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巴尔蒂斯:最后的大师

 

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“窄小而隐蔽的夜的缝隙。你的诞辰日藏隐其间,四年一度露峥嵘……”时年45岁的奥地利大诗人里尔克在致12岁的少年的信中写道。少年的原名叫巴尔塔扎·克洛索夫斯基(Balthasar Klossowski),巴尔蒂斯(Balthus)是他的昵称。

 

 

1908年2月29日,刚好是闰年的闰日,巴尔蒂斯出生于巴黎的一个波兰裔贵族家庭。父亲艾里奇(Erich)是美术史家,犹太人母亲芭拉提妮(Baladine)是画家,年长3岁的兄长彼埃尔·克洛索夫斯基(Pierre Klossowski)后来成为著名的超现实主义小说家、批评家兼画家。童年时代的巴尔蒂斯在家中的客厅里经常看到象征主义纳比派画家波纳尔(Pierre Bonnard)、野兽派大师马蒂斯(Henri Matisse)和音乐家斯特拉文斯基(Igor Stravinsky)等巴黎艺术界的名流。

 

 

好景不长,1914年,随着一战的爆发,持有德国护照的克洛索夫斯基一家不得不离开法国回到柏林。3年后,巴尔蒂斯的父母分居,芭拉提妮带着两个儿子移居瑞士,不久,就与旧知、奥地利大诗人里尔克(Rainer Maria Rilke)发生了热烈的爱情。这段感情,一直持续到诗人生命的末日。

 

 

不仅仅是出于对其母的爱恋,里尔克对芭拉提妮的两个才华横溢的孩子恩宠有加,视如己出。有一次,巴尔蒂斯的地理课考试不及格,诗人在确认了试题的内容之后,竟然亲自去找校长理论,指责校方“无视儿童的心理接受能力,出题太难”。

 

对于巴尔蒂斯与生俱来的艺术才具,诗人看在眼里,在鼓励、发掘的同时,加以悉心的指导和帮助。1919年,11岁的巴尔蒂斯以他跟一只名叫“咪仔”(Mitsou)的小猫咪从邂逅、交游,一直到分离的故事为蓝本,画了一些内容连贯的素描。诗人看了,深为感动,鼓励他继续画下去,争取出一册绘本,而且不惜亲自联系出版事宜,并执笔作序。1921年,绘本《咪仔》终于在苏黎世的一家出版社付梓,巴尔蒂斯受到莫大的鼓舞。1924年,他听从里尔克的劝告,告别母亲和家庭,只身回到生身之地的巴黎学画。此时,巴尔蒂斯16岁,而哥哥彼埃尔也已于一年前回到巴黎,在里尔克的友人、法国文坛领袖安德烈·纪德(Andre Gide)的资助下读书。

 

 

一战后,百业萧条。克洛索夫斯基家日渐式微,芭拉提妮不得已重新回到了柏林。在巴黎,巴尔蒂斯并没有像一般的艺青们那样进入艺术学院接受系统的专业训练,而是每天背着画架泡在卢浮宫里。临摹大师的经典成了他的日课,普桑(Nicolas Poussin)等巴洛克大师深深地吸引着他。画家晚年曾回忆说:“我是一个自修者。是在卢浮宫的临摹,特别是对普桑的临摹,让我学会了画画。所以,普桑可以说是我的启蒙教师。他的一切都让我喜欢。那种色彩,那种超越时代的天使般的绘画的技法,以及他画笔下的女人……他极大地影响了我。”

 

 

1926年,巴尔蒂斯再赴意大利,研究文艺复兴时期的艺术,对皮耶罗·德拉·弗兰契斯卡(Piero della Francesca)情有独钟。1927年,他回到巴黎,凭自己对艺术的单纯理解,以质朴的笔法描绘巴黎的现实,毫不理会周围汹涌不已的超现实主义等前卫浪潮,对于当时巴黎的艺术社会,仿佛是一局外人。也许,正是这种爱谁谁的偏执,才使巴尔蒂斯早在20世纪30年代初期就形成了独特的风格。从此,这种风格除了被不断地加以强调和深化外,几乎从来未曾改变。

 

 

1927年10月,巴尔蒂斯在北非法属殖民地摩洛哥服役,起初为步兵,后转为骑兵。总共才15个月的兵役,先后罹患过赤痢和疟疾等疾病,其艰苦可想而知。有迹象表明,摩洛哥的体验对画家构成了相当大的冲击,用他自己的话来说:“是摩洛哥的光影,把我脑袋里那些对事物的印象派式的看法一扫而空。”后来,根据这段短暂的军旅生涯,画家于1933年创作了题为《兵营》的油画,描绘了头戴红帽的阿拉伯土著骑兵的日常生活,那种在画家日后的作品中变得日益浓厚的特征已开始凸显:高度精确的几何构图,人物的有些僵硬、看上去多少有点不自然的姿态,以及一种静谧、莫测、令人稍感不安的白日梦氛围……

 

 

这一时期,有两幅作品引起了人们普遍的争议,从而也奠定了巴尔蒂斯作为20世纪具象派大师的经典地位:一幅是《街道》,另一幅是《吉他课》。

 



《街道》是画家早期最重要的作品。这幅描绘画家住所附近的街景的风俗画,以沉稳的色调和近乎线性结构的人物造型,传达出一种怪异、冷漠的感觉。值得注意的是,正是从这幅画开始,性的主题作为一种对世界的普遍隐喻切入画面,并成为后来画家执拗固守、始终不渝的母题之一。事实上,我们在众多的美术史资料中看到的文本是在原作展出23年之后,画家应当时的收藏者的请求,将被认为是“猥亵”的部分加以修改后的版本。但是,即使是这个加工过的“洁本”,我们依然能够看到在安静、和谐的画面中,成年男性对青春期的少女实施性爱抚的愕然场景。

 

《吉他课》在当时是一幅恶名昭著的作品,它描画了年长的少妇(音乐老师)对年幼的少女(学生)所施加的性暴力场面。画面中,被殴打少女的一副破罐子破摔的浑不论姿态,虽不无冒渎,却不由得令人想起在15世纪的宗教画中屡见不鲜的耶稣基督的受难场面。据说,1934年4月在巴黎举行的画家的首次个展上,这幅作品被单独隔开,挂在画廊里面的密室中,仅供部分老年“绅士”个别观赏。对此,画家在晚年回答记者的采访时,曾惊人坦率地自暴家丑说:“那幅画,是在我极其拮据、捉襟见肘,想立马出名挣一笔钱的情况下画的。谁都知道,在巴黎,要想出名,丑闻是最佳的捷径。”

 

首次个展,热评如潮,虽然没能为画家带来多少经济上的收益,但却成功地吸引了法国画坛的视线。这时,画家才26岁。

 

但是,最初的成功并没有给画家带来太大的喜悦。两个多月后,由于对自己的发小、瑞士伯尔尼地方名门望族的千斤小姐安德瓦奈特(Antoinette de Watteville)的单相思长期得不到回报,巴尔蒂斯竟吞食鸦片试图自杀。多亏被友人及时发现,送医院抢救才幸免于难。也许是受到巴尔蒂斯的真诚的感动,3年后,安德瓦奈特了断了家里为她安排的和一名青年外交官的婚约,嫁给了甘为她去死的画家。

 

1947年,安德瓦奈特带着两个儿子回到瑞士,巴尔蒂斯则独自留在了巴黎。经过将近20年的分居生活,1966年,巴尔蒂斯与安德瓦奈特正式离婚。与大多数法国画家不同,巴尔蒂斯一生从未传出过绯闻,画家对自己的私生活也基本上守口如瓶,很少谈及。与安德瓦奈特最后虽然分手,但画家对这个“在4岁时就认识”的、充满贵族气质的女人,“她的一切我都喜欢”,“我们至今是朋友”。也正是由于安德瓦奈特的存在,我们才得以看到这个几乎一生都在执著地画着少女的艺术家所创作的仅有的几幅妇人肖像。《白裙子》中的安德瓦奈特坐在椅子上,表情安详而幸福。上衣的扣子敞开着,两只乳房翘翘的,仿佛要把亵衣撑开似的。只有这一次,画家没有像他通常处理的那样,让女人一只乳房仿佛不经意的从亵衣里滑出来,而是让它老老实实地把亵衣涨满。从这里,也许可以看出画家对爱妻的崇拜?



二战后,巴尔蒂斯在坚持绘画创作的同时,也开始进行舞美和服装设计,先后为加缪和马尔罗的先锋戏剧、以及莫扎特的歌剧设计了很多经典的舞台布景。巨幅油画《圣安德烈商业街》也产生于这一时期。这幅作品取材于画家生活的街区,风格上虽然比早期的《街道》来得古典,但就画面所传达出来的阴郁、怪异的氛围来说,不但与后者如出一辙,而且还多了一种不确定性。

 



创作于同一时期的另一幅作品《室内》,是巴尔蒂斯最著名的作品:仰卧在沙发上的少女,以典型的巴尔蒂斯式的僵硬而又大胆的姿势横陈玉体;黑猫和侏儒般猥琐的女仆使房间里弥漫着罪恶的气息;透过被女仆掀开了一角的窗帘,阳光射进来,粗暴地打在似乎已昏睡过去的少女的身体上,增添了作品的神秘、紧张、暴力和色情的意味。著名的艺术史家爱德华·露西·史密斯(Edward Lucie-Smith)在《1949以后的现代视觉艺术》中曾如此分析道:“如果说培根偶尔描绘出强奸的后果,巴尔蒂斯则描写了强奸的前奏。裸体的少女毫无抵抗地伸展四肢仰卧着,一道光线遮遮掩掩而又抚爱地为她的轮廓镀上了一层金色。一种诱人的性的暴力。”

 

不知为什么,1953年,巴尔蒂斯带着上述两幅尚未完工的作品突然离开了巴黎,迁居到了位于法国中部莫尔旺(Morvan)的乡间老宅,就像他年轻时突然从瑞士回到巴黎一样——马尔蒂斯从此告别了巴黎和他度过了整个青年时代的古老街区。

 

