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魏谦WeiQian
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魏谦版画作品《集市小憩》参展

集市小憩(局部)

集市小憩(局部)             请点击看全图

集市小憩(局部)

 


 

集市小憩 41.1X60.2cm 1996 铜版画 魏谦


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一个空气清新的早晨   平版画   魏谦  2018


 塔塔尔族女孩速写 

学习平版画和丝网版画创作  魏谦
   丝网印刷业近年来由于印刷工业科技和计算机高科技的发展,经常被应用于商业广告,油画,国画的高仿复制,技师可以把油画分色二十多版印刷,作为高仿印刷品进入商业流通渠道。对公众称为版画,一度假版画在市场和宣传渠道上蔚成风气。以 至于丝网版画的创作意识,意念在版画家心中被弱化了,创作丝网版画往往也会被认为是绘画的复制品,甚至在一些展览和艺术市场中被拒绝。这一不公正的待遇,也影响了丝网版画创作的发展。       
    丝网版画是孔版型版画,它与偻孔纸版画,楼孔金属版画都属于孔版画,孔版画是在印刷过程中墨料穿过网版的孔眼漏印到承受面上而形成画面的版画,这一丝网印工艺技术首先在美国得到最广泛的流传和应用,产生了不少优秀版画和引领美国艺术的当代艺术代表作。如《三面旗》,《玛丽莲·梦露》等,对世界版画运动的发展产生极大的影响。          
    平版画的图文部分与空白几乎处同一平面的印版,以版基材料分类有石平版,锌,铝,多层金属版,纸平版和玻璃平版等。以感光胶体和制作特点有落石版,树脂胶版,现涂和预涂感光版等,平版上处于同一平面的图像部分与空白部分,有其不同的化学,物理特性,图型部分吸油斥水,空白部分亲水斥油,利用油水相拒原理,即可通过平版印刷机将图文上的油墨转印在承印物上,进行版画创作。            
    丝网版和平版画创作,是现代版画品种不可分割的一部分,现代国际上凹凸平孔四个版种的应用已全面发展并处于各版种的综合状态,电脑计算机的介入,也大大丰富了现代版画语言表現力,并开辟了版画创作的新路径。     
    在版画各版种技术上的学习和探索,通问创作的成功之路的形态变化,须经过人们不懈的努力和磨难。对于人类历史,思想,政治,自然的某些用奥秘的实验与思考,则有利于学术的推进。这正像走路一样,我们不仅仅了解已经走过的部分,而且对未走的部分会怀有更大的兴趣。一门学科,每当它前进一步就会使我们看出下一步的端倪,紧紧抓住它,不断的提出新的问题,探索新的领域,版画艺术发展的进程就会大大前进一步。中国当代木刻以它深厚的历史渊源,经过几代木刻家的不断积累,从中国木刻的起源佛经像,后来的古木版单勾线插图,柯勒惠支版画和苏联版画的引进,又返回学习丢勒和蒙克版画的技法,技巧和思想,中国木刻家的技术已臻完美。而铜版,石版,丝网版这些外来版画品种的技法和创作研究,尚需进一步学习和开拓。由于丝网版和平版版画的材质和技术层面,可以使作品品构图结构宏大,人物和场景刻划精细入微,技法技巧上相对的直接法,使作品具有表现力。无疑,如以开阔的文化视野,赋予作品淳厚的文化积淀,在一定条件下,会有深遂的精神内涵和品格的平版画和丝网版画作品问世。


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第十二届中国艺术节5月上海揭幕

白桦林人物局部
白桦林人物局部



白桦林    平版画     2018   96x66cm   魏谦         


白桦林速写稿    油画    2017   25×35cm    魏谦
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集市小憩  41.0×60.2cm  1996  魏谦

  《集市小憩》      
    1978年,魏谦广州美术学院就读硕士研究生期间,在新疆喀什集市(大巴扎)写生,十一届三中全会后,初萌的农产品市场一片欣欣向荣。风雷激荡,岁月峥嵘,1996年,作者拿出当年集市上的速写,构思完成了铜版画《集市小憩》,表現了集市上朴素的维吾尔农民在集市休息时的愉悦心情,改革开放的春风吹暖了农民的心,是啊,政策好,收入增加了的农民,眼光会更深远,忆当年,紧抓机遇,思路清晰,事业发展的前景会更广阔。        通过画面人物的表情动态的刻划表达,从人物的形象,角度,姿态和相应具备的改革开放初期的人物形象和时代历史感,作者力求表达维吾尔农民内心的喜悦之情以及民族内心特有的幽默感。    
    抓住刚开放市集响午,抓住赶集的农民休息一刻,人物并列的构图经营,表达了多个形象和组合。技法运用了以铜版画线腐蚀为主构建画面,在人物服饰,用了媒介物转换技法,用布的纹样耒表現衣服,天空和人物的灰调是用松香细点飞尘技法来完成,作品熟练的运用了欧洲传统的铜版画线蚀等技法,在印刷印制作品的各种节点上,素描造型功力和铜版画技法,技巧融合在一起,比较完美的表现出作者的创作思想,作品内涵以及时代背景。       
    在作品制版完成后,在印刷印制上,用了特制的凹版画油墨,画面上粗细线条均清晰可見,光滑突出,有铜版画的触摸感。深度腐蚀的凹线表达出有力的形象和制版的精致的魅力,在铜版画制作及印刷技艺上的综合表达,以及作品的题材所表达的内涵,得到了国内外同行专家教授的好评,并多次参加国际版画双年、三年展并获奖。         
    时光如流,如今新疆的各民族,在农村,走的是宽阔的马路,简陋的地滩市集也变成鳞次栉比的高楼大厦,当人们记忆起改革开放市场那次激情燃烧的岁月,维吾尔农民无限感概,“没有改革开放,哪会有今天的幸福生活。
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       任伯年(1840~1896年),名颐,字伯年,以字行;浙江山阴人,故画面署款多写“山阴任颐”。近代著名画家,与吴昌硕、蒲华、虚谷齐名为“清末海派四杰”。



任伯年  长春图 立轴 纸本设色

       儿时随父学画,十四岁到上海,在扇庄当学徒,后以卖画为生。所画题材极为广泛,人物、花鸟、山水、走兽无不精妙。任伯年的绘画发轫于民间艺术,他重视继承传统,融汇诸家之长,吸收了西画的速写、设色诸法,形成自己丰姿多采、新颖生动的独特画风。




任伯年 素面图

       他的画用笔用墨,丰富多变,构图新巧,主题突出,疏中有密,虚实相间,浓淡相生,富有诗情画意,创造了一种清新流畅的独特风格,在“正统派”外别树一帜。


任伯年 赏荷图


任伯年 贵妇出游图


任伯年  终南进士像


任伯年 人物



任伯年 人物


任伯年 蕉荫纳凉


任伯年 指日高升


任伯年 蕉阴高士


任伯年 寿星图



任伯年 公孙大娘舞剑图


任伯年 风尘三侠


任伯年 人物


任伯年 钟进士


任伯年 钟馗



任伯年 无量寿佛 轴


任伯年 天官赐福


任伯年 福从天降


任伯年  献寿图


任伯年  钟进士图


任伯年 大士像


任伯年 浔阳江头 (一轴)


任伯年 人物 轴


任伯年 钟馗


任伯年 钟馗



任伯年 苏武牧羊图


任伯年 送子观音


任伯年 黄初平像


任伯年 伏魔图



任伯年 洛神图


任伯年 团圆图


任伯年 人物团扇镜片


任伯年  人物


任伯年 麻姑献寿


任伯年 庆寿图 轴



任伯年 高士图


任伯年 苏武牧羊


任伯年  少年戏鱼图


任伯年 戏鱼图


任伯年 钟馗憩坐


任伯年 钟进士接喜图


任伯年 锺馗


任伯年 牧马图



任伯年 刘海戏金蟾


任伯年 人物图画稿


任伯年 五谷丰登图


任伯年   三星拱寿



任伯年 骑马图


任伯年 芭蕉仕女


任伯年 柳荫泛舟



任伯年 渔归



任伯年 柳荫洗马图


任伯年 教子图


任伯年 射雉图



任伯年 老人像


任伯年 驴背敲诗图
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美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

 

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

 

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

 

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品


美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品  

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品 

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

 

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品  

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品  


美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

雅各布—柯林斯 (Jacob Collins 1964年生于纽约,美国画家),他在美国年轻写实画家中算是顶尖人物。从来不用照片画,完全写生,他曾从师于  Ted Seth Jacobs。

美国写实画家 <wbr>Jacob <wbr>Colins <wbr>作品

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美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)

《白色披肩》

(1)理查德·埃米尔·米勒(1875-1943)

