出资人”红河集团并没有赤裸裸地让章家瑞在影片中兜售香烟，这从某种意义上保证了这部影片的“纯真性”。因此除了片名着实有一点广告之嫌之外，《红河》是一部无论从剧情还是表演上都足见诚意的影片。

作为云南三部曲的最后一部，章家瑞再次将镜头对准了我们相对陌生的地域。中越边境的美丽风光以及边境小城那种略带乡土气息的繁荣，都给影片披上了一层迷人的异域之色。从影片细节的上的刻画来看，《红河》有点象日本影片，无论是影片中的街道，还是那座按摩小楼，或者是演员的几个动作，都处处充满了细腻之感。直到高潮部分之前，影片一直是以一种低缓的节奏来展开剧情，而略带忧伤的音乐则为最后的情绪爆发有了感情上的累积。作为一部悲剧，《红河》无论是从剧情的设置还是在人物的塑造上都处处为悲剧这个主题服务，影片结束时甚至没有出现恶俗的大团圆情节，只留下了一个充满悲伤的开放式结局。可以说《红河》是绝对合格的悲剧作品。

然而遗憾的是《红河》作为一部悲剧过于合格。

《红河》的剧情不可谓不起伏，而里面人物的命运也不可谓不打动人。但这其中最大的影片则是导演章家瑞似乎过于在乎观众的想法，以至于影片至少在高潮来临前的剧情发展和人物命运都在观众所意料的轨道中运动，甚至于影片最后沙巴老大的死亡也没有太多令人意外之处。导演章家瑞在采用了一种惯性思维来将影片的主人公一步步推向深渊，惯性思维的好处是可以让观众在所期待的剧情发生之时情绪得到足够的发泄，但缺点也是很明显的，就是无法给人带来难以忘怀的震撼。影片中最出乎人意料的就是沙巴老大其实只是想收阿桃为义女，但是遗憾的是，这个本该成为另一悲剧的催化剂的意料之外的设置，在整部影片中却显得相当牵强，沙巴老大这个原本应该非常矛盾的角色便遗憾得显得单薄了。所以从剧情上来看，《红河》虽然足够催泪，但没有给观众太大的惊喜。而影片中最大的惊喜则来自于两位主角的表演，或者说是两位主角的表演使得这部影片的可看性大大增加。

张静初所扮演的略带智障的女孩阿桃在整部影片中甚至没有什么台词，可以说张静初完全是在用表情以及肢体动作在塑造这个女孩形象，他将女孩阿桃对阿夏那种介于亲情和爱情之间的感情拿捏的还是比较有分寸，正是她最后那爆发似的表演，让拘留所的那个桥段成了影片最大的催泪弹。而已经拿到足够片酬的张家辉在影片中也相当卖力的演出，这个大器晚成的演员往往是在离开王晶后才知道怎么演戏，好在他现在已经有了足够的资格不在烂片中厮混了，如果不是他那一口改不掉的港式普通话，《红河》中的张家辉则会得到更多的赞誉。而同样出色的还有李丽珍，这个曾经三级女星已经不见当年的青涩，《红河》已经让我们看到了他那日益成熟的演技，唯一遗憾的就是李修贤，虽然他的沙巴老大足够霸气，但无奈戏份太少并没有给其太多的发挥空间。

若不是影片本身的剧情设置过于规矩的话，《红河》完全可能成为今年上半年院线中最为有力的一颗催泪弹，不过尽管本片有着诸多遗憾，但仍然不失为一部好片子，至少这样的一部影片比纯粹捞钱的商业片和一些完全不顾观众感受的艺术片相比，则显得更加真诚。

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书名：《白骨精的职场私房话：全都是演员》    责编：周红斌
出版日期：2009.4
作者：忆何飘   著

内容简介：

　　这是一本有别于《浮沉》《杜拉拉升职记》的小说，因为并不是所有人都能去世界500强。
　　一个真正的白骨精除了在职场上做到玲珑八面，行云流水之外，还应该能情场和谐挥洒自如。
　　本书塑造了一个典型的职场白骨精--上官懿群。当这位才华横溢的上官懿群沉浸在职场沉浮之后的辉煌与美誉时，她猛地发现自己不再是一个身处妙龄的白骨精，而是一个处处开始尴尬起来的大龄未婚女青年。那种生命的瞬间感悟，也会让更多的人产生共鸣：一个人活着不能只是职场，尤其是女人。
　　她从一个都市白领女性的角度去思考与解读一个不一样的职场人生，并且告诉你怎么样才能真正地找到属于自己的精彩！这些触动灵魂深处的隐秘文字，同样也打开了你的心门！