1961年,巴尔蒂斯就任常设在罗马的法国学院院长。自此,巴尔蒂斯在这个安格尔曾经占据过的位置上一直呆到1977年,不但使这个历史悠久的文化机构再度成为全欧的法兰西文化重镇,同时,也使画家有机会重温早年就倾心不已的意大利文艺复兴艺术。其间,画家赴日本甄选“日本古代美术展”的参展品,得以结识担任法语翻译的日本姑娘出田节子(Setsuko Ideta)。这个身穿鲜艳的和服、年仅20的日本姑娘,在酷爱并深谙日本艺术的巴尔蒂斯的眼里是真正的“摩登女郎”,画家的“心被她夺走了”。不久,节子成了巴尔蒂斯的第二任夫人。

 

 

巴尔蒂斯晚年,喜欢穿和服,让节子夫人给他讲读日本的古籍。我们可以从画家后期的作品中,看到他天衣无缝地把东方美术的要素植入了自己的风格中,有些以节子为模特的作品,明显地受到日本春画中的“肉笔浮世绘”的影响。

 

因此,巴尔蒂斯在日本名气极大,有很多拥趸。特别是他的少女画,很难说对风靡东洋的“美少女漫画”没有发生过影响。只是,与那些表情像天使、身材像成人玩偶、有点坏、有点淫邪的美少女相比,巴尔蒂斯笔下的少女,更多的面临思春期性意识开始萌动时的种种压力,一种受到压抑的激情化成了内在的张力。

 

名作家纳博科夫(V. Nabokov)爱极了巴尔蒂斯画的少女,特意选巴氏的《女孩与猫》作了小说《洛丽塔》(Lolita)的封面。不过,巴尔蒂斯似乎对纳氏很不屑,对人们把他与后者相提并论颇有微词。

 

2000年2月18日,距离画家的诞辰日还有几天,巴尔蒂斯以92岁高龄于瑞士乡间一所建于1754年的木结构建筑物(画家最后的家)中告别了人世。消息顷刻间传遍了世界,被美、日的媒体称为“20世纪最后的巨匠”的巴尔蒂斯,在经过近一个世纪的漫长演义之后,悄然谢幕。

现代,由此真的结束了。(东征)

 

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巴尔蒂斯(Balthus,1908-2001)不喜欢甚至拒绝现代艺术。他说:"我不是一个现代画家,我一点没有当代气息"。他的画如他所言,是在“创造出一种可以传递事物之神并表现我所见到的现实之美的绘画”。

 
巴尔蒂斯是孤独的人。他的孤独与我们常常经历的不被理解的孤独不同,他的孤独来源于他对自我存在的认识。既,他意识到了自我,却并不了解自我。他绘画正是为了了解自我而做的努力。巴尔蒂斯说:“我一直在我的画里确认自我,结论是:我不存在”。

 




巴尔蒂斯出生于1908年(闰年)的2月29日。波兰贵族之后。全名是巴尔塔萨·克洛索夫斯基·德洛拉(Balthazar Klossowski deRola)。巴尔蒂斯这个名字是诗人里尔克(Rilke, 1875-1926)为他起的笔名。巴尔蒂斯的父亲埃里希·克洛索夫斯基是艺术史家、画家,他研究法国画家杜米埃。母亲巴拉迪娜是一位画家。巴尔蒂斯的父母把自己的住宅办成了巴黎有名的艺术沙龙。画家波纳尔、维亚尔(Edouard Vuillard,1968-1940)、德朗(Andrb Derain,188o-1954)等都是他家的好友。

1917年巴尔蒂斯的母亲同丈夫离婚,1919年7月结识里尔克。眷恋巴拉迪娜的里尔克与巴尔蒂斯成为忘年交,巴尔蒂斯视里尔克为他的精神上的父亲。巴尔蒂斯没有上过美术学校,他通过临摹古代大师的作品来学习绘画。1937年巴尔蒂斯与他的模特儿安托瓦内特·德·瓦泰维尔结婚。

 

里尔克与巴尔蒂斯的母亲巴拉迪娜

雕塑家贾柯梅蒂(Giacometti,1901-1966)是巴尔蒂斯的朋友,他画室的墙上没有任何装饰,只有一张发黄的贾柯梅蒂旧照片。巴尔蒂斯年轻时和贾柯梅蒂一道,从巴黎坐车去瑞士伯尔尼,拜访克利(Paul Klee,1879-1940)。巴尔蒂斯和贾柯梅蒂在伯尔尼的郊外停了下来,歇脚休息。他俩一边喝着泉水,一边谈论艺术,不知不觉地耽搁了与克利约会的时间,又坐车返回了巴黎。俩人还曾去参观蒙德里安(Piet Mondrian,1872-1944)的画室,但巴尔蒂斯说,"他(蒙德里安)的观点使我们尤为震惊,这是艺术末日的开始,在这个技术世界里,艺术已经没有立足之地了"。

 

贾柯梅蒂


巴尔蒂斯认为:"绘画只能产生于一个特定的氛围,这种氛围今天已经不再存在了。这就像把某人打发到沙漠里,让他在那里种植果园。我们的时代不能结下艺术之果,它走向了末路,梦想已经结束了。"他对当代所有的东西都抱着怀疑的态度,甚至对它们感到厌倦。在他眼里,"我们生活的时代令人恶心,缺乏艺术,没有美感"。他十分反感现代艺术强调自我实现的倾向,主张艺术家必须是服务于大自然的工匠,艺术家应该想尽一切办法,使自己胜任于这个合乎伦理道德的任务。

 

 
1934年,他首次在皮埃尔画廊举行个人画展,引起了相当反响,尤其是他著名的《吉他课》,在当时一度舆论大哗,一直被认为是色情绘画的典范。

 


1940年他从驻摩洛哥军队退役后,定居在瑞士,但是仍然经常去巴黎。当时他对戏剧特别感兴趣,最喜欢的作曲家是莫扎特。同当时的许多名画家一样,他也尝试为剧院设计服装和布景,1948年,他曾经参与加缪的《戒严》的舞美设计,并与这位存在主义大师结下深厚的友谊。加缪喜欢他所营造的世界,他认为巴尔丢斯的人物有一种凝固的美感,说他的人物就像被某种魔法固定住了似的。

 

 
1961年,法兰西文化部长马尔罗推荐他出任法兰西学院罗马分院的院长,进驻著名的美第奇别墅。这座别墅是法国著名艺术家的摇篮,画家安格尔曾经当过院长,作曲家帕辽兹曾在此度过1 年多光阴。但是兴冲冲而来的巴尔丢斯一到罗马就失望了,他说,“当我抵达的时候,一切是如此破败不堪,以致于我立刻给部长先生打电话,要求解除我的职务。但是他极力挽留,同时给我提供预算,让我能够随心所欲地修葺。”有了马尔罗的支持,巴尔蒂斯一心一意要恢复美第奇别墅的荣光。他首先请工匠修复旧建筑,然后又收集了许多古代绘画的复制品作为走廊和楼梯的装饰,他甚至派人去乡间打探,购买了许多旧家具。在他的整治下,美第奇别墅焕然一新,不再是以前人们眼中的各种妖艳女子出入其间的学生公寓,而俨然成为一位声名显赫的艺术家大使的官邸,来造访的客人都是各流派艺术大师。他的任期虽然是7年,但是他最后待了 15年,一直到1977年他为了能够安静地绘画,而要求卸任回到瑞士。


他的画作也很少出现在艺术市场上,通常刚刚完成,就被朋友和收藏家们买走了。自从1934年首次举办展览时发生的《吉他课》丑闻之后,巴尔蒂斯只举行过为数极少的几次展览,1966年在装饰艺术博物馆举行首次回顾展,1983年在蓬皮杜中心举行再一次回顾展,并因此奠定大师级地位。此外就是仅有的几次国外展览,1984年在纽约大都会博物馆举行画展,1996年在马德里和罗马举行巡回展。在他90多年的人生里,虽然勤奋作画,但是完成的画作只有区区350 副,而毕加索的画作数目则超过3万幅。

 

 
作为著名的美第奇别墅的主人,他曾经多次去日本旅游访问,他的第二任太太, SETSUKO,就是他于1962年在日本旅行的时候认识的,5年后两人共结连理。1977年后,他们定居在瑞士阿尔卑斯山区,一个名叫罗西尼耶尔的小村庄。他们的住所是一座仿瑞士山区木屋样式建造的老式饭店。这座1 8世纪的木制结构建筑共有40个房间,建筑物的正面有113扇窗户。

 
SETSUKO以及她所代表的东方绘画对画家的影响是显而易见的。还在美第奇别墅的时候,巴尔蒂斯就开始以SETSUKO作模特,尝试带有浮士绘风格的油画创作。

 


2001年2月17日巴尔蒂斯在木屋家中与世长辞,终年92岁。2001年9月9日,巴尔蒂斯迄今为止最大的回顾展在威尼斯开幕。


 一直反对现代艺术的巴尔蒂斯在艺术上却是个完全的现代派。他的绘画善于捕捉瞬间偶发的情景,并以此来探究那些蕴藏于后的精神状态。这种发现小事物中的无限性,对小事物关注,而不对无限关注的特点是现代艺术所具有的。题材对巴尔蒂斯来说,远不如形式重要。题材是精神的载体,他借助题材表达精神。“说什么不重要,重要的是怎么说”这也是现代艺术提倡的。而古典艺术则是注重内容的表达。

 

巴尔蒂斯往往重复绘画一个题材,甚至长达几年的时间里,都不断重复。这些画在构图和色彩上都有不同的差异,他通过这些改变寻找对表达内容更恰当的形式

 



 

巴尔蒂斯观察客观事物极为冷静,经过认真的体验后,作出精确的描绘,再表达出一种主观的经验。从心灵到物,再返回心灵,赋予物更高的精神层面。“我总是在寻找,但总是不满意”。他的绘画重视逻辑上的和谐,这是通过理性的分析最初的感性认识而得到的,并力求表达上的完美。这种和谐甚至严紧到可以量化:假如墙是3,那么桌面则是4。在这复杂的比较下,巴尔蒂斯绘画表现出极为艳丽的色彩。

 

巴尔蒂斯 《猫照镜Ⅲ》

 