   理查德·埃米尔·米勒1875年3月22日生于美国密苏里州圣路易斯市。也被称为爱德华理查德。1998年获得学校的奖学金到法国留学,并进入早期相当成功的巴黎沙龙。1905年前往吉维尼和朋友也是同事艺术家的弗雷德里克卡尔同住,正好是莫奈的邻居。就在在这里,莫奈及其严重地影响了米勒以后的绘画风格。

 

《夜咖啡》
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)  米勒以对外光的娴熟运用,描绘了夜晚街道旁饮咖啡的人们。特别是近景的几位盛装女士,夜光照耀着她们苍白的脸,远处的店铺透出温暖的灯光。由此可见,画家极注重色彩和光,而且还流露出—种忧郁的情调。

     米勒作品1     美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)米勒作品2
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
米勒作品3美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)

 

米勒作品4美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)米勒作品5美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)

 

米勒作品6

美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)米勒作品7
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
      米勒作品8
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
       米勒作品9
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
      米勒作品10
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
    米勒作品11
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
米勒作品12
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
  米勒作品13
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
米勒作品14美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)米勒作品15
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)

 

   米勒作品16

美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
            米勒作品17
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
      米勒作品18
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                   

                   (2)尼古拉·费欣(1881-1955) 
  尼古拉·费欣,美国杰出画家,出生在俄罗斯喀山的木雕工手艺人家庭。列宾的学生,他受东方传统绘画的影响,作品别具一格.
  费欣,是一个很有天赋和个性强烈的画家,从不盲目崇拜和模仿别人,也不参与任何艺术流派和组织;他在继承俄罗斯油画传统基础上,创造出了自己独特的艺术风格和表现手法。

  1922年,他得了斑疹伤寒病,那时的饥荒又使他突发的肺结核病加重了。所有这一切迫使他变得消沉,后在友人的劝说下接受了去纽约美术学院任教的邀请,移民美国。晚年,他的妻子离开了他,他独自一个居住在洛杉矶郊区的一所简陋的住宅里,十分悲怆。
                                        

美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)


                                             费欣自画像 

美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                       《费欣的妻子和女儿伊雅》
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                            《着农家短衫的伊雅》
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                            《无名女郎》

美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                        《阿·米凯希娜》

美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                      《Girl in Orange Shawl》

美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)                                     

                                       《Lady in Pink》美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                       《The Baby Doll》

美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                                美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                    《塔·阿·波波娃肖像》

美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                         《Spring in the Steppe》

美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                       《妇女肖像》
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                  《格·阿·斯洛勃沙尼诺夫肖像》
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                     费欣作品1
美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)

 

                                              费欣作品2

美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                         费欣作品3美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                         费欣作品4

美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                           费欣作品5

美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)
                                         费欣作品6美国名家名画荟萃 <wbr>(十二)

 

 

 

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美国名家名画荟萃 <wbr>(三)

(1)弗雷德里克·阿瑟·布里奇曼 (1847-1928年)

  布里奇曼是美国19世纪下半期到20世纪上半期的画家,曾到过东方游历,画过一些富有东方情趣的风俗画。

 

《阳台上》

美国名家名画荟萃 <wbr>(三) 《阳台上》描绘一位阿拉伯少女在阳台上转身回眸一瞬间的情态,她紧束的上身花衫裹着丰满的身体,充溢着青春活力,在长长的披巾下隐露着神秘的面容,十分诱人。她脚边的琴和包裹,告诉人们她是一位走江湖的卖艺姑娘。画家笔触爽快,营造的画面很有生活气息。

                                  《阿尔及利亚的下午》

美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
                                 《爱比斯牛的游行》
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
《阅读课》
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)《海盗的爱》
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)《庆典游行》
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)

 

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      十大美国印象派画家(“十人帮”),1908摄

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坐,左到右:                                    站立,左到右
1. 爱德华爱默生·西蒙斯1852-1931)                 6、威廉·梅里特·切斯(1849.11~1916.10)2. 威拉德·勒罗伊·梅特卡夫1858-1925)             7. 弗兰克?韦斯顿?本森(1882年- 1951年)  3. 蔡尔德·哈萨姆,1859-1935                                            8. 埃德蒙德·查尔斯·塔贝尔1862- 1938年)4. 朱利安·奥尔登·维尔1852- 1919年)             9. 托马斯·威尔默·德温(1851–1938)         5. 罗伯特·里德(Robert Reid                         10. 约瑟夫柔德芬代坎普(1858年- 1923年)

              

            (2) 威廉·梅里特·切斯(1849年~1916年)

  切斯出生于印第安纳州的威廉斯堡一个商人家庭。先后在印第安纳波利斯、纽约和德国慕尼黑学习艺术。1878年左右,他定居纽约,成为艺术学生联盟和其他学校的具有重要影响力的老师。他的众多学生包括约翰·斯隆、约瑟夫·斯特拉、乔治亚·艾琪芙。                                       

                                          《在画室中》 1880

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《露天早餐》

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《友好拜访》 1895
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)

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《约翰·巴特勒·泰尔科特像》

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切斯作品1
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切斯作品2
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切斯作品3
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切斯作品4
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)切斯作品5
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美国名家名画荟萃 <wbr>(三)

美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
《捉迷藏》 1888
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
<圈套>
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
切斯作品6
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切斯作品7
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切斯作品8
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切斯作品9
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切斯作品10
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
切斯作品11
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切斯作品12
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切斯作品13
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切斯作品14
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切斯作品14
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切斯作品15
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切斯作品16
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切斯作品16

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切斯作品17
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切斯作品17
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切斯作品18
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切斯作品18
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切斯作品19
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切斯作品20
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切斯作品21
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切斯作品22
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切斯作品30
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切斯作品31
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切斯作品32
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切斯作品33
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切斯风景油画作品

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切斯风景油画作品
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切斯风景油画作品
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切斯风景油画作品
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切斯风景油画作品
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)  
切斯风景油画作品
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
切斯风景油画作品
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
切斯风景油画作品
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切斯风景油画作品
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切斯风景油画作品
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
切斯风景油画作品
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)

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切斯风景油画作品
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)  
切斯风景油画作品
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)  
切斯风景油画作品
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)  
切斯风景油画作品
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切斯风景油画作品
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)  
切斯风景油画作品
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
切斯风景油画作品
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)  
切斯风景油画作品
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)

 

(3)托马斯·威尔默·德温(1851–1938) 美国印象派画家

德温作品1

美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
德温作品2
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)德温作品3
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)德温作品4
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)

德温作品4

美国名家名画荟萃 <wbr>(三)德温作品5
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)德温作品6
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)

(4)西奥多·罗宾逊(1852-1896年)美国印象派画家

  罗宾逊185273日出生佛蒙特州。后来和家人搬到威斯康星州,芝加哥艺术学院毕业。他24岁时去巴黎朱利安学院学习,后来结识毕沙罗和莫奈,并曾在基维尔尼居住,直接在莫奈影响下创作。回到美国后决心用印象派技法描绘美国的景色,并常与韦尔和特沃契曼一同作画,可惜他44岁即过早地去世。

《为新生儿准备衣物》美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
罗宾逊作品1
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
罗宾逊作品2
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罗宾逊作品4
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罗宾逊作品6
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罗宾逊作品7
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罗宾逊作品13
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罗宾逊作品15
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罗宾逊作品16
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罗宾逊作品17
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罗宾逊作品18
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罗宾逊作品19
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
罗宾逊作品20
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罗宾逊作品21
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
罗宾逊作品22
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
罗宾逊作品23
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)

(5)朱利安·奥尔登·维尔
1852- 1919年)美国印象派画家

朱利安·奥尔登·维尔自画像

美国名家名画荟萃 <wbr>(三)

维尔作品1

美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
维尔作品2
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
维尔作品3
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维尔作品4
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)
维尔作品5
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维尔作品6
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维尔作品7
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(6)爱德华爱默生西蒙斯1852-1931)

美国名家名画荟萃 <wbr>(三)西蒙斯作品1
美国名家名画荟萃 <wbr>(三)西蒙斯作品2
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西蒙斯作品3
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西蒙斯作品4
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       克劳德·莫奈(Claude Monet,1840年11月14日-1926年12月5日),法国最重要的画家之一,印象派的理论和实践大部分都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法,在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影,看不到突显或平涂式的轮廓线。除此之外,莫奈对于色彩的运用相当细腻,他用许多相同主题的画作来实验色彩与光完美的表达。莫奈曾长期探索光色与空气的表现效果,常常在不同的时间和光线下,对同一对象作多幅的描绘,从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。



莫奈自画像

     
冬季早晨时的干草堆

       印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰,也可以看作是现代艺术的起点。莫奈的名字与印象派的历史密切相连。莫奈对这一艺术环境的形成和他描绘现实的新手法,比其他任何人贡献都多。这一点是毋庸置疑的,印象派的创始人虽说是马奈,但真正使其发扬光大的却是莫奈,因为他对光影之于风景的变化的描绘,已到出神入化的境地。