　　宣传用语：
　　2009年最值得期待的职场征战小说
　　《浮沉》作者崔曼莉鼎力推荐！
　　不是所有人都能去500强！
　　不一样的职场，不一样的职场法则！
　　一个人活着不能只是职场，尤其是女人！
　　它含有真正的职场的智慧，是一本驰骋职场情场的指南！
　　也是一本白骨精心理自助小说，告诉你怎么样才能真正地找到属于自己的精彩！！
　　新浪、搜狐、腾讯、当当等网站联袂推荐

《白骨精的职场私房话：全都是演员》新书预告

　　本报讯，记者从九州出版社获悉，在新浪、腾讯等原创频道备受网民追捧的超人气职场小说《白骨精的职场私房话：全都是演员》一书花落九州出版社，并将于2009年4月隆重上市。
　　本书的策划方为国内知名的口香糖工作室，策划人张无极先生告诉记者，本书的作者忆何飘，是一个典型的80后职业经理人，原名崔莹，现居上海。曾在中国美容行业知名集团任营销策划，因工作关系层层周旋于官场，职场，商界之间，深谙职场生存之道。其职业生涯几度沉浮，也几度辉煌，可谓历经磨练终于写就了此书，开始在腾讯连载，日点击排行榜，连续一周第一，月点击率曾高达百万，后来被网友四处转帖，转载率非常高。
　　策划人张无极还告诉记者，这本书有别于目前热销的《圈套》《浮沉》《杜拉拉升职记》等仅仅讲述职场征战的类型小说，而是注重塑造一个全新的职业经理人形象，即让在碌碌职场中渐渐迷失自我的白骨精另类角度思考和端详人生。作者通过多年的心理研究和职场生涯的亲身体察，为读者阐释了一个人活着的意义不仅仅只有职场，还应该有其他的深悟哲理。作者从一个都市白领女性的角度去思考与解读了一个不一样的职场人生，并且告诉你怎么样才能真正地找到属于自己的精彩！这些触动灵魂深处的隐秘文字，同样也打开了你的心门！
　　这是让职场白骨精重新认识自我，审视自我，提升自我的书，是女人真正读懂职场的指南书！也是一本白骨精心理自助读物，是自我心理调节的“辅导书”！《浮沉》的作者崔曼莉对此书很看好：“《白骨精的职场私房话》是一部很有潜力的商战职场小说”。
　　一位在网络曾热捧此书的粉丝网友说：“并不是什么人都能去世界500强的，每个职场的法则也不同，这本书，和热卖的几本不一样，它除了含有职场的智慧外，还是一本白骨精职场修炼的心理自助小说，它告诉你怎么样才能真正地找到属于自己的精彩！！”（欣书）

贾樟柯这个酷爱将摄像机往那一摆便开始拍“静止长镜头”的导演，似乎更应该改行去拍纪录片，他的《东》便已经可以看出他作为一个优秀纪录片导演的潜质，因此《二十四城记》的出现似乎只是一个时间问题。相对于他以前的电影，《二十四城记》唯一的进步便是这个“伪纪录片”的噱头（这个进步还是有待商榷），除此之外，我没有在这部新作中看到更多的让人惊讶的闪光点。虽然影片中出现了陈冲、陈建斌、吕丽萍这些专业演员，但他们除了让这部影片不会彻底“沦”为纪录片之外，并不能指望他们能给票房做多大的贡献。对大多数观众而言，掏钱进影院看这样一部沉闷的影片是不大现实的。不过好在贾导的名气已经让他越来越不会资金发愁，《二十四城记》看起来更像是一部超长的房地产广告片，为这部影片买单的似乎是华润置业，但最终还是那些购买了那个楼盘的业主。对于没有看过这部影片的业主而言，他们在为一部没有看过的影片而贡献了“票房”——这在中国影史上估计也是少见的。从这个层面上来讲，贾樟柯比我们国内的大部分文艺片导演（甚至是商业片导演）而言是幸运的多，因为他已经有了足够的资金来完成一次又一次的尝试并可能完全没必要去考虑影片的票房，他也终于不会因为电影院里的寥寥数人而愤慨被电影寡头霸占了档期。只是不再缺乏资金的贾樟柯似乎正逐渐忘却了《小武》曾经给人带来的震撼，影迷想看到第二部《小武》的愿望，似乎已经越来越渺茫了。