《猫照镜Ⅲ》中,女孩的服装、沙发、发辫上的蝴蝶结的颜色几乎是纯色,而这种情况下的背景则必然几乎是黑色的。颜色的提炼、简化,使色具有了形的作用,与形一起参与分割画面。巴尔蒂斯极注重造型,他的人物没有细小的转折变化,只有经过精心设计的大的形状,并且在形与形相交造成的不规则几何形状的地方尤其仔细。这样做,使他的画在有很强的表达能力的同时,不会显得僵直,或失去丰富的细节表现,使画面更有力度。同时,他把形进一步提炼为只有亮部和暗部两个部分,并且简化两部分的变化,这是巴尔蒂斯向巴洛克大师普桑、马萨乔等人学习的结果。

 


巴尔蒂斯临摹马萨乔


普桑 《胜利的大卫》


普桑﹝Nicolas Poussin, 1594 ~ 1665﹞是法国巴洛克风格中最具代表性的画家之一,他的艺术的主要特点有二。第一是无君的思想。他崇拜的是人类与大自然而不是君王,希望世界是和平幸福的,不再有压制、暴力和狡诈。第二是理性高於一切,他认为艺术是理智的产物。这也是巴尔蒂斯的特点。普桑在《遭劫掠劫掠的萨比奴女人》﹝The Abduction of the Sabine Women﹞中,描绘了罗马废墟和郊外景色,人物的塑造用强烈的光线与色彩刻意雕琢,画面呈现出有如希腊雕像在半空中凝结的状态。虽然普桑视理性为艺术的基础,但他的绘画从不缺乏生气或只显得单调。

 
1633年,普桑的绘画形成叙事性的风格。拉菲尔﹝Raphael﹞与古代绘画成为他最主要的影响。拉菲尔与达·芬奇和米开朗基罗不同的地方之一是拉菲尔采用了全新的构图法:屏弃了透视学与对称法,采用一种新的光——“强烈而刺激的光,使人物的形象更突出,将许多细节隐在阴影里……”这种手法加深了画面的形式感,削弱了细节对主体的破坏。

拉菲尔 《面包师的女儿》


普桑晚期的作品,与早期作品相比,人物面部无表情、姿势僵直显得呆板而多虑,他认为一幅画必须包含最高的道德内涵,并表现在一个能传达其知性内涵的结构中,画本身也必须是另人愉快的。在向大师的学习中,这些都成为了影响巴尔蒂斯创作的因素,使他创造出属于自己的符号,加之里尔克的影响,巴尔蒂斯的绘画具有了象征意义。巴尔蒂斯的象征意义不是简单的XX=XX的方式,而是以简约的造型形成的符号表达出的意象,象征了更为晦涩的意义,这个意义正是巴尔蒂斯寻找的自我存在的精神证明。巴尔蒂斯求证的结果是:“我不存在。”

巴尔蒂斯的绘画有些是色情味道极重的,比如1934年创作的《吉他课》1934年,在巴黎皮埃尔画廊举办的首次个人展上,巴尔蒂斯如愿以偿,一举成名。这次画展中最引人注目的油画《吉他课》,在社会上引起了强烈反响。由于巴尔蒂斯画得极为写实,过于露骨大胆,以致于只有经过选择的顾客才准进入画廊的内室参观此画。巴尔蒂斯画了一个患有同性恋的女教师,利用在家中教吉他课的机会,把一个裸体的女学生放在自己的大腿上,进行侮辱摧残。他的挑衅激起了观众的愤怒。

 

 


然而,更为严重的是这幅画的构图竟然与《哀悼基督》一样。在基督教社会,这无异于亵渎。纽约现代美术馆也是因为这个原因将这幅油画从展厅的墙上取下,还给了皮埃尔·马蒂斯画廊。这幅油画在1996年以前还得不到美国公众的接受。


 

《哀悼基督》 

向严肃的宗教挑战,传达出巴尔蒂斯绘画中的恶魔性的一面。这一面出现在他的许多作品中。《独树大风景》中那个背影暗示了什么?《金色时光》中那个撩拨欲火的矮短的男性,《房间》中那个拉开窗帘的丑陋的小怪物,那些脸上带有或怀疑或挑衅表情的女主角们,还有那些出场率极高的猫。

 




《独树大风景》


金色阳光


房间

猫的诞生是这样的:
亚当和夏娃被上帝逐出了伊甸园。仁慈的上帝送给亚当一根木棒,并告诉他,用木棒击打水面就可以得到他想要的东西。但不能把大棒子给夏娃用。亚当很快就用木棒敲击浩瀚的大海,把羊、驴子、牛、鸡、狗和其他各种有用的动物都带到地面上来了,而贪婪的夏娃也偷偷用木棒打向波涛,却有很多有害的动物:残暴的狮子、蠢笨的狗熊、血腥的秃鹫……一个接一个争相跳出了水面。在亚当和夏娃挣抢大棒时,无意间一同用大棒击打水面,这时,就出现了性格怪异,亦好亦坏的——猫。


巴尔蒂斯坦言自己非常喜爱猫,他13岁时由里尔克帮助出版的第一部绘画集就是关于猫的故事。在巴尔蒂斯的画中猫既是旁观者,又象是挑唆者,在那些少女的身边,猫人性化的脸庞隐于阴影中诡异地笑着。性格叵测的猫担当了诱惑因年轻而含苞的,青春期成长中的女性的角色。

 
巴尔蒂斯效仿古典绘画,使用在当时看来是守旧的、过时的具象的手法,画那些青春转瞬既失的少女,如果不是画中的恶魔性质,那么他的画将会看上去太过伤感。这种伤感会掩盖巴尔蒂斯的光芒。

威廉·布莱克(William Blake,1757 —1827,英国浪漫主义诗人和画家)说:善来自于理性,恶来自于激情……离经叛道是通向智慧的必经之路。

 


威廉·布莱克作品


巴尔蒂斯有着不同寻常的女性观,他关注的女性那么年轻,年轻到只能称之为少女。在与自我的纠缠中,这些少女成为了承载巴尔蒂斯精神的媒介,他赋予她们“我”的气质,使她们换化成了“我”。作为生物的少女便失掉了她的生物性,成为具有普遍意义上的精神的少女——体裁在这里被符号化了。从内容到形式全部符号化了的巴尔蒂斯的绘画,拥有了超越个性的共性,他关心的“我”顿时成为了“我们”。“我一直在我的画里确认自我,结论是:我不存在”。“我们”这个大词便从少女照镜这样小的情景中显现出来。这就是1995 年6月巴尔蒂斯画展在中国美术馆展览时,巴尔蒂斯写给中国观众的信中,提到共性的问题的题解。

“哦,做了一辈子的到中国的梦,竟要实现。我在山中度过了整个童年,最终为自已杜撰了一个中国:它令眼前的风景时隐时现,又使远处的山壑--想必有仙人居住--无从攀登。这一切,便曾是我想象中的中国。《唐宋传奇》,《东坡诗集》,《离骚》,我百读不厌;《西游记》则一直是我的床头书。

可是,有一天我突然发现时光已逝。我不复孩童,而成了88岁的老翁,是如今所谓著名画家的那种人,几乎到处都办他的展览,甚至在中国!然而,切不要以为我是大师!我不喜欢当代绘画。

我不得不创造出一种可以传递事物之神并表现我所见到的现实之美的绘画:而时下画家作画,是要表现他们的那个“个性”,却忘记了共性才重要。我恳求我的中国朋友,不要受现在西方的影响,而今这里一片混乱!请你们惠顾我的衷曲,因为这是一个力图走出20世纪大乱的人所创作的作品。

既然上苍已赋予我足够的精力,去继续我的工作,并给我希望,去最终画出一些令人满意的画,我便只能俯首遵奉来自天上的命令,放弃此次旅行。代表我前往北京的是小女春美,以及对我的绘画十分了解的年轻朋友伊万·德·拉弗雷桑日。1995年6月”



 

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(2011-06-09 20:30)
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 (Balthus,1908-2001)被毕加索称为"20世纪最伟大的画家"的巴尔蒂斯,原名巴尔扎塔夫,"巴尔蒂斯"是他从艺后使用的笔名。

 

1908年,巴尔蒂斯出生在巴黎的一个波兰贵族家庭,父亲是一个美术史学家和画家,母亲也在绘画上很有建树。巴尔蒂斯的家庭和当时法国著名的艺术家都有交往,这使幼年的巴尔蒂斯耳濡目染。虽然从小巴尔蒂斯没有受到正式的美术教育,绘画却成了他终生不弃的事业。1908年2月29日,刚好是闰年的闰日,巴尔蒂斯出生于巴黎的一个波兰裔贵族家庭。父亲艾里奇(Erich)是美术史家,犹太人母亲芭拉提妮(Baladine)是画家,年长3岁的兄长彼埃尔·克洛索夫斯基(Pierre Klossowski)后来成为著名的超现实主义小说家、批评家兼画家。童年时代的巴尔蒂斯在家中的客厅里经常看到象征主义纳比派画家波纳尔(Pierre Bonnard)、野兽派大师马蒂斯(Henri Matisse)和音乐家斯特拉文斯基(Igor Stravinsky)等巴黎艺术界的名流。 

 

 巴尔蒂斯从小就对艺术有着广泛的兴趣,尤其是对绘画一道有着强烈的迷恋,在他13岁时就出版了一套为中国故事创作的连环画,虽然称不上是什么绝顶的作品,但画家的奇异气质却已经充分地显露出来了。

 

  巴尔蒂斯也是个孤独的画家,在现实中离群所居的同时,带着一层扑朔迷离的神秘色彩。他善于从普通平凡的生活场景中揭示人的心理活动,幼年时的偏执心理经常在画中体现,在或冷漠或平淡和诡黠的画面(《街道》、《山》)中似乎包含着一种莫名的思考。这种思考出奇地深刻,深刻中又溶入了一层诗意般的抒情气氛,更为客观的作用便是谁也无法说清画家的创作意图。 

 



 1934年,巴尔蒂斯首次在巴黎皮埃尔举办画展,立刻得到了艺术界的广泛关注,这一时期他似乎迷恋这样的主题--临近青春期的小姑娘,内心唤起了对异性的渴望,性的意味的半梦半醒的状态(《镜前的少女》)。从这开始,巴尔蒂斯建立了一种超自然的非个性情绪的心理绘画,刻意在人的心灵深处探询索隐,弥漫在画中的是一层迷离的惆怅。 

