漆的审美价值是伴随着实用价值而不断向前发展的，从漆的发现到漆的应用，再到漆的审美，就是漆艺发生、发展的过程。

漆液干后不仅具有美丽的外观，漆液还有许多美的潜质。这些潜在的美质，经过历代能工巧匠的开掘，得到更加丰富多彩的体现。这里既包含了材料的自然美，又融进了人工的技术美，两者是互为因果的。

    先从漆说起。

    “漆黑”的词汇，道出了漆最为本质的美学特征，它既是黑的极致，又是对漆的赞美。难怪中国当代艺术家有的说漆是世界上最美的黑;有的说中国传统文化中有两样好东西，一是宣纸的白，一是黑漆的黑。漆液经过精制(精制过程中加进氢氧化亚铁)，它的黑更加纯正。干后经过研磨和推光，它的黑更加内敛。人们总是把漆和黑连在一起，一提到黑，便想到漆，一提到漆，便想到黑，一提到漆器或漆画，首先想到的也是黑，黑几乎成了漆和漆艺的灵魂。

其次是朱，漆液中调人银朱

漆艺是建构在漆及其技术上的艺术，也是注入人的精神情感的艺术。漆艺是技术与艺术的统一体，是物质与精神的统一体，是器与道的统一体。
漆艺的材料之美，蕴含着漆艺的精神之美。天然生漆的深邃温润、金银的雍容华贵、.贝壳的绮丽多彩、蛋壳的温和朴雅。··…为漆艺的精神之美创造了无比丰厚的物质条件。
漆艺的技术之美，也创造着漆艺的精神之美。罩染后的蕴藉含蓄、研磨后的朦胧变幻、刻划后的锋利尖锐、堆雕后的阴阳凹凸，··…使漆艺的精神之美得到了多姿多彩的凭借。
   从大然生漆的最初被利用，到经过历代的开.发，其审美价值与实用功能始终就是连为一体的。可以说，只要有漆器的创造，必然同时就有审美的追求和需要，也就必然有人的感情因素的倾注，纯粹的实用几乎是没有的。漆艺和漆艺作品产生的过程，必然是实用功能与审美功能相统‘一的结果，必然是工艺技术与艺术效果统一的结果，因而把器和道、技术与艺术分割开来的理沦是不符合客观实际的。正是用与美的统一、器与道的统一、技术和艺术的统一，才创造了历代许许多多的精湛的漆艺作品。
    战国时期的彩绘木雕蟠蛇漆在身与盖上共雕刻彩绘着zo条蟠蛇，它们巧

摘自赫伯特里德《艺术的真谛》

艺术本体

艺术家皆具有相同的意向，即愉悦他人的欲望。故此，艺术往往被界定为一种意在创造出具有愉悦性形式的东西。这些形式可以满足我们的美感。而美感是否能够得到满足，则要求我们具备相应的鉴赏力，即一种对存在于诸形式关系中的整一性或和谐的感知能力。

 

美是存在于我们感性知觉里诸形式关系的整一性

 

检验一位严肃的艺术工作者(不管他本人的美感如何)，主要看他是否愿意把不同历史时期的人的美感表现形式纳人艺术领域。如果在他眼里，原始艺术、古典艺术、哥特艺术都具有同等程度的审美趣味，他将不会为了鉴别出各历史时期美感表现形式的真伪，而花费过多的精力去评判各时期美感表现形式的相对价值。

 

我们之所以对艺术有许多误解，主要因为我们在使用“艺术”和“美”这两个词时缺乏一致性。可以说，我们长期以来一直滥用着这两个词。我们总以为凡是美的就是艺术，或者说，凡是艺术就是美的;凡是不美的就不是艺术，丑是对艺术的否定。这种对艺术和美的区别是妨碍我们鉴赏艺术的根本原因，甚至对于那些美感十分灵敏的人来说也是如此。

 

 