影片最大的问题便是影片其“伪纪录片”的本质，虽然贾樟柯说明这是“受到戈达尔电影理论影响下做的新尝试”，但也无法掩饰这种手法的失败。贾樟柯或许想让自己的《二十四城记》同时拥有纪录片的纪实以及剧情片的表演，然而最后呈现在我眼前的却是二者缺点的结合品。我不要求《二十四城记》会如《铁西区》那样地震撼，毕竟在内地纪录片中，《铁西区》站在一个很高的巅峰，这个巅峰几乎是难以逾越的。可有着和《铁西区》相似故事背景的《二十四城记》至少要在100分钟内挖掘到应有的深度，可贾樟柯这次的力度明显不够。这很大的原因是因为《二十四城记》是一部彻头彻尾的“伪纪录片”。我尊敬贾樟柯在电影上的尝试，但这不代表我认同这次尝试的结果。《二十四城记》所呈现出的一种状态是，既没有纪录片直面真实的震撼，也不如真正的剧情片有着强烈情绪性的爆发，这让影片本就比重不是很多的记录部分变得虚假，而几个专业演员的眼泪则让这部“伪纪录片”显得更假。影片本来有着一个不错的开头，但吕丽萍这个第一个出场的专业演员，立刻让前面那些“采访”变得索然无味，因为我无法接受再一部“纪录片”中看到演员那做作的表演。当一想到那些本该从真实人物中流出的眼泪却从这些演员的眼眶中挤出来之时，这眼泪都变得廉价，这不由使我对影片中一切的一切都充满了怀疑，这甚至像看到假新闻一样让我感到愤怒。据说贾樟柯在拍摄这部影片的时候采访了一百多人，可我没有在这影片中感受到这一百多人的份量。

一个国企在变革，可供挖掘的内容非常多。但在《二十四城记》中我所看到的“变革”所带来的影响是片面甚至矫情的。对于我们中国国企知之甚少的外国人固然喜欢《二十四城记》的影像里所透露出来的辛酸，但对于在这场改革浪潮中深有体会的国人而言，《二十四城记》所接触的仅仅是表面的东西。虽然影片中的几个角色都是在这场国企改革中的代表性人物，但仅仅这几个人的几句话就可以向观众传达一个庞大的历史变革么？更何况，其中几个专业演员的表演让这本来就挖掘不够深刻的主题显得虚假，谁能保证那些所谓的辛酸是否有着杜撰的成分，而这些“杜撰”的辛酸又难免有“卖丑”之嫌——不是不可以表现辛酸，同时有很多种方法来表现这场变革中的辛酸，但“伪纪录片”的方式绝对不是最好的一种。而同时，影片因为过于着墨于人物的“访谈”，使得观众对影片真正的主角“420厂”的情况知之甚少。在一场如此之大的变革中，一个大型的军工企业的兴衰是绝对无法忽视的，但是影片中对420厂的描述与一般的国企并没有什么太多不同之处，对于这个厂的大部分历史还是一片空白。这也是造成《二十四城记》不够深刻的原因之一。

贾樟柯说：“国内市场对我来说，是多一事不如少一事。但你不在影院里面推广，这个市场就会更加萎缩，最后就像现在台湾电影的状况。我觉得，应该花一点财力和精力，培养观众进影院看这一类型电影的习惯。”我觉得，让观众进影院看一部文艺片并非是天方夜谭，然而类似《二十四城记》这样的半实验性电影，普通观众还是难以接受的，这样的电影更多时候应该是供奉在文艺青年书架上。说白了，观众走进电影院线是为了找乐子，顺便再受点教育，而决然不是成为实验电影中的一个实验元素。我相信，贾樟柯导演是希望国内观众能够在影院里接受这样的片子，但他想依靠《二十四城记》让普通观众离所谓的“艺术”更近明显过于天真，《二十四城记》更多的会把观众吓跑并告诫自己下次不要再看这样令人昏睡的电影。而《二十四城记》在全国六个的宣传后的真正赢家，估计就是那个花了钱的“华润置业”。

贾樟柯对于上映后票房如何，他并不在乎。想想国内观众挺窝囊的，屁颠屁颠的跑去支持一把艺术电影，人家贾导还不在乎来着。换句话说，贾樟柯在拍摄这部电影之时，已经不把国内观众作为目标人群，刻薄点说，就是压根不是拍给你们看的，所以也别怪有些朋友批评贾樟柯有“卖丑”之嫌了。

贾樟柯是不缺钱了，但同时，他离《小武》也越来越远了。

《火龙帝国》

《看电影》说这部影片是烂片，但其实不算太烂，克里斯蒂安·贝尔是个对剧本比较挑剔的演员，印象他演的片子IMDB分数都没6分以下的，《火龙帝国》充其量只是他不怎么优秀的一个代表作。