 

 巴尔蒂斯虽然从未受过正式的科班教育,但传统的古典主义绘画对他产生了深刻的影响。作品中无论是外表的姿态还是作品的布局,都体现了很深的古典主义烙印。在他的画中经常可见的圣安德列十字,(即佛陀胸口上的万字)以变形的人体出现(《阅读的卡嘉》),模特的头与脚、膝盖与肘部组成了这种特有的视觉模式,大概是一种形象向空间无限延展的概念。这种似乎是空间无限、时间无限的创意并非巴尔蒂斯所独创,其起源可以追溯到巴洛克时代变体艺术,当然巴尔蒂斯是否从其中得到借鉴,我们不得而知。

 

  1960年至1977年,巴尔蒂斯被任命为罗马法兰西艺术学院院长,这期间他访问日本,彻底地迷醉于浮世绘艺术中。他绘画的色彩变化更加微妙,整体强调一种艺术装饰感,利用统一的视觉效果,凝造了一种介于东洋西洋间的特殊观感。这次日本之行,巴尔蒂斯还有一个对他人生来讲更大的收获--他结识了做他模特的日本女子山田节子,不久这个异国美人儿成了他的第二任夫人。巴尔蒂斯对这位娇柔的太太十分宠爱,他的许多作品都是以山田节子为原形绘制的(《红桌日本女子》、《黑镜日本女子》)。 

 

 浪漫主义、印象派运动把绘画从古典主义割裂的静止发展到了运动乃至分散的艺术模式,而巴尔蒂斯却重新把"静止"请回了绘画,他的一些作品中,画面所呈现的景象似乎永远地停留在那里,超越了语言的描述看不到"何所来,何所去",这一点作得比古典派还要绝对。在《飞蛾》一画中,女体似乎是要捕捉灯前的飞蛾,但她的动作却令人匪夷所思,使轻柔的,亦或强烈的,还是不经意的?这没有来由的动作贯穿了画面,静止的一刹那有着一种怅惘的神秘感。这幅画在巴尔蒂斯的创作生涯中还有另外一个重要意义,以前他使用传统的油画颜料作画,从这幅画开始他采用酪蛋白调和的颜料作画。由此而制造出的优美雅致的肌理效果,并使厚涂的颜料表现出各种色调的微妙变化。 

 

 巴尔蒂斯天性敏锐孤僻,爱好文学,特别是他对猫儿的喜爱到了无以复加的程度,他还为自己起了"猫王"的绰号。在他的许多作品中,猫以旁观者的形象出现(《起床》),带有一种浓厚的情绪色彩的心理描绘,实际上是他对人类隐私揭示后的自我暗示满足感的体现。谜一样的气氛中弥漫的是不安的暗示,猫的形象正是这种暗示的最好诠释。  

 



《房间》是巴尔蒂斯最为著名的作品,这似乎更象是来自梦魇中的一幕,肉感的女裸,猥琐的侏儒,不期而至的阳光,仿佛感受到了痛苦和快乐的重叠。而黑暗中窥视的猫又显得那么的神秘诡谲,它是无所不在的隐秘的化身。作品超脱了寓意、色彩、光感、动静等一切绘画评议因素,勾起了观者内心那种略带残忍的无言感觉。

 

  70年代末,巴尔蒂斯隐居瑞士,并把自己的工作室也搬到了那里,云杉清风,夕阳晴雪使他的艺术更加纯粹、更加个性化、也更加充满歌吟式的感情(《休息的裸女》、《侧立的裸女》)。这个时期的作品中,人物总是处在似睡非睡的朦胧状态,女体有着椅中象花般的不胜凉风的娇媚之态,倦怠的梦境与冷酷的画面形成巨大的反差,使整体基调充斥着闲逸和轻松,同时画家又大量使用柔适的颜色为作品增添云石般的光华感觉,有效地烘托了人物的内心活动。 

 

 巴尔蒂斯的世界是纯平面的、纯静止的,延展开的平面象一张幼稚而无形的网,似乎在以一种不可思议的永恒存在超脱那无时不在的时间--从古而今,再也没有第二个人能如此将时间玩弄于掌上,完成一种纯粹的理性膜拜。

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(2011-06-06 23:40)
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油画风格

1新古典主义风格:构图庄重,用法严谨,动态优雅.以及气势雄伟,是一种充满理想主义的艺术
2新古典主义遵循着庄重宏伟和优美典雅的审美原则,把所观察到的客观现实放到这个原则巾去进行衡量取舍。
3 {法国新古典主义风格这一派的画家以观察现实生活为基础,依照古希腊的雕刻艺术的审美原则去进行选择和创造,把一切他们认为粗卑低劣的视觉因素完全去除,以合乎他们认为完美的理想形式.布格罗逼真的写实能力,优美通俗的画风.博得了人们的普遍喜爱}。


4 维也纳分离派特点反对学院的保守观念,主张艺术创新,主张从世界各民族的文化中吸取有益的养分来发展个人的风格。克里姆特是这一画派的代表。


01 勃鲁盖尔 尼德兰文艺复兴时期的重要画家。他和表现的题材是多样的,有现实的农民生活。有民间寓言,也有《圣经》故事。他风格特点以深厚的感情,略带幽默的手法去反映他们的生命状态和精神世界,笔下人物形象清朗中带有一点笨拙,画面下黑白对比强烈,色彩运用的鲜明浑厚。勃鲁盖尔技法的特点是画面上黑、白、灰调子分明,组织错落有致。画面中物象的边线清晰、明确。勃鲁盖尔和米勒一样都被誉为"农民画家"。他为17世纪的荷兰画派和弗兰德斯画派开辟了道路。


 02 提香 风格特点是:色彩和明暗关系是塑造形体的基本要素,线条则处于次要的位置,色彩相互和谐,相互烘托而又相互作用,形成有节律的有机整体,作品具有柔和的哀婉动人的情绪和静穆的诗意。提香技巧的主要特征是色彩冷暖变化的微妙,被运用得惟妙惟肖。提香是意大利文艺复兴盛期杰出画家。他的贡献在于他对色彩的运用和对绘画技巧的发展,他是以富于魅力的色彩,卓绝的技巧和完美的艺术表现而名垂美术史的。他画肖像和人体常用的一种橙黄色,至今仍被称为"提香色"。他和乔尔乔涅创造的"色彩交响乐"成为近代绘画的法则--画面像一首交响乐。


03 米开朗基罗  意大利文艺复兴盛期最杰出的代表之一。米开朗基罗以其作品的力量和气势闻名于世。米开朗基罗风格特点:人物充满了无限的能量和张力,扭动的腰肢,丰硕的肌腱,都充分显示了他用人体来表达人类生命力和人类感情力量方面的非凡能力。他的壁画《创世纪》《末日的审判》以及雕塑《大卫》《摩四》《挣扎的奴隶》等,表现了痛苦和不幸以及不屈的气概。在米开朗基罗创作的传统宗教题材作品中,更多地表现的是人文主义精神.歌颂人的美德而较少宗教气息,


04 格列柯 西班牙画家。作品风格------他有意地把人体躯干和四肢都画得很长,不合比例到奇特的程度,然而这拉长的比例并没有影响人体各部分之间有机的榫接.这种手法在美术史上是独一无二的。在色彩方面,黑色、深蓝色、金黄色和紫红色往往成为他的作品的主要色彩,这种异常的色彩结构被他运用得相当协调-在构图和画面的组织上他的风格对后人影响很大.  格列柯技法整个画面到处充满着强烈的明暗对比,在无数疏密和黑白的对比中形成了画面的节奏,黑中有白,白中有黑.疏中有密,密中有疏,然而你却从他的构图中永远找不到准确的视点和视平线,分不清天上地下,也找不到透视线。他笔下那夸张变形的拉长了的人体、斑斓的色彩、无透视约束的画面..同时在作品中融人了宗教的神秘主义色彩。


 05 透纳   英国浪漫主义风景画大师。他足一位具象风景画家.透纳作品风格他描绘的海景,暴风肆虐,狂涛翻腾,几乎除了船只和岸卜的景物之外,整个画面都卷入了强烈动势之中,散发着一种抽象构成的意味,这种抽象意味是十分可贵的,敏感的艺术家从中找到艺术表现的新感受。他的艺术是从纯粹的形式出发的。形式是他的作品存在的唯一价值。 


06 德拉克罗瓦  法国浪漫主义绘画最杰出的代表。德拉克罗瓦作品风格:大多以现实社会生活和历史或文学著作为题材。他善于从现实生活中取材.用主观和富于寓意的构想将其完成。他的画风奔放不羁,笔触宽阔有力,构图重气势、重动感,打破了古典主义的谨约与庄重。他还发现了色彩的互补关系,因而色彩更为强烈和鲜明,对传统规范无疑是一个重大的突破,对绘画的发展是一大贡献。


07 鲁本斯佛兰德斯画家。(鲁本斯风格特点----作品中人物体态丰满、画作数量多而且画幅巨大而著称的。他塑造的形体都是肌刚非常厚实、丰满,具有动感和重量感。作品大多采用极不稳定的构图,借以表现主题动势和气氛。他的每一幅画里都是一连申相互关联的运动着的形体,渗透着生命的活力。善于画群像。题材非常广泛,将神话、宗教传说、历史画、风俗画到肖像画、风景画都包括其中。(鲁本斯技法他创造了一种宫廷、贵族及宗教界、富商所乐于接受的雍容华贵、装饰性很强的艺术风格。为了达到华丽的色彩效果.他采用的是"透明色加丁法",即在白色或单色的底子上画素描稿.画出明暗关系,然后用浓厚的颜色涂出主要人物的色彩,有的地方保留着底子的颜色,待颜色于透后,再在这层颜色上罩上透明色,最后再用几笔浓重、鲜亮的颜色画在画面的最亮部分使其鲜明突出


08伦勃朗 荷兰伟大的古典主义画家。伦勃朗他题材肖像画,历史画,风俗画和风景画等。伦勃朗共创作了600多幅油画,1000多幅铜版画及2000多幅素描和速写。(伦勃朗艺术显著的特点是他的极其纯熟的技巧和善于运用光对人物进行表现,深刻地揭示人物的性格及其内心世界)。风格他的作品中,人物及物体亮部,奇妙地闪动着光亮的色彩,使被塑造的形体笼罩在神秘而聚集的光的氛围中,主体突出,体积感很强.亮部细节的精细入微与暗部的概括整体相对照.更有利于表现人物形象特征。技法他创造性地运用传统技法,用极厚的色层与薄可见底的底色相结合,在阔大苍劲的笔触上罩以透明颜色,使得形体凝重结实,并与周围有机地融合在一起,评然一体又层次分明。


09维米尔 荷兰17世纪杰出的风俗画家。又称为"荷兰小画派"。维米尔画风是朴实尤华的,维米尔作品中人物与环境的受光面是广阔的,人或物的受光部分往往画得比较厚实而细致,配以画面其他地方出现的明亮班点,使画面上呈现着光的闪烁,由于这光的闪烁,画面上显得更为宁静平和,这是人们所向往的安居乐业的平静生活。对光的利用是他的手法特色。。维米尔在表现他的题材时,往往选取一些比较细微的情节,去刻画人物生活中优美而自然的体态,使之成为了不朽的形象.