《草地上的午餐》



       25岁的莫奈在舍依曾画过一幅长20尺的巨作《草地上的午餐》(4.5×6米)。那时库尔贝也在舍依作画,他很喜欢莫奈,常来看他并给《草地上的午餐》提修改意见。此画完成后,莫奈十分后悔听了库尔贝的意见,对作品很不满,决定不送沙龙展出。在离开舍依时因缴不起房租而将此画作抵押,可惜因房屋潮湿,这幅巨作被损毁了。今天我们所看到的这幅《草地上的午餐》,实际上是莫奈为了完成巨幅油画所创作的一幅“草稿”,但即使“草稿”,它仍然有1.3米高,1.8米宽。在这幅画中从题材 和构图来看肯定是受马奈的《草地上的午餐》一画启发而作,也可能是想和马奈一比高下。

       1865年,莫奈初识卡美伊,请她做自己当时正在筹划的一幅巨型油画《草地上的午餐》中的模特。画面中左侧第一个侧身的女性就是以卡美伊为模特来绘制的。

      这幅画是在户外完成的,因此和马奈的《草地上的午餐》比较,在描绘外光的生动和景物的真实自然方面,确有过之。画中阳光透过林木洒在人物身上和地面景物上,透明灿烂,令人耳目一新。

       莫奈运用印象派的光影手法,描绘了草地上消闲的绅士淑女。画家以幽暗的树荫为背景,衬托着前景白布上的 男人、女人及食品,体现了夏日消闲的假日午餐。后面的一对情侣正要起身离去,一片片绿叶在强烈的阳光照耀下, 显得异常透亮,不仅点明夏天的炎热季节,也增添了画面的颜色。景物、人物都描绘得十分鲜明动人。外光的运用, 给画面带来了色彩斑斓与清新爽朗的效果。

       莫奈1865年的《草地上的午餐》,是向马奈1863年同名作致敬。他为了如实描绘光影效果,在地上挖了大坑,在坑内进行创作。本作虽然对人物有精确描绘,但真正出彩却是背景的树叶,它们在逆光下呈现出透明的绿色,由黄绿到深绿色彩层次极其丰富,莫奈解释说这画中每一片树叶对他来说都是模特的脸。

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日出·印象



日出·印象 法国 莫奈 布上油画 纵48×横63厘米 巴黎马蒙达博物馆藏

       此画是莫奈描绘勒·阿弗尔港口的景象:海水在晨曦的笼罩下,呈现出橙黄或淡紫色。天空的微红被各种色块 所渲染,水的波浪由厚薄、长短不一的笔触组成。三只小船在薄涂的色点组成的雾气中显得模糊不清。船上的人与 物依稀能够辨别,还能感到船似在摇曳缓进。远处的工厂烟囱、大船上的吊车……这一切,是画家从一个窗口看出 去画成的。莫奈以轻快而跳跃的笔触,表现出水光相映,烟波渺渺的印象。

       莫奈画过许多水题材的画,最具世界声誉的是这幅描绘旭日初升、雾气迷蒙港口的画。画家所描绘的是勒阿弗尔港口的一个多雾的早晨。经过晨雾折射过的红日,形成了一个感觉上的灰绿色的世界,这个世界是真实的,又是幻觉的,它每时每刻随着太阳光而变化着,画家运用神奇的画笔将这瞬间的印象永驻在画布上,使它成为永恒。这幅画于1874年4月15日第一届“独立派”画展中展出,《喧噪》杂志记者勒鲁瓦,以这幅画题写一篇评论文章,“印象派”由此而得名。莫奈热爱大自然,广袤的田野、潺潺的流水、变化无穷的天空都是他绘画对象。


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睡莲



睡莲 法国 莫奈 布上油画 纵89×横92厘米 丹佛美术馆藏

       43岁的莫奈在吉维尼定居后,在庭院里修了一个池塘,在池塘里繁殖了睡莲,成为他晚年描绘的主要对象。这幅《睡莲》是莫奈64岁时所作的早期小幅作品。

       莫奈晚年最重要的一件作品是连作《睡莲》。这是一部宏伟史诗,是他一生中最辉煌灿烂的“第九交响乐”。1880 年之后,莫奈与印象派的其他画家们疏远了,他在吉维尼造了一座小花园,住在里面作画。他喜欢把水与空气和某种具有意境的情调结合起来,这样产生了《睡莲》组画。 沿着水面,美丽的睡莲一片片向湖面远处扩展开来,画家利用了树的倒影,衬托出花朵的层次,是十分有创造性的 构思。莫奈把整个身心都投在这个池塘和他的睡莲上面了,睡莲成了他晚年描绘的主题。此后27 年里,他几乎再也没有离开过这个主题。

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韦特伊莫奈花园 



韦特伊莫奈花园 

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《穿日本和服的卡美伊·莫奈》



     《穿日本和服的卡美伊》这幅作品,和莫奈以往甚至以后的诸多作品相比较,风格是独特乃至迥异的。莫奈的印象派风景画,以户外自然光线下的色彩变化为其主要追求效果,因此有人称其为“外光画派”,而这一幅《穿日本和服的卡美伊·莫奈》显然是在室内完成的,整幅画上可靠的光源,主要来自右侧的窗子,缺少以往户外直射的阳光。其二,一般来说,由于非直射光线的缘故,室内画的颜色更多偏向中性一些,而这一幅画的颜色却异常浓重、猛烈,说明这是画家要刻意追求的效果。第三,和莫奈以往不关注作品的细节处理不同,这幅画对人物、对衣服的花纹,甚至包括对背景中团扇上花纹等等细节的处理都很细致,这也和莫奈以往的风格也不相符合。第四,也是更重要的一点,这幅画所处理的异域风格主题,放在莫奈的整个作画传统中,都是比较突兀的。和服、日本团扇、折扇、榻榻米、浮世绘歌姬、能剧鬼脸等等日本元素,构成了这幅画主要的内容。

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《撑阳伞的女子》



     《撑阳伞的女子》是莫奈画于1886 年悼念亡妻卡美伊的作品。人物形象很模糊,连五官和表情都看不见,但随着笔触堆叠的方向,可以感受到草原上吹拂的微风和女子丝巾上跃动的阳光。卡美伊因病死于1879 年,时年37 岁,莫奈在同年画下了《临终的卡美伊》,画中以忧郁的色调、纷乱的笔法,传达出失去爱妻的悲伤。但我总觉得,莫奈爱画胜过爱自己的女人。他曾经这样描述他作此画时的感受:“在我最亲爱的女人的病床前,我发现自己很本能地在这张木然的脸上逡巡,寻找死亡带来的色彩,观察颜色的分布和层次变化我已经主动迎接色彩的冲撞了。”妻子死亡时,他竟还能如此冷静地解构、分析。

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冬天的国会大厦 



冬天的国会大厦 

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从沼泽地观望厄普特河岸边的白杨树



从沼泽地观望厄普特河岸边的白杨树

       莫奈视线中的情景是纯真而自然的,表达的是内心真实的感受;他笔下的物象的交融,体现了万物皆有灵气,即使一树一石亦不乏生气,一点一线皆可贯注人之生命运动。总之,画为心迹,莫奈追求的是一种本色美、自然美的艺术意境,是一种从欣赏美到认识美、最后超越美的境界。


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象鼻山西边的象鼻子(埃特尔塔的悬崖) 



象鼻山西边的象鼻子(埃特尔塔的悬崖) 

       这幅画又名《埃特尔塔的悬崖》,艾特塔特石灰断崖矗立在诺曼底海岸上,因为其形象的高大奇特而被十八世纪的许多画家表现于画布之。在众多关于此景的油画作品中,以印象派画家莫奈的《埃特尔塔的悬崖》最为著名。

       从构图上看,这是一个横幅作品,庞大的拱形悬崖占据了画幅的左上方三分之二的宽度,左侧岩壁沿着画布的左端被垂直切断。悬崖因此显出奇异的、巨大的视觉冲击力和鲜明的崇高感。

       从色彩塑造方法上看,画家用写意的笔法表现天空和海的远景形象,用写实的笔法表现悬崖的背面和海的近景形象。以衬托出悬崖背光面和近景海面的有力的实景。

       画家选取了景物的背光面来表现景物,显示了它的色彩表现功力。在大面积冷调子的背光面里,色彩丰富而厚重,笔法整飭而严谨,给人以凝重而沉积的感觉,欣赏时需屏息而敛神。在此背景的反衬下,日光直射的悬崖色彩温暖而热烈。阳光中的景物和近景海面波浪用笔粗犷、跳跃,充满激情,与严谨的天空和背光悬崖的表达方法形成鲜明对比。这一部分的表现使整个画面形象丰富生动,色彩丰富而富于美感。