其实这部电影是第二次看了，第一次看到时候是VCD时代的枪版，没看出什么效果来。现在来看，影片中的末日氛围以及龙的特效做得还是相当不错了，当做一部娱乐片，这部片子也还凑合。

《最后一个人》

威尔·史密斯主演的《我是传奇》大家都知道。《最后一个人》却鲜有人知道。有的朋友说，《最后一个人》比我是《我是传奇》要好，当个人认为，两部影片都有吸引人之处。《我是传奇》更注重那种末日孤独感的营造，而《最后一个人》则更要深刻点。

《龙子太郎》

这算是早起中日文化开始交流时候，引进中国的第一批日本动画长片之一了。对于80后出生的孩子，对于这部动画电影总有着一种莫名的亲切。

电影就不多做评价了，绝对的经典。

《进化》

这那部潘婷的超长广告片相当娱乐。剧情有趣，特效也还凑合，而且剧情比较轻松，没有外星人入侵影片的那种紧张感，尤其那极具颠覆性的结局让人难忘。我很奇怪这样一部看得挺让人乐呵的影片为何IMDB的评分不高。

我相信，换了你我是周星驰的话，也一定羞于为这部所谓的《七龙珠》做宣传。同时我也相信，如果周星驰没有被架空的话，虽说难以保证电影会原汁原味的还原原著，但至少不会像如今这样不靠谱。《七龙珠》这部电影倘若不是挂着“七龙珠”的名头，这部一败涂地溃不成军的三流魔幻片完全没有任何值得我们关注并吸引我们掏钱进影院的元素，而就是这仅存的一点点价值也被影片的拙劣折腾到“体无完肤”了。别说原著迷不买账，就是没看过原著，也不会觉得这部电影有何可取之处——这是一部比《功夫之王》还要让人崩溃的西式杂烩。这部电影同《功夫之王》一起形成了两座引人注目的耻辱柱，他们以自己“威武”的姿态向全世界人展示了西方人在驾驭东方题材上的无力。

在《七龙珠》中，你别指望会多少赏心悦目的功夫桥段。影片中无论是东方人还是西方人，在拳脚上都体现出一种让人难以相信的笨拙。这部本该有着比《功夫之王》更为炫目的功夫桥段的影片，却偏偏在这最具看点的元素还不如那不花拳绣腿的《DOA》。那个金发碧眼的武昆（幸好在这部影片中将主角翻译成“武昆”，因为打死我也不相信这个老外就是原著中那个单纯且可爱的孙悟空）自不必说，他实在应该要去向迈克尔·安格拉诺学两招，就连在采访中口口声声说练过太极的周润发在影片中的身手也不见得比这个老外利索多少，练习龟波气功的那个运气动作是我见过的最为喷饭的，照那种运气速度，原著中任何一个人都可以将他打得满地找牙（周润发在接受采访的时候表示自己完全没有看过《七龙珠》的原著，就他在影片中的表现，我完全相信他这句话。）。或许导演也明白了在动作设计上的不足，因此在影片的高潮阶段则完全进入了气功对打阶段，这倒是和原著有了一点沾边，只是那拙劣的特效几乎是在时时刻刻提醒观众——这些场面完全是棚拍的。

当然，动作元素远远不是这部电影最让人发指的。对于所有喜欢原著的读者来说，进入影院看这样一部影片简直是场灾难，除了那个比克大魔王、孙悟饭和布尔玛，影片中几乎所有的角色都在颠覆着我们对原著的美好回忆。在原著中将那美克星人打得满地找牙的赛亚人在影片中居然成了比克的走狗。最让人发指的改编就是让生性单纯的悟空也开始费尽心思地讨好女孩子的欢心，这个改动直接将这部所谓的东方魔方影片在很大一部分时间里成了美国人的“男版灰姑娘”的故事，这种在好莱坞性喜剧中用到烂大街的设定就这么被编剧无耻地挪到了这部影片中。

可以说，看到这样一部影片是让人痛心的。《七龙珠》电影难得拍上一次，却是出现这样一个让人崩溃的怪胎。我相信，所有的原著迷都不愿意承认这是一部《七龙珠》的电影版，在这部影片中我除了看到制片方以及导演的不负责人和粗制滥造之外，便没有什么其他元素给我留下美好的印象。如果你不幸掏钱进入影片看了这部影片后，那么所要做的就是牢牢记住黄毅瑜这个导演的名字，然后提醒自己的钱包不要第二次被这个家伙给忽悠了！