010安格尔 法国新古典主义画家,重要的画家之一。新古典主义作为美术史上的一个重要的流派,是以大卫、安格尔为代表的。安格尔极强调素描的重要性,他认为素描是一切造型的基础。因此,他用线描形式画了大量的素描,十分精确、严谨,所运用的坚挺而细致的线条辅以少量明暗调子,画得熟练而简洁,他认为只有清晰优雅的轮廓线才能传达理想的美。


安格尔风格及技法特点他画的肖像大多端庄秀丽,典雅娴静,整个人物造型以及细节的描绘,都非常准确:从五官、首饰、衣服上的图案,到背景上的物件,都描绘得精确严谨,巨细无遗.人物的皮肤质感也表现得细腻而富于弹性,可谓冰肌雪肤,鬓影衣香.皮肤色彩的衔接非常微妙,体积过渡柔和,完全看不见笔触,边线却十分清晰) 
011 布格罗  法国新古典主义画家,他题材有神话故事、民间生活,通常以清纯的女子和儿童作为主要的绘画对象.布格罗风格人物的晶莹润泽的肌肤.浅淡而单纯的衣饰.优雅轻盈的体态.姣美灵秀的面容,精致入微的细节刻画等,都做到了完美的极致。布格罗他的技法在画面上几乎看不到任何笔触,但给人感觉画得轻松,布格罗的艺术是唯美的艺术,他的绘画是雅俗共赏的艺术晶.


 012 瓦特豪斯  英国拉斐尔前派画家。拉斐尔前派艺术大大地丰富和发展了英国的民族绘画,他们的艺术有明显的唯美主义倾向.在艺术实践中,他们到大自然中去直接描绘大自然的光线形态及鲜明的色彩. 瓦特豪斯技法上注重写实,强调精确细致的刻画,对细节的描绘尤为重视,在用色上清新艳丽,开创了一代画风.有人称他的艺术为"浪漫的古典主义".也有人称之为"英国的新古典主义"。瓦特豪斯风格特点所画的人物又多为清纯俏丽的年轻女子,色调明丽,构图别致.尤其是他的作品中那种在宁静温馨中所透出的淡淡的伤感情调和诗一般的意境.令人赏心悦目.他的艺术可以称得上是雅俗共赏的。


013夏凡纳  法国象征主义画家。他是象征主义绘画中理想主义的完美典范。夏凡纳风格的特点平稳的构图.柔谈的色调,优雅的人物体态,静谧的环境,使他创造了一幅幅"人间天堂"的梦境.画面完美无瑕,充满了画家对美好生活的憧憬.他常常以大色块构成整体淡雅的色调,画面上人或物的造型简洁而和谐.更有力地加强了"理想人间"那种祥和宁静的气氛。善于营造画面的整体气氛、善于创造出画面和谐淡雅的色调,是夏凡纳风格的一大特点。对于人物造型的敏感和对形体很强的概括能力可以说是夏凡纳艺术风格的又一特色。


014 米勒   法国写实主义画家。写实主义又称现实主义.是指致力于再现事物和客观真实表象的艺术。米勒、杜米埃、库尔贝被认为是19世纪法国写实主义最杰出的三个代表人物。米勒风格特点笔下的人物,有着褴楼的衣衫、汗污的脸面、粗糙的手脚,他们被刻画得异常感人,体现了画家对善良纯朴的农民的由衷赞美与同情.他所运用的技法,与农民这一题材十分吻合.暖和的色调非常纯朴统一.没有夸张与灵巧的用笔显得十分厚实.略带笨拙的造型相当概括,整体,这些技巧把远离都市文明的农民那种被生活和繁重劳动压迫得迟滞麻木的性格刻画得淋漓尽致。米勒因而被誉为"农民画家"


015 柯罗 法国巴比松画派画家。巴比松画派艺术理想是:要客观、真实地表现大自然,到户外去研究大自然的空气和光线并努力在作品中体现出来另外,在客观描绘大自然的同时要表达画家对自然景物的主观感受探索和表现大自然的奥秘及其内在生命力.挖掘其真实的美,借以抒发内心的情感。柯罗风格绘画中特别强调光的因素,画色调柔和幽雅,用笔轻松融和,没有强烈对比的色块和苍劲的笔触,以整体的情调去征服人的情感。柯罗技法用笔很轻柔,没有生硬的笔触,而是自然调合,一切都是柔和的,充满了诗一般的意境。这是一种用浪漫的笔调去咏叹大自然的风格。


016勃克林杰出的象征主义画家。"女人、幻象、死亡,欲望"是象征主义画家昔遍选用的主题。作品通过暗示、联想、引申、对比来创造诗的意境,探索人类神秘内在的精神世界,用以替代外部的现实世界。勃克林风格作品写实手法逼真,象征意识明确,画面效果感人。作为对美学、心理学等方面的探索,他的艺术对后来的很多画家如凯勒、斯托克等人都有较大的影响。


017 克里姆特 维也纳分离派画家。,克里姆特特点善于用线和各种带装饰性的图案来构筑画面,作品华丽而又凝重.充满神秘,象征,抽象的意味。画面上的弧线和圈点.常常令人感觉到在金碧辉煌画面的背后,隐含着某种不安.作品中平面的色块波浪形的线条和某种写实主义的忧伤结合表现了经受内心精神与欲望折磨的痛苦。《吻》是克里姆特的代表作之一.


018席勒奥地利象征主义画家。席勒画风格的显著特点.一是他笔下的痉挛般的人物形象,二是他对线条的运用..(他运用的线条略带夸张地勾勒出人物的体形与结构.加上丰富的色彩,制造出斑驳的近似平面而具有一定空间感的效果。他油画都画得很薄.常常可以从画面的薄色层中看到画笔在底子上涂抹过的痕迹。他在线与线之间的疏密组织,色块与色块之间的冷暖明暗处理上,很有研究。线条的疏密对比,色彩的相互衬托.使整个画面虽带有一定的装饰性,却具有前后的空间关系。席勒的画有一种节奏感,)这种节奏感使席勒的艺术丰富而不杂乱.平面而不平板呆滞。作品中渗透着的那种阴郁的神经质的气质.人物痉挛般的造型.恐怖的眼神,夸张的关节,病态的消瘦形体,都揭示了现代人潜意识中某种病态的诡秘与动物性本能的一面。席勒强烈地把自己的精神世界表达于自己的作品中.是对自己灵魂的剖析与再创造.如此彻底地暴露人性的本能意识.


019莫奈 法国印象主义的奠基人,被誉为"印象派之父他喜用明亮的色彩,灵活多变的用笔,反复涂抹的层次,表现出画面上光的颤动的感觉,令深厚凝重与色光斑斓融于一体这是他的风格.他参与创立的"印象主义"画派,在绘画史上有很特殊的重要意义,它不仅打破了传统的规条,开创山一代新风,而且为后来现代艺术的发展,在理论上提出了可能性和在艺术实践中给人们带来了新的启示。印象主义的出现是从占典主义绘画到现代绘画最重要的转折点,其历史意义是巨大的。


020 蒙克 挪威象征主义画家。蒙克是表现主义的先驱。蒙克是杰出的象征主义大师,他的艺术通过画面里痉挛般的线条和鲜艳的色彩,扭曲的形体,十分强烈地表现了主人公内心的痛苦、忧郁、焦虑与恐惧不安以及对生命的质疑--人类无法摆脱的悲剧。他强调绘画的主观感情的表现。这种神经质的线条,令人恐惧的鲜艳色彩,摈弃厂传统造型的明暗关系和冷暖的色彩关系的原则,创造了自己的造型美感,给人以个性强烈的印象。这是他的作品风格。


021柯柯希卡奥地利表现主义画家,德国绘画团体"桥社"成员。表现主义的主要特征是;反对艺术对自然的模仿,主张艺术要表现画家的主观感受与激情,采取夸张、变形等艺术手法去表达自己的艺术理想。在他们的作品中,色彩鲜明、强烈,线条和笔触大胆奔放,使人感到刺激和动荡不安。表现派画家往往表现为一种普遍的忧郁感和对死亡的某种预感。在他们的作品中我们更多地看到的是痛苦、贫困、暴力与丑恶,以表达现代人在一个充满矛盾的世界中内心的孤独、彷徨、焦虑甚至绝望。       柯柯希卡的风格 柯柯希卡的作品喜欢使用大量的黑色和深重的颜色.色彩深沉有力,造型概括,形象略微扭曲变形.画面展示了画家对现实生活低沉苦闷的心理。在技巧上他常常运用块状的笔触.和谐地和其他颜色结合,井进出底层的黑色或深重颜色的色点或色线,使画面有一种独特的视觉效果:斑驳而带神经质作为一种风格.