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花园里的女人们



花园里的女人们

      《绿衣女子》的意外成功,使得年轻的莫奈雄心勃勃,决心绘制另外一幅大型油画《花园里的女子》(2.55×2.05米),在这幅画中,三位女子的形象都是以卡美伊为模特完成的。据说为了绘制这幅油画,莫奈在花园里挖了一条壕沟,将巨幅画板竖在壕沟里,然后自己站在壕沟的边沿上挥笔作画,足见规模浩大。不过可惜的是,莫奈的这幅画作并没有被当时的年度官方沙龙画展所采纳,其原因今天的我们实难理解。

       1866年莫奈创作了《花园里的女人们》,这件作品是这个时期中最为重要的一件。创作是在租来的房子的庭院里进行的。由于画幅很大,为了便于挥笔,他在庭院中挖了一个地沟,把画布降了下去。画面上的4个女人,都由一位模特儿充任,因此要不断改变她的装束、发型、姿态,画家需事先分别画出草图,然后再组合到一起。这位模特儿就是1864—1865年与莫奈邂逅的卡美伊(后来的莫奈夫人)。

       为了尽可能在相同的日照下作画,有时画家不得不停下来等待时机。为了突出四位美丽的浅色着装女性,使之更显华丽,画面上使用了大量的浓绿色,尤其是眼前坐在地上展开白色裙子、手持遮阳伞的女人,在她的身上既有林间射入的阳光,又有树木的阴影,的确是真实的再现。作品虽然相当的新颖,但未被1867年的沙龙选中。

     “穿绿衣的女子(卡美伊)”是在画室里完成的人物画;“圣·热尔梅娜·欧泽华教堂”是在外光下画成的风景画。《花园里的女人们》一画把这两种观察方法结合起来了。这里的画面基本上是根据一幅照片安排的,这说明莫奈并不介意使构图服从了自然景物的偶然性。照片本来也该使莫奈想到空间的深远效果的,然而,莫奈对此也并未介意。使他感兴趣的仅仅是平面和色彩对比而已。正因为这幅画的人物没有立体感和起伏,色彩才能在这里大放其光彩和充分显示其多样性。妇女衣裙上的花饰,草坪上的鲜花,突出在大片浓绿之中的叶子,从树叶的空隙之间透露出来的天空,穿透阴影的光线,这一切造成了一幅色彩妍丽的镶嵌画的效果。但这幅油画缺乏色调效果:光线和阴影落在了人物所占据的同一个平面上,因此,光线不能渗透人体,不能成为形的实体。大片固有色起了过多的作用。所有这些合在一起,与其说是真实表现了所见的事物,不如说是一种公式,但这种公式正是一个空前大胆的纲领。这一纲领的公式化一旦消失,光线便将渗入中间调子,生命也将渗透每一个笔触,而整体的统一也就将要形成,那时,艺术就会变得花团锦簇,印象主义就要完全成熟了。
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海滨公园打伞的女子(卡美伊)



海滨公园打伞的女子(卡美伊)

       这幅画构图偏上,左侧的小男孩与打伞的妇女形成了一个三角构图,起到平衡画面的作用。以绿,蓝,褐为主色调,色彩清新明快,人物的衣服颜色与背景统一,看不到明确的阴影与轮廓线,笔触大胆随意,裙摆与草的走向充满动感。

       整个画面给人的感觉是朦胧的梦中场景,作者用大小比例及覆盖遮挡的方法巧妙的区分了妇女,小孩,天空的空间关系,表达的很到位。他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女人面部和上半身都用上较暗的色彩,表明是处于阳伞的阴影之下,而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区,与女人衣裙上向光一面的光影形成对比(小儿子方面也一样),女人摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。

       莫奈比任何画家更着重于捕捉一瞬即逝的景象,并不注意物体本身的轮廓。他说:“光是画中的主角。”他又描述如何努力去画“空气的美……但这是不可能的.”莫奈毕生致力绘画那些不能画的东西,这幅画里天空中有浮云掠过,我们几乎可以感觉到那吹送浮云的微风。

       1875年,这一幅画作,实际上是莫奈所有关于卡美伊的画作中最广为人知的一幅。当时的莫奈,大概也处在人生最“惬意”的时候,娇妻幼子,年富力强,事业虽算不上成功,但一直在朝着非常有希望的方向前行,生活虽然不富足,但是压力也没有很大,所以这一时期莫奈的画作无一例外都满是阳光、鲜花,生气和活力。事物的发展,似乎总喜欢和大家开开玩笑,今天,你的生活一帆风顺,你大概会觉得,也许能一直这样下去,可是突然间就有了变化,出现坎坷倒不说,痛苦的是有时候往往会一下子变得很惨。谁又能想到,画面中这位阳光灿烂的年轻女子,仅仅四年后,会突然因为疾病失掉了生命,命运就是喜欢这样折磨人。所以说,作为芸芸众生中最微不足道的一个,我们每个人或者都应该更多一些忧患意识,当你觉得幸福、甚至平淡的时候,多想想人生中可能会出现的坎坷与不幸,也许你对当下的幸福感受就会更深一些。说是这样说,可谁又真能当着春天的迷醉时,想得起及时挪走梯子,从而把春风留在人生的房顶呢?

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冬季早晨时的干草堆



冬季早晨时的干草堆

       印象派认为真实是转瞬即逝的视觉印象,冲破了以往的绘画成见,直接用色彩来表达视觉。《干草堆》用的就是莫奈所擅长的纯色色点并置的技术,使观者获得色彩混合和震荡的独特的视觉感受.《干草堆》是莫奈的主题绘画系列之一,它记录了干草堆在一天不同时间光照下的色彩变化.印象派画家强调瞬间的视觉印象,其绘画表现的是一瞥的印象,一反以往那种追求精确逼真的绘画观念。倘若想在印象派绘画中寻找逼真的一面,那么就要远看。但印象派绘画吸引人的正是它的朦胧和色彩变化的微妙。干草堆,它的光影效果做的非常漂亮,实际上它是一个色彩印象,乍看上去,这仿佛是一个五岁小孩儿的信笔涂鸦。没有细部.不代表那真的是涂鸦! 莫奈不只满足于能够画他所看到的事物和按照他所看见的那种方式来做画;他想要创造一种独特的效果,达到一种在绘画上似乎是不可能达到的目的。

       其实《干草堆》这一主题早在1888年时就已被想到。这种景物只有秋季才有。于是他从秋天一直画到翌年初春,不断观察其光的变化。前后一共画了24幅。既有单幅的,也有成组的。角度也都不同,表现在不同时辰和不同光线的变化下的草垛形象。画面看似单调,面对几堆干草堆,画家却产生了深厚的色彩感情。开始他以为用两块画布去画这堆干草堆就可以了,一块阴天用,一块晴天用。可是,由于光线在草垛上不断变化,他不得不一次又一次地回家取新的画布。他之所以如此热中于这个物体上的光的变化,用他自己的话来说,是要记录“某一特定自然景色的真实印象,而不是出去描绘一幅笼统性的风景画。“从莫奈画《干草堆》,看出了印象派画家的整个作画灵感的源泉,即光色的变幻激发了他的艺术热情。他曾对友人写信说:“太阳落下得那么快,我追不上它。”

       这幅画的主角不是山,不是田野,甚至不是干草堆,而是那些灿烂明亮的光芒。作为印象派创始人的克洛德-莫奈,特别喜欢画光,甚至是终其一生都在找体现光之美、空气之美的方法。莫奈比任何画家都喜欢捕捉一瞬即逝的景象,然后用神奇的画笔记载下来。就像这幅画《干草堆》。在阳光照射过来的那一刹那,天、山、屋、草垛都是什么样的?默奈通过自己细致地观察,画下的这些物体的变化。他并不注意物体本身的轮廓,因为光是主角。

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威尼斯大运河



威尼斯大运河

这是莫奈发挥印象派技法表现水城威尼斯梦幻迷朦流光倒影的经典之作。

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海浪



海浪

       莫奈表现法国海岸浪潮波涛的层叠翻滚和变换,色彩和动感强烈,同时和上空漂浮的云彩形成了“浓妆淡抹”和“动静结合”的对比。

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圣拉扎尔火车站



圣拉扎尔火车站

      绘于1877年的“圣拉扎尔火车站”是一幅表现巴黎火车站的画,这是一个日常生活场面的实际“印象”。莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸气烟云的效果,神往于从混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的,他巧妙的平衡了画面的调子和色彩,这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。

       每一个研究莫奈创作活动发展的人都会发现,如果说最初的命运促成了莫奈的发展趋势,那么后来就是他自己创造了他的命运。之所以莫奈成为“印象主义”风格奠基人、被他的朋友公认为“班首”,是因为莫奈不可动摇的坚强意志。从所周知,印象主义意味着感觉和观察方式的变革,它不仅改变了绘画,而且改变了雕塑、音乐、文学,就是到了今天,它也没有失去影响力,仍然改变着我们。