但今天才知道她去世的消息，不禁感慨红颜薄命。斯人已去，一路走好。

怀念这个美丽的“女警”。

不可否认的是，新版《地球停转之日》对于喜欢热闹的影迷而言是很好看的。随着技术的成熟，新版《地球停转之日》有着出色的视觉效果和壮观的大场面，可以说从影片开始到结束，90分钟的片长也显得相当紧凑，没有太多冷场之处。因此作为一部科幻娱乐片，新版《地球停转之日》是合格的。然而很不幸的是，这部影片是站在1951年的那般经典的肩膀之上，我们不奢望能和旧版比肩，只是希望不要将旧版的精髓所丢弃，但就目前的情况来看，新版所加入的东西远比所丢弃的要多的多。

必须承认的是新版开头的那段铺垫加得相当出色。记得在旧版的时候，看到飞碟里走出一个地球人模样时的外星人之时便觉得这是一个极大的“漏洞”。这第一是缘于当时技术的限制还无法“造”出奇形怪状的外星人，第二便是人类沙文主义的影响，第三便是剧情的需要了。而这三个问题就新版来说却是一个矛盾，因为在人类沙文主义逐渐在科幻片中被避免的今天，再让外星生物和地球人长得一样无疑是和很愚蠢的设计。但如果抛弃外星人其人类外表，则是要更变《地球停转之日》的整个故事构架。为了解决这个矛盾，导演在影片的开头交代了外星人“窃取”人类DNA的一个情节，这便让后面外星人以人类形态诞生于地球变得“顺理成章”起来。

然而可惜的是，新版中有如此出色改动的地方并不多。

在基努·里维斯所扮演的克拉图终于适应了地球人的身体之后，他表现得更像是一个学习者而不是一个智者的形态，可以说新版中的克拉图显得异常冲动。在旧版中这个外星人尚且理解美国人不让其接触全世界人的原因以及会自己去寻找办法把讯息告诉全世界人，而新版中仅仅因为国防部长的几句话便决定要让六十亿人全部死光光。而且从影片后来的情况来看，观察了地球人几十年的外星人似乎一开始就不给地球人机会，克拉图在大部分时间里对女科学家的请求无动于衷，既然如此，为何还要派个代表来进行所谓的“谈判”，直接启动毁灭程序不就得了。因此，在观看影片的过程中，我觉得这个克拉图似乎就如同一个终结者的翻版，木讷、机械、冲动且没有感情，却又不时地去尝试了解人类，最后为了拯救地球甚至不惜牺牲自己（这个情节和《终结者2》如出一辙）。这种改变使得旧版中那个“睿智”的外星人在新版中成了一个“冷血”的行刑者。这让外星人从医院出逃的目的不同，旧版是为了了解人类，而新版是为了消灭人类。可以说便是这个改变将原版中的精髓之处给完全丢弃，导演这样做的直接目的估计就是为了让影片最后的大场面的发泄有了合理的目的。而当那些黑乎乎的金属昆虫出现之时，新版已经和旧版完全不在同一条轨道上了。

旧版拍摄于冷战之初，极度的不信任感充斥着整部影片（这也是为何外星人无法和全世界对话的一个重要原因）。而冷战的背景被剥离的情况之下，再浓重渲染人与人之间的不信任明显是不合时宜的，故事的背景也因此转移到人类的私心之上（有意思的是，太过自私这也成了新版中美国人阻止外星人和全球接触的一个主要原因），这便让人类的自我救赎成了影片的重点，影片也因此成了一部有着基督隐喻的影片。外星人克拉图在新版中如同上帝的使者一般，不仅拥有无敌的超能力（旧版中停个电还要跑到飞碟里去汇报），还在影片的最后上演了诺亚方舟的一幕。更让人难以理解的是，在旧版中男孩和外星人沟通的那一段是影片的精髓之一，也是外星人得以了解人类的一个途径，在新版中却变成了外星人和人类之间少之又少的沟通，不仅男孩在大部分时间里是根“搅屎棍”，外星人和人类的沟通变成了人类一方单纯的哀求。这使得新版和旧版只是有着相似的剧情而已，从本质上看几乎已经是两部完全不同的电影。如果说旧版中尚且有着一定思考的话，那么新版则完全放弃了对题材的挖掘而让影片完全成了一部声色大片，而最后的基督隐喻只是一个借口罢了。

旧版的魅力来自于其外星人本身，而新版的吸引人之处则是这个外星人所制造的灾难——从旧版到新版，这是一个用脑袋说话到拳脚说话的改变。