022 诺尔德德国表现主义画家。表现主义艺术中具有某种敏感与不安.产生对表现美的和谐的厌恶.对于高雅时尚的反感,而更多地去揭露社会现实的丑陋和阴暗的一面。他们认为.绘画是"在平面上表现感情的艺术",是一种本能的创作活动,仅仅以刺眼的纯度极高的颜色及其变化来构织成鲜艳的画面。鲜丽的色彩配以夸张、变形了的人物动态与形象,使诺尔德的画给人以强烈的冲击力和新鲜感是他的风格。

023高更 法国后印象主义画家。高更风格特点感到热风,热土,热烈的气氛扑面而来.高更强悍的天性,富于韵律的线条,单纯热烈的色彩,简练有力的形体,都充满着粗扩和野性的美。高更技巧技法突出主体部分,减少色阶的层次,舍弃中间色及导致色彩纯度减弱的层次.用粗黑的线条勾勒出物体的形体.设色以倾向主观的色块对比所构成的视觉效果为最终目的,不以物体的固有色为依据,尤其强调色彩的象征意义,高更在构图上常常把地平线提高,以避免形象的重叠,更具原始状态的单纯和稚拙味


024凡•高 法国后印象主义画家。后印象主义是一个与印象主义艺术主张相异的艺术派别,(既维系着印象主义的艺术成果,同时又努力拓展这些成果,寻求更主动、更富感情色彩或他们认为的更接近现实本质的表现。)。他的画是夸张的、变形的,因而比现实更强烈、更动人。在凡•高的作品中,"运动"也起着重要的作用。他运用波浪形的、螺旋形的,有时是短促却强有力和富于动感的笔触来表达他内心炽热的感情冲动。颤动的色彩更是浓缩了他那进发的生命能量。


凡•高是一位同时具有浪漫主义和现实主义品格的画家。《戴草帽的自画像》是画幅很小的油画。肖像是画在事先做好的底子上或是旧画上的。这幅画用小画笔作弧线或点状或短线的笔触画成。比印象主义更为主观地处理了色彩问题:鲜亮的黄色、蓝色画在灰褐色的底子上,并到处透出了底子的颜色,使得画面干涩粗糙,既明亮又沉着。


025 修拉 新印象主义画家。新印象主义,又称为"点彩派"。修拉创立的"点彩派",为了与印象主义有所区别,自称为"科学的印象主义"。分色法"(即"点彩法"),就是用较纯的色点井置在画面上,将写实的造型与光色因素结合起来。这种结合除了利用人的视觉通过距离将色点调合,产生斑斓的视觉效果之外,还令人感受到一种新的美学体验,即一种使时间的瞬间与永恒的结合,使理性与幻觉结合的体验。


026 维也尔 法国纳比派画家。  纳比派风格他们喜爱描绘中产阶级家庭的生活题材,在表现技巧上以漂亮华丽的色彩营造装饰性的画面,使平凡的生活,变得更富有诗意、更温馨美好。维也尔和博纳尔是"纳比派"的代表画家,维也尔的画风除了具有纳比派画家的一般特征之外,对色彩的敏感和很强的造型能力,使1他的画面轻快悦目,也更具装饰意味。他技法在作品中多用亮灰的色调,在漂亮的大色块的和谐协调中,充满着丰富的小色彩变化,他在灰调子中的补色色彩运用得非常精彩,相当和谐响亮,极富色调的美感。


027马蒂斯法国野兽派画家。野兽派画风吸收了非洲及东方绘画的某些东西.注重绘画的形式感.他们的艺术基本上是属于轻松悦目的艺术.马蒂斯作品风格作品中艳丽的平涂色彩、变形的剪纸般的装饰性造型,单纯流畅的线条以及热烈轻松的气氛.令人耳目一新,给观者轻松愉悦的视觉感受,无疑为人们开拓了新的审美视野,把审美引向更多元的领域。他的色彩是主观的,完全从画面色彩配置的效果出发,而不是从客观实体的固有色出发,因而是更为主动的和更具创造性的。色彩明朗而畅适。


028 毕加索 伟大的西班牙立体派画家.毕加索的作品画面上主要是由几何形体的色块和线条组成,井根据他自己的需要随意组合,创造了一个新的表现形式他的艺术标志着现代艺术的一个新的起点。
029 萨金特  美国近代肖像画家。他的风格特点肖像画用笔潇洒,色彩明快,生动、简练地表现出人物的特征、性格和风度。画风中含有的高雅气质,画面给人以恬静清雅、轻松愉悦的感觉,没有累赘和艰涩,没有深刻与隐喻,也没有复杂的构图与复杂的人物动态.单纯的画面与高超的技巧,不足在于他的油画略嫌单薄浅近,缺乏厚重感。
油画{在家的普兹医生》是一幅萨金特很少画的红色调子作品。.深红、大红、白色和肉色在这里依然运用得轻松自如,非常简明漂亮。大红的长袍与背后的帷帐,在颜色上只有很少的差别,而感觉敏锐的素描关系把人物造型处理得栩栩如生。画面的各个部分用笔都非常活泼.很富有技巧性。尤其是人物的左手.寥寥数笔,就把手指微妙的动作,骨节的结构,手指的受光与背光的色彩关系,全都轻松地描绘了出来,娴熟的技术.还表现在白色的衣领和袖口的处理上。萨金特是一位技巧型的画家。


030莫兰迪 意大利超现实主义画家。静物为主要题材,静物又往往限于一些陶瓷瓶子和罐子之类,画画的题材是十分狭窄。色调是宁静淡雅的,因而视觉上颇有观赏性,略带尔变形的形体,朴素单纯的色彩,柔和的明暗变化,在淡雅之中渗露出的稚拙以及似是一气呵成的气韵,是莫兰迪作品的艺术特色,非常概括简练。
《静物》一画中,色彩灰淡,虽有差异却不强烈,而且他画的颜色都很薄,常常浅可见底.总觉得像是一次完成,没有犹疑与反复.勾勒在瓶子四周的轮廓线有轻重隐显的变化.不复杂的内容、不复杂的变化所构成的单纯淡雅的画风,不会让人第一眼看去便拍案叫绝,也不会给人以强有力的视觉冲击 


031弗洛依德  当代画家。他题材多是人体和人物肖像。弗洛依德特点对色彩和油画技法的运用,较善于画浅灰调子的作品。夏凡纳,莫兰迪,巴尔丢斯,巴尔丢斯灰色调区别夏凡纳的灰色调偏重装饰美,莫兰迪的灰色调轻快随意,巴尔丢斯的灰色调讲究肌理效果,而弗洛依德巴尔丢斯的灰色调却在用笔的厚实流畅上下功夫,灰色调大多有灰黄惯向。弗洛依德 技法用宽厚的


031弗洛依德  当代画家。他的绘画在题材上并无特别之处,大多是人体和人物肖像。他的最大特点在于他对色彩和油画技法的运用。弗洛依德和夏凡纳、莫兰迪,巴尔丢斯一样,都比较善于画浅灰调子的作品,夏凡纳的灰色调偏重装饰美,莫兰迪的灰色调轻快随意,巴尔丢斯的灰色调讲究肌理效果,而弗洛依德的灰色调却在用笔的厚实流畅上下功夫。弗洛依德风格特点他的灰色调大多有灰黄惯向,.他用宽厚的笔触,去描绘人或物,颜色厚实而运笔相当流畅,没有通常因画厚而容易出现的呆滞感。他用色较活,往往不把颜色调匀.简单地掺和之后抹在人物的亮部,因而显得生动。他表现人体肌肤的冷灰色,用得相当漂亮,既表现了白色皮肤的冷灰色彩,又令人感觉到肌肤富于弹性的质感和健康的光泽.在他的绘画中我们看到欧洲近代学院派绘画的影子。用笔和用灰黄颜色是弗洛依德绘画风格的全部奥秘所。


032德库宁 美国抽象表现主义重要画家。抽象表现主义艺术特点能比较自由地抒发和表现个人的主观情感,在技法上不受限制,所以这种艺术风格发展很快,生命力很强,抽象表现主义基本分为两种类型:一种以克莱囚、波洛克、德,库宁为代表的,讲究笔触、动作以及颜料质感,具有人物或物体造型的画面效果、另一种则倾向纯抽象.以大片的色彩造成一种抽象的符号或形象表达某种情绪或意念,这朴类型以罗斯科等人为代表。德•库宁风格特点作品中多有的]寝现因素,他把怪物般的形象甘隐若现地安排在无序的背最之中,纵横驰骋的颜色和笔触.充满了强烈的动势和激情,在色彩的澈蔼和构成中,德•库宁找到了自己意象的表现形式,成为他个人情感和意识的最直接的载体。


033 莫迪利阿尼 巴黎画派画家。巴黎画派是由莫迪利阿尼,还有苏丁、夏加尔、帕斯森、膝田嗣治等人.莫迪利阿尼作品的主要风格特点题材是女人体.他那夸张而有节制的、拉长了的、变形而有韵味的形体,抒发了他自己主观而富有诗意、略带忧伤的情感.他画的人体,用几乎察觉不出的肉色渐变塑造出丰满的,富于弹性的躯于,在装饰感中表现出优雅、单纯与和谐的色调.人物形体造型相当概括,没有多余的东西,而且主要集中描绘人体中最美的躯干部分。作品中人体几乎都没有小腿以下的部分,这样的形体便更为整体和洗练。他的线条流畅而极富表现力。线条与形体的有机结合,加强了形体的力度与体积感。尤其是线条用于轮廓边线的处理,更是在不经意中蕴藏着精心的考究.人体上的一条边线往往自始至终没有隔断,然而这线条与人体边缘部分的色彩以及和背景的结合,却有机体现了体积的多种变化:既不单薄又不含糊。


034 卢梭法国原始派绘画的代表人物。法国原始派绘画风格特点强调用冷静的态度,天真的手法,有意识地去追求某种稚拙感。笔下人物比较呆板并不约而同地都具有装饰性。 卢梭风格特点作品以其原始生态般的神秘感和诡异的形象,把观者引入一个诡秘的不可知的世界。画中的人和物,都是经过强调以后的带装饰性的造型。色彩接近平涂,明度对比相当强烈,细节的描绘十分精致,讲究画面上黑白对比的节奏和过渡以及疏密组织,给人以梦幻般的联想。卢梭的画风以其鲜明的形式感及其别具一格的内涵,给人们留下深刻的印象。


 035 巴尔丢斯 法国超现实主义画家。超现实主义大体分为两种,一种是把互不相关、毫无联系的东西放在一起进行思考,使思维进入潜意识的梦幻状态。另一种是"心理自动化",自由地、随意地、松散地进行思维活动,没有逻辑关系。