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日本桥 



日本桥 

       一座漆成绿色的日本式的拱形木桥跨越池塘;水菖蒲、百子莲、杜鹃花科的观赏植物和绣球花环绕并保护着池塘。 水面上漂浮着粉红色的睡莲。柳树和紫藤直泻水面,使水的色调变得更深、更蓝。直到1895年,莫奈才画了第一张池塘和日本桥的画。从1898年起,他又画了些同一题材不同版本的方形的画,其中十来幅曾在杜朗-卢埃尔画廊举办的他的新作展中展出。
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米开朗基罗出生在佛罗伦萨附近的一个小村庄,六岁时死了母亲,父亲靠微薄收入抚养四个儿子,他认为从事艺术是下三滥的卑微职业,对小米自觉天赋才华难自弃的做派心烦不已。尽管父亲的个性如粪坑里的石头又臭又硬,却拗不过吃了鞭子也不低头的儿子。1487年,十二岁的小米终于逮到机会进入吉兰达约的画坊学习。

十五世纪末的佛罗伦萨是欧洲最热闹的地方之一,是历史上艺术空前绝后大放异彩的时期,这城市似乎已得到神助,充满了积极开放的文化观,艺术奇才荟萃一堂。吉兰达约是一位博采众长的艺术家,以擅长绘制湿壁画著称,小米能在他手下学习本是再好不过的。不料这小子却承袭了父亲全套的傲慢不羁,他一点不喜欢这种打杂帮忙的苦涩日子,认为老师除了让他研磨颜料准备画板、搅灰拌泥刷墙抹壁之外,没教给他任何能在日后有所帮助的艺术技能。好在上天垂怜,小米的青涩创意受到文艺复兴时期最伟大的赞助者洛伦佐•美第奇的赏识。

与文艺复兴紧紧相连的美第奇家族有绝好的审美情趣和自由开放的艺术精神。 贫农出身的乔凡尼美第奇凭借理财天分在银行业积累财富,为后人提供了坚实的物质基础;其子科西莫美第奇在家族创业早期,便一路护送天才建筑师布鲁内列斯基成功挑战世纪难题圣母百花大教堂,使美第奇家族在佛罗伦萨站稳脚跟;孙辈洛伦佐美第奇更是专注发展艺术,保护艺人,在他短短43年的生命中,创办了世界上第一所美术学院,庇护了以达芬奇和拉斐尔为主的大批艺术家,也正是他一手挖掘了米开朗琪罗,让十三岁的顽劣少年移居王宫并到艺术学校去深造。

美第奇艺术学校除了聘请佛罗伦萨当地的博学之士做教授,还特邀来自欧洲各国的著名学者客座演讲,大家长谈阔论的内容从古典哲学到宗教艺术,宛若回到亚力士多德的希腊时代。这种高雅的文化氛围和积极追寻真理、提倡理智与科学的复古精神,让小米脑洞大开,他怀着强烈的好奇心和求知欲,呼吸着新鲜的学术空气,阅读古籍,吟颂诗歌,潜心雕刻,眼前的天空无远弗届。



  最为持久的社会结构和行为模式是互利互惠的形式。在美第奇家族和众多艺术家及科学家之间,这种模式是完整的,双方在各取所需的同时,艺术作为结晶,得以蓬勃发展。

 维琪奥宫是少年米开朗基罗曾居住过的地方,镇宫之宝《胜利》是小米留给它的不朽纪念:一个健美青年的膝盖顶在一个满脸胡的战败者背上,囚犯虽然蜷伏着,头却依然不服气地上仰,胜利者本想再给他吃点苦头,却在拳头将要落下时停住,在他卷发低垂的脸上,骤然写满了厌倦。小米想说的也许是:要明智地运用你的力量,哪怕是当你可以惩罚敌人的时候,也要记住,用你的力量去寻求和平。要追求正义,而不是复仇。



  1492年,随着洛伦佐的突然去世,一个光辉时代划下句号。美第奇家族的新接班人是洛伦佐的大儿子皮耶罗,这个没有头脑的可怜虫艺术品味乏善可陈,佛罗伦萨在这平庸之人的手中很快便分崩离析,开始了几十年争战不休的权利游戏。一名多米尼克会修士趁乱在布道台上大力抨击文艺复兴对异端多神的崇拜,渲染即将到来的末日审判和来自地狱的恐怖惩罚,撺掇人们赶紧扔掉世间所有喜乐荣华,去苦修来世。没错,这就是让波提切利身败名裂的那位修士。当 虚荣的篝火点燃,大量珍贵古籍和精美绘画被焚烧时,年轻的小米就在现场,他感到左右为难。一方面,他是虔诚的天主教徒,受这修士所宣扬的基督基本教义所吸引;另一方面,那厮想要摧毁的目标,又正是小米苦苦追求的异教艺术。当情况愈演愈烈之时,为免被即将到来的无边黑暗拖进深渊,小米在不绝于耳的喧嚣声中开启了人生第一次不在现场模式。他逃走了。

     1496年,四处流浪的小米为填饱肚子,用浆草和粪便打造了一尊仿古石刻,托中介商假装千年古董出售。当罗马的一位艺术范主教要召见这小骗子时,他自知东窗事发,赶紧低头认罪,情愿退回全部赃款,希望大人高抬贵手饶他不死。谁知主教并没责罚他,反而从他原创的雕刻符号上读出了与众不同的新意,委托他为 自己的花园制作一尊大理石雕像。

     乐晕了头的小米选择了酒神巴库斯,并赋予他一个大胆放荡的非神形象。此 神踉踉跄跄步态蹒跚,裸露的生殖器已然退化,胸部和腹部圆润突出,活像一个雌雄同体的阴阳人。人家红衣主教可是品德高尚的严谨学者呵,岂能被这醉眼朦胧不男不女的怪力乱神所蛊惑,拿走拿走赶紧拿走。小米拼命辩解:酒神并没贪杯,况且他是海量呀怎会喝高呢,没见他敏锐的触角还妥妥竖在那儿呢吗?主教拼命跺脚:不听不听!讨厌讨厌! 

     这个退单对小米来说可谓是当头一棒,主教事先支付的丰厚费用已被这他拿去资助了生活拮据的家乡父兄,现在郎个办噻?据说后来是一位银行家出面解围买下 酒神,否则我们现在还见不见得着小米的其他神作,就难说了。



     1497年,米开朗基罗受一位法国主教之托,为其陵墓造一尊大理石雕像。经过酒神退货的羞辱事件,小米对这个施展才华的难得机会不敢再有半分怠慢,为了寻找一块完美无瑕的雕刻石材,他一头扎进了佛罗伦萨北部的卡拉拉采石场。

     驾车沿意大利的阿尔卑斯山脉缓缓行走,你常常能见到一些仿佛白雪皑皑的山 峦,其实那是一座座取之不尽的天然大理石宝库,山顶上远远望去的那片白,是开采石材后留下的裸露伤口。卡拉拉山是这些宝库中最尊贵的一座,以藏有纹理高雅通体润泽的晶莹大理石而闻名。如今五百年过去,小米亲临过的采石场依然还在运作,除了土路变成柏油马路、马匹换成大型货车,一切跟过去没啥区别。 

      在此,米开朗基罗开始了他的首次寻宝生涯。第一步,找出你想要的石材;第二步,在石材表面找出自然断层,用锯子加上碳化矽,边研磨边用楔子加宽缝隙,直到将石材从山体上撬下来。第三步,用木板设计一条滑轨,冒着极大的风险把几吨重的巨石移至山脚。品位越高的石材产量越少,如果你不想让上帝的千年美意须臾变为一堆碎石,就不得有半点草率。这还没完。第四步,必须把这劳什子弄到海边,再用船运至罗马。现在倒也罢了,五百年前这庞然大物靠人推马拉如蚂蚁搬家,可不是闹着玩的,艺高人胆大的小米好几次都是死里逃生。行至第五步已是来年春天,石材终于安全抵达小米工作室。俺不得不为小米超强的动手能力点个赞,他的奇思妙想可能比不过达芬奇,但穷人家的孩子有大理石般坚硬且可塑的性格,便是撞了南墙也不会回头。





得到材料的过程已经如此淘神费力,构思作品小米自然得格外当心,他一心想功成名就光耀家门,让顽固的父亲为自己骄傲。谁知人算不如天算,这边还没动工,那边厢委托人却咽了气。这一次,小米没拿到一分钱,也不知道作品完成后能不能卖得出去。在窘得只能靠几片干面包和一杯清水维持生命的状况下,他几乎二十四小时都穿着工作服和靴子,挥汗如雨,臭到没朋友。并且从此,这样的生活方式一直被他沿袭到老。虽然后来他挣的钱足以登上十六世纪艺术家福布斯排行榜,却仍然习惯像苦行僧那样生活,食物很少很简单,住处很小很简陋,工作很多很艰辛。