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与印象主义、野兽主义或是立体主义等艺术流派相比起来，新艺术运动作为第一个真正将普通大众当作艺术的观众、且时间跨度达30年之久的艺术运动如今却似乎被有意无意的忽视了。穆夏（Mucha）与他所属的新艺术运动一样，他的名字在今天的中国几乎已被完全遗忘。在《中国大百科全书·美术卷》中找不到他的名字，而从网上对他名字五花八门的翻译就可以看出对于中国人来说，他的名字是多么陌生：姆佳、慕克、米哈、穆恰……

穆夏的创作经历几乎就是“新艺术运动”的一个缩影，他的创作涵盖了招贴画、油画、雕塑、书籍插图、建筑设计、室内装饰、首饰设计、彩色玻璃窗画等许多艺术领域，还包括家具和咖啡壶等日用品的设计以及大量的商品包装画。而其中他那些被称为“穆夏风格”的招贴画展现了成熟的追求极端唯美的新艺术曲线装饰风格，几乎成为新艺术招贴画的同义词。另外，不为人所知的是，穆夏竟然还是捷克斯洛伐克第一套邮票和纸币的设计者！穆夏的作品对后世的商业绘画有着极大的影响并曾经在二十世纪六七十年代重新掀起一股热潮。看过穆夏的作品，你就会明白解放前流行上海滩的美女月份牌和日本漫画中甜美的女性形象是从什么源头而来的了。

摘自赫伯特里德《艺术的真谛》

几何和谐的局限性

     要在近乎无休止的组合中取得一种完美的和谐，艺术家不仅要用到黄金分割律，而且也会用到其他一些几何比率。这种组合过程中的无止境性，排除了对艺术品的整体和谐进行机械性解释的可能性。因为，这些几何法则虽然像用于比赛的计算器那样严格刻板，但若有人的本能和情感参与，仍可用其取得良好的效果。众所周知，诗歌中一个完全符合规则的音韵会单调得令人难受。故而，诗人在使用韵律时享有一定的自由。韵律中的音步一旦在次序上发生颠倒。整个节奏就会构成一曲多声部音乐，将会产生一种无与伦比的优美效果。同样，在造型艺术中，某些根植于世界结构中的几何比例，如同艺术中力求摆脱的那种完全符合规则的尺度一样。至于摆脱到什么程度，并不取决于几何法则，而是取决于艺术家的本能或感觉，这就像诗歌中节奏与音韵的变换一样。

我认为这一假说在翰彼治先生对希腊古瓶的分析中已得到验证(Mr. J . Hambidge:《动态对称》，牛津大学出版社，1920)。目前，就我所知，此书是对该门艺术的最成功和最精确的几何分析。由于严守几何法则，希腊古瓶的美往往给人一种冷漠和缺乏生气的感

节选自本人论文《读图时代的数码插画艺术》   

    时代的影响，工具的改变，让这个时期的插画艺术有了自己独特的面孔。数码插画艺术区别于传统媒介插画最大的特点就是：“虚拟化的图像”。虽然从本质来说，所有的艺术都是具有虚拟性的，都是在制造错觉，就如贡布里奇所说“艺术是一枕黄粱美梦，是一个可以展开我们梦境的虚像王国。”[1]数码插画所依托的媒介主要是数码显示设备，比如计算机的显示器。所以形成数码艺术的图像和图形是虚拟的，是信息通过终端显示设备产生的光和色形成的视错觉，而不是实实在在的颜料和画布。所以，可以说，数码插画是虚拟得更加“纯粹”的艺术形式。数码插画从创作开始，更多时候是作为“信息(information)”而存在的，而非“物体(object)”。 “虚拟性”成为了数码插画艺术核心的美学肌理。

数码科技的这种“虚拟性”让人们制造、传播、获取信息的速度变得更快、成本更低。是一种质的推进，是社会发展的需要，满足了革新生产力，提高生产效率的这一人类社会经济生活的本质目的。因此，数码化的视觉传达作为一个最适用于实现人类生活本质目的的手段理所应当地站在了大众的面前，并已经深刻