《巴尔丢斯风格.以具象的剧情及场景.使非理性的形象物质化、具体化,巴尔丢斯人物造型的特点是具象中带有一些扭曲或变形,这种变形使人物动态有些趣味和显得古怪.这古怪的姿态在一个真实具体的环境中,会令人产生一种超现实的感觉。,这种手法也叫做"自然主义的超现实主义


巴尔丢斯人物造型的特点是具象中带有一些扭曲或变形,这种变形使人物动态有些趣味和显得古怪.这古怪的姿态在一个真实具体的环境中,会令人产生一种超现实的感觉。巴尔丢斯在技巧上,他的画面的颜色总呈无光泽和略带粉味,而且画得不厚。


036 塔匹亚斯 抽象表现主义画家。抽象表现主义风格以其带装饰意味的平面构成形式,具有表现意识的笔法以及对直觉的主观强调,建立起它的形式基础。塔匹亚斯风格特点是杰出的抽象表现主义艺术家。他的作品除具有一般抽象表现主义艺术的特征之外,最显著的个性是他驾驭和构成画面的气魄以及对于质材运用的独具匠心的举重若轻。作品具有无比震撼力。油彩、乳胶、树脂、砂子、皮革、麻布、木料、金屑乃至各种物件,都有可能成为他作品中的原材料。作品往往都比较大,他的艺术给人一种气魄恢宏而又深沉之感,是抽象表现主义艺术中最灵动多变而又最具分量感的杰作。


037 马瑟韦尔 美国抽象表现主义画家。抽象表现主义在形式上的最大特征是全面地改变了空间的处理,它给人们创造了一个模棱两可的空间.并构成了注重装饰性的画面。马瑟韦尔艺术风格介于具有形象,注重动作及笔触运用的抽象表现主义与注重抽象符号的纯抽象表现主义两者之间,作品中,我们可以看到东方文化思想的影响。
038 赵无极法国抽象表现主义画家。赵无极风格技法技巧特点是把中国传统文化的精神与西方油画技巧、质材有机地结合,创造出独具一格的画风。技巧上,赵无极利用油彩的自然渗化,使之与具有气势的用笔以及视觉中心部分的精心营造相结合,使画面浓淡相对、虚实相生、色彩鲜明而气势磅礴,既有东方的意蕴笔趣,又具西方的质材美感


039 珀尔斯坦 照相写实主义画家。又称为"超级写实主义"。照相写实主义定义是以现代摄影技术作为主要手段把表现对象拍摄下来,再根据照片或幻灯片把都市街景,现代化交通设施以及人体、肖像等形象转移到画布上,以精细的用笔,冷静准确地表现对象的所有细节的绘画,甚至有时比照片还要逼真。《斜倚在弯木椅上的裸女》这幅作品的构图很有特点;一个人体的普通动态在画画上的安排恰到好处,构图饱满而不觉挤塞,床架的弧形金属结构,恰如其分地把人体的单纯烘托出来。


031弗洛依德《坐着的裸女》,从题材到构图都没有什么新奇之处,但从浓厚的土黄色和褐色的运用以及阔大的用笔中,就可以体现出弗洛依德的风格色.可以说,弗洛依德的风格主要是在技术上的,而且是直接从传统的写实基础上延伸出来的杰出范例。


032德•库宁在激情和动势用笔中完成的这幅《女人》代表了德•库宁的风格。在似是狂乱无序的用笔中,也可以看到有小心收拾的痕迹。比如人物脸部和肩臂等位置,狂放中有--些谨约。整个画面以黑色来统一。试想,这幅画面上如果没有了黑色,那么这幅画将完全是另一十样子,松散得个叫收拾.黑色在画面上起着均衡和统一的作用,无序在一定的程度上受到了制约,而动势气氛则不受影响。


034卢梭《耍蛇者》充满着神秘阴森的气氛。弄笛的耍蛇者,是几乎全黑的一个体形,周围的原始形态的生物,包括了舞动着蛇,与人在一起,构成了人与地球上所有生物同样平等的,共存的,原始的生存状态.物体的描绘手法有点像中国的工笔重彩画那样的效果,疏密、明暗过渡和明暗对比的处理很讲究。差不多全黑的人物在复杂的环境中反而显得单纯而突出,人物背后明亮的夜空和河水,也烘托出入物在画面中的视觉中心位置。


《坐着的裸女》,尔丢斯式的人物造型特色,这种造型和金黄中,体现出弗洛依德的风格特色. 线条以及雅致的灰色.一起形成了他的艺术面貌.在他的画面上找不到多余的东西,而画面之外却可以令你引起很多联想。巴尔丢斯风格.以具象的剧情及场景.使非理性的形象物质化、具体化,巴尔丢斯人物造型的特点是具象中带有一些扭曲或变形,这种变形使人物动态有些趣味和显得古怪.这古怪的姿态在一个真实具体的环境中,会令人产生一种超现实的感觉。,这种手法也叫做"自然主义的超现实主义"


这幅(卡佳读书).环境是具体的,接近真实的。构图和他的许多作品一样,喜欢把画面在激情和动势用笔中完成的这幅《女人》代表了德•库宁的风格。女人的形本身是德•库宁展示其艺术手法的刘象而已,在似是狂乱无序的用笔中,也可以看到有小心收拾的痕迹。比如人物脸部和肩臂等位置,狂放中有--些谨约。整个画面以黑色来统一。试想,这幅画面上如果没有了黑色,那么这幅画将完全是另一十样子,松散得个叫收拾.黑色在画面上起着均衡和统一的作用,无序在一定的程度上受到了制约,而动势气氛则不受影响。德•库宁作为表现主义大师,在作画过程十的随意性很大。


037 马瑟韦尔作品(西班牙共和国的 哀歌)是马瑟韦尔的代表作。画面气势恢宏而庄重。作品特点作品中他以大块圆形和条状以及线状的黑色和浅色的背景一起,构筑成异常肃穆而具神秘力量的画面,给人以视觉上的冲击力。


038  赵无极(《赵无极自画像》)是中国绘画史上从未出现过完全抽象无形的绘画,中国绘画理论的博大精深,它有足够的空间使赵无极创造出超越所有传统绘画形式的新风格,这就是他以中国传统文化精神为灵魂,运用西方技法材料以及色光效果完成的抽象衰现主义绘画,是中国意象与西方拄法的融合。在技巧上,赵无极利用油彩的自然渗化,使之与具有气势的用笔以及视觉中心部分的精心营造相结合,使画面浓淡相对、虚实相生,色彩鲜明而气势磅礴,既有东方的意蕴笔趣,又具西方的质材美感。


028 毕加索《三个音乐家》的这幅作品,是由任意分割的几何形块面,重组成勉强可以辨认的三个人的形状。 
叠置也无准确的空间规限,从画面色彩上看,它仍运用了传统的视法则,前后块面的色彩构成规律,使色彩遵循近大远小的透在画面上的结构安排颇有章法多块不同形状的白色,黑色,紫色和橘色在画中不同位置上相画面上的物件已不互呼应显得色彩鲜艳而又和谐,富于装饰美.


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分类: 美术评论



 

生活、绘画与修行—与潘文逸谈艺书   管郁达

 

 

去年秋天,还是在云南的时候,远在青岛的李都就在电话上给我说起过潘文逸其人其画。李都的说法不着一字,有点《世说新语》中“人物品藻”、雾里看花的意味。给我的感觉,这也有点像是一个活在“世说新语”里的人物吧?一个隐居于闹市和在水泥丛林中修行问道的现代文士。

 

市场升温,肝火红旺。所以时下做艺术的人大都自我感觉良好,喜欢下评语或打妄语,而较少反省能力。我混迹艺术“江湖”日久,没有所谓“出于污泥而不染”的抱负,实在是不能免俗了。所以,心里多少有些忐忑,生怕会误读了艺术家和他作品的本我、本心,让人家还予白眼或冷饭,给同仁同道丢脸。及至在青岛一座居民楼不算阔绰的房间见到潘文逸本人和他的作品时,我才放下心来,上面说的那些感觉也都巴实,还不算离谱。潘文逸长相奇伟,仙风道骨,待人接物温文尔雅,很有点名士风度,而他的画作恬淡飘逸、优美抒情,画的几乎全是理想中的田园牧歌诗境和行吟打坐的神仙佛道人物,使用的媒介手段虽是浓笔重彩的油画,但骨子里却是中国古代乡土文人的浪漫情怀。说他像一个“大隐隐于市”、以绘画修行问道,成就生命圆满的现代“文士”,可谓是不离左右了。

 

潘文逸的艺术趣味和生活情调都明显倾向于一种与中国古代文人相近的审美理想,但又包涵着现代乡土知识分子恋土怀旧的绵绵乡愁。他的“田园诗”、“幻游”等作品中既有陶渊明式的恬淡隐逸、“采菊东篱下,悠然见南山”;也有梁祝式的男欢女爱,两情相悦、夜夜笙歌;更有伯牙子期不期而遇的高山流水,无音之音、山外有山。从这点来看,他的确好像是一个与世隔绝、梦在桃花源中的人,但是在“变相”这样的作品中,艺术家还是含蓄地流露出他对现实与历史的关注,虽然这是一种类似中国古代文人士大夫“达则兼济天下,穷则独善其身”的人文情怀,不过也许正是因为这类作品的出现,我们就不能简单地将他归结为一个复古的“隐逸”画家。套用佛家的说法,潘文逸绘画所体现出来的精神,是一种自由往来于生活世界与艺术世界之间的“洒脱”,他是用出世的精神做入世的事业,出是超过或胜过的意思,能修行问道,有智慧,通达宇宙人生的真理,心里清净,没有烦恼,体验永恒真理就叫“出世”,而并不是叫我们跑到另外一个世界去。潘文逸少年时因寂寞而喜欢上艺术,其间学过武术、当过工人、画过电影海报,颠沛流离、居无定所,及至中年方才拥有自我的一方天地安稳歇息下来专心画画。与他同龄的艺术家相比,一直处在艺术圈和社会体制的边缘。但是,在潘文逸的绘画中,我们看不到现实生活苦难留下的痕迹。他画的永远是自己喜欢和理想的世界,绘画成为一种充满诗意的生活方式。这点也与他喜欢的艺术家夏加尔和莫扎特相似。