1500年,《圣殇》竣工。二十出头的小米认为克制和含蓄比呼天抢地更能打动人心,他让怀抱儿子遗体的母亲痛苦到麻木,愤怒到顺从;而且他认为贞洁的女子与那些纵情享乐的女子比起来,样貌会年轻许多,既然圣母是贞洁崇高的象征,就必能永远保青春,所以她看起来比耶稣还年轻也是不可厚非的。据说这尊耗时两年的雕像完成后,没人相信它是出自一位名不见经传的臭小子之手,功利心极强的小米生怕被风头正盛的达芬奇抢了虚名,心浮气躁地拿起凿子在圣母的胸带上刻下来自佛罗伦萨的米开朗基罗之作品 

我第一次见到它是20118月,在圣彼得大教堂进门的右手边。相信任何人看到它,都会被圣母脸上那超越时空的哀婉肃穆深深打动。虽然中间隔着一个丑陋的玻璃罩子。



   1501年小米回乡探亲,发现佛罗伦萨仍是一片混乱。那位行为乖张宣扬末世来临的修士已被处死,内外交困中岌岌可危的共和政府交给小米一项艰巨的任务,把一块躺在地上经历了四十年风雨的劣质大理石,做成圣经中的英雄大卫,竖立在圣母百花大教堂的拱壁上。当听说之前已有两位赫赫有名的雕塑家败下阵来,喜欢竞争的小米就像被打了鸡血一般,欣然应战。

 这块超过6吨重的石头缺陷很多,表面上的缝隙和内部里的杂质对雕刻家来说,都不啻于一场噩梦;再者它天生又细又长,根本没有充分发挥技艺的空间,更加没有任何行差踏错的空间。这看似无法完成的任务,正是让小米肾上腺素飚高的根源;他知道,如果能用这样一块弃石,雕出个顶天立地代表时代精神的巨人,想不出名都很难。

     做一名雕刻家要具备的才艺不止于控制手中凿子,小米首先要做的是与世隔绝独立静思,聆听上天的启示和自己的心声;然后,他去弄了具因决斗横死街头的青年尸体,从头到脚细细解剖,将每一块肌腱构造、每一根骨骼筋膜熟记于心,让存放在脑子里的那张草图骨架渐渐有了皮肉。

     年青时曾见过别人做泥塑。把捣炼后的泥土一块一块地堆贴在搭好的框架上,用手按紧拍实,然后层层加泥直至成型。在深入塑造细节的时候,泥塑可以画出中心线进行比较修正;只要注意保湿,让泥巴不至松裂,它和油画一样,可以很方便的增增减减补泥去泥。将泥塑制成石膏模具,再用模具倒成石膏像,貌似也不是很难。但对于大理石雕刻,咱真是外行中的外行,一切只能凭借有限的想象。

     想象你面对一坨与楼等高的巨石,没有3D打印当样稿,没有模特儿做参考,全凭敏锐的直觉一锤一锤敲出一个人形来,得有多难!不仅需要石匠的力气和外科医生的灵巧,还得拥有天大的幸运才行吧?马有失蹄人有失手,万一凿子一滑,不是鼻歪嘴斜就是手脚残疾,且还不能捏块泥巴补上。更别说那些光洁温润看似活生生的肌肉了,就算是专业雕刻家用一辈子时间拿着精巧的工具慢打细磨,也不一定就能得着。小米的本事,是把心中描绘的太虚景幻,变成看得见摸得着的艺术实体,从一块不规则的蠢笨石头里生出一位怒气冲冲的英俊少年,除了专业技巧,难道更多的不是神赋天分吗?这也是为什么我对石雕艺术的着迷程度从没超过对雕刻者本身的膜拜程度。 

      1504年初,就像大卫用弹弓杀死哥利亚一样,小米用凿子征服了顽石,接下来他要解决的问题是,怎样把近6米高的大卫搬去教堂。米开朗基罗设计制作了一个悬吊木框装置,将大卫双脚悬空立于框中,下半身用碗口粗的绳子五花大绑固定牢实,木框底面放置可自由滚动的圆木,让一队身体强壮的工人一面推动木框一面移动圆木,后取前放,且推且移。这时候要是出点差错,不仅会令大卫毁容破相,只怕地面所有之物都会被砸扁压碎,小米一步一顿如履薄冰,花了整整4天时间,才和工人们将大卫移挪至领主广场。



之前人们一直以为达芬奇才是那个年代独一无二的工程设计师,不想现在小米也做到了,而且他不仅是纸上谈兵的梦想家,更是付诸行动的实干者。平日里达叔总爱嘲笑小米是没文化的烘焙师,现在轮到后者扬眉吐气了。小米说老达有本事你也雕个大卫出来呀!有本事你也造个能动弹的木牛流马呀!面对如此直白的炫耀,达叔本想游说有关部门让这臭小子的蠢作呆在广场墙角边凉快去,但大卫身上的原始力量和他眼底的熊熊火光,那肌肉紧绷的躯干,青筋暴露的手背,山雨欲来风满楼的备战姿态,都与当时正在奋力挣扎的佛罗伦萨完美契合,大佬们怎会让这么强悍的政治象征物受到冷落呢,连教堂都不舍得让它去了,就安置在广场最醒目的旧宫门前吧,让所有走过路过的人都别错过。

    《大卫》的诞生一举两得地打败了米开朗基罗的最强对手达芬奇,它不仅让30岁的小米一跃而为米老怪,还让他银行里的存款比达叔一辈子挣的钱,多了那么一点点。


其实早在1873年,佛罗伦萨艺术保护部门就将这位侧目怒视的巨人转移到学院美术馆的画廊内了,但现在每天仍有不计其数的游客争先恐后和领主广场上那尊二十世纪的复制品合影,我猜多半是不明觉厉吧。反正我第一次去佛罗伦萨时,导游就故意不说它不是真迹,害得我以为意大利人的旷世佳作都多到没地儿放了,仰望着假大卫静默了半晌。



 1504年,老米被教皇尤利乌斯二世召去罗马建皇陵。这位表现欲极强的雕塑家向来是偏爱又高又大又多的,现在发起人来疯,准备要弄大大小小三十座雕像堆在教皇的坟头上。可是还不到一年,教皇突然又取消了这项委托,接到圣旨的米开朗基罗瞬间石化。原来他老毛病又犯了,把教皇给他打造陵墓的金币拿去做了私人投资。无奈,米老怪重新做回米老鼠,一溜烟儿逃回佛罗伦萨藏了起来。教皇没辄,只得写信哄他:乖孩子回来吧,朕不打你便是。

 教皇急着召他回去的原因,是要让他完成一件无人敢接的苦差——绘制西斯廷礼拜堂的天顶画。当米爷还是小米的时候,就具备了文艺大咖所有的人格特征:暴躁、张扬、敏感、自恋,又因常常出言不逊得罪了同时代的几乎每一个人。这次不定是哪个居心叵测的对头希望看他出丑,撺掇尤利乌斯二世:老米那家伙不是说他的手指经过上帝亲自点拨吗?教皇你叫他来绘这幅天顶画嘛,看是不是有如神助。再说你老人家现在且健旺着哩,急着修啥陵墓噻,不吉利的呀!不如把礼拜堂装饰得靓丽些,上帝一高兴,要什么没有! 这教皇本来就是个反复无常的粑耳朵,听得此话甚感贴心,立马停了恢宏的陵墓项目,命老米拿起画笔取悦上主。可是对米开朗基罗来说,堂堂纯爷们就该去对付石头才是呀,画画难道不是女人与平庸之辈如拉斐尔之流干的勾当吗?他满心怨恨,本待不作理会,又怕彻底惹恼教皇受到重罚,双鱼人格大爆发,纠结得死去活来。

 虽说已经多年没摸过画笔,但毕竟米爷最初学艺也是从绘画入手的。这幅收藏在乌菲兹美术馆的木板蛋彩画是米开朗基罗完成度最高的画作,甚至连画框也一并由他亲手设计。圣家庭三人组没有使用通俗的表现手法:身着希腊款长袍的圣母没戴头巾没蒙面纱,劳动人民般强健的身体扭成螺旋状,裸露的手臂肌肉发达。一辈子没见过异性人体的老米,把玛利亚画得像个胸部隆起的男人倒也罢了,为何把可怜的约瑟画得比玛利亚的祖父还苍老呢?小耶稣手抓着母亲的头发像是要抬腿越过她的肩,抑或是圣母要从那老人手中夺过儿子?这动作透着古怪。



 西斯廷礼拜堂本是罗马教皇在梵蒂冈的专用祷告室,作为一个宗教仪式举行地,尤利乌斯二世要求米开朗基罗的绘画工作不能干涉到他日常的例行弥撒。勉为其难的艺术家又一次表现出自己的设计才华。老米为这项繁复累人的浩大工程特制了一座拱桥般的半圆形脚手架,借用墙体和横梁的支撑保持稳定,既可保证自己在凌空而悬的木架上持续作画,又不妨碍教皇和信徒们在木架下的繁忙劳作。

 除了13岁时在故乡师从吉兰达约学过点表皮功夫,米爷对绘制湿壁画的经验十分欠缺,这离群索居的人儿只得放低姿态,从佛罗伦萨找了十多位助手帮忙调制灰泥配搭色粉;同时又写信给朋友,要求他们回想一些湿壁画的基本技法。当然,最要紧的是确定作品内容,绘制草图

 教皇心里想的本是新约的故事,他让米开朗基罗只管画好耶稣的12个门徒便是,竟忘了老米虽生性孤拐,作品却惯爱扎堆凑热闹,连栖惶的陵墓他都想放几十个雕像,这堪比足球场大的天顶岂是十几个人就能够的?构成穹窿的那无数几何方块与圆形嵌板难道不是要全部填满才完美吗?米爷决定违抗旨令,从旧约故事中寻找灵感。

湿壁画一旦启动便不能停下,绘制动作必须要敏捷且准确,以免灰泥在几小时内变硬,无法继续作画。跟油画不同,湿壁画绘制期间如有差错,唯一修正的方法就是把整片灰泥底敲掉,全部重新来过。此后几年,米开朗基罗就窝在这离地20米高的脚手架上,缺眠少休呕心沥血辛勤劳作,他手里虽在绘制天堂胜景,身体却在承受地狱酷刑。礼拜堂内除了侧墙高处有几扇半圆拱形窗户能透进点微光,照明只有靠蜡烛,昏暗的光线和长时间近距离仰视作画,导致他的视力受到不可逆转的伤害;阴冷潮湿的环境和前曲后弓的工作姿态,使他的骨骼和肌肉严重变形,落下陪伴终身的伤痛。

 这期间,他还要忍耐急性子的教皇许多无礼要求,比如“拆掉脚手架让寡人瞅瞅效果”,比如“加些金粉进去免得太过寒酸”。据说尤利乌斯二世常常不耐烦地追问:什么时候才能完成呀?米老怪便每每不耐烦地怼回:在我能够的时候。有一次教皇气得要用手杖去打他,心力交瘁的艺术家突然撒起娇来,爬下脚手架作势卷铺盖走人,教皇赶紧打发人送去500个金币,这见钱眼开的财迷才破啼为笑。这样的喜剧三天一跌宕五日一顿挫。难怪此后教皇的过世让老米百感交集万般寂寞,他不仅失去了意见最多的批评者,还失去了金币最多的赞助者。 

1508年,耗时4多的天顶画《创世纪》完工,它分为上帝造人、人间坠落、无谓牺牲三大部分,没有任何植物或动物,只有多达343位的人体。六年前我去西斯廷礼拜堂参观时,虽对米开朗基罗雕塑般的画风并不感冒,却也为那气势磅礴的戏剧性构思肃然起敬。一边做贼似的举起相机快速咔嚓,一边向朋友嘀咕:只要不开闪光,应该对画面没影响的。再说了,意大利那么多教堂湿壁画都可以随便拍,怎么到西斯廷就成违规了?还不是米老鼠害的,他名气大,画也跟着尊贵起来,拍个照就像占了多大便宜似的。朋友笑拍就拍吧,别冒充受害者哈



《创世纪》的高潮部分自然是上帝造亚当大家不难从这两位主角身上看出,米开朗基罗心里真正赞赏的只有完美的男性躯体。飞翔在空中的上帝手指即将触及到躺卧在陆地上的人类先祖,好像一个精力充沛的老人正在为自己刚刚发明的新科技接通电源。这一人类与上帝相并列的画面,那两根手指之间聪明的间隙,可谓米爷空前绝后的创意。



 湿壁画完成后米开朗基罗又拿起阔别多年的雕刻工具,启动荒废已久的皇陵工程。尤利乌斯二世虽已仙逝,但他毕竟与米开朗基罗脾性相投共处多年,老米可不想被斥为忘恩负义之人。他与尤利乌斯二世的后人签下新合同,计划在七年时间内完成此项工程,并承诺在此期间,不接受任何其它订单。从老米留下的草图和手稿中可见,他青年时代的万丈豪情,至今没湮灭半分。陵墓雕塑从上至下共分三层,头一层安放8位包括摩西和圣彼得在内的圣人雕像;次一层安放石棺,棺椁上方是尤利乌斯二世的雕像,棺椁两旁是40位诗人、哲人、文学家、音乐家、艺术家和天使;第三层是有各种浮雕装饰的基座和20根有奴隶雕像的圆柱。可以想像,如果这总计雕像68座的陵墓得以完工,那堆令人发指的白石人体,一定同西斯廷礼拜堂的天顶画一般,让所有患密集恐惧症的小朋友闻风丧胆。

     但新任教皇利奥十世是米开朗基罗旧主洛伦佐美第奇的儿子,老米怎么可能拒绝得了这位艺术发烧友的不时需求,又怎么做得到不放下手头工作去为现任主子效劳;加上尤利乌斯二世的后人手头金子有限,老米注定永远没有足够的时间和能力去完成这几十座塑像,甚至就连手头同时开凿的这几座也不能。

     这些被弃用的奴隶雕塑如今流落四方,其中五座存放在佛罗伦萨学院美术馆。兮福所倚,这些半成品反而让我们得以清晰地看到,几百年前的大师,是怎样让这些被禁锢在石头里的生命,一步步走出来的。 米开朗基罗不和绝大多数雕刻家一样先塑形再精雕,而是直接把人物从大理石的正面拎出来,除了准确无误的精湛技艺和对人体解剖的深刻理解,没有一丝一毫投机取巧之处。

 年轻奴隶的头还没从捆绑中挣脱出来,他用一只脚承受身体的大部分重量,肩膀和手臂被一种神秘之力拉扯着,仿佛是要举起整个世界。他那徒劳扭动的身躯和块块突起的肌肉,似乎正在酝酿从石头中蹦出来的惊人力量。这些未完成的雕像躬体力行地印证了米开朗基罗本人的名言:其实这些形体本就存在于石头之中,我只是把不需要的部分去掉而已。





  最终,来回折腾的陵墓工程还是半道搁浅。米开朗基罗断断续续花了九年时间,除了几尊不成型的奴隶,只有摩西是在没有接受其它任务的情况下安静完成的。十多年后,这毫无进展的工程让尤利乌斯二世的子孙很是崩溃,他们最后只好接受了一个比较靠谱的朴素方案,用《摩西像》做主墓雕,其余简化版的细枝末节由老米的学生去完成。

 两米半高的摩西像按老米原来的计划,应该放在四米高的基座上呈现三面观看的立体效果,现在直接放地上,倒是省了不少人力财力,可这尊几百年来习画之人必得素描的著名雕像,也只留下一个紧巴巴的正面位置供大家欣赏了。

 摩西是圣经中希伯来人的领袖,是能与上帝直接对话的先知,米开朗基罗抓住传统艺术中的本质意义,将这位红海为之开道荒漠为之流泉的半神,塑造成一位稳重自信的美髯公,头上的双角象征着超人的原始力量,青筋暴突的手和强壮的双膝结构均衡简洁,衣服的褶皱是为体现筋骨走向而存在。米爷对写实肖像极其厌恶,认为真实的美只存在于理想之中,他以抒情诗人般的悲悯,让摩西圆睁的双眼,流露出追忆往昔的怅然。



致使米开朗基罗无法完成尤利乌斯二世陵墓的主要原因是,利奥十世嘱他赶紧为佛罗伦萨的圣洛伦佐大教堂打造一个无与伦比的奢华立面。利奥十世是美第奇家族的第一位教皇,也是二十多年前与小米在维琪奥宫共度过花样年华的发小,出手自然相当大方。这个报酬高达四万金币的订单使老米摩拳擦掌,一定要让自己名垂千古的念想驱使他再次动身去了卡拉拉采石场。为监督工人找到几百块品质上好的大理石,并把这些洁白晶莹的宝贝安全运送出来,米开朗基罗和一帮石匠同吃同住了三年。

1520年,准备工作刚刚就序,喜欢恶作剧的命运之神再次伸出调戏之手,跟上次的陵墓计划一样,这个订单突然被终止,理由竟是:莫得钱了。 所以,我们现在看到的圣洛伦佐大教堂的外墙,是件仍然只有凹凸灰砖的半成品。不过我觉得这样也挺好,特立独行,意味深长。



屡遭遇釜底抽薪的老米气得差点没上吊,为安抚暴跳如雷的艺术家,教皇说好了别闹,你不如以逸待劳先为咱家设计一间图书馆吧。 

建筑设计虽不是米开朗基罗的专长,但这位事事逞强的爷向来遵从的都是越 没法玩越好玩,无非是兵来将挡水来土淹,啥事在他那里都不是事儿。他多少怀着点报复心,把室内墙面的装饰搞得像是把没机会完成的教堂外墙内置了,窗户间分隔的壁柱、走廊上的采光点、读经台的靠背椅,稳定和谐,简约精巧。