潘文逸的绘画既远离了当下的中国先锋艺术主流,又不同于学院主义的绘画传统。而是更多地传承了中国古代文人绘画的余绪和浪漫主义、民间艺术的根器与精神。他把艺术作为一种“修行”、“问道”的生活方式,身体力行,将修身、修心、修德,落实在每天的艺术工作中,身心整体的切己体认与自觉修持已经融入到他的艺术方式与生活行为之中,成为浑融一片的整体。正所谓“一花一世界,一沙一天国”是了。孔子谓:“游于艺”,意思是说:艺术家在艺术创作活动中,不仅自己的整个身心涵泳、沉潜于“艺”,而且生命的展现本身就是人生艺术的大“艺”。潘文逸和他的绘画都说明了这一点。

 

猫和鱼在潘文逸的绘画中占有非常重要的位置,在他的作品中,猫和鱼都是拟人化的、面具化的,常常乔装打扮与艺术家出行、悠游、生活、居住在青岛这座青春浪漫的海滨城市。

 

也许,除去北京,青岛要算我去过最多、也是待的时间最长的北方城市了。但是,说青岛是一座“北方城市”我总觉得有些不妥。因为在多数人的心目中,“北方”意味着广阔、粗犷、悲壮、人民、历史和众多与宏大叙事相关联的东西。但在我的印象中,青岛更像一座“北方”的南方城市,妩媚、抒情、梦幻、性感。一如潘文逸的绘画那样:既入世又出世,既现实又虚无,充满各种令人感动的疑惑和矛盾。

 

 

 

2008416夜于昆明翠湖边上

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阿方斯.慕夏18世纪最为成功的商业插画家,他的作品精致的构图和唯美意境被为数不少的漫画家和插画家模仿过。比如CLAMP,樱籁虎姬,井之睦实等等。

流行于1890-1910年间.以比利时和法国为中心.用流畅性的自由曲线(特别以自然植物形状为基础)来造形广泛地在欧美造成国际流行。这种以感性的有机曲线与非对称架构为特征的装饰风格叫新艺术运动。

不过由于“新艺术运动”在国内影响不大。使得绝大多数人对此感到陌生。而关于“新艺术运动”,有另一段解释:在1894年“吉丝梦坦”海报后,这一风格就在巴黎艺术圈广为流传.后来越来越多的人模仿就成了新艺术的起源。这一评论源自约翰?慕夏,阿方索?慕夏的孙子在他的眼中,祖父就是新艺术的奠基者。

“吉丝梦坦”的背后是一个美丽的女人。在1894年的巴黎红遍半边天的歌剧女伶莎拉?贝恩哈特她即将演出“吉丝梦坦”,而原本她雇请的海报设计家因种种原因都无法赶工绘制,而此时慕夏已在巴黎度过7年的艰苦岁月靠着替书籍、杂志、月历绘制插画或是替舞台剧设计海报和戏服维持生计。而关于“吉丝梦坦”的创作过程.在今天已上升至传奇的范畴,每一个谈及此事的人对此都语焉不详甚或加入了很多浪漫的想像。或许,在一个美貌倾城的女伶与一个才华横溢却还一贫如洗的年轻艺术家之间发生的故事让任何人都难以想像,尤其是当这段故事发生在浪漫之都-巴黎。总而言之,慕夏本人则确信是命运终于眷顾了自己给了他一个改变目前贫寒生活的契机。当时的慕夏绝对没有意识到他将为海报史乃至艺术史掀起一场革命。

几天之后.当一幅与其它海报插画家的风格截然不同的“吉丝梦坦”出现在莎拉面前的时候她惊喜万分。慕夏采用了修长而窄的画幅细腻的粉嫩色彩等身大小的人物以平视角度观看时。海报角色出现了一种空灵优雅的美感。“吉丝梦坦”轰动了巴黎.被抢购一空一时洛阳纸贵,收藏家们不得不靠贿赂海报张贴工甚至在晚上悄悄的用锋利的小刀把海报从张贴板上割下来才能得到一张。莎拉满意之余.一口气与慕夏签订了5年合约从此奠定了慕夏在艺术之都巴黎的地位.可谓美女成就了英雄。

新艺术的代表人物--慕夏(Mucha1860-1939),出生于捷克的乡下小镇,18岁申请布拉格美术学校就读,就读美术学校期间并不受校方及师长的重视欣赏。1939年纳粹德国占领捷克,逮捕知名捷克人士以为震慑,一生热爱祖国捷克,关心斯拉夫民族生存的慕夏首当其冲,惨遭盖世太保逮捕,虽然侦讯后即被释放,但健康已经不再,慕夏于当年的7月14日病亡。战后,慕夏以及其“新艺术”又遭可以打压,然而他播撒的艺术种子早已在全世界茁壮发芽,历史已经给了慕夏公正的评价。

慕夏到底生活在怎样的一个时代?整个城市的人们沉醉在一个美丽女子的裙下付出如此的疯狂与热情去热爱一张美丽的海报.并最终催生了一位大师乃至一个艺术流派。这一切发生在1894年的巴黎。慕夏是在一个充满刺激的时代来到巴黎的,此时正流行维多利亚时代自由不受约束的生活哲学。慕夏正在此艺术和社会两个转折点之间。19世纪末至20世纪初是一个世事快速更迭交替、社会价值秩序崩解新观念从传统迸生激发的时代艺术运动在此时变化频繁从后印象主义、象征主义、前拉菲尔派.新艺术到立体主义、野兽主义等的诞生。此起彼落丰富的艺术流派产生了无数艺术大师成为艺术史上闪耀夺目的一刻。这也许让无数人在追求艺术的道路上艰难前行时慨叹:慕夏.生逢其时。

现代美术界的学者用过很多专业的词汇和见解来解释慕夏的创作,而对于大多数人而言,当他们欣赏过慕夏的作品之后,闭上双眼却只有个“美”字可以形容。在慕夏风格的黄金十年间.从海报、书籍、杂志插画、屏风饰板、彩绘玻璃、珠宝首饰、室内设计、剧场布景、雕塑及建筑都可见慕夏作品,并成为媒体瞩目的焦点。其影响力从欧洲传至美国纽约每日新闻报誉之为“世界最伟大的装饰艺术家”。慕夏的作品已点点滴滴地渗透在生活之中使我们的生活变得更美丽。但这依然不能说明慕夏艺术的全部。http://www.unicornblog.cn/user1/1/20081024191958.html
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(2010-04-06 15:30)
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杂谈

分类: 中国现代绘画



常玉的女人体作品反常人裸体画的表现角度,他以裸女的整个身体轮廓表现他心内的风景。常玉笔下的纤细裸女不多,大都是丰满肥硕的女子。即便是亭亭玉立、玉体冰肌的女人体也都是脂润肌满,风韵张杨。他绘画中的背式女人体特点独具,画中的女人有的独眼视人,若有所思,有的欲言又止,眉宇间还夹杂着冷眼相观、不屑一顾的神情。还有的作品女人体的青丝发髻最为招眼,体态含羞带怨,颇有作者“不可向人语,独自暗神伤”的自怜情态。



  常玉的静物作品是他内心世界的一面镜子。常玉画中的菊花、梅花、莲花大都孤单无力,那残花败韵、强撑姿色,像失去母亲的孩子般孤单寥寂,无依无靠。常玉晚年的作品《腊梅》,画中虽也有含苞待放花骨朵儿,但丝毫感觉不到“梅花香自苦寒来”的傲然情意。他晚年的另一幅《花瓶内的树枝》就干脆以干树枝带花束,细观树枝的意态还有劲风吹过,既然是静物,那又是哪儿来的强风?直叫人有“残月伴秋寒,冷冷清清”的凄凉感。



  常玉的风景动物作品,创意和意境也很特别:画中多表现苍茫大地,古道绵绵,或黄沙漫道,渺无人烟的苍凉情境。画中在无边的空旷辽远的苍穹中,只有那小小如沧海一粟孤单的动物,动物有时急行、有时缓步,或深思、或徘徊。它们要往哪里?它们心在何方?乡关何处?使观者无不感到这位异乡游子晚年的孤独和凄楚。



  纵观常玉众多的绘画作品,他的裸体画中有顾影自怜的感伤,静物画中有黛玉葬花式的凄凉,动物画中有虎落平川的悲臆,风景画中有柏拉图式的精神恋爱的甜美。他笔下那花儿无土,鱼儿无水的画作,笔触柔软无骨,缓多急少,有时还病歪歪的,处处充盈着肖邦的《马祖卡舞曲》里所流露出的淡淡的忧伤情感,和拉赫玛尼诺夫晚年远离故土、得不到广厚故地的滋养而曲调无神的情境有异曲同工之处。 367art.com

 



  常玉的晚年作品,既简洁洗练又朴实无华,炉火纯青的技法蕴藏着故国传统绘画的烙印,又巧妙结合野兽派和立体派的色彩和笔调,行云流水中达到了中西合璧、天人合一,心神共逸的境界。 本文来自3.67art

  在常玉所有的画作中,除去孤单与凄苦,人们还能读出一种人性的精神,一种贝多芬所铭信的:“卓越的人的特长,是在不幸和痛苦的境遇里,默默地忍耐”的坚毅精神。


本页内容来源于 367艺术网|www.367art.com 原文链接:http://www.367art.com/html/shidian/yishujiedu/bukeyanmeidedongfangmingzhu__changyudeshengpingyuyishu_8579.html

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(2010-04-06 14:00)
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杂谈

分类: 中国现代绘画



 

现在我们知道常玉的存在。我们观赏他的作品 - 那是他生命的重心。
    常玉的画作抒发着爱、孤寂,以及对遥远祖国的思忆。
    现实生活中的常玉是一个有自尊、聪敏、诚实但穷困的艺术家。他把安详遨游于生命间的灵魂给予他画作中的花卉、女人、鱼及豹。
    我这个朋友难得开口感谢别人 - 但今天他曾微笑着说声谢谢你。
     -- 罗勃•法兰寇(常玉生前好友)

 











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