  接着,米开朗基罗又受托在圣洛伦佐教堂内为美第奇家族建造一座祭祀更衣室。这座几乎不带任何宗教元素的建筑于1524年完工,它的小圆顶以凹进的方块装饰呈漩涡形式,透着微光的小窗让四周的几何图案在神经质的热情中更加清晰,寓示死者的灵魂会穿越人性的迷宫,跟着神性的灵光再度复苏。米开朗基罗用纯白和深褐来体现浓浓的人文主义情怀,及淡淡的朝花夕拾伤感,以报答洛伦佐这位最早把自己从芸芸众生中挖掘出来的伯乐。 






 祭祀室的底下室安葬着洛伦佐家老少三代爷们,室内供奉着几组纪念碑式的雕塑,这是米开朗基罗创作盛期的最后作品。

在他埋头苦干的十几年中,各种重大事件相继发生。 1527年利奥十世教皇去世,美第奇家族在与共和体制抗衡的争斗中被驱逐,其政敌马基雅维利成为佛洛伦萨共和国的掌舵人。马基雅维利是米开朗基罗崇拜的政治偶像,他们曾一起见证文艺复兴华丽长袍里的蚤子,一起目睹传统的基督教道德沦为麻痹大众的欺人之谈,一起领悟鸿门宴背后的刀光剑影。现在,他们终于有了一个可以粉墨登场各抒己见的舞台,怎不心潮澎湃血流加速。谁知好日子才过了两年,利奥十世的堂弟又当选为克雷芒七世教皇,美第奇家族靠着朝廷军队杀回佛罗伦萨,独裁统治迅速恢复,新一轮大清洗又拉开帷幕。站错了队的老米以不变应万变,故技重施制造不在现场假象,躲到一个神秘地洞里呆了仨月,直到克莱芒七世再三保证他出来后性命无虞,才重出江湖继续工作。

面对动荡中的意大利现实社会和美第奇家族渐渐背离的初衷,艺术家早先的人文主义理想已然破灭,他知道艺术的黄金时代过去了,心里郁结着对大命运的伤感和小未来的担忧。他为美第奇家族最帅的男人、洛伦佐遇刺身亡的弟弟朱利亚诺,塑造了圣约瑟、圣母子、圣彼得。难掩愁绪的玛利亚费劲地翘膝支撑着埋头吃奶的儿子,丈夫和门徒都离她甚远,除却担忧,无能为力。






 

 他为洛伦佐的三儿子,利奥十世早逝的小弟,塑造了昼与夜。陵寝顶上坐着一位缩小版的大卫,学过石膏素描的朋友们一定觉得很亲切,这不就是我们都画过的“小卫”吗?原来他在这儿呆着哩。 





石棺上斜躺着的两尊雕像,身材优美的“夜”是沉睡的女性,她有气无力右手抱头,下垂的乳房像两个突兀的圆茄;枕下象征恶梦缠身的面具,是令她在梦中仍不得安宁的祸首;脚下代表黑暗的猫头鹰,意味着蚕食侵吞一切的时间黑洞。脱胎于古罗马河神形象的“昼”,是一个未完成的男性雕像,他好像刚刚从睡梦中被惊醒,左手在背后支撑着身体,双眼圆睁,不知世界在他睡着的时候发生了什么。





 他为利奥十世的侄子乌尔比诺公爵选择了晨和暮。“暮”被表现为成熟男人,他松驰的肌肉无力下垂,沧桑的面孔沉浸在平静的自省中,又或者是中年危机的懵圈中。被塑造成从昏睡中挣扎着苏醒的女汉子,她的身体一如既往的健美,富有弹性的肌肉蕴含着无限生机。

 四组雕塑用同一天的四个时间,昼、夜、晨、暮来命名,既代表光阴流逝的无奈,也代表生死无情的宿命。这些雕像极不稳定,辗转反侧忧心忡忡,仿佛集体染上创作者的选择综合症,那种不安、紧张、苦闷、屈从,正是当时老米迷茫内心的真正反射。有他回复友人的诗句为证:睡眠是甜蜜的,成了顽石便是幸福,只要世上还有羞耻与罪恶存在,不见不闻,无知无觉,便是我最大的愿望。不要来惊醒我,啊!叫得轻些吧。





 1532年,雕塑尚未安装完成,米开朗基罗却留下一堆烂摊子离开佛罗伦萨,追随一位年轻贵族去了罗马。样貌平平的老米对来自英俊男子的诱惑完全没有免疫力,这冷心硬肠的人一旦坠入情网,便魂不附体寝食难安活像得了不治之症。他为心上人写的一封又一封情书,一首又一首十四行诗,被意国人当成求爱范本,传颂至今。 

那是他漫长人生中唯一一抹柔情蜜意的桃红。



 1534年,克雷芒七世驾崩,基督新教横扫欧洲各地,罗马被法国人入侵,民众遭蹂躏,珍宝被掠夺,城市一片狼藉,天主教会面临前所未有的考验。新任教皇保罗三世决定重造罗马辉煌,让这古城绽放出全新的风采,他要在天主教的重心西斯廷礼拜堂绘制一幅前所未有的祭坛画。

也许是为了与天顶画无缝接连,也许是教皇也爱肌肉男,总之他不管年过六旬的米老怪吃不吃得消,只管迫人家放下凿刀重拾画笔,理由是“做事要有始有终,天顶都画了,再画个墙壁也不算什么嘛。”

 1537年,在西斯廷礼拜堂的天顶壁画完工24年后,米开朗基罗又受命于保罗三世,为西斯廷礼拜堂绘制巨型祭坛画。他知道要比创世纪场面大,就只有《最后的审判》了,所以在绘制草图时,不断从《圣经》和《神曲》中汲取灵感,将画面分成四个阶层,上层是天使,中间是基督,下层是等待裁决的凡人,底层是地狱。经过天顶画的折磨,他深知湿壁画的难度非同一般,为免人们从下方仰视时巨幅画面比例失真,刻意将最上面的人画得大些,底部的人物画得小些,以适应自下而上的观赏效果。

四百多个取材于历史与现实的著名人物与真人等高,他们全身一丝不挂站满礼拜堂后方的整面墙壁。米老怪把一位红衣主教整进地狱受蛇怪嘶咬,因那主教认为这些身无遮挡的人体在教皇举办特别仪式时,会刺激到大家脆弱的小心脏,建议老米还是给他们穿条裤衩什么的。米老怪讨厌任何人对自己的作品指手画脚,他说:都末日审判了,谁还顾得上穿衣裳呢? 话虽如此,这里毕竟是教宗的私人办公地界,保罗三世死后,新任教皇还是着人为这些圣徒的敏感部位添了点彩妆。






      已经71岁的米开朗基罗被教皇委与的最后一个重任是设计圣彼得大教堂。好大喜功的老米不负众望,他以对上帝、圣母、和圣彼得的爱的名义,设计了一个硕大无朋的双重构造拱顶,并借用力学原理,使这个外暗内明的半圆在几条拱肋和圆箍的支撑下向外延展,再用许多拱壁和位于拱肋下方的圆柱分散压力。

     不知道既非数学家又非物理学家的米老怪是用什么方法计算出那些让人头痛的数据的,总之,这个将古典与创新揉和在一起的匪夷所思的作品,在他死后三十年才得以完成,如今就妥妥地耸立在梵蒂冈的中轴线上,风吹不倒,雷打不动。






     米开朗基罗认为艺术作品是天上才有的圣物,圣物得由圣人之手打造出来,而圣人之手必是受上帝钦点过的。他自信自己死后会踏入神界,因为他是上帝的雕刻家,上帝的画家,上帝的建筑师。迟暮之年的老米为保证自己在凡尘留下的痕迹都成为传奇,不遗余力地毁掉了所有觉得不够完美的绘画、诗文,甚至雕塑。 

           感觉那个年代的作家、画家、包括教皇,都很短命,唯独雕刻家长寿,贝尔尼尼如此,米开朗基罗亦是。是因后者一直从事高强度的体力劳动吗?还是如米老怪所言,情深者不寿,健康的秘诀就是抗拒肉体需求?

     1564年,米开朗基罗以89岁高龄在罗马去世,落幕甚为喜性:爱秀的佛罗伦萨人竟然从罗马盗走了米老怪的遗体。家乡父老的意图很明确,要不了活的,死的也将就。他们把这个三十年都不肯重踏故乡半步的艺术家强行绑了回去,葬在佛罗伦萨的圣十字大教堂内。



     米开朗基罗的弟子瓦萨利为他设计了一座大型棺墓,棺椁周围的三座雕塑分别代表死者在绘画、雕塑、和建筑领域里的卓越成就。 

     墓志铭是死者自书的轻狂诗句:众人皆逝,唯我新生。



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